Archives > Mars 2007

On ne présente plus le label Traum Schallplatten, maison du vénéré - et vénérable - Richard Riley Reinhold aka Triple R et Trapez, sa sous-division minimale. Journaliste, DJ, producteur, Reinhold est une figure incontournable de la scène allemande basée à Cologne. Son label compte des artistes tels que Dominik Eulberg, Fairmont, Philippe Cam, Gustavo Lamas, et dernièrement les petits Français de Nôze. Annuellement, un peu à la manière de l'autre label de Cologne, Kompakt, Triple R nous offre sa petite sélection personnelle. En gros Trapez 1, 2, 3, puis 4 et 5 (original !) c'est le meilleur de Traum, mixé par le boss himself. Moins pop que Kompakt, mais animé d'un même esprit jusque-boutiste quand il s'agit d'explorer toutes les facettes d'un groove hypnotique à souhait, souvent très deeeep et plutôt dubby. Pour Trapez Selection 5, sa dernière playlist, Riley Reinhold semble avoir opté pour une approche un poil plus funky, comme l'atteste la présence des rigolos de Nôze. Beaucoup d'inconnus tout de même, du moins pour le novice qui n'achète pas les maxis vinyls de Trapez, mais on retrouve également des têtes connues comme SLG, 3 Channels, ainsi que des remixes signés Gabriel Ananda, Dominik Eulberg, Audio Werner et Oliver Hacke. L'intérêt du volume, hormis le fait de présenter un panorama du label, tient à la capacité de Triple R à choisir des morceaux permettant une écoute optimale en soirée, comme sur canapé. 

Plus énergique, le double Trallafitti de Tobias Becker permet de découvrir un nouveau venu dans le domaine de la techno minimale allemande : Platzhirsch, le label au cerf bramant. Connu pour ses soirées exigeantes en matière de techno, Tobias Becker est également un proche de Traum Schallplaten avec qui il partage des attaches fortes (il collabore par exemple avec Gabriel Ananda également signé sur Traum). DJ reconnu outre-rhin, Becker mixe régulièrement avec Ricardo Villalobos, Steve Bug ou André Galluzi. Le volume 1 de cette compilation aligne une sélection impeccable qui donne une bonne idée de l'ambiance  des soirées Platzhirsch : Audion, Akufen, The Mole, Styro 2000, Funk D'Void, Marco Carola, bref du son pointu comme on en entend de moins en moins souvent. Encore plus étonnant, le deuxième CD présente un mix des meilleures productions de son label. Ultra-énergique, électro tout en restant funky (et freaky), on est immédiatement séduit par ses poulains, Rocco Branco, Jason Emley et bien sûr Ananda. Ah évidemment, il ne faut pas être allergique aux moustaches, ni aux cerfs ! A découvrir quand-même.

Triple R - Trapez Selection 5 (Traum Schallplatten/Nocturne, février 2007)
Tobias Becker - Trallafitti (Platzhirsch/Nocturne, janvier 2007)

Maintenant on peut avoir le look du chanteur de Grandaddy et être rappeur. Merci à Dand Le Sac vs Scroobius Pip pour ce message d'espoir à tous les barbus porteurs de chemise de bucherons...tenez bon ! Malgré son débit à la Streets on arrive quand même à voir que ce garçon a la parole humoristique : "Thou shalt not worship pop idols or follow lost prophets", "Thall shalt not stop liking a band just because they’ve become popular", "Thou shalt not read NME". Le reste des paroles : ici

Au milieu des années 90 l'un des principaux courants esthétiques qui traversait la musique dite "alternative" était celui du "faire petit". Pas nécessairement minimaliste ni exclusivement lo-fi, pas non plus mignonne comme la pop anorak, la "petite musique" était en quelque sorte une réaction au gros son du grunge et tenait ses champions indéfectibles en Mark Linkous de Sparklehorse et Mark Olivier Everett de Eels. Presque par définition, ce courant ne fut jamais très solide et ne résista pas quand il fut poussé dans l'escalier par les sorties consécutives d'OK Computer de Radiohead, Deserter's Songs de Mercury Rev et The Soft Bulletin des Flaming Lips, qui ont définit une nouvelle façon de voir grand pour les années à venir.

Et hop' voilà. "Little Music" : j'ai créé un mouvement de toutes pièces un "mouvement" juste parce qu'il me sera utile pour chroniquer le disque de The Go Find. Quelque part l'inconscient collectif prend des notes et prépare un dossier "We never made it big, the Story of Small Pop ine the nineties". Un ange a perdu ses ailes. Ecrire l'histoire de la musique, c'est largement autant une affaire de créativité que de documentation.

Les Belges de The Go Find, donc, font dans la "petite musique", mais il la font en bonne partie avec des machines. A l'origine, The Go Find n'est qu'un seul homme (c'est toujours comme ça dans la petite musique) qui las de jouer tout seul avec ses machines dans sa chambre s'est entouré d'un vrai groupe live pour son second album The Stars On The Wall. Il y a aussi quelque chose de Saint Etienne et aussi de toute la tradition sunshine-pop scandinave, mais l'ambiance ici est plutôt à l'introspection. Un disque à se mettre le dimanche matin, après s'être écouté le dernier Junior Boys la veille en rentrant de boîte.

Fuckhead est un fameux groupe art-rock et new wave autrichien digne héritier du mouvement des actionnistes viennois d'Otto Mühl, Günter Brus et Adolf Frohner. L'actionnisme c'est quoi ? C'est important car cela définit toute l'action de Fuckhead. L'actionnisme est un mouvement artistique radical, provocateur et violent, visant à outrepasser par tous les moyens toutes limites entre spectateurs et acteurs (artistes), mais aussi toutes notions de décence, de tabous, d'interdits et de normes. L'actionnisme s'exprimait généralement dans des performances d'artistes en situation, provoquant le public et poussant à l'extrême ses réactions face à la pathologie des scènes représentées (scatophilie, jeux uro, mutilations, hurlements, combats, etc.) puis plus tard par la peinture, la vidéo et la musique.

C'est évidement cette branche qui intéresse particulièrement Fuckhead. Crée en 1988, le groupe s'oriente tout d'abord vers un rock froid très proche des expériences de Cabaret Voltaire, c'est le premier Ep sobrement (sic) intitulé Fuckhead. Rapidement, le groupe trouve sa voix sur scène. Improvisant autour de sons violemment industriels, Didi Bruckmayr, Siegmar Aigner, Michael Strohmann et Dieter Kern, tous à moitié nus et couverts de tatouages, scarifications, gants en latex, couches pleines d'excréments, explorent le monde des tabous, de l'attentisme et des normes, combattent le contrôle inhérent à nos sociétés, se frottent à la passivité du public et à ses peurs. Fuckhead c'est le théatre de la cruauté version punk hardcore, le body art hystérique, l'electrocution mentale garantie. Une expérience sado-masochiste, souvent douloureuse mais parfois salvatrice.

Le DVD Lebensfrishsche présente près de 20 ans de performances, d'images et de sons de Fuckhead. Appliquée au monde des technologies numériques, l'idéologie Fuckhead tente de retransmettre leur art de l'extrême à travers le multimédia et la vidéo. Il faut savoir que depuis 1998, les performances du groupes sont souvent accompagnées de projections. Opéras rock extrêmes, jeux sur les voix masculines tantôt caressantes, tantôt hurlantes, noise music et vidéos ultra-saturées, animations mutantes et difformes en 3D, mais aussi conférences, interviews, retransmissions de live rares, slide shows accompagnés de la discographie complète du groupe en écoute, Lebensfrishsche n'est pas uniquement une expérience insoutenable. C'est une expérience tout court. Un electrochoc qui nous sort temporairement de l'état de stupeur béate dans laquelle la plupart du temps, nous vivons nos vie. Heureusement, il suffit d'éteindre sa télé pour revenir à la "normalité". Enfin normalement. Et comme ce ne sont que des mots, un petit tour sur le profil myspace de ces joyeux dingues vous permettra sans doute de vous faire une idée plus juste de leur art, photos, vidéos et sons. Beware, fuckhead inside !

Fuckhead - Lebensfrishsche (Mosz/La Baleine)

Si l'internet est un bon indicateur, le développement de la robotique grand public dans les années à venir devrait servir d'abord de substitut au sexe puis à tous les autres rapports humains. Pour permettre ça il faudra faire plus que transformer les real-dolls en animatronics, il faudra développer les capacités d'interaction "humaine" des robots. D'après certains psychologues, ça veut dire entre autre comprendre et reproduire les rythmes dans les gestes et la voix de vôtre interlocuteur. C'est là qu'intervient la musique.

Ce petit truc jaune que vous voyez là haut est un robot équipé d'un logiciel de reconnaissance rythmique, d'un micro et de deux caméras. Sur cette vidéo on le voit réagir aux gestes et aux sons qui l'entourent et sur celle ci on le voit danser sur "I Turn My Camera On" de Spoon. Il danse beaucoup mieux l'humain que je ne danse le robot. Il s'appelle Keepon et vous pouvez en apprendre un peu plus sur lui en attendant qu'une version grand public finisse par arriver sur les enceintes de tout geek qui se respecte. Et si quelqu'un pouvait adapter la technologie pour le Jackobot...

Surtout "en travers", vu la puissance scénique des premiers et l'enthousiasme généré par les seconds au cours de leur concert toulousain du 24. Pour fêter la mise en ligne de notre dossier Son(g)s of New York, la rédaction de Flu' est heureuse de vous offrir ces deux clips symptomatiques de ce qui fait le son de la big apple : d'un côté la folie et l'énergie de Nic Offer et sa bande de !!! sur l'envoutant hymne vaudou "Heart of Hearts", de l'autre, la langueur d'un James Murphy "lendemain de cuite" sur "New York I Love You, but You're Bringing Me Down" (un futur classique ?!), plus que jamais leader de LCD Soundsystem et symbole du décloisonnement jouissif et massif de la musique, en ce début de 21ième siècle. Enjoy !

Pour changer, voici une initiative législative qui pourrait être une très bonne nouvelle pour les amateurs de musique. La revente au marché noir de billets à prix gonflé est un problème partout, notamment à New York. La loi qui autorise là-bas la revente jusqu'à 45% plus cher que le prix officiel n'est respectée que quand les revendeurs ne peuvent pas faire mieux. Le gouverneur de l'Etat de New York, Eliot Spitzer est déjà fort sympathique vu d'ici, puisqu'en tant que procureur il avait obtenu des majors le paiement de cinquante millions de dollars de royalties jamais versées aux musiciens et la fin du système "payola" (les maisons de disques qui achetaient des passages radio) qui a aboutit à l'accès des indépendants aux ondes américaines. Spitzer propose maintenant de régler le problème de la revente de billets en l'institutionalisant.

Son idée est de faire sauter la limite à 45% et de délivrer des licences de revendeur agréés par l'Etat. La concurrence accrue et la plus grande lisibilité du marché feraient baisser les prix et empêcheraient les arnaques aux faux billets. Sur le papier ça semble plutôt sensé, et les USA ont une longue et glorieuse tradition d'institutionalisation des délits impossibles à interdire (cf. rubriques "prohibition" et "Las Vegas"). Si ça marche, j'espère bien que la pratique s'étendra jusque chez nous, parce que j'ai toujours le souvenir de cette fausse place pour le concert de John Lennon à la salle des fêtes de Bondy en 1998 et des cinq-cent francs qu'elle m'avait coûté, qui me reste en travers de la gorge.

Imaginez un instant Boards of Canada ou Seefeel essayant de vous faire danser. Ou imaginez plutôt Nathan Fake et James Holden, les deux gourous psychédéliques de la nouvelle techno progressive anglaise, un peu moins portés sur les rythmes 4x4 et un peu plus sur les ambiances bucoliques, planantes et fugitives. Imaginez encore un groupe pop qui aurait lancé ses machines et serait sorti du studio pour aller faire un tour à la campagne, laissant le bazar tourner tout seul. Vous visualisez ? Ou plutôt, vous entendez ? Alors vous avez une idée assez juste de la musique produite par Dextro, aka Ewan MacKenzie.

Avec Dextro, l'écossais récemment compagnon de label d'Holden et Fake (Border Community), développe un univers tout sauf enfantin, et loin d'être sans conséquence comme le laisse deviner son titre. Un paysage sonore nourri de réminiscences pop shoegazer et new wave (Cocteau Twins n'est jamais loin), qu'on imagine au contraire extrêmement complexe malgré l'aspect faussement inoffensif de ses gimmicks. Il faut de la dextérité pour polir de telles mélodies tourbillonnantes hantées de claviers, de guitares échappées, de choeurs fantômes et de cuivres subliminaux. Alors bien sûr, dès "Bladder Wrack", dès ses longues nappes lyriques d'une fluidité toute organique, tout porte à croire que l'on a affaire à un nouveau clone des autres fameux écossais electronica, et puis arrive le rythme, tout sauf régulier et pourtant volontaire. Pas techno, pas rock. Un peu des deux. C'est particulièrement vrai sur "Atman" ou "El Viento". Jamais les tics shoegazer de Ride, Slowdive et consort, ne se sont aussi bien mariés avec l'electro. Ou plutôt si, mais à l'époque lointaine de Seefeel dont nous parlions il y a peu. Et même sur les synthétiques "Destroy The Future Of All Mankind" et "Calcutec", MacKenzie a beau frayer avec une simili-rigueur technoïde pour casio, il reste toujours au bord. Il n'entre jamais de plein pied dans la danse. Ou alors il y bascule par erreur, la tête en arrière, les bras en croix. Et c'est véritablement magnifique !

Alors dans ces conditions, au diable rock, pop, electro, techno ! Oui, mais comment pourrions-nous appeler ça ? Post-techno ? Electro-post-rock ? Il faudrait inventer (ou pas) une "appellation d'origine incontrôlable" pour parler de ces plages étonnamment planantes, faussement enjouées, véritablement enchantées. Une musique "évanouie" ? Un très bel album en tout cas, dont on souhaite qu'il sache trouver son chemin chez certains et qui annonce avec bonheur le From Here We Go To Sublime de The Field (chez Kompakt) dont je vous parlerai bientôt. Un petit tour par le profil myspace d'Ewan MacKenzie s'avère ici nécessaire, pour apprécier toute la virtuosité du bonhomme. Il y propose également une très belle vidéo de son travail.

Dextro - Consequence Music (Grönland/Differ-ant)

"A l'arache production" et "La dale studio" riii-présentent :

Laissez passer la première minute un peu relou, la suite est aux petits oignons. Des oignons et des cognes, dans les pas du grand MC Georges B. :

"Au marché de Briv'-la-Gaillarde
A propos de bottes d'oignons
Quelques douzaines de gaillardes
Se crêpaient un jour le chignon
A pied, à cheval, en voiture
Les gendarmes mal inspirés
Vinrent pour tenter l'aventure
D'interrompre l'échauffourée

Or, sous tous les cieux sans vergogne
C'est un usag' bien établi
Dès qu'il s'agit d'rosser les cognes
Tout le monde se réconcilie
Ces furies perdant tout' mesure
Se ruèrent sur les guignols
Et donnèrent je vous l'assure
Un spectacle assez croquignol (...)"

Comme dirait Georges, spéciale kassdédi à Easy et aux lascars du un neuf.

Le retour de Michael Jackson serait-il finalement une bonne nouvelle ? On avait de gros doutes à l'annonce de sa collaboration avec Will I Am des Black Eyed Peas (alors qu'il pourrait avoir Timbaland, les Neptunes ou n'importe qui d'autre, même Phil Spector). Et puis faire des concerts à Las Vegas, c'est bon pour Céline Dion ou Johnny Hallyday, pas pour un artiste vivant qui veut aller à la rencontre du public

Mais Jacko a des plans pour faire de son passage à Vegas autre chose que l'admission de son statut de ringard : il devrait faire construire dans le désert un robot-Michael de 15 mètres de haut équipé de rayons lasers qu'on pourrait voir depuis l'espace. Non seulement ça, mais la scène du concert ressemblerait à "un jeu vidéo géant que le public pourrait utiliser pour contrôler des cyborgs-humains". Je ne sais pas trop ce que ça veut dire mais je suis tout à fait pour. Je sens que certains d'entre vous ne me prennent pas au sérieux, mais je suis sûr que si c'était les Flaming Lips qui avaient annoncé le même plan, tout le monde piafferait d'impatience. A la place ils se contentent d'une comédie musicale "Yoshimi Versus The Pink Robots" sur Broadway où les robots roses ne seront, j'en suis sûr, même pas géants. Le JackoBot lui devrait selon toute probabilité se révolter et détruire la ville du péché. Ca va être super !

Depuis la retraite officieuse de RJD2, passé dans le camp des indie rockeurs, El-P est, de fait, devenu le gardien du temple hip-hop. Le moins que l'on puisse dire est qu'avec son album I'll Sleep When You're Dead, il tient bien la boutique. Album communautaire qui accueille les contributions de presque toute la Definitive Jux Community, sa tribu originelle, mais aussi de quelques célébrités transgenres comme Catpower, sublime sur un titre, The Mars Volta ou même Nine Inch Nails, ce I'll Sleep... est une vraie bombe d'intelligent hip-hop, où El-P alterne les titres explosifs et incisifs ("Up All Night" et sa basse funky) et les ambiances mélancoliques et plombées ("Dear Sirs"). Ce qui frappe ici, c'est la maestria avec laquelle El-P mélange les genres (le funk toujours sur l'excellent "No Kings", le rock choral sur "Flyentology", le rap hardcore, le trip-hop, le free-jazz, l'instrumental...) tout en offrant une unité sonore extraordinaire et un sentiment de cohésion créative. Le travail de production est bluffant et dépasse encore en évidence le flow d'un MC réellement métamorphosé ici, depuis sa dernière apparition. El-P qui passait jusqu'ici pour un "producteur ne rappant pas comme un dieu" nous sert des lyrics ciselés sur un ton assuré et percutant dont on apprécie quelques extraits comme "I'm not a depressed man. I'm just a f*** New Yorker" ou "I could have been born tonight, but i woke up too late" ou encore le bien senti et autodépréciatif "You think I'm a genius / I know I'm a whore ... I will pull your hair back / Fuck you on the floor / Pour myself into the act / Pour myself, ooh, I'm bad". Chaque titre apparaît pensé, écrit et composé pour produire exactement l'effet qu'il... produit à l'écoute. "Stepfather Factory" est le meilleur titre hip-hop que j'ai entendu depuis 3 ou 4 ans, une succession de beats lourds et chauds comme le plomb. Sur le subtil "Habeas Corpses", El-P imagine qu'il est gardien dans une sorte de prison intergalactique et chargé de massacrer tout le monde. Amoureux d'une prisonnière identifiée seulement par son matricule, il chante ses états d'âme avant la grande tuerie. Ce morceau plein d'invention et romanesque est à l'image du disque entier : inventif à l'extrême mais bâti sur une structure classique qui lui donne une assise et une force incroyables. Du coup, après le Fantastic Damage de 2002 et le travail avec Company Flow, ce LP est une réussite totale, exigeant, incandescent et à la hauteur des chefs d'oeuvre du genre.

www.myspace.com/elproducto

El-P - I'll Sleep When You're Dead (Definitive Jux, mars 2007)

Etant donné que j'arrive un peu après la bataille (qui, de toute façon a aujourd'hui lieu au moment du "leak", pas de la sortie des disques) vous savez sûrement tous déjà que The Weirdness, le nouvel album des Stooges, est une belle, grosse, véritable merde. Appeller ça une bataille n'est pas très juste tant la critique semble unanime. Peut-être aurais-je du chercher du côté de Rock'n'Folk remarquez, mais je veux croire que même eux, qui ont tout de même encensé le Beat'em Up d'Iggy ne peuvent avoir été assez sourds pour ignorer la catastrophe. Selon Métacritic, le disque est le moins aimé de l'année, et le classement des critiques se lit comme un classement du sérieux et/ou de l'indépencdance de la presse rock anglophone.

