Archives > Mai 2007

Alors que l'on ploie sous les nuées néo (nu, növo, néo, ce que vous voulez) disco venu des quatre coins de la planète, difficile de croire qu'il fut une époque où le disco était le genre oni par excellence de tout ce que l'intelligentsia musicale comptait d'esthètes à la petite semaine et de spécialistes auto-proclamés du bon goût. Difficile aussi de se rendre compte à quel point nous avons été bouché pour ne pas nous rendre compte du potentiel contenu en germe dans ce genre roi des années 70. Mélodies foldingues et souvent imparables, roulement de basses, ouverture aux musiques du monde, rythme implacable, usage de tout ce que la technologie de l'époque comptait d'effets et d'instruments délirants, usage du studio comme instrument, passion de l'expérimentation, digressions incontrôlables et dilatation temporelle, le disco contenait pourtant l'essentiel de ce qui fait la saveur de la (bonne) musique de club actuelle, drivée par Playhouse, Kompakt, Deep Space, Italic, Dial, Compost et consorts.

De nuées justement, il est question à propos de Reinterpretations, fabuleux album d'edits et remakes du premier album des papes du néo-disco Norvégiens Lindstrøm et Prins Thomas, initialement sorti sur Eskimo en 2005. Dès l'ouverture, c'est une véritable tornade space disco de plus de dix minutes qui s'abat sur l'auditeur avec la puissance d'un bon dub ("Turkish Delight"). Des circonvolutions spiralées que l'on retrouve sur "Claudio", avec ses échos disloqués, ses basses compressées au maximum et ses volutes orientaux. Habités d'une sincérité qui ne laisse aucune place au doute, Lindstrøm et Prins Thomas peuvent d'ailleurs tout se permettre, même nommer un morceau "Boney M Down" (sic), ou jouer des contraires dans un dialogue chaud et froid comme sur "Tempo Tempo", une pointe de synthé glacée et obsédante, contrebalancée par la langueur d'une guitare aux accents baléariques. Mais hormis ces recettes éprouvées de grands artisans de la transe, les nordiques savent aussi trousser une mélodie pop enjouée sur rythme 4x4 et pondre une vraie déclaration d'amour arrangée d'accords de piano, de cordes synthétiques et d'harmonie exprimant le lyrisme à fleur de peau du disco originel ("Mighty Girl"). Pourtant ce qui excite le plus dans l'art de Lindstrøm et Thomas c'est l'orientation clairement kosmische et krautrock de certaines de leurs compos. Des tracks comme le poignant "Vrang og Vanskelig", pure kosmische planante et poignante, lardée de coup de boutoir kraut (la basse !) et de riffs de synthé bien ventilés, sans oublier "Nummer Fire En" et "Nummer Fire To", le diptyque fatal ! Deux maxis inédits qui forment un authentique continuum space et kraut (plus de 32 minutes à eux deux ! Bishop, c'est pour toi !), une véritable saga psyché rock bâtit autour d'un duo basse batterie implacable que n'aurait pas renié Holger Czukay et Jaki Liebezeit de Can. Soyons lapidaires, Reinterpretations est une pure merveille !

Aussi savoureuses soient-elles, difficile après ça de passer aux sucreries des Munichois de Compost sur leur Black Label Series. Dans la même lignée que l'excellent mix de Jazzanova, Computer Incarnation For World Peace, les Black Labels Series sortent le label de l'ornière nu-jazz insipide dans laquelle il s'était enlisé à la fin des années 90. On oublie souvent que son fondateur Michael Reinboth est un fan de new wave à tendance world, d'italo et de cosmic disco de la fin des années 70 et du début des années 80. Des styles musicaux déjà insolites à l'origine, que Compost hybride avec succès avec la dance music dégénérée des années 80, 90 et 2000 : électro-house, dub spatial, techno-disco, hip hop trancey et baléarique. Ce volume 2 des Black Label Series, qui ravira les amateurs de curiosité comme les masos du dancefloor, propose de véritables bombes du genre, comme l'ultra-efficace "A&R (Llorca remix)" de Studio R. feat Capitol R., un hymne sur lequel on a envie de hurler des vocaux gospel qui n'existe même pas (!), ainsi que des classiques instantanée de géant comme Move D et Patrick Pulsinger. Mention spéciale à "The Clap" du-dit Pulsinger, "Lazise" de DJ Enne, "Lazer Rock" de Phreek Plus One et "Start to Fly" de Wagon Cookin. Une série qui s'annonce active et très riche puisque de nouveaux titres, qui sortiront préalablement en vinyls, sont déjà prévus pour les mois qui viennent. So, stay tuned !

Lindstrom & Prins Thomas - Reinterpretations (Eskimo/La Baleine)
Compost Black Label series 2 (Compost/Nocturne)

Il y a des légendes vivantes, des légendes mortes, des légendes en cours d'apparition et d'autres qui ont du plomb dans l'aile. Le jour du 10ème anniversaire de sa mort, l'étoile de Jeff Buckley n'aura pas brillé plus que les autres jours. Encensé pour son premier album et seul (digne de ce nom) album Grace, le fils du folkeux Tim Buckley (père qu'il aura très peu connu), et surtout pour des séries de concerts hantés, Jeff Buckley est disparu le 29 mai 1997, en pataugeant avec ses gros godillots de randonneur dans le Mississipi. Noyé, corps retrouvé quelques six jours plus tard, la disparition fait alors grand bruit, mettant fin de manière précoce à la carrière d'un homme qui n'avait pas encore donné le meilleur de lui-même (comme on dit dans ces cas là). Les éditions posthumes de concerts, DVD et d'un second album massif (mais pas épuré de ses pires morceaux), Sketches for My Sweetheart the Drunk, n'apporteront pas grand chose au monument. Inspiration avouée (mais surestimée) d'un Thom Yorke, de Coldplay ou des mineurs StarSailor, la "legacy" de Buckley reste et restera vraisemblablement mince. Difficile de comparer les quelques pépites de Grace ("Lilac Wine", reprise, "Eternal Life", "Hallelujah", reprise) à la magie d'une vraie et belle légende underground telle que celle de Nick Drake.

Lors d'un hommage diffusé hier soir sur France Inter (Bernard Lenoir), un mail est envoyé par une auditrice disant : "Pourquoi vous nous infligez ces longues plages musicales d'un type qui chante faux. On dirait que Buckley chante en se marchant sur la queue." Bizarremment, cette critique est peut-être la meilleure description qu'il m'ait été donné d'entendre de ce grand chanteur romantique, écartelé entre soul et pop, capable de grandes envolées lyriques entre le divin et l'insupportable. Comme plus de 10000 personnes maintenant, j'étais parmi les 100 happy few qui l'ont attendu très tard un soir au Passage du Nord Ouest, pour une expérience qui tenait plus de la sensibilité humaine et du fantasme (la fin de l'adolescence) que du prodige musical. Possible que malgré la gueule d'ange et les hurlements de loup, la légende meurt de sa belle mort.

http://www.jeffbuckley.com/

Si Villette Sonique ne commence pas avant le 7 juin, chez Flu, on a décidé de prendre un peu d'avance. Kékécé Villette Sonique me direz-vous ? Festival se déroulant sur les scènes du Cabaret Sauvage, du Trabendo, à la Géode ainsi que dans les parcs de la Villette, cet évènement sonique et iconoclaste avait réussi pour sa première édition l'an dernier à rassembler des artistes comme Faust, Andrew Bird, Stuart A. Staples ou encore le fantasque Katerine. Cette année, la programmation se veut encore plus éclectique, marriant artistes accomplis mais souvent peu exposés et jeunes pousses prometteuses. Ainsi, on retrouvera pêle-mêle la collaboration sulfureuse entre le contemporain Christian Fennesz et le créatif Mike Patton, les lyriques et beaux Mùm, le patriarche Bernard Parmegiani, le multi-facettes Jamie Lidell, ou les mythiques et mystérieux Black Devil Disco Club, qui partageront les scènes avec le folkeux Jens Lekman, le DJ Daniele Baldelli, la jeune Uffie ou encore les fougueux japonais de Polysics.

Plein de bonnes choses à déguster dans les salles parisiennes ou bien sous le temps (que l'on espère) clément dans les parcs de la Villette... A cette occasion, Flu vous offre une radio spéciale Villette Sonique, diffusant des titres d'artistes figurant dans la programmation du festival. A l'image de l'évènement, de bonnes surprises, différentes pour tous les goûts, mais toujours pertinentes et cools, à se mettre dans les oreilles. Electro synthétique, rock nébuleux, folk énergique, découvrez ce qui vous attend pour ce début de mois de juin... Comment ça, ça vous a donné envie ?