Quand les Stooges se sont reformés, ça aurait pu être la plus mauvaise idée depuis la reformation des Doors. Pourtant au soulagement général ils furent bon, très bons même. Il faut dire qu'Iggy est un showman accompli, tout à fait capable de se remettre dans la peau du jeune homme qu'il était le temps d'un concert, et les frères Asheton avaient l'air d'avoir attendu ça toute leur vie. Les foules en délire et leur répértoire inattaquable aidaient sans doute aussi. Deux choses qu'ils n'ont pas en studio.

Les nouveaux morceaux ne sont pas géniaux, certes, mais ce qui les plombe vraiment, c'est l'interprétation. Le groupe avait à l'époque de Fun House quelque chose qu'on n'entend pratiquement plus dans le rock depuis longtemps : le groove. Que ce soit la faute au métal ou à la new wave, les rythmes du rock sont aujourd'hui martiaux et les Stooges semblent avoir voulu se mettre au goût du jour et quand le pauvre saxophoniste Steve MacKay intervient il est bien en peine d'apporter sa folie sur une base aussi sèche. Ou peut-être est-ce la faute d'Iggy, qui se vante partout d'avoir du expliquer à Mike Watt qu'il lui fallait trouver sa "stupidité intérieure" pour pouvoir jouer au stooge. Aurait-il fini par croire les critiques de l'époque ? Les Stooges n'étaient pas stupides, ils étaient simples (et encore, parfois seulement en apparence).

C'est peut-être aussi pour ça qu'Iggy chante si mal alors qu'il était plutôt en forme sur ses derniers disques : il se croit capable de redevenir cette créature primitive qui chantait "TV Eye" au lieu de plus prudemment tenter de l'interpréter. Ca nous donne des paroles réellement stupides comme "England and France, these cultures are old/The cheese is stinky and the beer isn't cold". Il est aussi beaucoup trop volubile. Alors qu'à l'époque il se donnait pour règle de ne pas utiliser plus d'une quinzaine de mots différents par morceau pour ne garder que l'essentiel, il semble maintenant ne plus pouvoir se taire.

Se peut-il qu'Iggy n'ait jamais compris les Stooges ? A leur première reformation, pour Raw Power, il avait forcé Ron Asheton à se mettre à la basse pour laisser la place au guitariste James Williamson, meilleur techniquement mais beaucoup moins bon dans le contexte de ce groupe. Il avait en fait envie de se débarasser des deux frangins mais n'avait trouvé personne d'autre. Personne ne doute du génie d'Iggy, mais il n'a finalement presque jamais réussi à l'exprimer seul. Personne ne doute, sauf peut-être lui même. Et peut-être que c'est pour ça qu'il est amer. Et peut-être que c'est pour ça que The Weirdness est si mauvais.

Ceux qui trouvent le dernier album d'Arcade Fire trop pompier à leur goût seront bien inspirés de prêter une oreille attentive à ce Wolves des Ecossais de My Latest Novel. Présentés très hâtivement comme les petits-enfants de Mogwai, nationalité aidant, My Latest Novel produit plutôt avec cet album un audacieux croisement entre Arcade Fire (pour les arrangements et les voix étonnantes à base de chant pop, de choeurs et de sussurements), Dakota Suite ou Low (pour la capacité à tisser de longues plages instrumentales à dominante mélancolique) et très accessoirement le postrock bruitiste, option Tortoise 1er âge, pour les quelques éclairs électriques qui transpercent, plus qu'ils ne traversent les morceaux. Les chansons s'appuient ici sur des progressions à pas comptés, plus timides et laborieuses que dirigées vers une finalité explosive. Les guitares sont remplacées par un violon fou et les nappes mélodiques appliquées savamment et sans volonté ostentatoire. Les voix comptent presque pour du beurre ou du moins guère plus que les instruments, renforçant l'impression qu'on parcourt avec le groupe un petit bout de chemin dans une lande cafardeuse où les loups se cachent pour mourir. Le dernier titre baptisé "The Reputation Of Ross Francis" est un parfait témoignage du savoir-faire d'un groupe discret et appliqué, suffisamment inspiré pour imposer une post-pop sophistiquée, mélodique et envoûtante, mais pas assez solide pour éviter les écueils gnagnan à la Belle And Sebastian. A cet égard, on préfère de loin la majesté de titres comme "Learning Lego", adossé à un crescendo émouvant, ou "Ghost In The Gutter", où l'irruption soudaine d'une section rythmique crée la surprise, à des démonstrations savantes telles que "When We Were Wolves" ou "The Hope Edition" qui évoquent un métissage hasardeux entre le mielleux Andrew Bird et le Divine Comedy des mauvaises années.

Sans être l'album du siècle, ni même l'album de l'année, Wolves est l'une des bonnes surprises de ce premier trimestre, un premier album qui place le quintet de Glasgow parmi les têtes chercheuses d'un mouvement qui mêle la pop, les instrumentations classiques (option musiques baltes) et la quête de liberté formelle. Dans le même genre, diront les sceptiques, et en voisins de palier, les méconnus Delgados, anciens compagnons de label d'Arab Strap, ont déjà fait mieux et plus intéressant il y a dix ans. Mais cela ne suffit pas à gâcher le plaisir de la découverte.

Le site de My Latest Novel

http://www.myspace.com/mylatestnovel

En musique, l'image de l'artiste, son aspect physique, son corps, ont longtemps été primordiaux. Du moins, tant que la performance scénique était au centre de la représentation musicale. L'arrivée des nouvelles technologies numériques aurait pu laisser penser que tout allait changer, or il n'en est rien. Au contraire, les artistes contemporains incitent à l'hybridation du corps et de la musique elle-même. Certains se transforment même en instrument. Grâce aux technologies numériques, corps et musique ne font plus qu'un. C'est le cas d'Atau Tanaka et Suguru Goto. Performer et artiste multimédia, le premier est le fondateur (entre autre) de Sensorband, un groupe noise électronique où les musiciens sanglés avec des capteurs de mouvement, créent des vagues sonores puissantes et agressives. Le second, évolue au sein de l'Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique (IRCAM) et travaille sur un projet d'orchestre liant ordinateur et interprète par le biais d'interfaces humaines et robotiques.

En France, l'IRCAM est à la pointe en ce qui concerne ces technologies. Le célèbre institut va même jusqu'à commercialiser son capteur et senseur sonore, l'Eobody, une interface composée de capteurs attachés sur l'interprète et reliés à un ordinateur. Ce système, destiné aux artistes ou au public, est censé faciliter le contrôle gestuel et permet de créer des environnements sonores interactifs. La Française Cécile Babiole a également collaboré avec Atau Tanaka sur Sensor Sonic Sight. Accompagné de Laurent Daillau, ils (le trio) proposent un environnement sonore et visuel, basé sur la gestuelle des artistes. Bardés de capteurs, les intervenants manipulent son et vidéo en temps réel. Comme dans ses précédentes performances, il s'agit pour le Japonais d'insister sur l'intégration des outils numériques et du corps. Une préoccupation digne de la science-fiction, qui intéresse également le chorégraphe et danseur Franck II Louise. Depuis la création de son work in progress, Konnecting Soul : 1st Konnexion, spectacle pour trois danseurs où le corps des exécutants produit les sons sur lesquels ils dansent, le domaine de la danse est particulièrement en phase avec cette thématique. On le voit, l'idée de fusion homme-machine habite plus que jamais le monde de l'art. Pourtant, loin de réduire l'humain au rang de faire valoir, les machines ont plus que jamais besoin de leur créateur pour nous émouvoir.

Quelques liens :
Fabriquant et distributeurs de capteurs gestuels
Site d'Atau Tanaka (Sensor Band)
Collaboration entre Tanaka et Cécile Babiole
Site proposant des vidéos live de Franck II Louise

Armchair Apocrypha part avec un sérieux handicap, celui d’être le successeur de l’irréprochable The Mysterious Production Of Eggs. Ce 10e album, c’est un peu le petit dernier d’une famille qui doit faire ses preuves et surpasser l’aîné, qui lui, a tout réussi. Alors le nouvel album d’Andrew Bird sonne indubitablement comme celui sorti en 2005. Moins percutant que son prédécesseur, Armchair Apocrypha ne cesse pourtant de fasciner. On parvient que très facilement à trouver une vertu à chacun des titres : un cisaillement délicat dans l’introduction de "Plasticities", un violon fougueux sur "Herectics".... Armchair Apocrypha impressionne et façonne un espace que seul Bird est capable d’imaginer. Un ciel nocturne, des apparitions sonores, une ménagerie à l’intérieur de laquelle Andrew Bird, l’homme-orchestre, dresse ses instruments. Avec sa silhouette dégingandée, son violon comme fidèle serviteur, Andrew Bird a quelque chose du personnage d’une nouvelle de Roald Dahl. Il a travaillé la plupart des titres de Armchair Apocrypha, seul, en enregistrant des sons dans sa grange de l’Illinois. Alors il n'y a qu'un pas pour rêver de Monsieur Oiseau, un filet à papillons à la main entrain de capturer ces sons d’oiseaux à la volée (sur l’intro de "Spare-Ohs"). Discret et talentueux, on le visualise aussi dans son studio-grenier poussiéreux, entouré d’inventions bizarres : un violon animé, un xylophone-luciole… Les cheveux en pétard, le dos voûté sur son établi, Bird insuffle la vie à ses compositions, à ses créatures musicales. Le disque flotte dans l’entre-deux, coincé entre la pop lumineuse de "Heretics" et la tension dramatique des 60 secondes de "The Supine". A défaut de pouvoir l’écouter dans la campagne illinoise, Armchair Apocrypha s’impose comme la bande-son idéale des nuits d’été...

Andrew Bird - Armchair Apocrypha (Fargo, mars 2007)

Je ne lis pas suffisamment la presse économique, puisque je viens seulement de découvrir cet article sur Bloomberg.com qui examine l'empire financier de U2 à la lueur du statut de Bono. Sans parler de musique (qui en parle encore ?) ou de l'approche parfois douteuse de Bono. L'article met à jour un certain nombre de contradictions, comme le fait qu'une des nombreuses compagnies lui appartenant développe des jeux vidéos pas très peace and love comme "Destroy All Humans" et "Mercenaries 2", un jeu où l'on massacre du Vénézuélien.

On nous explique aussi que bien qu'on ignore complètement le montant des donations faites par Bono, il est bien plus important pour les organisations qu'il les supporte comme porte parole voire homme sandwich, ce dont on se doutait bien. Dans la campagne des produits "RED" qui (ce que l'auteur de cet article semble ignorer) perd beaucoup d'argent, il n'a jamais rien investi d'autre que son temps et son image.

Rien de bien méchant que tout ça. L'odeur de souffre, c'est au niveau fiscal qu'il faut la chercher : les comptes compagnies dont Bono et The Edge sont propriétaires ainsi que ceux du "trust" U2 ne sont pas publics et, apparemment, les deux musiciens font tout pour payer le moins d'impôt possible. Dans les années 90, des "directeurs" étaient payés par U2 pour vivre dans des paradis fiscaux. La compagnie qui gère les droits de publication de leur musique était basée en Irlande jusqu'en juin dernier, celle ci a déménagé au Pays Bas quand les royalties des musiciens sont devenus imposables au pays de Bono. Tout ça rappelle un peu le blog d'à côté et aussi, surtout l'affaire Hallyday. Johnny cependant, lui, a l'élégance de ne pas dire au gouvernement quoi faire de l'argent qu'il refuse de leur donner.
Sur Chamboultout : Bono contre les mercenaires !

Ceux qui me suivent depuis un certain temps connaissent mon dévouement envers la notion de "décloisonnement des musiques" (je parle de toutes les musiques !) et donc ma propension toute personnelle à tomber béatement à genoux devant les productions d'artistes qui défendent avec véhémence le même propos. Ceux qui me suivent connaissent également les efforts du duo écossais Optimo dans ce domaine. J'en parle continuellement, c'est vrai. Sachez que ce n'est pas pour rien. Ces deux lascars sont véritablement des encyclopédies musicales ambulantes et illustrent parfaitement le propos selon lequel, en musique, il n'y a pas de déchets. Tout se recycle et tout est bon, si c'est fait avec intelligence et surtout, avec spontanéité et honnêteté. Tout ça pour vous amener à vous pencher avec un peu plus de précision sur le cas Optimo. Alors que je parle de plus en plus souvent d'un axe nu-disco Glasgow/New York prenant lentement le pas sur l'habituel axe Detroit/Berlin incarné en son temps pas UR/Basic Channel ou Metroplex/Tresor, ce duo de DJ 100% scottish flavor accompagné de toute la vague néo-disco-punk (DC Recordings, Lindstrom, Prins Thomas, LCD Soundsystem, etc.) s'adonne avec délice au plaisir du bain de jouvence musical tout azimut. Disco underground, new wave, punk, electro, minimale, rock, pop et funk, tout fond dans leurs mains comme neige au soleil pour devenir pure matière à rêver, danser, baiser, ce que vous voulez. Bref, l'avènement d'une nouvelle ère de bonheur semble être sur le point d'advenir sur cette terre (soyons fous !) et Optimo est bien parti pour en être le couple de chamanes rêvé. Comme la fameuse émission de radio new yorkaise de Tim Sweeney, Beat in Space et son podcast s'en fait régulièrement le porte parole, il était donc logique que son animateur fétiche invite J.G. Wilkes, moitié de l'Optimo Crew pour un mix d'une heure et quart hallucinant et halluciné. Un évènement à ne manquer sous aucun prétexte dont voici la playlist :

1. Svyatoslav Lunyov - Intro 17
2. Space Machine - Live In Osaka
3. Venetian Snares vs Bong-Ra - Szerencsétlen & Második Galamb (Bong-Ra Remix)
4. Disco Break Session - Even Point Requiem - Crue-l Future
5. Antena - On The Boat (Rubber Room's Disco Devil Remix)
6. Force Of Nature - To The Brain (Prins Thomas Disco Mix)
7. Phuture - Spirit
8. Josh Wink - How's The Music (ed. Original Philly Mix for Dave P.)
9. Montagskino - Knoppendrehn
10. Stephan Bodzin vs Marc Romboy - Telesto
11. Depeche Mode - Sinner In Me (Ricardo Villalobos Remix)
12. Equip - XXXO
13. Sisters Of Mercy - Alice
14. Crass - Walls (Twitch Edit)

Ceux qui surveillent du coin de l'œil les productions du très bon label suisse Mental Groove (Kate Wax, Water Lilly, Donato Dozzy et bien sûr St Plomb) ont très certainement déjà bondi sur cet excellent album de Crowdpleaser & St Plomb. Pour ma part, toujours à la ramasse, je découvre ébahi le travail de ces deux jeunes producteurs sur 2006, leur premier album. Et en 2007 qui plus est, un comble !

"Part. Detroit, part. Chicago, part. Berlin", comme diraient les Anglo-Saxons, Crowdpleaser & St Plomb a un pied dans la rave, l'autre dans l'electronica, jette un coup d'oeil en direction du bon vieux funk mais garde le visage résolument tourné vers le futur. Comme beaucoup de producteurs de la nouvelle génération (les Pantha du Prince, James Holden, Gui Boratto, Trentemoller, etc.) le duo se moque éperdument de défendre un genre plutôt qu'un autre. House ("Crash on Time"), techno, transe ou minimale electro (le fameux "1, 2, 3") leur musique purement synthétique n'a qu'un but, celui de se faire plaisir et de faire danser. Surtout, c'est toute l'esthétique "electro", dans le sens général du terme, qui est conviée à s'exprimer ici. Nul besoin de respecter une école et une seule en effet, quand on a près de 20 ans de musiques électroniques derrière soit.

Des morceaux brillants comme "Zukunft" ou "1er Mai" en disent long sur la culture musicale des deux lascars. Mais Crowdpleaser & St Plomb jouent avec leurs auditeurs et le duo vaut à lui seul tous les pseudos revivals, acid, "bleep" ou "rave" actuels. Sur le scotchant "Last" qui clôt l'album, par exemple, ils semblent vouloir vous emmener au sommet de la transe, torse nu, les bras en l'air, et puis non, le titre retombe dans les bras de Pan Sonic ou d'Apparat. Leur musique restera toujours plus proche des "trips" de James Holden ou de son comparse Nathan Fake, que d'Underworld ou des Chemical Brothers. Pour autant l'album n'est pas sans faiblesse, le très court "Shift" tourne un peu en boucle sans réelle motivation, mais on reste sans voix devant l'intro cristalline de "Early" et surtout, la maîtrise typiquement allemande du groove sur "New Time Roman". Cela dit, la créativité du duo s'exprime tout au long de l'album, comme sur "Mardi Grass" et "18 Years", deux tracks tout en sub-bass réactualisant l'idée d'un funk électronique et sensuel pourtant totalement digital, ou encore sur ce "Today" hypnotique à souhait, où l'electronica la plus abstraite se frotte à la techno la plus hédoniste.

Mixé par Thomas Brinkmann(c'est un indice non ?), 2006 s'offre comme un album en forme de mix, où la cohérence des éléments pris séparément n'a d'égal que l'excellence et la diversité de l'ensemble. A ce stade de la chronique, un petit tour sur le profil myspace des intéressés s'impose non ? C'est par là.

Crowpleaser & St Plomb - 2006 (Mental Groove/La Baleine)

J'ai une grande sympathie pour la Library Of Congress américaine. Sans elle et le travail d'Alan Lomax dans la première moitié du siècle précédent, on ne saurait rien de Leadbelly, Robert Johnson ou Jelly Roll Morton. Son rôle d'archivage et de préservation a été déterminant dans la popularité du blues et de la folk dans l'entre deux guerre puis dans les sixties. Avec le développement de l'industrie du disque et toutes les facilités d'accès à l'enregistrement qu'on connait aujourd'hui, on pourrait se dire que le rôle de cette bibliothèque est moins déterminant. Il est probable que l'humanité disparaîtra avant tous les enregistrements des Beatles, qui supporteront bien mieux les bombes à neutrons, les hivers nucléaires, les changements climatiques oo le nuage de poussière qui couvrira le soleil après l'impact avec un astéroïde en 2036. Pire, tous les enregistrements de Mariah Carey survivront sans doute eux aussi.

Le rôle de l'archiviste est aujourd'hui de sélectionner les enregistrements suffisamment significatifs par leur qualité et leur historicité pour être inscrit dans un registre auquel les historiens pourraient se référer dans cent ou mille ans. Je veux croire qu'ils prennent suffisament de précautions pour que les civilisations extra-terrestres qui découvriront la planète dévastée dans cinquante ans puissent quand même trouver ces enregistrements en bon état. Il est sans doute plus important de faire une place dans les bunkers pour eux plutôt que pour George W. Bush.

La Library Of Congress vient justement d'annoncer la liste des enregistrements sélectionnés pour l'année 2006. Ces enregistrements, pas nécessairement mais principalement musicaux, doivent avoir au moins dix ans et être "culturellement, esthétiquement ou historiquement signifiants" pour être eligibles. Vous pouvez jeter un oeil à la liste des vingt-cinq sélections qui incluent le Velvet Underground, les Ronettes, Cole Porter et que des bonnes choses en général. C'est pour ça que les critiques l'emporteront toujours sur le public : ce sont eux qui écrivent l'histoire. Vous pouvez proposer des nominations pour 2007 par là, mais ne vous trompez pas : Mariah Carey n'y sera jamais.

Après Gui Boratto et son "Beautifull Life", il semblerait que Kompakt poursuive son flirt poussé avec la pop. C'est du moins ce que nous laisse penser ce Heroes signé John Dahlbäck sous le pseudo de Hug. On ne s'en plaindra pas, même si cette "pop" là cultive un accent terriblement minimal. L'album de Hug est d'ailleurs l'occasion pour la structure de Cologne d'étrenner sa nouvelle sous-disvision, K2. Un sous-label censément dédié à la "vraie" techno minimale nous dit-on. Le genre - et le public - ne sachant plus vraiment à quels saints se vouer dans ce domaine, l'initiative était louable. Pourtant le travail extrêmement mélodique de Hug n'est peut-être pas ce qui se fait de mieux dans le genre, mais passons...

Dans la famille Dahlbäck, vous connaissiez Jesper, il faudra maintenant compter avec John donc, qui n'a rien à envier à son aîné. Et ce n'est pas une figure de style ici, puisque Heroes a tout les atouts d'une belle sortie Kompakt. Oh bien sûr, l'album n'est pas comparable au chef-d'œuvre transgenre qu'est le Chromophobia de Boratto, paru quelques semaines après, mais tout de même. Son impeccable rythmique huilée, sa production énorme, sa maîtrise des ambiances, ses envolées bien cadencées, font de Heroes un autre parfait étalon de cette techno efficace, d'obédience germanique, celle qui bouscule continuellement nos habitudes trop bien rodées. Et chez Hug, c'est surtout les mélodies qui étonnent et arrêtent. Comment ne pas fondre pour les harmonies de "Fluteorgie", les voix évanescentes réverbérées de l'énorme "Heroes" (le genre de titre que l'on attend en club), les claviers de "Tons of Tones" ou les nappes de "Tiny Star", par exemple ? Et même les morceaux plus pumpin' et proprement electro, comme "Raido" qui ouvre le bal, ou "Room of Rum", vont jusqu'à s'orner de résonances clignotantes qui recouvrent de strass l'intraitable 4x4 de Hug. Quant aux grands moments de minimalisme comme "Birds", "The Plateform", l'impressionnant "My Dinosaurs" ou encore "Sub" le bien nommé, tout en basses profondes, John Dahlbäck ne peut s'empêcher de les habiller. Un trait de synthé par ci, un flash harmonique subliminal par là.

Par delà la rigueur d'une école, le jeune homme bouscule les choix radicaux imposés par les maîtres du jansénisme minimal en quête d'une identité pour s'envoler plus loin, et c'est tout à son honneur. On ne peut que lui souhaiter "bon vent", comme dirait l'ami CF. N'hésitez pas à vous rendre sur le site du label Kompakt où vous pouvez écouter, mais surtout acquérir l'album (et toutes les productions Kompakt et affiliées) en mp3.

Hug - Heroes (K2/Kompakt/Nocturne)

Il y a quelque chose de très addictif dans le site Band Madness, quelque part entre l'accident de la route et le loto communal de Broons sur Vilaine. Le principe est simple : 512 groupes ou artistes sont mis en compétition dans un tournoi qu'ils remportent matchs après matchs grâce au vote des internautes. Evidemment, on sait tous que si les sondages ne veulent pas dire grand chose, les votes sur internet veulent dirent encore moins, d'autant plus dans une configuration comme celle ci qui aboutit inévitablement à un paradoxe de Condorcet. Tout ce qu'on peut dire, c'est que le gagnant est celui qui a l'une des communautés internet les plus fanatiques. Sans trop de surprise, donc, Nine Inch Nails a gagné l'an dernier devant Pink Floyd. Un type comme Justin Timberlake aura beau être le plus gros vendeur du moment, il ne peut que rêver pour l'instant du genre de dévotion nécessaire pour remporter ce genre de compétition, et Pavement malgré son statut de groupe "culte" perd à chaque fois très vite, sans doute parce que leur fans sont trop cools pour ce genre de site ou pour se considérer comme "fans", de toute façon.

Nous sommes donc bien d'accord que tout ça ne veut rien dire. Pourtant, on peu prendre un certain plaisir à être confronté à des choix difficiles : Chuck Berry contre Nick Cave, Television contre Sleater Kinney ou Bryan Adams contre Blues Traveler... Et il faut parfois avoir l'estomac bien accroché pour ne pas détourner le regard quand on voit T.Rex se faire écraser par Audioslave. Ce que je préfère dans ces questions, c'est quand même celles que jamais je ne me serais posées : Elliott Smith ou Barry White ? Moby ou Lionel Richie ? Vous préfereriez avoir des dents en mousse ou bien être suivi partout par six canards ?

Il m'a fallu un peu de temps pour apprécier à sa juste valeur ce mini-LP des faux The Dix, dernière incarnation en date du facétieux Prince Paul, producteur de jeunesse des De la Soul et figure de proue (déchue) du hip-hop américain. Avec ces 7 titres sortis il y a 6 mois, Prince Paul qu'on avait laissé amer (mais en pleine forme) sur son terrible Politics Of The Business, se paie notre tête en inventant de toutes pièces un groupe noir de la fin des années 50 et la musique qui va avec. Entre le Loveage de Dan The Automator et le Handsome Boy Modelling School des deux mêmes, la musique de The Dix est une tentative assez réussie de Spinal Tap hip-hop qui réunit quelques figures de la côte Est telles que Mr Len (l'ancien de El-P), Mr Dead et l'inévitable Don Newkirk (le troublion des interludes de Three Ft High). Le résultat donne une bande-son assez inégale mais passionnante mariant sonorités soul funk à l'ancienne et production hip-hop. Les textes sont hilarants et singent l'hypersexualisation des soulmen de l'époque tendance Barry White en rut ou la sensualité à fleur de fermeture éclair d'un Marvin Gaye nymphomane. Faire de la musique au second degré n'est pas donné à tout le monde et il faut avouer qu'on se laisse embarquer par les soupirs de la Dirty Girl de "Tears in My Eyes", par le contre-beat généreux de "When I Come Home to You" ou encore par l'emballant et ultracommercial "Here Comes The Dix", meilleur titre de ce mini-album.

L'album en soi est trop léger pour qu'on s'extasie dessus mais constitue un bel hommage transgénérationnel aux Pères Fondateurs de la funk, en même temps qu'une bonne introduction à la face claire du hip-hop new-yorkais. On appréciera ici le travail remarquable réalisé par Prince Paul et ses comparses pour donner de la chair à ce groupe fictif : leurs fringues, leur histoire... http://www.okayplayer.com/nowhearthis/nhtdix.htm

Comme Maxence le faisait pertinement remarquer dans un commentaire à mon précédent billet sur l'Ours Panda, dans lequel j'exaltais les vertues plaisancières du single "Bros", c'est "Gai, oui d'accord, mais bien flippant aussi quand même ce clip... son trip chamanique dément, glups... O_o". Contrairement à ce que vous pourriez croire, ce n'est pas que Max soit une petite nature qui a peur d'invoquer des esprits dans les campings alors que moi l'été je plante ma tente dans un camp naturiste-sataniste. Non, il a beau jouer aux indiens avec ses petits copains d'Animal Collective et chanter comme Brian Wilson redevenu adolescent (et qui voudrait chanter comme Wilson adulte, d'abord ?), il y a un petit truc qui fait peur chez Panda Bear.

Pour poursuivre la comparaison avec Brian Wilson, la première fois que celui ci à pris du LSD, il est parti en courant se cacher la tête sous un oreiller pour crier "j'ai peur de ma maman, j'ai peur de mon papa", puis il s'est repris et est allé au piano composer "California Girls", de loin sa meilleure chanson à l'époque. Il a aussi commencé à entendre une voix dans sa tête qui allait le hanter pendant des années durant en lui répétant "je vais te tuer". Person Pitch, le troisième  album de Panda Bear, se situe à peu près là : entre le sublime et la folie.

Je pousse peut-être un peu loin le parallèle wilsonien. Le disque l'invite, certes, mais pas tellement plus que beaucoup de disques du moment et il a aussi et surtout sa propre identité. Là où le Beach Boy composait des morceaux pop concis ou des symphonies bipolaires, le Panda lui, prend son temps. Il prend le temps de poser ses ambiances éthérées par touches de rythmes lancinants, d'harmonies en suspension et de réverb' extrême sur les voix. Si les morceaux sont parfois "modulaires" à la Smile, chacune de leur partie dure plusieurs minutes. Le single "Bros" en passe douze sans changer dans sa version album (et avouons-le c'est sans doute trop). On se rappelle alors certains longs jams tribaux d'Animal Collective, bien qu'ici l'influence des anti-dépresseurs soit revendiquée en lieu et place d'un faux trip primitif (voir à ce sujet l'excellent article pharmaceutical de Pitchfork).

Il y a aussi ces arrangements à base de collages sonores et de guitares lointaines et aigrelettes qui montrent que, contrairement à la plupart des aspirants Brian Wilson, Panda Bear vit au 21e siècle. Il n'a pas peur qu'un bout de percussion indus vienne lui gâcher une atmosphère ensoleillée. N'éxagérons rien : on n'a pas là un nouveau Brian, mais il vaut bien un Carl (qui ici se souvient du magnifique Feel Flows ?). Et parce qu'y a plus d'saison, ma p'tite dame, Person Pitch est l'un des meilleurs albums de ce début d'été.

Panda Bear - Person Pitch (Paw Tracks, mars 2007)

Histoire de fêter la parution du dossier electronica, voici une très belle vidéo "home made" à partir du morceau "Eutow" d'Autechre, période Tri Repetae (la meilleure pour beaucoup) que je me gardais sous le coude pour l'évènement. A cette époque, le duo Sean Booth et Rob Brown accouchait d'une musique cinématique par excellence, malgré ses racines mécaniques. Autechre et l'electronica en général inspirent souvent ces images urbaines et mélancoliques de la déshumanisation d'une planète que nous avons parfois du mal à reconnaître, mais il y a aussi une belle nostalgie dans ces images et ces sons, qui rassurent et apaisent. Etrange. Nous sommes plus que jamais dans les mains des machines et nous nous laissons bercer par elles. Une idée qui m'inspirait ces lignes, il y a quelques années : "Ce n'était ni la brillance des machines, ni leur efficacité qui émerveillaient, mais leur discrétion. Le chuintement des systèmes, le souffle des vies digitales, refroidies artificiellement par de minuscules ventilateurs. Toute initiative rendue obsolète par le venin mécanique, l'humanité étouffait avec joie sous le poids de l'activité des microprocesseurs et des écrans pixélisés de rêves cryogéniques." Bonne semaine.

Ce papier paru la semaine dernière dans Stylus Magazine me fascine. On pourrait grossièrement traduire son titre par "Top ten des signifiants musicaux (presque) assurés de me faire (donner du plaisir oralement à) un disque", soit une liste de tout ces petits trucs qui font tout de suite aimer un disque à l'auteur Nick Southall. Ce n'est pas tant que sa liste soit particulièrement bien faite, même s'il semble que ce type et moi ayons quelques points communs. Un disque avec de la dynamique comme le dernier Kate Bush ou une instrumentation imaginative façon Architecture In Helsinki marquent immédiatement des points avec moi. Je parie que le dernier Calexico aurait beaucoup plus plu à tout le monde avec juste un peu de trompette mariachi, parce que si tout le monde n'aime pas la trompette de Belle And Sebastian (je pense à toi Myosotis) la trompette mariachi, sur "Ring Of Fire" ou "Alone Again/Or", personne n'y résiste.

Non, ce qui m'a séduit dans ce papier, c'est l'idée qu'il y a derrière. On à tous un faible pour certains instruments/arrangements/concepts qui nous empêchent de détester complètement même un très mauvais disque, et en tant que critique on devrait peut-être tous les énumérer publiquement avant d'exercer notre métier, comme une mise en garde pour le lecteur. Voici donc une liste non exhaustive de quelques moyens pour vous de vous assurer mon amour si vous êtes un disque :

- Des choeurs originaux

Parfois même les groupes les plus aventureux au moment de faire les choeurs se contentent de "ouhs" et de "aah" voire de "chabada-choubidou". C'est bien, mais "Hi-Oh Aaark Krakk", c'est mieux. Kate Bush a toujours excellé à ce petit jeu là, au point que lorsqu'elle a fini par embaucher un trio de choristes bulgares sur The Sensual World on n'y vit que du feu. Devo aussi : la meilleure partie de "Uncontrolable Urge" c'est les "dang-dang" sur le pont. Il y a aussi les Beatles évidemment, qui chantaient "Frère Jacques" au fond de "Paperback Writer" ou le rigolo "tit-tit-tit" sur "Girl". Chantez n'importe quoi dans les choeurs, c'est de l'originalité à peu de frais. Tout le monde devrait le faire.

- De l'humour

La plupart du temps, il n'y a rien de pire qu'une "chanson comique". Une règle que j'ai l'impression de devoir rappeler tout le temps autour de moi, au risque d'être pédant, c'est que "drôle" n'est pas le contraire de "sérieux". Ce n'est pas parce qu'on rit parfois en écoutant Berlin, que le disque en est moins bouleversant. Eels est un groupe qui illustre parfaitement ce que je veux dire. J'ai une version de leur chanson "Hospital Food", déjà tragi-comique à l'origine, dans laquelle le batteur Butch se lance dans une série de grognements musicaux sur le pont, avant que le chanteur ne l'interrompe pour un rapide échange : "Butch ?"/"What?"/"I can hear you." et le refrain reprend. Ca n'est pas grand chose sur le papier mais cette petite blague parfaitement intégrée à la chanson me fait rire à chaque fois. Et puis Alice Cooper pouvait faire passer le rock stonien le plus bas du front avec ses blagues de mauvais goût.

- Un concept

J'ai sans doute la chance de n'avoir jamais eu à souffrir des pires horreurs du rock progressif, aussi suis-je tout à fait séduit par l'idée du concept album. Le jour où j'ai pour la première fois lu les mots 69 Love Songs, j'ai su que je devais écouter ça. Le fait que je sois tombé amoureux des Magnetic Fields par la suite n'en est que plus heureux. Que ce soit dans les albums-états de Sufjan Stevens ou A Grand Don't Come For Free des Streets, les morceaux les plus faibles passent toujours mieux quand ils ont une raison d'être là. Même Tommy des Who, bien que fondamentalement ridicule et inférieur aux albums précédents trouve grâce à mes oreilles dans la répétition des thèmes "listenin' to you" et "see me, feel me, hear me".

L'electronica se porte bien, merci pour elle (voir notre dossier). C'est particulièrement net du côté de City Center Office, il faut bien l'avouer (si on attendait Warp pour nous sortir de nouveau quelque chose dans ce domaine, hein... mais passons). Après le Paraport de Denzel + Huhn, la réédition du mythique A Few Empty Chairs de Conjoint (feat. David Moufang), le sublime Body Isolation de Donato Warthon et l'album inattendu du duo One Second Bridge, le label anglais (qui a désormais des bureaux en Allemagne, mais on s'en fout) déroule le tapis rouge pour un petit nouveau : Andreas Otto aka Springintgut et sa chevauchée virtuelle sur des montagnes russes d'ambiances et de sons, dont le titre, Park & Ride, ne pouvait pas être plus approprié.