http://www.villettesonique.com/

Joystone signe le retour en fanfare ("de jazz" forcément) du psychotique mélomane finlandais Lassi Lehto, plus connu sous le nom de Jimi Tenor ! Bonne nouvelle, le petit blanc se prend toujours pour un hybride de Sun Ra et d'Isaac Hayes "jammant dans un ascenseur", pour reprendre une phrase désormais fameuse. Sur Joystone, Tenor s'accompagne du trio africain Kabu Kabu et nous offre un album particulièrement inspiré, même si pas vraiment original. Oscillant entre afro-beat, funk jazz et pop, Joystone est une grande débandade (enfin, "débander" n'est pas vraiment le mot ici, au contraire, c'est plutôt l'effet viagra) de funk sensuelle et de groove torride. Une fausse bande originale pour film X blacksploitation, relevée d'une pointe de LSD, à l'image du troisème titre, l'orgasmique "I Wanna Hook Up With You". Elevé à la muzaque de superette, au free jazz le plus engagé et aux génériques de série B américaines, Tenor évoque immanquablement les grandes heures de Lalo Schifrin, Tony Braxton ou Pharoah Sanders. Pas original donc, mais tout de même sacrément classe. Le plus étonnant est de voir cet album 100% pur jazz, sortir chez Sähkö le label electro minimal de ses compatriotes finlandais de Pan Sonic. Bien sûr, Tenor fut longtemps un punk à sa manière. Un terroriste sonique doublé d'un expert en saturation, et n'a rien à apprendre en matière d'expérimentation, mais s'il étonne aujourd'hui c'est plutôt par sa passion des fusions et accouplements contre-nature. Le genre "cachet d'aspirine trempé dans du chocolat". Funk moite, coeurs wagnériens, psychédélisme décalqué, riffs de cuivres déjantés, chuchotements orgasmiques, le tout interprété par un mutant blond déluré, habillé en boubou ! A sa manière Joystone bat le appel du free jazz militant des 70's, une résurrection ! Et rien que pour ça, on a envie de dire "encore" et "waouh" ! Welcome to the Tenordome !

Plus soul que jazz, mais affichant tout de même un groove tranquille très seventies (on est pas loin des "docks sur la baie" de chez Otis ), Benny At Home de Benny Sings lorgne plutôt vers les oeuvres d'orfèvres pop d'un Burt Bacharach (pour le côté "whitey") ou d'un Curtis Mayfield (pour l'aspect "nigga"). De "Coconut" qui évoque le soft-rock de Steely Dan, à "I Can't Help Myself", le hollandais Benny Sing pose sa voix nasale et ses rimes placides et décontractées sans jamais oublier ses racines hip hop (genre dans lequel il s'est longtemps exprimé). L'amour bien sûr ("For Your Love", "We'll Make Lovesongs", la très belle ballade "Feathers"), l'introspection ("I Can't Help Myself", "Let Me In", "All I'm Good For"), la ville (le très funky "Blackberry Street", feat. Urita) et les nuits urbaines ("Overnight"), Benny Sings use de toutes les ficelles de la soul tout en propulsant le genre dans le tourbillon de feeling et de sentiments de notre 21ième siècle balbutiant. Tout d'harmonies et de sincérité, les compositions immédiates mais jamais simplettes de Benny At Home font de ce disque un petit trésor discret pour soul lovers, à chérir à deux. A deux ? Oui, car le gros Benny est smooth, le gros Benny est doux, le gros Benny c'est un peu le Yéti de la pub, ou un Barry White Néerlandais, l'emphase, ni le kitsch. Un parfait album pour se réveiller, ou pour crapuler sous la couette.

Jimi Tenor & Kabu Kabu - Joystone (Sähkö/Differt-ant, avril 2007)
Benny Sings - Benny at Home (Sonarkollektiv/Nocturne, mai 2007)

www.myspace.com/myjimitenor
www.myspace.com/bennysings

Pete Doherty, quinze ans, jeune anglais intelligent, drôle et charmeur est interviewé quand il fait la queue pour un album d'Oasis. Ca coupe immédiatement tout éventuel désir d'héroïne.

Il serait temps de reconnaître l'oeuvre de l'Allemand Thomas Weber, fondateur du Kammerflimmer Kollektief (un projet solo devenu véritable groupe au fil de six albums) pour ce qu'elle est : passionnante et émouvante. Et pour cela il ne faut pas se laisser impressionner par le style horror movies japonais de ses abominables pochettes, auquel le groupe (ou Weber) semble si étrangement attaché. Car derrière ce Jinx tout frais sorti, se cache encore une fois un disque à côté duquel il serait dommage de passer pour les plus curieux d'entre vous. Kammerflimmer Kollektief fait partie de ces projets hybrides naviguant entre électro-acoustique, folk, rock, musique improvisée et electronica. A lui seul, un morceau comme "Unstet" sur Absencen le précédent album est un manifeste. Hommage à Jeffrey Lee Pierce (le défunt leader du mythique Gun Club, fameux groupe vaudou punk Angeleno). "Unstet" concrétise toute la démarche du groupe : improviser dans le cadre pourtant étroit du folk, du rock country et d'une certaine idée de la mystique de l'Ouest, ses secrets, ses mystères. Bien sûr, les mélanges de Kammerflimmer Kollektief évoquant parfois un Tuxedomoon country & western ou un Calexico electronica, peuvent en déstabiliser plus d'un. Pourtant, se serait passer à côté de magnifiques albums.

Preuve en est, avec Jinx, dans lequel Weber (guitare, électronique, piano) s'accompagne de ce qui est désormais devenu le noyau dur du groupe, soit Heike Aumüller (harmonium, vocaux, synthétiseur, percussions) et Johannes Frisch (double basse et percussions) pour accoucher d'un album mutant, mélangeant futur, tradition et avant-garde, à la croisée des sonorités d'un Sun Ra des meilleurs jours, et des ambiances ouatés, mais aventureuses, d'un Jan Jelinek ou de Triosk. Malgré l'étalage d'une culture orientée musiques improvisées, live electronic et électro-acoustique savante, Kammerflimmer Kollektief séduit par sa douceur ("Palimpest"), sa folie (l'éponyme "Jinx"), ses compositions tantôt épiques ("Live at The Castus Tree Motel") ou nocturnes et ambiantes ("Both Eyes Tight Shut") ou carrément folk ("Nest"). Ni trop intellectuelle, ni fades, la musique de Kammerflimmer Kollektief émarge encore une fois aux interstices des musiques actuelles, contemporaines et audacieuses et jamais ennuyeuses. A découvrir (sur leur profil myspace par exemple) !

Kammerflimmer Kollektief - Jinx (Staubgold/La Baleine, mai 2007)

Le 24 mai, le Conseil d'Etat a annulé la décision de la CNIL qui refusait à la SACEM et à des associations de l'industrie du disque l'accès systématique aux données de connexion des internautes susceptibles de piraterie. Ces sociétés vont pouvoir renouveler leur demande à la CNIL qui devra, si elle souhaite protéger l'accès de l'industrie du disque à une masse énorme de données privées, trouver un nouveau moyen de justifier une décision identique à la précédente. Tout ce mic-mac pourrait de toute façon être rendu inutile par une loi sur la question promise par Nicolas Sarkozy mais l'arrêt rendu par le conseil d'état que nous dévoile PC Inpact nous apprend les détails de la méthode envisagée pour chasser les pirates.

Une liste de 10 000 titres renouvelée de 10% chaque semaine serait recherchés parmis les fichiers échangés par les internautes. Les internautes ayant mis à disposition illégalement moins de cinquante titres pendant les vingt-quatre heures de connexion controlées recevront un message d'avertissement sur les "conséquences" de leurs actes (on imagine quelque chose de l'ordre de "vous allez mettre Jean-Jacques Goldman et Pascal Nègre à la rue, vous même en prison, votre compte en banque dans le rouge et financer l'attentat terroriste qui tuera votre mère et votre chien").

Les "gros poissons" qui auront mis à disposition plus de cinquante titres seront eux placés sous surveillance pendant quinze jours. Si sur cette période ils mettent à disposition entre cinq-cent et et mille fichiers, ils passeraient devant un juge civil pour une demande de dommage et intérêts et au delà de mille fichiers le juge pénal s'occuperait de leur cas, avec en plus des dommages et intérêts la possibilité d'une amende et d'une peine de prison. La bonne nouvelle c'est que le Conseil d'Etat a jugé que l'accés à ces données dans un but éducatif et préventif ne se justifiait pas, ce qui veut dire que vous pouvez dire adieu aux messages d'avertissement et bonjour aux juges.

Ce système est cependant loin d'être sans failles. Tout d'abord 10 000 titres ça en jette dit comme ça, mais c'est finalement assez peu : j'en ai près de six-mille sur un de mes disques durs (tous, hum, "légaux" bien sûr) et je parierais que très peu d'entre eux figureraient dans une telle liste qui privilégierait vraisemblablement les nouveautés et les chansons les plus populaires. Une raison de plus donc de diversifier ses goûts musicaux. Par ailleurs si vous ne téléchargez que des morceaux de krautrock de vingt minutes, vous avez moins de chances d'être considéré comme "gros poisson" qu'un fan de titres punk rock de deux minutes. Enfin il est de plus en plus facile de télécharger tout et n'importe quoi sur des sites à "sens unique" de type rapidshare pour peu que vous sachiez manipuler un peu google.