Park & Ride étonne vraiment, surtout si on le compare au premier effort d'Andreas Otto, Posten 90, quasiment autoproduit et donc passé à la trappe de l'histoire, ce qui n'est pas plus mal car le disque, sympathique mais anecdotique, n'atteignait pas des sommets. Sommets que côtoie carrément ce Park & Ride sans communes mesures. Tout en relief, en chemins escarpés et en dénivellations soudaines, Andreas Otto se joue avec bonheur des clichés electronica pour accoucher d'un pur album de pop electronique (est-il utile de le redire, il ne s'agit pas là d'électropop!) éclatant comme un premier jour de printemps et ce, dès les premières notes. Sur "Day Off" Andreas Otto montre qu'il est capable d'aligner ses qualités mélodiques sur le meilleur de Schneider tm, To Rococo Rot ou Tarwater, tout en gardant son caractère intrinsèquement électronica (les petits "couac", "glouglou" et autres bruits "idiots" pour emprunter la terminologie de Mouse On Mars). Si le genre est souvent perçu comme frigide et répétitif, Andreas Otto lui, fait dans l'électronique boisée, sans pour autant oublier les brisures et, oserais-je dire, les copeaux. Et quand son post-rock chaleureux et enjoué ("Cousteau") se pare d'éclats de violoncelle, de guitare et de la voix d'une inconnue ("Precastor"), vous pouvez me croire, c'est franchement du bonheur !

Pour la petite histoire, le titre du disque est bel et bien à prendre au pied de la lettre, puisque comme l'annonce Otto sur sa feuille d'infos, une partie de ce disque a été enregistré dans une maison dans la forêt, située à la périphérie de Cologne et une autre en pleine été à Amsterdam. Les titres les plus introspectifs correspondent donc à "Park" et les plus lumineux et vifs, à "Ride". De fait, l'album n'est pas exempt de recoins sombres propices à la mélancolie ("Damokles"), ni d'abstractions (voir "Whistleblow Biker" et "Everything in Focus", deux morceaux liés par un field recording capturé au cours d'une ballade à vélo dans les rues de la capitale néerlandaise). Pour conclure, ajoutons que s'il use autant des ficelles de la pop dite "classique" (instruments analogiques et compositions savantes) que des références de l'école electronica de Warp, Skam, Kitty Yo et consort, Park & Ride, est avant tout un exemple réussi de technologie mise au service de la poésie. Et par delà ces considérations esthétiques plus ou moins fumeuses, une vraie ballade, un périple magique et lumineux. Un excellent disque quoi. Arrivé à ce point de la promenade, est-il utile d'ajouter qu'une petite visite au profil myspace de Springintgut est vivement conseillée ?

Springingut - Park & Ride (City Center Office/La Baleine)

Bienheureux les drogués mélomanes. En cette année 2007 et en attendant la putative organisation d'un Syringe Tour (auquel on pourrait rallier un certain nombre d'autres groupes), les deux nouvelles qui sont tombées récemment leur permettent d'envisager leur toxicomanie musicale sous un jour meilleur. Hier, Pete Doherty et Carl Barat, du feu combo The Libertines, se sont tous les deux officiellement rabibochés, exprimant leur désir, un jour, de retravailler ensemble. Alors que le deuxième album des Babyshambles de Doherty est en route et que les Dirty Pretty Things de Barat s'apprêtent à diffuser quelques nouvelles chansons sur le net, cette réconciliation annonce une virtuelle reformation des Libertines, que l'on verrait bien aboutir après la double explosion de leurs groupes respectifs, disons en 2008, et à condition que Doherty tienne toujours debout (ou appuyé sur un micro du moins). Barat sera aussi, a-t-il confirmé, le témoin principal de Doherty, lors de son prochain mariage (reprogrammé cet été) avec la Brindille Kate Moss. (sauf si etc etc)

La seconde nouvelle, qui est d'un tout autre calibre, est l'annonce surprise de la reformation des Only Ones de Peter Perrett. Ce groupe qui reste l'un des plus méconnus et des meilleurs de la fin des années 70 est, pour ceux qui ne le connaîtraient pas, l'un des emblèmes du mouvement post-punk, auquel on rattachera (au sommet) les Joy Division, c'est-à-dire une sortie intelligente et cérébrale du punk qui, quelques années plus tard donnera naissance à la new-wave. Les Only Ones sont avec leurs 3 albums The Only Ones, Even Serpents Shine et Baby's Got A Gun, les fleurons de ce rock mature, intelligent, tendu entre punk, new wave et romantisme poétique. La récente compilation BBC appelée Darkness And Light donne une idée du génie de Peter Perrett et de son groupe (Alan Mair, John Perry et Mike Kelly, le premier semblant à l'origine de la reformation), lequel s'abîmera plus ou moins définitivement dans une surconsommation de drogues dures. Aujourd'hui, à 54 ans, Perrett ressemble à un cadavre de 87 ans et ferait passer Mark E. Smith pour le prince charmant. Il semblait, il y a un ou deux ans, incapable de tenir debout, souffrant en plus de problèmes de souffle qui l'empêchaient de chanter plus de 10 minutes consécutives. Il s'était d'ailleurs retiré, à l'exception de quelques apparitions avec Pete Doherty justement (reprise de "Another Girl, Another Planet") et Love Minus Zero, groupe auquel collabore son fils Jaimie. Peter Perrett, sorte de légende noire du rock (beauté saccagée par les excès mais endurance à toute épreuve et résurrection temporaire comme en 1994 avec le très bon album Woke Up Sticky), vivrait toujours, tel un prince vampire, dans une ancienne bâtisse dans la banlieue de Londres dont la propreté après 30 ans de junk attitude pourrait lui valoir un passage dans l'émission "C'est Du Propre".

Les Only Ones apparaîtront, si tout va bien, fin avril au festival All Tomorrow's Parties à Minehead et auraient déjà repris les répétitions. La reformation des Only Ones est à bien des égards exceptionnelle, même si elle ne fera jamais qu'une de plus dans cette année chargée, et peut être comparée, dans les milieux indie anglais, et sans éxagération, à la reformation des Pixies. Les Only Ones ont notamment connu un regain d'intérêt ces dernières années autour de la scène garage londonienne.

Comme je n'ai pas trouvé le moindre clip intéressant en ce début de semaine, je vous propose plutôt un petit coup d'oeil en arrière vers un groupe plus ou moins complétement oublié : Madder Rose. Je dis complètement oublié, parce que je n'avais absolument jamais entendu parler d'eux et je vous assure pourtant avoir entendu parler de beaucoup de gens dans ma vie. Ce clip de l'adorable chanson "Swim" sent bon l'indie nineties et fonctionne parfaitement comme madeleine proustienne sans qu'on ne les ait connus à l'époque. Ca aurait presque pu être réalisé aujourd'hui comme un prémice d'un nouveau courant rétro qui ne va pas tarder à venir, avec un biopic des Breeders, un jeune groupe qui prendra le nom d'un personnage joué par Winona Ryder et la reformation de Dinosaur Jr (désolé, je n'ai vraiment pas pu trouver un groupe qui ne s'est pas déjà reformé). Il y a surement déjà pas mal de ça dans l'air avec Broken Social Scene et tous leurs amis. En attendant, Madder Rose vient de rejoindre la liste toujours plus longue des groupes que je dois écouter.

Etriller ce quatrième album studio du duo versaillais est tâche aisée tant cet album prête facilement le flan à la critique : minimaliste musical, vocaux maison assez insupportables (à l'image du single "Once Upon A Time"), ambition symphonique qui, même de poche, est assez risible, refus des effets faciles et utilisation de vieux instruments japonais en vitrine, à côté de quelques chanteurs amis de la famille. Lorsqu'on sait que l'album a été composé parallèlement au travail des Air sur l'album de Charlotte Gainsbourg, on a tout dit. A la première écoute, la symphonie de poche est ennuyeuse, tendance horripilante : "Once Upon A Time" est indigeste, "Space Maker" endort , "RedHead Girl" guère meilleur. Le tout qui entend capter "l'essence de Air", dixit Godin, capte en réalité une sorte de belle bulle d'air chic, entre ambient et musique de chambre, qui, privée du glamour chic de Sofia Coppola et de ses images planantes perd un peu de son sens. Air porte bien son nom et s'enferre dans un son lisse, tendu entre la musique d'ascenseur japonaise et le minimalisme d'un Glass de supermarchés. Voilà pour la 1ère impression.

Mais malheureusement pour nous (et si on persévère), on est vite pris à notre propre piège et rattrapé par l'évidence pop des mélodies de Air. Le single aussi mauvais qu'il soit reste en tête bien après qu'on a coupé la chaîne. Le petit riff de guitare acoustique qui égaie le morceau "Left Bank" est assez subtil pour qu'on le remarque, de même que le final "Night Sight" parvient à poser une ambiance nocturne et hypnotique avec deux bouts de ficelle. "Mer du Japon" rame pour imposer son beat guilleret et continue de faire progresser l'album dans notre subconscient et contre notre gré. Plus loin encore, les Versaillais Air réussissent, en plus de tout ça (cette pernicieuse intrication à notre vie de mauvaise musique !) à ressusciter l'espace d'une chanson le Jarvis Cocker qu'on aimait. "One Hell of A Party" est tout simplement la meilleure chanson de Cocker depuis la fin de Pulp, un titre qui aurait pu figurer sans mal sur This Is Hardcore, glaçant et morbide. "Here in the burnt-out husk of the morning / Strung out with nothing left to say", chante Jarvis changé en Prince Noir dont le cafard fout les boules. Même prodige avec le petit Neil Hannon qui envoie un "Somewhere Between Waking and Sleeping" dans la plus grande tradition des torch songs mélancoliques. Les cordes assurent et le résultat est assez bluffant. Le bilan est donc contrasté. L'album n'est pas assez homogène et dense pour installer un climat continu qui aurait assuré la réussite du projet Pocket Symphony. La création d'une ambiance étant le caractère principal selon lequel on mesure le ratage ou le succès d'un album de Air, on peut considérer que le pari est raté : on ne marche pas sur toute la longueur et on ressort trop souvent la tête de la Poche pour être bouleversé. Ecoutée plage par plage ou par séquences enchaînées, la Symphonie ramenée à de plus justes proportions se change en un albuminet propret mais qui a de bons moments. Ce n'est pas ce qu'on demande ou attend d'un grand groupe, mais c'est ce qu'on obtient désormais des princes de la technovariét.

Air, Pocket Symphony (Virgin/EMI)

Et oui, il est bien loin de sa maison, Kahn (alias El Turco Loco, Bizz o.d, Gizz TV, 4E etc.) Surtout que sa maison dans les années 90, c'était l'electro. Plus généralement, on peut dire que l'artiste a toujours eu le cul entre deux chaises, lui dont la famille cultive des origines turques et finlandaises ! Rapidement expatrié à Francfort, puis Cologne, New York, Mexico et enfin Berlin, Kahn (né Can Oral) a toujours été un nomade. Fuyant les étiquettes et les chapelles musicales, comme les genres sexuels, Khan n'a pas attendu le retour du rock pour se passionner de blues et de pop sans pour autant se défaire de sa passion originelle pour la house et l'electronica.

Après de nombreux disques d'electronica sous ses multiples pseudos à la grande époque du "son de Cologne" (voir notre interview avec Jörg Burger à ce sujet), ses expériences sur le prestigieux label Mille Plateaux et ses collaborations avec Dr Walker ou Jammin' Unit, le bonhomme opère un radical virage rock. Kahn qui ne cache pas ses penchants sexuels sur le fameux "1-900-get-khan", avoue avoir été séduit par la personnalité d'un autre grand apatride amateur de "garçons sauvages" : l'ex-The Cramps, Kid Congo Powers. Le Mexicain et le Finlandais feront d'ailleurs "joujou" ensemble dans le grand "backroom espagnole" electro-rock, que sera No Comprendo, un album comprenant également Julee Cruise, signé sur Matador en 2001.

Pas étonnant donc, de le voir signer l'hybride Who Never Rests chez Tomlab, autre label de toutes les expériences. Comme nous l'expliquions plus haut, l'homme qui a collaboré avec Diamanda Galas, Kid Congo Powers, Brigitte Fontaine, Julee Cruise et Françoise Cactus de Stereo Total se fout des loges et autres chapelles, construites et entretenues par les médias. C'est un "entertainer" au sens noble du terme. Un peu house, un peu rock, un peu electro-cabaret, voir jazz, Kahn est l'incarnation d'un artiste qui aime la musique d'une manière globale. Pourtant son implication dans le monde de l'electro le laissait désemparé face au songwriting. Si ses précédents albums sonnaient comme d'amusantes pochades anti-genres, il leur manquait la véritable densité de ce qui aurait du en faire de grands disques de pop. Sur Who Never Rests, Khan délaisse sa timidité et se lance dans l'écriture. Et dès le lancinant "Excommunication", force est de constater que ça fonctionne plutôt bien ! Evidemment, nulle originalité ici, Who Never Rests n'est pas de ces disques qui entretiennent ce genre de prétention, mais impossible d'ignorer son pouvoir de séduction immédiat. Khan enfile en rigolant le costume du crooner (ou l'enlève en l'occurence sur "Strip Down", "Who Never Rests") et s'incarne avec aisance en bluesman urbain ("Golden Down", "On The Run") tout en laissant imaginer ce que ces chansons donneront sur scène. Car Who Never Rests singe à merveille les tics rock tout en gardant la puissance hypnotique de la house la plus hédoniste ("You Like To Party ?"). Pour ceux qui, comme moi, avaient adoré son travail au sein de l'electrosphère et qui n'étaient pas convaincus par ses derniers efforts discographiques, Who Never Rests est une bonne nouvelle. C'est le retour du fils prodigue quoi, et pour une fois, on aimerait bien qu'il reste un peu ! En attendant, allez donc faire un tour sur le profile myspace de ce space-traveller, histoire de cultiver un avis personnel sur son travail (même si les morceaux présentés ne sont pas les meilleurs).

Khan - Who Never Rests (Tomlab/Nocturne)

La musique existe-t-elle au-delà de ses incarnations traditionnelles ? Sans prétendre y répondre, le festival naissant A World Of Music pose cette intéressante question. Avec la révolution MTV et la prolifération des clips vidéos, la musique dite "pop" (pour populaire) a immédiatement gagné en force visuelle. Pour sa première édition, ce festival compte affirmer la vitalité des films musicaux (documentaires, live videos). New York, ville de musiques, sert de locomotive à ce festival ambulant. Vendredi dernier, ses scènes rock et hip hop ont pris place à Paris pour une projection avant d’investir d’autres villes (Brest, Strasbourg ou Bordeaux).

En 2004, les New York Dolls se reforment. Greg Whiteley a suivi son bassiste, Arthur Kane, devenu bibliothécaire depuis la fin tragique du groupe en 1975. Le film New York Doll retrace le destin de cet homme, ex-rock star, actuel monsieur tout le monde. Evocations du passé glorieux, extraits de concerts, témoignages d’Iggy Pop ont fait le succès de ce film récompensé à Sundance. Autres figures notoires de la scène new yorkaise, les Beastie Boys déboulent avec leur film participatif et festif, Awesome I Fuckin Shot That. Entre enregistrement vidéo pirate et live officiel, le film repose sur la participation de 50 fans équipés de Hi8. Filmé auX quatre coins du Madison Square Garden, le concert ne se donne plus seulement à voir mais se vit. Les bêtes de scène de Beastie Boys toisent avec talent les enregistrements officiels de live, bien souvent trop proprets et statiques. Flous, images saturées, cadrages incertains…tout est amateurisme et témoigne de l’approche personnelle de l’outil audiovisuel par le trio. Autre déstructuration du live video, celle présentée par Dave Chapelle et Michel Gondry dans Block Party. Cette fois l’objet du film n’est pas tant le concert que sa préparation. Le documentaire suit l’humoriste dans son projet fou d’organiser un concert de hip hop gratuit dans un quartier de Brooklyn. Les prises de vue du concert sont mêlées aux péripéties de Chapelle pour trouver un lieu, distribuer les tickets, préparer le line-up, accueillir les artistes. Dans le public, on en revient pas de voir défiler Erykah Badu, Kanye West, The Roots et les Fugees. Pour les spectateurs du film, Block Party impressionnne dans la mesure où il dépasse le simple live vidéo. Maître de cérémonie du concert, Chapelle déplace habillement le centre d’intérêt du concert vers d’autres thèmes : rencontres avec le public et les artistes hip hop, évocation du quartier de Brooklyn…

Pour suivre les autres dates du festival (Nantes, Caen, Metz...), c'est ici

A World Of Music, 16 mars, Le Rex (Paris)

Il arrive à la toute puissance du web d'être parfois prise en défaut. Alors que je mettais un peu d'ordre dans ma discothèque, j'ai remis la main sur une vieille compilation de 1990 (Indie Top 20 - volume 11) et redécouvert le sublime single Listen d'un obscur groupe appelé les Honey Smugglers. Signés en 1990 par Non-Fiction Records, les Honey Smugglers étaient emmenés par un dénommé Chris Spence préposé au chant, à la guitare et à la composition des quelques titres magiques laissés pour la postérité par ce groupe d'un jour. Auteurs de seulement 2 singles, les Honey Smugglers ont connu une gloire éphémère pendant la période baggy (ils apparaissent sur quelques compilations des années 90 et ont eu l'avantage de figurer dans la bande son d'une célèbre série britannique appelée Trigger Happy). Les Honey Smugglers se sont néanmoins fait lourder, sans que j'aie pu retrouver pourquoi, avant même l'enregistrement de leur premier album. Une recherche approfondie ne permet pas de glaner d'autres informations concernant leur devenir si ce n'est que Spence traîna un temps avec le groupe Eat, autre oublié de l'histoire du rock partageant l'affiche avec eux lors d'un concert au London Astoria.

Ceux qui réécouteront le second single (temporairement disponible là) ne manqueront pas de s'extasier devant la petite merveille pop qu'est le deuxième morceau, Good Afternoon, venu d'un temps où les Stone Roses essayaient de rivaliser avec les Beatles. En 3 minutes et 24 secondes, les Honey Smugglers avaient tenu un instant à portée de guitares le son des dieux, le Grand Secret de la Pop, l'Infini Mystère de la Ligne Mélodique. Mieux que le Wonderwall d'Oasis et panthéiste au possible, Good Afternoon, joyau à la musique angélique, porté par les claviers néopsyché de Steve Cox et la basse de Ged Murphy, n'aurait dépareillé sur aucun album des Fab Four. Foncez avant que ça disparaisse à jamais. Good Afternoon, Trees/ Good Afternoon/ Do not wait fall/ In Your Leaves there is more life than in all of these./ We are all lost ones cryin for the sun/ Good Afternoon Trees/ Good Afternoon. Pas une note de trop sur ce titre là, pas un mot qui ne soit poésie brute ou mélancolie, pas une seconde qu'on ne savoure amoureusement. PS : aucune photo du groupe n'a pu être retrouvée, si ce n'est celle de la pochette du single Listen. Avis aux web-explorateurs... piste encore chaude à partir d'ici.

From punkrock to acid, ballads to techno, "Whirlpool" to "KOMPAKT" - cologne-based producer, singer and DJ, Justus Köhncke has surely come a long way. On ne pouvait pas mieux trouver pour présenter ce producteur atypique. Parmi les meilleurs de Kompakt, auteur d'un unique album remarquable (le premier n'était qu'un brouillon) et d'une multitude d'excellents maxis, Justus Köhncke fait parti des figures discrètes du label de Cologne. Gageons que cela ne durera pas. Faut-il préciser que je surveille le bonhomme depuis presque 4 ans et que j'attend avec une impatience difficilement contenue sa première véritable sortie. Hélas, il semblerait qu'il faille encore attendre. Pourtant le lascar a de la ressource, pour preuve il avait réussi à faire craquer la rédaction de Fluctuat (même cet indécrottable popeux de Flyer) sur son "Albatros" en 2006 ! Mais tout n'est pas perdu, et c'est le sujet de ce post inopiné et tardif, car j'apprend la parution prochaine d'un 12" en compagnie d'un autre grand trippé du bulbe, Prins Thomas, camarade de jeux néo-disco (et krautrock)de Lindstrom. Les deux morceaux sont inracontables et indéfinissables, et ce serait surtout du temps perdu puisqu'il vous suffit de vous rendre sur le profil myspace de monsieur Köhncke et de cliquer sur "Elan Prins Thomas" et "Advance Prins Thomas", pour écouter ces deux perles. Attention, musique addictive ! "Elan" et ses remixes, sont les parfaits exemples de ce que l'allemagne (et la norvège pour le coup) peut nous sortir  de totalement trippé en matière de nu-disco druggy et electro-funk à fortes consonances psychédélique ! Vous ne pourrez pas dire qu'on ne vous aura pas prévenu. Bon week-end (si avec ça vous n'avez pas la pêche pour la soirée qui s'annonce !)

J'ai de la peine à écrire ce billet parce que Modest Mouse reste encore relativement peu connu en France, et je les aime plus qu'une crêpe banane-chocolat. Pour ceux qui l'ignoreraient, donc, Modest Mouse est à la base un groupe de rock indépendant qui ressemble un peu aux Pixies si ceux-ci avaient aimé jammer et se prendre la tête. Les aboiements d'Isaac Brock peuvent reppeler Black Francis, mais en se penchant sur les paroles on se rend compte que ses méditations subtiles sur la vie et (surtout) la mort n'ont pas grand choses à voir avec les OVNI du futur Franck Black. On risque de toute façon de beaucoup plus entendre parler d'eux après qu'ils aient obtenu un tube innatendu outre-atlantique avec Float On, chanson de leur précédent album qui montrait à Franz Ferdinand et tous leurs autres jeunes fans comment s'y prendre pour transformer leur son en lingots d'or pop. Et puis ils ont ce type appelé Johnny Marr dans le groupe maintenant, pour remplacer le génial Don Galucci.

Et donc j'ai de la peine, mais il faut que je vous prévienne si vous êtes sur le point de découvrir Modest Mouse que We Were Dead Before The Ship Even Sank porte vraiment très bien son titre de catastrophe. Ce n'est pas que le groupe est plus pop que par le passé : le single Dashboard est sans doute la meilleure chanson du lot. Ce n'est pas non plus Marr qui ruine le disque, bien que son jeu soit sans doute plus adapté à l'autre admirateur d'Oscar Wilde qu'au bukowskien Isaac Brock. D'ailleurs celui ci s'aquitte de sa tâche de parolier avec son brio habituel (c'est terrible de devoir écouter l'horrible "Fire It Up" pour profiter de ses chouettes paroles). C'est n'est probablement pas l'abscence de Galucci qui à détruit la dynamique du groupe : il n'était déja pas là sur The Moon And Antartica, presque leur meilleur album.

Par élimination, donc, on en est réduit à cette bonne vieille explication bien pratique : si quand les compos s'énervent elles ne mordent plus, si quand elles se calment elles se trainent au lieu de hanter et si quand elles nous sourient on juge plus poli de feindre de ne pas les voir, ça doit bien être à cause de l'âge et du succès, ces deux vampires qui finissent par avoir tout groupe un peu intéressant. C'est un putain de cliché, c'en est d'autant plus tragique pour un groupe autrefois véritablement original. Plouf. Snif.

On le savait déjà me direz vous, ok ! Et de notre côté rien à dire. Nous non plus n'avons pas vraiment battu des records de lucidité, puisque c'est bel et bien près de quatre mois et demi après son arrivée dans les bacs, que nous nous décidons enfin à chroniquer cet objet. "Objet" en effet, semble bien être le terme approprié pour ce disque composé de deux longs morceaux de près de 40 minutes chaque. Ricardo Villalobos semble avoir poussé ici, la techno minimale dans ses retranchements les plus extrêmes. Nous qui parlions de "musique monomaniaque" à propos de la techno rigoriste de Basic Channel ou du minimalisme exigeant (le vrai, le seul, l'unique) du label Profan dans les années 90, nous trouvons à court de mots pour circonvenir cet improbable artefact. Notez bien qu'en aucun cas ce jugement n'est négatif, c'est important de le signaler. Car Fizheuer Zieheuer est un grand disque, quoiqu'en pensent les séides qui viendront certainement poster leurs commentaires ici ou là. Le tour de force de Villalobos sur cet album, c'est d'afficher clairement, mais sans prétention, un profil conceptuel destiné à faire progresser "l'idée techno", tout en restant une formidable machine à groover. "Où va le minimalisme ?" "Jusqu'où cette etiquette déjà un brin avariée, peut-elle continuer à vampiriser la musique électronique sans tourner au ridicule ?" "Quels sont ses enjeux esthétiques ?" "Quelles sont ses racines ?" Sont les quelques questions que posent ce disques.

Ces considérations "hautement philosophiques" étant, Fizheuer Zieheuer est aussi, je le disais plus haut, une pièce à danser imparable pour peu que l'on n'ait pas peur d'entrer dans la transe. A sa manière jusqueboutiste, l'album est bel et bien le digne successeur des Studio 1, Khan & Walker, Porter Ricks et autres productions allemandes emblématiques et enfumées qui portaient la marque de la décennie passée. "Fizheuer Zieheuer", l'éponyme premier titre et sa boucle infernale enluminée d'une fanfare sud-américaine ivre, par exemple, est une monstruosité hypnotique répétitive d'accord, mais elle est surtout d'une complexité sous-jacente incroyable. Traité comme un morceau de dub, le titre s'enivre lui-même, tourbillonne en apesanteur. Son ampleur acoustique, la charge de sa puissance rythmique : un riddim primitif bordé d'échos répétés ad nauseam, les flash temporels partageant les différentes séquences du morceau, incarnés par l'irruption de cet orphéon d'un autre temps faisant résonner ces cuivres au milieu des distorsions, accélérations, répétitions, doublages "dub", ralentissments, décalages, etc., en font un ultime voyage au coeur de la transe. Un minimaliste qui n'a plus lieu d'être même si "Fizbeast", la deuxième partie effectue un retour aux sources de la pulsation originelle. Mais n'est-ce pas simplement une manière de pousser encore plus loin la désorientation de l'auditeur et de lui donner à voir, s'il se concentre, un autre monde sonore, lové/caché dans les replis du rythme ? Un voyage sans fin au coeur du beat. Une leçon.

Ricardo Villalobos - Fizheuer Zieheuer (Playhouse/Nocturne)

Hier triple affiche à Paris pour l’Inrocks Indie Club avec Montgomery, Maps et The Earlies qui se sont succédés sur la scène de la Maroquinerie. Les grands enfants rennais de Montgomery ont présenté leurs chansons bidouillées et truffées de "la la la", "ouh ouh". Ca chante aussi en "miaou" sur le titre "Le chat" et ça dis aussi "Chante-moi cette mélodie, bien sûr ma belle amie" sur "Melody". C’est pop et léger. A l’inverse The Earlies (10 membres sur scène) ont déversé pendant une bonne heure des titres pesants aux contours indéfinissables. C’est Arcade Fire sur les bords, d’autant plus que le chanteur ressemble fort à son homologue canadien, Win Butler, mais la comparaison s’arrête là.

Entre les Français et les Anglais, se sont glissés Maps, nouvelle sensation venue de Northampton. Grandaddy hante le début de leur prestation, ça plane un peu et ça vire peu à peu au mix brouillon électro. Les membres de Maps sont les enfants de My Bloody Valentine et Kraftwerk. Transfuges du rock et de l’électronica et armés de synthés, le quintet préside cette grande messe psychédélique. On adhère au sermon et à leurs rythmiques effrénées qui nous parachutent dans le cosmos.

http://www.myspace.com/chezmontgomery

http://www.myspace.com/mapsmusic

http://www.myspace.com/theearlies

Inrocks Indie Club #16 (avec Montgomery, Maps, The Earlies), 14 mars, La Maroquinerie (Paris)

Youtube sera bientôt pour nous autres bloggueurs un luxe du passé. Ah, je me souviens encore de mon premier billet sur playlist. J'avais trouvé un lien vers une vidéo Quicktime. Il fallait cliquer dessus, attendre que la vidéo se charge puis l'ouvrir dans une application externe. C'était bien fastidieux., et ça n'incitait pas vraiment à visionner les vidéos à la chaine façon MTV. Puis est arrivé Youtube et à peine nous en étions tous rendu compte que tout le monde et sa soeur avait uploadé sur ce site génial tous les clips jamais réalisés : Jean Michel Jarre prenait des acides, Mister T. s'en prenait à notre santé mentale et on découvrait même quelques vrais bons trucs.

En cherchant sur le blog des vieilleries à vous citer en exemple, j'ai pu constater la triste verité : la plupart des clips vraiment bien ne sont plus là. Ces vidéos sans David Hasselhoff ou un rappeur japonais ont été retirées à la demande des maisons de disque depuis que le site à été racheté par Google. C'est bien sûr leur droit, et les quelques cas où des indépendants ont vu leurs vidéos retirées du site contre leur souhait ne sont que de petites erreurs bien compréhensibles.

Où trouve-t-on des clips, maintenant ? Sur des sites comme ifilm ou MTVu, qui contrôlent mieux la diffusion des clips, sans cet utile petit bout de code "embed" de youtube. Des sites qui paient sans doute pour l'exclusivité du dernier TV On The Radio (Province, sur ifilm). Le clip est pourtant à la base plus un outil de promotion qu'une source de revenus pour les maisons de disques, et celles-ci devraient théoriquement se réjouir de leur diffusion. Je ne connais personne qui ait remplacé les disques ou les mp3 par youtube. Le problème vient peut-être du succès relatif des DVD musicaux, même si, encore une fois, une vidéo basse qualité en streaming n'a rien à voir avec ce qu'offre un DVD. Les maisons de disques restent cependant très peu sûres d'elles-mêmes (et on le comprend bien), puisqu'aux dernières nouvelles elles tenteraient de produire des clips en 3D. Croient-elles vraiment que ce genre de gagdget qui n'a jamais marché au cinéma peut les sauver ?

Quoi qu'il en soit, il existe deux solutions pour les vidéos en lignes : youtube downloader, un site qui vous permet de sauvegarder les vidéos restantes sur youtube, et vdoogle, un moteur spécialisé dans les vidéos. Il y a aussi le tag vidéos musicales de Playlist, bien sûr.

Ma génération vieillit, tous mes amis ont des enfants, les inconscients ! Je n'ajouterais rien puisque moi aussi j'ai donné il y a 11 ans et participé au grand cycle de la reproduction des espèces et du capital génétique de la race humaine. Croyez-moi si je vous dis qu'il y a une chose auquel on ne penses pas le jour où bébé arrive, c'est l'après. L'adolescence, les gros caprices, les premières cuites, je-me-la-joue-rebelle, mais-maman-tu-ne-comprends-pas-je-suis-une-femme, les disques de Naast et des Plastiscines (l'horreur !). Les parents parmi vous voient ce que je veux dire, bref... Un éclair de lucidité, conforté par cette vidéo parfaitement flippante de LFO. Clippé par ce fou furieux de Chris Cunningham, "Freak" est l'illustration en 6 minutes et 57 secondes du caractère totalement incontrôlable que peut prendre votre vie à l'arrivée d'un enfant. Enfant qui deviendra peut-être, un jour, ce monstre inconnaissable. Glups...

Après Jarvis Cocker et son désastreux... Jarvis, c'est au tour de Brett Anderson, leader des inégaux (mais parfois très bons) Suede, de signer un retour en forme (moyenne) d'album éponyme. Prévu pour une sortie mi-mars, le premier album solo du beau ténébreux, après l'éclatement des sous-estimés The Tears, formés avec son ancien complice Bernard Butler, est plutôt une bonne nouvelle mais qui ne tient pas toutes ses promesses musicales. Lancé par un single presque aussi mauvais que le Once Upon A Time de Air, l'album présenté comme personnel et brutal s'avère globalement lisse et mélancolique. Anderson comme Cocker semble en recherche de crédibilité et tente, par des arrangements hasardeux (merci la flûte de pan et les synthétiseurs violons cheapos), de se tailler une place dans la catégorie des crooners mi-lourds qui recycle, depuis le succès de Morrissey, les ex-stars glamours de la pop anglaise.

Anderson se débarrasse ainsi de la dimension glam-rock et crâneuse qui avait fait sa réputation de showman à l'époque de Suede. Il évacue par la même occasion une bonne partie de son charme vénéneux et des thèmes qui avaient fait l'excellence de Dog Man Star, en 1994, à savoir le désespoir lié au succès, la renommée, les addictions, la rock n' roll attitude, les accidents de bagnole. Pour ceux qui s'en souviennent, Suede aura été, pendant la vague britpop, le plus américain des groupes anglais, le plus sonore et le plus électrisant. Ici, Brett Anderson est à poil (où sont passées les poses androgynes?) et chante comme il se présente sur la pochette de l'album - imaginée avec Pete Saville : sans fausses notes et en bon père de famille.

Sa voix si caractéristique (on sait si on aime ou si on déteste instantanément) reste néanmoins un atout extraordinaire par son grain reconnaissable entre mille et sa capacité de modulation. L'écriture d'Anderson est capable du meilleur, le plus souvent (Song For My Father, The More We Possess The Less We Own of Ourselves), comme du pire (le lénifiant Infinite Kiss et le mouille-culottes Love is Dead). Sur Dust And Rain, le meilleur titre de l'album, on croit retrouver le Brett Anderson des meilleures années, tout comme on le poursuivra dans des paroles d'un niveau au dessus de la moyenne. Orphelin de Butler, Anderson assure en effet un service musical minimum sans perdre tout à fait de sa séduction naturelle. Il réussit quelques très bonnes phrases qui l'exposent en phase avec sa nouvelle musicalité, un rien contrit, solitaire et globalement en manque d'amour. the telephone rings but no one ever thinks to speak to me/ the traffic speeds by but no one's ever stopped here yet/ intelligent friends don't care in the end, believe me, love is dead, love is dead, chante-t-il sur le single. On a encore un peu de mal à le voir disparaître derrière son égo formidable : now my body is sand/ and the wind blows through me/ like the soil on your hand/ i am compost and leaves, mais Brett Anderson se soigne et finit par nous émouvoir par quelques jolies formules. Quelques flèches sur Scorpio Rising, mais rien de grave. En baissant la tête, il parvient à enfin nous regarder dans les yeux et à nous faire partager ses larmes acides. Anderson est charismatique. Il a beau faire, son lyrisme lui colle à la peau. Pas sûr qu'il arrive à mettre son passé (The Wild Ones, Beautiful Ones, Trash, The Drowners, pour ne citer que ces quelques titres) derrière lui avec cet album, mais c'est plutôt bien essayé et tout à fait digne d'intérêt.

http://www.brettanderson.co.uk/

La pop star cambodgienne Pov Panhapich, que vous pouvez voir chanter sur Youtube, est la dernière victime en date d'une série d'attaques parfois mortelles contre les starlettes de son pays. On lui a tiré deux balles dans le corps le mois dernier et elle pourrait rester paralysée à vie. Deux autres popstars ont déjà été assassinées au Cambodge ces dernières années et un certain nombre d'autre auraient été défigurées par des projections d'acide.

Bien que les autorités n'aient encore rien révélé concernant cette dernière affaire, il s'agit vraisemblablement d'un réglement de comptes politique. Des membres du gouvernement et des militaires haut gradés prendraient souvent de jeunes chanteuses pour maitresses, les désignant ainsi comme cible idéale pour leurs ennemis.

Pour trouver un équivalent français, c'est un peu comme si on avait détruit le visage de Lorie après une apparition aux côtés de Jean-Pierre Raffarin chez Michel Drucker. Finalement c'est peut-être pas si mal de vivre dans un pays où Doc Gynéco peut écrire un bouquin dans lequel il déclare sa flamme pour Nicolas Sarkozy. En tout cas je ne leur souhaite pas des Vacances Au Cambodge.

Bon ce n'est nouveau ni pour vous, ni pour moi, il est de ces disques qui vous prennent par la main alors que vous ne leur avez rien demandé. Vous n'en attendiez rien, n'aviez jamais rien entendu de l'artiste, ne connaissiez même pas son existence et puis dés la première écoute, il se passe quelque chose.
Vous ne serez certainement pas étonné si je vous dis que ça aide quand c'est une demoiselle. Enfin de mon point de vue.
Ce disque c'est Lovers & Crypts de Bunny Rabbit, une jeune fofolle originaire de Brooklyn qui me fait diablement penser à mes amours sucrés salées adolescentes. Innocente sans l'être, turbulente certainement, tête brûlée on s'en doute. Voilà pour l'ambiance, ou ce que dégage la demoiselle à face d'ange que l'on devine torturée par des choses plus... dérangeantes.

Musicalement la formule de Bunny est simple, mais fonctionne parfaitement. Sur de grosses sub-basses rebondies ("Dirty Dirt"), la jolie latino décolorée balance ses rimes sexy à tendance mystiques, d'une voix doucereuse de poupée martyrisée et là, déjà, vous fondez. Lovers & Crypts transporte avec lui des parfums du vieux sud. Vous savez la Louisiane, le delta du Mississipi, le vaudou, la décadence, le stupre et la religion, ensemble. Le disque suinte littéralement le sexe malsain dans des endroits pas net ("Lucky Bunny Foot"). En ce sens, Lovers & Crypts aurait pu être un pur disque de hip hop catchy à tendance crunk ("Saddle Up") bling bling-remuez les fesses, si la lolita bitchy ne brouillait pas les pistes en improvisant toute sortes de déviations de son cru. Tantôt new wave et pop (l'éponyme "Lovers & Crypts"), tantôt mélancolique à pleurer ("It Ain't Easy" certainement le plus beau morceau de l'album) ou carrément rock (la fabuleuse monté plombée de l'épique "Rio Grande"), Lovers & Crypts défi toute tentative d'étiquetage et c'est plutôt tant mieux. Si je vous dis que Bunny Rabbit est une compagne de route des foldingues de Cocorosies, pour lesquels Black Cracker, alias Celena Glenn, l'instrumentiste et faiseuse de beat qui l'accompagne sur cet album, comme à la ville, a déjà beaucoup travaillé, vous ne vous étonnez plus ? Vous avez raison.

Sur la feuille d'info, on peut lire, en vrac : cathartique, renfermé, pervers, criminel, instinctif, violent. Tout est dit (et dire que je me fatigue à vous écrire tout ça hein !), mais on pourrait tout de même ajouter sensuel, gothique, obscur, précieux. Pas de ces disques qu'on oublie facilement quoi. Plutôt de ceux qui s'installent insidieusement. En attendant le coup de foudre, passez donc dire bonjour à la demoiselle sur son profil myspace, vous pourrez vous faire une opinion par vous-même.

Bunny Rabbit - Lovers & Crypts (Voodoo-EROS/La baleine)

On ne s'en lasse pas, c'est l'heure des : Joyeuses aventures de la RIAA !

Plutôt que de s'embêter avec des procès couteux et régulièrement perdus, la RIAA continue à capitaliser sur la peur qu'elle inspire en encourageant les internautes qu'elle accuse de piratage avec plus où moins de preuves à s'arranger en dehors des tribunaux. Pour rendre les choses plus simple, un site vient d'être lancé : P2Plawsuits.com, sur lequel vous pouvez directement régler la somme que vous demande la RIAA par Paypal. Ca ressemble drôlement à un système d'amende privatisé. La prochaine étape est sans doute un employé des maisons de disques avec batte et cagoule qui passe chez les gens pour leur proposer une protection.

Dans le même temps, la RIAA a aussi décidé de relever les tarifs appliqués aux webradios : 500 dollars par an pour émettre en tant que station non commerciale. C'est un peu cher, mais pourquoi pas. Là où ça coince, c'est que passé une certaine audience, votre station est automatiquement considérée comme station commerciale et les tarifs augmentent drastiquement. En fait, ils augmentent beaucoup plus vite que ne le feront d'éventuels revenus publicitaires et il devient pratiquement impossible de faire des profits en tant que radio basée aux Etats-Unis.

Restez connecté pour un nouvel épisode des : Joyeuses aventures de la RIAA !

En réalité, on ne sait pas trop ce que RJD2 qu'on connaissait jusqu'ici pour la lourdeur et le caractère hypnotique de ses beats (rappelez vous The Horror, et son surprenant premier album Deadringer) est venu chercher en terre pop mais le moins qu'on puisse dire est qu'il y est venu pour rien et n'y trouve pas sa place. Inspiré par des types comme Dunger, la pop scandinave ou Elliott Smith, ses morceaux sont tous joués profil bas, à la limite de l'atonie et chantonné avec une voix qui menace de s'éteindre sur chaque note, en essayant d'exprimer "sa sensibilité". Même les instrumentaux Get It et Bad Penny semblent plombés par une absence totale de timing, beat raplapla et basse en déroute. Difficile vraiment de mettre en avant autre chose sans s'acharner sur le faiblard Sweet Piece ou le terminal et humaniste Evening Gospel. RJD2 évolue dans les mêmes eaux plates-pop que le dernier Aim mais sans dégager la même mélancolie et la même intensité musicale. Ramble John Khron (son vrai nom) devrait se remettre au proTool et repartir au duel avec les siens : les Dan The Automator, DJ Shadow et autres Prince Paul. Ici, il se bat avec le fantôme d'Elliott Smith et celui de Vangelis, dans un bras de fer tendre qui n'est pas à son avantage.

A oublier au plus vite à moins qu'on ne veuille à tout prix faire dans le décalé lounge, le fumeux et le pointu. Il y a mieux que ce Dj qui pose au songwriter à se mettre sous la dent actuellement.

http://www.rjd2site.com/

Absent de l'actualité discographique depuis 5 ans, la figure de proue de l'electronica et patron du label ~Scape, Stefan Betke (aka Pole), revient avec un nouveau monument au titre évocateur. Si Steingarten, signifie "jardin de pierre" dans la langue de Goethe, l'image convient parfaitement pour décrire la monstruosité baroque néo-médiévale qui orne sa pochette. Construit au 19ème siècle sous les ordres de l'excentrique Louis II de Bavière, le château de Neuschwanstein évoque en effet un énorme jardin minéral. Rien d'étonnant puisque Stefan Betke a souvent répété que son but était de donner une dimension spatiale à sa musique. De la rendre saisissable et palpable, au point que l'auditeur devrait avoir l'impression au fil des plages, de visiter des pièces, de découvrir des passages dérobés et des chambres cachées. Vivre la musique comme on vit dans un bâtiment, une vision logique de la création sonore, pour un artiste qui déclare souvent qu'en terme musical, l'architecture d'une grande ville peut être une influence sur la création d'espaces sonores.

Une obsession de l'espace que Betke cultive depuis le premier album de Pole en 1999. Cela peu sembler étonnant aujourd'hui, mais CD 1 fut un véritable évènement. Sa synthèse de dub et de musique électronique downtempo à base de craquements, de souffle et de cliquetis, était alors parfaitement originale. Elle préfigurait ce qui allait devenir le grand engouement de la fin des 90's et du début des années 2000, le click'n'cut. A ce propos Betke expliqua qu'il devait le son de cet album à une erreur technique. Comme pour le dub originel. En effet, les sonorités évoquant le crissement de l'électricité statique, portées par une basse profonde, proviennent tout simplement de l'utilisation d'un filtre défectueux de marque D-Pole Waldorf, qui donnera son nom au projet.

Si CD 1 flirtait avec les grands espaces, en jouant avec les échos d'un dub urbain parsemé de craquements statiques, le son de Steingarten est plus brut et rêche. Le résultat évoque un croisement entre le dub industriel de Public image Ltd et les répétitions cosmiques ou statiques de Jan Jelinek et To Rococo Rot. La trouvaille de cet album doit beaucoup à l'utilisation d'un synthétiseur couplé à une pédale de distorsion, évoquant parfois le son d'une guitare post-punk trafiquée. Betke accouche ainsi de pièces étranges comme ce cabriolant "Winkelstreben", un "Mädchen" déambulatoire, l'ambiant en suspension de "Pjerd" ou "Düsseldorf", un titre dansant, presque deep house. Une fois encore, Pole est à l'origine d'un "jardin de pierres" insolite, dont je vous recommande tout particulièrement la visite (tout comme celle du profil myspace du bonhomme sur lequel vous pourrez écouter tout l'album en streaming.)

Pole - Steingarten (~Scape/La Baleine)

Ca fait maintenant un peu plus d'un an que je bloggue sur playlist et c'est une super nouvelle pour moi puisque je bénéficie enfin de cette source de joie et de repos pour journaliste : le marronier. Pas n'importe lequel, puisqu'il s'agit de l'annuel laché de mp3 du festival South By Southwest, qui offre des chansons de pratiquement tous les groupes qui y joueront, soit plus de 800 morceaux, par d'aussi bons artistes qu'Au Revoir Simone, Deerhunter ou Asobi Seksu (d'ailleurs, tant qu'on parle d'eux, j'ai récement appris que la signification de leur nom en japonais : "sexe fantastique"). Pour télécharger le fichier torrent de plus de trois gigas, c'est par là.

Et comme tout ça est un peu lourd à digérer, le mp3blog Music For Robots a pris la peine de tout écouter et de trier pour nous le meilleur. Entre ça et Panda Bear, vraiment, j'ai du mal à trouver l'envie de travailler.

Présentée par Nagui et Michel Drucker (toujours obsédé par les liens filiaux et qui sans qu'on lui demande quoi que ce soit n'a pu s'empêcher de saluer Charlotte Gainsbourg, pas nommée, et de rappeler à la chanteuse de Superbus que sa maman est Chantal Lauby), la cérémonie des Victoires de la Musique a déroulé son lot de récompenses et déceptions pendant plus de 3 heures.

Difficile cette année de repérer quoi que ce soit de valable et de trouver finalement quelqu'un ou quelqu'une à sauver dans ce défilé de mauvais goût. Seuls Philippe Katerine, cabotant son Louxor, j'adore (pompé sur The Fall, rappelons le) et l'impeccable Joey Starr et sa très belle variation sur le Métèque auront réussi à sauver l'honneur. L'événement de la soirée aura été officiellement la remise d'une Victoire d'Ho(rr)nneur à Michel Polnareff qui se trouvait à Bercy, mais qui interrompit quelques instants son spectacle pour massacrer l'un de ses titres fétiches : Love Me, Please Love Me. Le temps de confirmer la règle selon laquelle les voix vieillissent mal dans les aigus, Polnareff a laissé la place à la vraie "surprise" du soir : la prestation de Miss Dominulk, ancienne finaliste de la Nouvelle Star, jadis opposée à Christophe la Tortu(r)e dont on attend l'album.

Bénabar nous sauva après ça, en interprétant (pendez le metteur en scène) DEUX fois la même chanson, une histoire de dîner chez des amis où il ne voulait pas aller. Quoi d'autre ? Ah oui, la scène slam obtint (légitimement) son lot de récompenses même si les prestations de Abd al Malik et Grand Corps Malade ne resteront pas dans les annales. Diam's au panier, Miossec expédia vite fait sa Facture d'électricité qu'il n'a visiblement pas encore payée avant qu'on ne retrouve un trio magique Katerine-San Severino-Benabar autour du maestro Vincent Delerm chargé de conclure la soirée. Le rêve quoi. Delerm ressemble de plus en plus à son père et Bénabar à une sorte de C. Jérôme trash. Katerine faisant les choeurs sur Delerm, on pensait avoir tout vu, mais non..... Parmi les autres péripéties, la Victoire en tant qu'"interprète de l'année" d'Olivia Ruiz qui dispose d'un réseau et d'une cote de popularité au plus haut, Drucker rappelant qu'elle s'était faite "renvoyer" de la Star Academy. Non, non, elle a été éliminée parce qu'elle chantait comme une cruche. Ce n'est pas sa ridicule Femme en chocolat qui peut rattraper l'affaire mais il suffit qu'elle soit nommée dans une catégorie pour que la jeune femme décroche le pompon, à l'instar d'un M qui récolte les Victoires à la pelle.

Victoire World Music pour Agnès Jaoui qui, manque de bol (pour la World Music, pour le cinéma et pour nous), aurait pu aussi bien mourir d'une crise cardiaque quand un type d'une association contre le cancer interrompit sa prestation (une chanson hispanisante chantée façon bar branché du XIème arrondissement, Olé) en entrant en courant sur la scène. Les pompiers l'emmenèrent lui faire sa fête en coulisses et Nagui parla du respect : "on a fait une spéciale Cancer la semaine dernière. Je ne suis pas allé sur la scène en criant Achetez des disques. Alors, ici, c'est pareil. C'est aussi ça le respect." On frisa la mort avec la prestation d'une Emilie Simon bouffie (trop de viandes de pingouin ?), toujours mise en avant pour ces instruments étranges, lesquels parviennent assez bien à masquer la banalité de sa musique. Son Végétal sonne comme un flan aux oeufs, un peu mou mais rattrapé par son enveloppe Caramel. On peut espérer d'ailleurs qu'elle fasse un jour un truc avec la Femme Chocolat (barbante) dont elle partage d'une certaine façon l'univers rétro-chic.

Une belle et bonne soirée donc. Pour ceux qui se demandent : mais pourquoi tu as regardé ducon ? Je n'en sais rien moi-même. N'oubliez pas néanmoins d'aller visiter le site de la Révélation Esthétique de cette année : http://www.missdominique.com/actualite.php

Nous vous disions récemment tout le bien que nous pensions du dernier album de Dälek, Abandoned Language, une claque abstract hip hop à la hauteur d'Absence, leur précédent album, mélangeant avec encore plus de finesse drones noise, flow monocorde mais cadencé, mélodies subliminales et fat beat écrasant. Bonne nouvelle, le duo d'extrémistes hip hop commence sa tournée dés mercredi 14 par une date exceptionnelle au Nouveau Casino. Inutile de vous dire qu'à l'exemple d'un My Bloody Valentine en 1991 ou d'un Jesus and Mary Chain en 1989, cette date est immanquable. Enfin, pour les heureux habitants de la région parisienne dont je ne suis pas. Qu'à cela ne tienne, le reste de la France bénéficiera du même traitement à base vibrations et d'infrabasses, du 14 mars au 6 avril. Joie !

Les dates en un clin d'oeil :
Mercredi 14 mars 2007 NOUVEAU CASINO PARIS
Vendredi 16 mars 2007 LE CYLINDRE BESANCON
Samedi 17 mars 2007 LASTROLABE ORLEANS
Mercredi 21 mars 2007 AZIMUTH 854 NANCY
Jeudi 22 mars 2007 LA CARTONNERIE REIMS
Vendredi 23 mars 2007 LA VAPEUR DIJON
Samedi 24 mars 2007 EPICERIE MODERNE LYON
Jeudi 29 mars 2007 LE CONFORT MODERNE POITIERS
Vendredi 30 mars 2007 ANTIPODE RENNES
Samedi 31 mars 2007 LE FUZZYON LA ROCHE SUR YON
Dimanche 1er avril 2007 LA BARAKASONS NANTES
Vendredi 6 avril 2007 FESTIVAL PANORAMA MORLAIX

Panda Bear, le quart d'Animal Collective, sort bientôt son excellent nouvel album solo. L'ours s'est marié et a emmenagé au Portugal et, à en juger par ce single encore plus directement Beach Boyesque que ne l'était Feels, il est heureux, très heureux. Evidemment, le bonheur pour un membre d'Animal Collective, ça veut dire boire une bière sous la douche et filmer des chats à travers un kalïdoscope. Moi j'ai des plaisirs plus simple et je pense juste à emmener cette chanson avec moi en vacances.

Ca faisait longtemps qu'on n'avait pas entendu Nick Cave aussi énervé et en voix. Le projet Grinderman nous rappelle heureusement que l'Australien n'est pas que ce bluesman crooner assagi qui roucoule au piano des histoires sombres entouré de ces Mauvaises Graines endimanchées mais a longtemps été une "bête sauvage". Contrairement à ce qu'on a pu lire ailleurs, il n'y a pas dans ce Grinderman une résurgence du son furieux et déjanté des Birthday Party du début (il faut pas pousser) mais un juste retour à l'électricité et aux larsens de l'époque pas si lointaine, disons 1994 du Let Love In, dernier album brûlant de l'australien.

Le projet Grinderman n'est pas sorti de nulle part puisqu'il n'est de fait qu'un side-project où Cave s'entoure de la partie folle des Bad Seeds, à savoir Warren Ellis, Martyn Casey et Jim Sclavunos, pour revenir aux racines d'un blues électrique, flirtant avec le garage rock, la prédication, un rock tendu, raconteur d'histoires tordues, morbides et salaces de putes abandonnées, de rednecks frustrés et de meurtres. L'album s'ouvre sur un quatuor gagnant assez épatant : un Get It On puissant où Cave entend tout reprendre à zéro, un ironique et inquiétant No Pussy Blues où une basse martiale et une batterie tout en touché accompagnent la plainte d'un gars qui n'arrive pas à tirer son coup, Electric Alice et le superbe et envoûtant Grinderman fermant cette entrée en fanfare qui plaçait la barre un peu haut pour la suite. Il faudra se projeter vers la fin du disque pour retrouver de tels moments d'intensité (When My Love Comes Down, Love Bomb), la couche intermédiaire replongeant dans ce mi-froid, mi-chaud qui caractérise les derniers albums de Nick Cave ces dernières années. Man on the Moon est une balade des plus classiques et Honey Bee (Let's Fly To Mars) guère plus originale. L'album dans son ensemble n'est pas la "saleté poilue dégoulinante de crasse et de noirceur" annoncée mais s'avère une marche arrière tout à fait pertinente et qui sort, on l'espère, Nick Cave définitivement du songwriting de piano-bar international. Rappelons que le leader reprend ici pour la 1ère fois sa guitare, ce qui, compte tenu de son jeu plus que basique et instinctif, a immanquablement ramené les chansons vers moins de sophistication.

Malgré tout, et sans aller rechercher jusqu'aux séminaux The Good Son et Henry's Dream, Grinderman se situe un cran en dessous du Let Love In et de ses titres à vif tels que Red Right Hand ou Do You Love Me. La voix de Cave n'est de toute manière plus tout à fait capable de rivaliser avec les modulations, la puissance et les incantations frénétiques de cette époque. L'album en soi vaut surtout pour son retour à un son plus rock et par la mise en valeur de l'inégalable talent de conteur de Nick Cave, dont les récits et les textes restent parmi les plus intéressants de l'époque. Le chanteur en a conscience, qui déclarait dans une récente interview, et en dépit de la qualité de son...organe, qu'il avait "toujours regretté de manquer du grain de voix qui glace, du grain de voix d'un Kurt Cobain." Sa plume, qu'il se rassure, est bien plus tordue et littéraire que celle de feu Kurt.

Grinderman - Grinderman, Labels.

BONUS : participez au concours Grinderman et repartez avec 2 places pour All Tomorrow's Parties !

Jörg Burger aka The Modernist : Il est l'inventeur de la techno mentale et pop de Cologne, le co-fondateur de Kompakt avec Wolfgang Voigt, Jürgen Paape et Michael Mayer. Rencontre et entretien exclusif avec ce pionnier de la scène allemande, un personnage modeste et discret, un vétéran bien vivant, "un géant et un saint", comme l'appel avec respect son cadet et ami, Michael Mayer. à l'occasion de la sortie de Popular Songs, son mix dans la collection Collectors series chez Faith (dist. Nocturne).

"The best Pan(a)sonic album, that Pan(a)sonic didn't make in 2006" c'est ainsi que le critique Philip Sherburne présente Special Powers, le premier album de Reanimator. Dégoûté, l'éminent bonhomme m'a bel et bien piqué l'expression puisque c'est exactement ce que j'ai pensé à la première écoute de ce disque ovni dans le domaine de la dance music ! Enfin "dance", c'est beaucoup dire. Mais si quand même puisque comme le fait également remarquer Sherburne (m'emmerde lui à la fin !), la musique sinueuse de Reanimator va plus loin, et ne se contente pas d'offrir une pale copie du duo Finnois. Non, à la manière tordue d'Excepter (d'autres américains impliqués dans le détournement des schémas classiques de la techno), Reanimator célèbre une certaine jubilation rythmique s'incarnant dans le mouvement tout en en pervertissant les normes. Pour preuve sur le premier morceau, "Click and Drones May...", quasiment un manifeste, le duo originaire de Portland (Oregon) diffuse avec subtilité sa vision d'une musique de transe faite de hoquets et de crissements, ponctuée pour notre plus grande douleur d'infrasons aigus à la limite du supportable. Oui, mais en même temps, l'auditeur se prend à onduler de la tête et, progressivement hypnotisé, se laisse aller à bouger le reste.

Pourtant, comme Pan Sonic, Special Powers présente avant tout un travail orienté sur les textures et les tonalités. Cet aspect est illustré par "Eat The magic Toast", tiraillé entre dub industriel et concassage hip hop, ou le très court mais chaotique "Nasty Shower Curtain", qui clôt l'album. Cela n'empêche, malgré le péremptoire "No Dancing", les américains semblent aussi engagés dans une recherche approfondie sur le sens du rythme. Special Powers propose en effet une voie alternative ("une autre danse est possible", comme dirait l'autre) entre arythmie et "polyrythmie minimaliste", qui rappelle les premiers efforts du label Sahkö, ou les oraisons technos funèbres du Consumed de Plastikman. Mais il ne faut pas restez sur cet aspect cérébral et/ou rébarbatif. Un morceau comme "Phase Constellation/Diskombach" présente lui, beaucoup plus de similitude avec la pop désincarnée du Mouse On Mars des débuts, ou d'un Oval versé techno, par exemple. En ce sens, l'intérêt de Reanimator tient justement dans son constant déséquilibre. Ne sachant que choisir entre la tête et les jambes. J'espère que tout cela est assez confus et mystérieux pour vous donner envie d'aller jeter une oreille sur la page que Boomkat consacre à ce curieux projet post-techno. Il le mérite.

Reanimator - Special Powers (Community Librairy)

Difficile de résister à l'effet www.deviantart.com, le site qui fait claquer les zygomatiques. Après le gros Robert, voici une autre sélection d'images qui déclenchent instantanément le rire. Méthode toujours : fixez attentivement ces portraits et laissez tout bonnement le charme agir. Mais qui cela peut-il bien être ?

L'ONU réfléchirait actuellement à la mise en place d'une journée anti-crayons de bois.

J'imagine que je dois être contre le fait de donner des notes, aux femmes ou aux disques. On met volontiers des notes aux enfants, mais jamais aux livres. La musique, comme le cinéma et la BD, se situant quelque part entre l'enfantillage et la littérature dans l'inconscient collectif est souvent réduite à quelques étoiles, ou une dizaine de points. Parfois, pour les moins sérieux, ce sont des coeurs. L'art n'est pas chiffrable pas plus que la critique, du moins on aimerait le croire. Les choses deviennent d'autant plus moches quand on se met à faire des comparaisons. Y à-t-il un véritable sens à l'existence d'un site comme metacritic ? Peut-être pas, si ce n'est que parfois il est rigolo voire même utile.

C'est ce que les créateurs de Parsefork semblent avoir compris en créant un site spécialisé dans l'aggrégation de critiques musicales. Par artiste, date, année, site, label et même longueur, vous pouvez classer les critiques, jouer avec, les comparer et même les lire. Ca peut-être vexant pour celui l'auteur de voir son travail réduit à une série de données comme une autre, mais tant que vous n'oubliez pas que ça ne remplacera jamais l'expérience de la chose elle même et que vous faites ça seul dans votre chambre, vous pouvez vous amuser. Et rassurez vous, ça ne rend pas sourd.

Danser jusqu'à en avoir mal, vous connaissez ? C'est exactement ce pourquoi est fait ce nouvel opus d'American Gigolo confié à une "Gigolette", et non des moindres, puisqu'il s'agit de la diva trash Princess Superstar. Après Abe Duque et Tiga, la "bad babysister" pose une sélection tech'house vicieuse et mécanique qui, de Vitalic ("On cocaïne, you dance like a machine !"), à M.I.A. (le terriblement bandant dansant "Bucky Done Gun") en passant par DJ Hell (normal non ?) et Mu ("Let's Get Sick", tout un programme), explose toutes notions de bienséance. Pourtant il existe aussi un peu de douceur dans ce monde de brutes dominatrices. Après une intro dévastatrice, la princesse calme le jeu et revient à des divertissements plus sensuels que violents. C'est le "Ten Years" mélancolique de Digitaria, le "1982" de Miss Kittin & The Hacker, la house poisseuse de Freak ou son remix du "Streamworks" de The Presets. Cela dit, je ne lui laisserais pas pour autant mon enfant à garder, hein. Surtout que les gâteries ne durent qu'un temps et la belle vous reprend rapidement en main (oh ouiiiiiii). On connaissait Princess Superstar pour son hip hop déluré, voir franchement hardcore (entre autre aux côtés de Dr. Octagon) mais sa maîtrise du dancefloor faisait partie de ses petits secrets (du moins de ce côté-ci de l'atlantique). Si sa sélection lorgne sans discrétion aucune entre les cuisses d'une electro torride made in Gigolo, elle doit aussi beaucoup à Citizen, le label de Vitalic. En gros, Princess Superstar, est finalement plus soumise qu'on ne l'aurait cru et suit une ligne de conduite énergique et sexy, bien dans l'esprit du label de son boss, DJ Hell. Il n'empêche que ce troisième épisode d'American Gigolo risque d'allumer bien des planchers, et des fonds de culotte. Avec Princess Superstar, c'est le règne du sexe à cru, de la sueur en projection et des déhanchements suggestifs fesses contre braguettes. Pas d'ambiguïté, vous êtes dans les backrooms de l'enfer ! Fatigué ? C'est tant pis, vous danserez jusqu'à ce que la mort - ou l'extase - s'ensuive. Aaaah, ça me rappel une certaine Nuit Sonore tout ça. Allez j'y retourne... Un petit coup vite fait sur son myspace en passant ?

Princess Superstar - American Gigolo 3 (International Deejays Gigolo/Nocturne)

Bon, vous vous doutez bien qu'à Playlist, la réponse est toute trouvée : Les deux bien sûr ! En effet, hormis leur physique de poupées Barbie, les Plastiscines n'ont rien à vendre. Poupée gonflable ET baudruche, les Plastiscines, c'est du vent. Une tragédie puisqu'à peine majeures, les filles auraient parait-il décidé d'arrêter leurs études. Au vu du niveau de leur premier album on a envie de leur proposer des cours particuliers. En plus d'être un suicide commercial financé par EMI, le très originalement titré "LP1" est un suicide social, donc. Bien sûr, les gamines sont certaines de leur succès, inconscientes du danger, tel un adorable troupeau de Bambi flageolant sur leur longues guibolles en compagnie de "Pan pan" le lapin (qui ressemble étrangement à Philippe Manoeuvre), elles ne se rendent pas compte que la grosse et très vieille major (certainement sourde comme un pot d'ailleurs) ne mise rien de moins que le jackpot sur leur peu de talent. Un manque de talent qui ne saurait être un handicap dans un milieu (le pop-rock à tendance punk) qui assure qu'avec une guitare et 3 accords on peut former un groupe. Mais le dicton ne dit pas "Tu enfileras un jean slim, tu joueras comme ton père - voir ton grand-père - et tu singeras les pitreries de rockeurs morts et enterrés depuis 30 ans" ? La spontanéité du rock, sa fraîcheur, est uniquement incarnée ici pas le jeune âge des participantes, pas par leur mode de vie, ni par leur musique.

De son côté, la grande machine à faire du fric facile incarnée par EMI, se fout bien de monter la tête à quatre innocentes qui disparaîtront dés leur 4000 exemplaires vendus (et encore, 4000 c'est un maximum, le Paris Paris ne contient pas autant de personnes), tout ce qui compte pour le service commercial, c'est d'engranger vite, très vite, avant que tout le monde ne s'aperçoive de la vacuité et du vide intersidéral qui habite ce triste rejeton de la scène rock parisienne. Concrètement, les Plastiscines nous leur donnons un an.

Résultat ? En plus d'être des rockeuses à papa, les pauvres filles vont donc finir filles mères, junkies ou "banana split addict" pour sugar daddy quinquagénaire, alors qu'elles se voyaient déjà en rockeuses de diamant. Une bien triste histoire en somme. Mais aussi une parabole. Avant le rock c'était "Live Fast, Die Young", aujourd'hui c'est "Sell fast, disappear quickly". Si vous avez du temps à perdre, vous pouvez toujours jeter une oreille sur le profil myspace des filles en plastique. Notez au passage que la page est sous-titrée : "Problème Psychologique". Un signe ? Personnellement, côté français, je vous conseillerais plutôt Zombie Zombie, Turzi, GOMM ou Steeple Remove, mais vous faites comme vous voulez....

Les Plastiscines - LP1 (Vigin/EMI)

Vous en avez peut-être entendu parler, il y a surement des mails qui circulent : dans le but de faire comprendre une bonne fois pour toute aux gens qu'il existe un truc qui s'appelle zune et qui est, grosso-modo, un iPod mais qui est beaucoup mieux parce que, euh... on vous le dit, Microsoft a mis un de ses zune dans un 4x4 qui a parcouru les rues new-yorkaises en balançant du gros son. Eh ouais, parce que les gens sont comme ça à New-York : "oh, une grosse voiture avec du gros son, j'ai jamais vu ça, faut vite que j'aille m'acheter ce nouvel appareil à la mode qui permet une telle merveille !".

Les résidents de Ludlow Street pourtant n'auraient pas apprecié ce "gros son" dans un quartier résidentiel à trois heures du matin. Ils seraient en fait tellement en colère qu'ils ont crée pas moins de deux sites au contenu identique pour se plaindre (je ne vous donne pas l'URL, c'est inutile). Microsoft aurait-il réveillé le mauvais quartier, celui qui justement était plein d'informaticiens particulièrement irritables, du genre près à enregistrer deux noms de domaines via une tierce partie qui assurerait leur anonymat juste pour se plaindre d'une nuisance sonore ?

Si j'étais cynique, je me dirais peut-être que Microsoft essaye d'étendre sa très fine "tactique du gros son" à tout le web. Pour que les gens se disent "Ouah, ce zune, il peut réveiller tout un quartier, c'est quelque chose". Après l'échec du lancement, le service marketing chercherait-il à se positionner sur le marché des fans de tuning ? Fort heureusement je ne suis pas cynique, mais je dirais juste une chose : le zune est vendu sans enceintes.

Dans la série des choses qui redonnent le sourire, le site SVC nous donne à voir et à entendre l'un des grands titres (récents) du Half Man Half Biscuit, excellent groupe de Birkenhead, souvent desservi par sa capacité à ironiser des hommages impossibles à ses idoles. Apparu sur la scène anglaise au milieu des années 80, le Half Man Half Biscuit (HMHB pour les intimes) est mené par le fûté Nigel Blackwell et rappelle étrangement le son de The Fall, soit un mélange de singularité dans le chant et une rythmique punk imparable. Après un succès fulgurant en 1986, qui les amènera directement sur la grande scène de Glastonbury, Blackwell décidera de se retirer définitivement du monde du rock prétextant qu'"être une rock star l'obligeait à rater beaucoup de ses émissions favorites à la télé !" Soutenu par le DJ John Peel, Blackwell ressuscitera vite son groupe pour sortir durant toute la décennie suivante des albums dont les derniers en date Saucy Halage Ballads en 2003 (miniLP) et Achtung Bono, dont est issu la critique capitaliste du merchandising musical (les fameux gants de four) sont très bons. Le HMHB se spécialise alors dans des titres aux paroles gorgées de références politiques, sociales ou médiatiques. L'écriture de Blackwell est pétrie, comme celle de Smith à laquelle elle a souvent été comparée, d'un microunivers de référence qui la rend rétive aux éxégèses. On raconte dans le milieu que celui qui parviendra à élucider toutes les allusions people des titres de Blackwell n'est pas encore né. Pour ceux que ça intéresse, on conseillera en premier lieu leur premier album Back in the DHSS, parodie du titre des Beatles évidemment mais référence directe au communisme, au chômage massif du début des années 80 et au système social anglais.

Le site officiel : http://cobweb.businesscollaborator.com/hmhb/

Il est de notoriété publique aujourd'hui que Pavement (avec toute la tendresse que j'ai pour ce groupe représentatif des 90's) fut radicalement influencé par The Fall. Prenons "Conduit for Sale" sur l'album Slanted & Enchanted, par exemple. Il est clair qu'il s'agit d'une simple réécriture du "New Face in Hell" de l'album de The Fall, Grotesque (After The gramme). Si les similitudes sont évidentes, c'est paradoxalement les différences qui font du morceau de The Fall, une version bien supérieur. Tandis que le récit conté par Stephen Malkmus, le chanteur de Pavement, est qu'un pastiche balisé de références aux contes de fées, copiées sur "New Face in Hell", l'original va beaucoup plus loin. Cette histoire de trahison et de dénonciation à la gestapo est véritablement à vous glacer les sangs (et les cris réverbérés en échos, de Mark E. Smith de The Fall ne le sont pas moins). Le texte brillant de "New Face in Hell" ferait un excellent court métrage, comme beaucoup de chansons de Smith. Sa méfiance envers le gouvernement y est plus que jamais omniprésente, et sa paranoïa pathologique devient ici, paradoxalement salvatrice. Besoin d'être convaincu ? Rendez vous ici pour Pavement et ici pour The Fall. Bref, je comprends maintenant pourquoi j'aimais (j'aime) tant Pavement. Cela ressemblait à du The Fall enregistré au milieu du désert de Mojave... (via Perfect Sound Forever)

L'histoire de Joyce Hatto était déjà pleine d'un certain romantisme : pianiste anglaise peu connue, elle fut contrainte d'abandonner les concerts en 1976 par un cancer. Quand elle s'est finalement éteinte l'an dernier, elle était devenue une sorte de légende, une virtuose capable de jouer avec brio un répertoire extrêmement large mais que personne n'avait vu depuis des années. On ne la connaissait que par les CD publiés confidentiellement par son mari. Puis un jour quelqu'un a mis son disque des 12 études transcendentales de Liszt dans son PC et celui-ci l'a bien identifié comme étant les 12 études... mais interprétée par un autre pianiste nommé Lászlo Simon.

Après avoir été contacté, le magazine Gramophone a demandé à un spécialiste de comparer les ondes sonores, ce qui a irréfutablement démontré que "l'enregistrement" de Hatto était un faux, tout comme plusieurs autres identifiés entre temps. Pressé de s'expliquer, le veuf de la pianiste, qui publiait les disques de sa femme sur son label, a après plusieurs jours de déni intenables fini par avouer. Selon lui, sa femme ne se doutait de rien. Elle aurait réalisé des enregistrements inexploitables car ponctués par des grognements de douleur. Il aurait utilisé d'autres enregistrements pour recouvrir les passages inexploitables et permettre à sa femme d'accéder à la reconnaissance qu'elle méritait. Elle même pourtant s'en serait moquée, déclarant après avoir lu une critique élogieuse dans Gramophone (toujours) "Il est trop tard pour tout ça".

Après ça, on est tous trop occupés à sortir nos mouchoirs pour crier au voleur. C'est plutôt une belle histoire, du genre qui pourrait inspiré un film hollywoodien. On vient d'ailleurs d'annoncer un biopic pour Milli Vanilli. C'est aussi totalement invérifiable, d'autant plus que le mari de Joyce Hatto a détruit son stock de CD et refuse d'expliquer clairement quels enregistrements sont effectivement de sa femme. Il n'y en a peut-être aucun. Il n'a cependant jamais fait fortune avec son "arnaque" et le doute dans lequel il nous laisse promet de longues discussions aux mélomanes.

Au début je voulais éviter de m'impliquer et titrer "We Love Trax", en m'inspirant de la fameuse soirée que le mag indie electro techno a donné à la Villette en novembre dernier pour fêter son 100ième numéro, mais comme je bosse pour eux depuis maintenant deux ans, un minimum d'honnêteté m'oblige à choisir le pronom personnel. Donc, oui, décidemment "I love Trax". Pas parce que qu'ils me rémunèrent correctement pour mon travail ou parce que j'ai peur de me faire virer en critiquant la ligne éditoriale du magazine (mais qui y aurait-il à critiquer dans un mag qui pratique l'ouverture avec autant d'enthousiasme depuis presque 3 ans maintenant ?), non "I love Trax" (on ne s'en lasse pas) parce qu'il s'agit du seul magazine actuel que je pourrais rapprocher des Inrocks de la grande époque. Les seuls aujourd'hui, à oser mettre des artistes comme !!! (chk chk chk), LCD Soundsystem, Thomas Jenkinson de Squarepusher, Boards of Canada, Vitalic, Amon Tobin, DJ Shadow en couverture. Les seuls à couvrir tous les genres de musiques actuelles ou non (post-punk, no wave, dubstep, crunk, post-rock, free folk, krautrock, dub, electro, pop et rock) dans un format pourtant généraliste. Les seuls enfin, qui osent une vision élargie - et critique - de la musique, pour ne pas dire tout simplement, "des musiques".

Mais passons là le cirage de pompes, et abordons le sujet de mon enthousiasme quasi-juvénile (à 38 balais, c'est un comble !) : le numéro 104 du magazine. On y trouve donc James Murphy de LCD Soundsytem et Nic Offer de !!!, en couverture, soit, mais c'est surtout l'occasion de laisser les deux lascars s'exprimer sur plus de 6 pages ! Une rencontre passionnante et drôle ! Cela n'éclipse pas pour autant le reste, les admirateurs de Gui Boratto présents sur ce blog seront heureux de savoir que le monsieur est aussi interviewé dans ces pages, ainsi qu'Amon Tobin, Au Revoir Simone (qui a dit qu'il n'y avait plus rien dans la pop ?) et le quatuor new yorkais Brazilian Girls. Trouvez moi un magazine qui peut se targuer d'une telle affiche ce mois ? Mais le meilleur reste à venir dans un papier analytique destructeur sur la prétendue scène parisienne adolescente. Notre confrère Stéphane Peaucelle y affine ses lames et tranche dans le vif. Je peux vous le dire, ça saigne et ça fait mal. Et c'est bon aussi ! Pour conclure oserais-je signaler que votre serviteur se fend d'un long papier sur le Mutant Disco, se mariant parfaitement avec le sujet de couv' ? Je vais me gêner tiens ! Bon, vous savez ce qu'il vous reste à faire...

Tout a le goût de l'excès chez Patrick Wolf, du rouge vif de sa chevelure à... eh bien absolument tout le reste de la pochette de Magic Position (les souliers old-school ! le jean rouge ! le titre de l'album en néon !). Et il en va de même pour sa musique bien sûr, qui refuse de choisir entre pop orchestrale et synthétique. Tour à tour crooner et diva, Wolf se rêve fils d'Aladdin Sane et du 30th Century Man. Il n'y réussit pas trop mal, d'ailleurs, même si à choisir il serait plus vraisemblablement (et pas que pour des raisons biologiques) le rejeton de Kate Bush et Neil Hannon.

Magic Position est l'album où il découvre coïncidemment les joies des accords majeurs de l'appui d'une major. Un soutien qui a sûrement aidé à donner au disque sa dimension épique, avec cordes en abondances, des transitions fluides entre les morceaux et un caméo de Marianne Faithfull qui déclame quelque vers en actrice Shakespearienne sur l'outro du single "bluebells". Wolf est parait-il très ami avec Owen Palett de Final Fantasy et partage avec lui son goût pour un certain classicisme, mais là où le canadien lorgne vers la musique de chambre, lui serait plutôt symphonique. Même les incursions électroniques doivent plus au big beat qu'à l'electronica.

J'imagine déjà les autocollants "Attention, chef d'oeuvre !" qui orneront le disque dans toutes les bonnes FNAC comme dans les mauvaises, et pour une fois on n'aura pas à blamer le marketing : l'artiste lui même aurait-il déclamé ces mots avant "overture", son ambition n'en aurait pas été plus claire. C'est là que le bas blesse pourtant : en se donnant de tels airs d'importance, Magic Position déçoit plus qu'il ne devrait. Si nous avons à faire à un bon disque, il est plutôt du genre qui terminera l'année à la onzième place d'un top ten, surtout quand 2007 commence si fort avec Deerhoof, Dälek et Of Montreal. Le disque n'est jamais meilleurs que sur ces morceaux les plus simplement pop, comme ce "Get Lost" qui évoque les Magnetic Fields de plus d'une façon. On soupçonne que le chef d'oeuvre de Patrick Wolf n'arrivera que quand son auteur ne s'y attendra pas. Reste à espérer qu'il laisse son ambition au vestiaire avant trop longtemps.

L'electronica doit beaucoup à la musique concrète des années 50, ainsi qu'à la musique électronique de la même époque. En gros, deux écoles : d'un côté le fondateur de la musique, Pierre Schaeffer, de l'autre le chantre de l'électronique allemand, Karlheinz Stockhausen. Pour développer disons que le théoricien, écrivain et compositeur français Pierre Schaeffer, fondent le Groupe de Recherches de Musique Concrète en 1948. Au début simple studio d'enregistrement radiophonique, le groupe participera activement au développement d'une nouvelle forme de musique : la musique dite "concrète" qu'il renommera plus tard musique "électro-accoustique" avec la naissance du Groupe de Recherches Musicales (le fameux GRM). De son côté, et quasi-simultanément, Stockhausen, élève d'Olivier Messiaen et de Darius Milhaud, participe à la fondation du "Studio de musique électronique expérimentale" de la Radio ouest-allemande, la Westdeutscher Rundfunk de Cologne. Ces évènements marquaient le début de ce que nous connaissons aujourd'hui sous le terme générique de "musiques électroniques" (au pluriel, comme vous l'avez certainement déjà constaté, ces musiques, techniques et esthétiques étant multiples).

Or, malgré des filiations évidentes aujourd'hui, il y a un monde entre les pièces radiophoniques et l'électroacoustiques des années 50/60, et les compositions abstraites de l'electronica contemporaine d'Autechre, Arovane, Aphex Twin et consorts. Un "océan de sons" que Jeremy Simmonds aka Voafose explore depuis 20 ans. Pour mémoire, Rephlex réédite ces jours-ci une sélection d'archives sonores de ce maître spirituel de Luke Vibert et d'Aphex Twin. Il s'agit là de plusieurs années de travaux dans lesquels la dimension vibratoire d'une electronica bardée d'ondes électromagnétiques est soumise à l'exigence des expériences de Simmonds. Une architecture sonore donc, composée de courtes pièces délicatement instables, baignées de textures issues de bandes magnétiques de récupération, de boucles de moog modular et de dialogues manipulés, dans une ambiance "psychiatrique", comme aime le souligner le compositeur. Etrangement proche, l'univers de Voafose est totalement intemporel. De la poésie sonore en somme. Proche des travaux acousmatiques de Bernard Parmegiani ou Christian Zanési. De la "Muzak Concrete", selon le terme employé pour désigner la "musique au mètre" des années 70, avec laquelle Voafose ose un malicieux parallèle, et voit une pratique cousine et ancestrale de ce que les technologies du XXe et du XXIe siècles ont rendu possible en matière d'édition musicale.

Voafose - s/t (Rephlex/La Baleine)

Les Ch'tis commencent à se donner le mot et le bouche à oreille est en marche : les Tercian, groupe souterrain venu du bassin minier, vont tout renverser sur leur passage et bientôt dépasser les frontières des Flandres. Leur premier album baptisé assez bêtement La Couleur de nos desseins donne un avant goût de ce que peut être un bon groupe en gestation. Le son est lourd et gorgé d'énergie, les mélodies agressives et les textes engagés. La section rythmique évolue un ton au dessus du chant et des guitares, générant une impression de furia et de tension. Les membres de Tercian échangent sur leur site leurs influences : No One Is Innocent, quelques groupes chevelus et Noir Désir en tête. Si les textes sont encore convenus et parfois maladroits, la fraternité avec les premiers pas des Bordelais est une évidence. On aime ainsi la balourdise gauchiste d'Ernesto Selliera, hymne sandiniste anti-MEDEF qui évoque la Mano des premiers temps. Mademoiselle PornoStar tombe à plat dans un créneau plus délicat : l'évocation de la fascination qu'exerce sur les masses une jolie star du porno. Aminata Muscaria joue sur la séduction romantique et adolescente des champignons hallucinogènes. Plus loin, Sandra et Salem étonnent par leur puissance de feu. Le son des Tercian vaut à ce stade plus par la monstruosité de sa basse que par le chant, mais on sent l'engagement total et une vraie volonté d'exprimer la révolte dans les mots du chanteur compositeur. Les quelques récits de concert qui circulent sur le net (et les photos du site) laissent espérer que le groupe a, en plus de ces bonnes intentions, une présence scénique réelle, un potentiel important qui ne demande qu'à se laisser aller.

http://tercian.free.fr/ avec des extraits de l'album à écouter.

J'ai toujours pris comme clairement établi en écrivant sur ce blog certaines choses, parmi lesquelles une certaine intelligence de nos lecteurs ainsi qu'un minimum de culture et d'humour. Par ceux qui nous lisent régulièrement, j'ai bien plus souvent reçu des leçons d'humilité que je n'ai été déçu (je ne tiens pas compte, bien évidemment, des fans de Michael Jackson psychotique qui font aussi tout le charme de Playlist). Si je vous ennuie avec ma petite intro façon "My Way" ce n'est pas que je m'en vais mais juste que j'ai peur d'avoir l'air un peu donneur de leçons en expliquant deux-trois trucs qui me paraissent évident mais que je vois attaquer chaque jour par des bloggueurs et critiques pourtant irréprochables par ailleurs.

Principalement, le problème se cristallise autour de Justin Timberlake : "My Love" nommée chanson de l'année 2006 par Pitchfork, je suis on ne peut plus d'accord, mais qu'est-ce que je me sens seul parfois. L'écouter lui, ou Beyoncé, c'est forcément prendre une pose, apparement. Il semble inimaginable à certains qu'un type cultivé s'intéresse sincèrement à des gens comme ça. C'est ce que je retire en tout cas de blogs comme sexy results où Ian Cohen explique en long et en large, si ça vous intéresse, l'exact inverse de ce que je pense. Pour faire court, il pense que les critiques qui professent leur amour pour Robyn ou Annie pour ne pas se retrouver dans la position de celui qui dans les années soixante snobait la Motown vont contre leur nature fonciérement élitiste. Ils font semblant.

Moi, je veux juste croire qu'on a simplement retenu la leçon de la Motown, et qu'au-delà de l'intérêt clinique de se pencher sur ce qui est populaire pour comprendre un peu mieux notre société, il y a dans la pop contemporaine quelques véritables trucs à aimer sans réserve. Il y a d'abord la production : l'usage de l'espace dans "My Love" ou dans "Me & U" de Cassie, à la fin d'une journée passée à écouter des groupes lo-fi, c'est du caviar pour les oreilles, avec parfois le plaisir pervers de reconnaitre des éléments contre-intuitifs dans une production commerciale, des trucs d'avant-garde que le public avale à son insu (vous voyez, je peux rester élitiste et snob). Au delà des feux d'artifice soniques, cependant, il y a un truc tout simple : si vous vous fermez complètement à la musique pop, que vous refusez de faire la distinction entre la bonne et la mauvaise (car oui, il y en a beaucoup et probablement plus qu'ailleurs), comment pouvez-vous être sûr de votre bon goût ? Comment pouvez vous croire en la sincérité de votre amour pour Deerhoof si vous avez trop peur d'aimer Christina Aguilera pour prendre le risque de l'écouter ? Ou bien êtes vous juste philosophiquement contre les bonbons ?

On croyait qu'il n'existait qu'Optimo ou les poulains de l'écurie DC Recordings pour nous pondre des mix réunissant Johnny Cash, Brian Eno, Can et Ricardo Villalobos. Erreur ! Dans la galaxie Optimo/LCD Soundsystem justement, il existe également (((Thisisnotanexit))), une tribu de freaks mutant disco-punk (plus punk que "disco" par ailleurs), tous fanatiques d'obscurs pépites de rock new wave ou d'electro funk gothique azimuté, qui propose gratuitement pas moins de cinq mix hallucinants sur leur site. La tracklist du dernier en date est particulièrement éloquente jugez plutôt :

1. The Liars - The Other Side Of Mt. Heart Attack
2. Alejandro Escovedo - Sex Beat
3. Jonathan Richman - Egyptian Reggae
4. Prinzhorn Dance School - Monsters (Demo)
5. My Sister Klaus - Privateer
6. The Jesus & Mary Chain - Vegetable Man
7. They Came From The Stars, I Saw Them - ITS TIME (Gay Masters Extended Discomix)
8. The Fall - Blindness
9. Dondolo - Tetanus Crisis (Hot Chip Remix)
10. The Rakes - Binary Love (The Loving Hand Remix - Thisisnotanexit Dub Edit)
11. Arthur Russell - Springfield (DFA Remix)
12. Jah Division - Dub Disorder
13. Blackdown - Crackle Blues (Burial Remix)
14. Kate Wax - Beetles & Spiders
15. Mongrel Wireless - You and I
16. Yo La Tengo - I Feel Like Going Home

Le volume 5 est à télécharger ici. Les autres sont là. Ruez-vous sur le premier si vous ne connaissez ni la reprise du "Vegetable Man" de Syd Barrett par JMC, ni Jah Division, le groupe des excellentes reprise dub de Joy Division.

Une sélection pareil c'est un coup à faire sortir nos amis Flyer, Myosotis ou 2Goldfish en club, un samedi soir ! Cette fois c'est clair, l'axe New York/Glasgow semble bien décidé à faire la nique à Berlin et sa minimale techno (parfois) roborative. Les amateurs de musiques éclectiques dont je suis (et dont vous êtes, j'en suis certains), ne pourront que s'en réjouir. Pour les autres, il y a Rock'n'folk. (désolé, j'ai pas pu m'en empêcher)

Ils jouent très mal du piano.

Pour un groupe de post-rock noisy, Deerhoof est exceptionnellement amical. Auraient-ils trop écouté Justice vs Simian ? Leur album s'appelle Friend Opportunity, il s'ouvre sur cet irrésistible "meet me, meet the perfect me" dont le clip, sans doute filmé chez eux, est désarmant de simplicité. Et plutôt que de jouer le jeu un peu abrutissant du playback ils chantent et jouent directement par dessus l'enregistrement studio. Et même en interview ils sont gentils. Ce n'est pas que je n'aime pas les morceaux compliqués ou les explosions bruitistes, mais l'absence de morgue voire d'agressivité chez Deerhoof est d'autant plus bienvenue qu'elle est inhabituelle.

Ce n'est certainement pas un hasard si Gui Boratto est souvent comparé à James Holden, Trentemoller ou Apparat (liste auquel on pourrait ajouter My My, Repeat Repeat ou Pantha de Prince), soit toute la nouvelle génération de producteurs tech-house à tendance prog-druggy-trancey-electronica. En effet, sur ce Chromophobia psychédélique tout en relief, à l'ampleur rarement atteinte dans le domaine de la techno minimale, ce jeune producteur originaire de Sao Paulo cultive bien des points communs avec ces pairs. Comme eux, Boratto aime la pop, l'ambient, les hymnes à chanter, mais surtout, surtout, comme eux, le brésilien mérite amplement les superlatifs constamment accolés à son nom.
Son intérêt pour les claviers tourbillonnant et légèrement tordus ("Terminal", "Hera") ainsi que pour les afféteries inusitées dans le domaine de la techno (basse new wave, guitare western et violons sur "Xilo", répétitions krautrock et couplet/refrain pop sur "Beautiful Life") le rapprochent en effet des ambiances progressives d'Holden/Trentemoller/Pantha de Prince, mais ce poulain de Steve Bug reste droit dans ces bottes et garde toujours en tête l'axiome "less is more". Ce qui ne l'empêche pas de nous assommer de mélodies virevoltantes ("The Blessing") ou de montées progressives à vous péter les rotules (voir la cinquième minute de "Mr.Decay" !!!). A l'aise dans l'electronica comme dans la transe extatique, Boratto passe tranquillement du bubble bath pixélisé de "Shebang", à la miniature de "Malá Strana" pour s'envoler soudain vers les nappes d'une légèreté glaçante de "Chromophobia", le tout dans un même élan hédoniste et serein. Par ailleurs, Boratto a réalisé la bande originale du film de Fernando Meirelles, La cité de dieu, et cela se sent sur des tracks cinématiques comme "Scene 1". Un morceau d'ouverture au groove placide où la fluidité de ses arrangements participe à l'élaboration d'un paysage sonore tout en mouvement. Sur Chromophobia, Gui Boratto est maître d'une musique énergique et douloureuse comme un amour tombé en plein vol, comme un baiser inachevé, on pourrait en trouver des comme ça à la pelle. Reste que cet album fait parti de ses moments d'épiphanie musicale qui vous font monter des frissons sur tous le corps et dresser les poils sur les bras. On dirait bien que Kompakt vient de signer là un nouvel album d'anthologie, comme le signalait par ailleurs notre ami Isham.
Vous l'avez compris, un petit tour sur le myspace de Kompakt s'impose pour écouter "Beautiful Life", celui de Boratto ne comportant pas de morceaux en écoute.

Gui Boratto - Chromophobia (kompakt/Nocturne)

Al Gore, le Nicolas Hulot américain, est, et ce malgré toute la sympathie que sa nouvelle marotte nous inspire, un gros loser. Sa prédilection pour les combats perdus d'avance, d'abord contre la bonne santé du président Clinton et maintenant contre la mauvaise santé du monde, démontre clairement une peur de la réussite. Même quand il part contraint par les circonstances dans un combat gagné d'avance contre un petit sénateur texan trop extrémiste pour être populaire en 2000, il a trouvé le moyen de perdre. On ne lui en veut pas cependant, il y a des choses bien plus terribles qu'être un perdant.

Cette année, après avoir tenté de changer le monde avec un film documentaire (une méthode qui a déja prouvé son inneficacité à maintes reprises par le passé), Al a décidé de prendre modèle sur Bob Geldof en organisant de grands concerts simultanés sur tous les continents façon Live Aid le sept juillet prochain (le 7/7/7). Ca s'appelera Live Earth (Geldof lui fera sans doute un procès) et parmi les artistes annoncés comme participant, il y aura les Black Eyed Peas, les Red Hot Chili Peppers, les Fall Out Boy et Lenny Kravitz et pas grand monde de mieux.

Je ne me déplacerais pas pour aller voir un seul de ces types, mais c'est peut-être bien l'effet voulu. Muse, par exemple, aurait bien aimé participer mais donne déja un concert ce jour là en Irlande et se rend bien compte du problème moral qu'il y aurait à se rendre en jet à un concert pour lutter contre le réchauffement de la planète. A partir de là, on commence à s'interroger : le light-show pourra-t-il être assuré par des ampoules à basse consommation ? Les toilettes seront-elles chimiques ? Surtout, sérieusement, tous les spectateurs ne viendront-ils pas à ces grands rassemblements en voiture ? Ne serait-il pas plus intelligent, en particulier avec tant d'artistes, d'organiser des concerts plus nombreux et plus petits ? On a déja annoncé que les places seront gratuites pour ceux qui viendront au volant d'une voiture au moteur hybride. C'est bien, mais pas du tout suffisant.

On vous l'avait promis. Le voilà, le clip de LCD Soundsystem (beaucoup l'ont certainement déjà vu, mais passons..). Si "North American Scum" est bien le "Born in The USA" en mode parano-ironique et autodérision du groupe new yorkais de James Murphy, la vidéo en rajoute une couche dans le genre "regardez, on est partout, même dans l'espace on pose nos marques (DFA). Il faut vraiment qu'on foute la merde à chaque endroit où l'on passe." Mais avant tout, "North American Scum" est un mini-hymne electro-disco-punk jouissif, à reprendre en coeur et à tue-tête pour faire chier le monde, TOUT le monde ! (c'est le cas de la dire) : "We are North American Scum ! Lala lalalalaaaaa !" (falseto de rigueur).