Ceux qui, comme moi, avaient été séduits par les deux premiers albums des Cranberries avant qu'ils ne deviennent ce groupe FM insupportable, auront prêté une oreille attentive à l'annonce du premier essai solo de leur chanteuse Dolores O'Riordan. La belle Irlandaise, en vacances de son groupe (non éclaté officiellement), annonçait vouloir retourner avec Are You Listening ? à plus de simplicité et d'émotion. Malheureusement pour nous, le résultat est désastreux et invite à couper définitivement les ponts avec celle qui, en son temps, nous était apparue comme l'une des grandes voix possibles de la pop internationale. L'atout principal d'O'Riordan passe sur cet opus du rang d'arme de séduction à celui d'instrument de torture, multipliant par dix ou vingt le facteur Dion ou facteur Björk qui veut qu'une voix inouïe soit dure à porter sur la durée d'une carrière. Les titres d'Are You Listening démarrent tous à peu près bien et en sourdine avant de s'envoler vers d'insupportables crescendo vocaux et instrumentaux (ah, le gros son des guitares FM qui dégoulinent dans le petit matin!), monstrueux et interminables. Le ton est donné dès l'entame avec le titre "When We're Young" plutôt bien ficelé et qui déraille sur sa deuxième minute en une série de vocalises agaçantes. Rebelote sur "In The Garden", entamé sur un petit tapis piano-violon et qui pose ensuite à l'affreux délire de castafiore. Le syndrome est renforcé par une bonne moitié des autres chansons, si bien qu'on croit entendre une Lara Fabian suraiguë dans la performance vulgaire d'un "Stay With Me", là encore plutôt bien amorcé. Les textes sont empreints de nostalgie, parlent d'amour d'une façon assez plate et la plupart des titres s'appuient sur des mélodies inexistantes ou fébriles. Les démarrages acoustiques de "Accept Things" ou de "Angel Fire" n'arrangent rien et font apparaître les énormes lacunes d'une compositrice qui n'a vraiment pas grand chose à faire valoir.

Avec l'amertume du désamour, on dira juste pour finir qu'on se serait bien passé de ce mauvais moment qui a un peu terni le souvenir qu'on avait du beau Everybody Else Is Doing It, So Why Cant We ? de 1993. En rencontrant Don Burton, mari et ancien homme-clé des Duran Duran, Dolores O'Riordan a gagné l'amour, la starification mais perdu son talent et son âme. Cela nous couperait presque l'envie d'une chute foireuse : Are You Listening ? Plus maintenant. (rires)

www.doloresoriordan.ie

Les amateurs de musiques électroniques improvisées et d'electronica contemplative vont frémir d'aise à l'écoute de September Collective, un supergroupe tout sauf spectaculaire et pourtant ! September Collective c'est la réunion de la Berlinoise Barbara Morgenstern, de Stefan Schneider de To Rococo Rot/Mapstation et du musicien polonais Paul Wirkus autour d'un piano, d'un synthétiseur et de quelques laptop diffusant textures et rythmes. Un vrai groupe donc, mais libéré de toute notion d'ego afin de laisser le plus d'espace possible à la musique.

Tout au long de ses douze titres, All The Birds Were Anarchists fait largement mentir son titre et prouve, au contraire, que les musiques improvisées ont besoin de toute la virtuosité de leurs interprètes pour résonner dans les têtes et dans les coeurs. Loin d'être "anarchiste", les compositions organiques et rêveuses de September Collective sont donc plutôt le fruit de l'interaction et de la complicité entre les intervenants. Un peu à la manière du projet Mapstation de Schneider, ou des musiciens de free jazz, le trio développe ses "impressions sonores", évocatrices et étonnement maîtrisées, malgré la liberté constante dont leur musique fait preuve. Au final, ce free electronic band propose une suite de compositions à la fois mélancoliques et apaisées, minimalistes et foisonnantes. Paradoxales ! Autant dire, une version étrangement désincarnée de cette musique que l'on dit "pop", mais qui selon les intéressés, doit plus aux pulsations binaires des musiques électroniques savantes, ou au minimalisme américain, qu'à la version romantique et idéalisée de ce qu'on nous propose généralement dans le genre. En ce sens, September Collective évoque le meilleur des productions mixtes actuelles pour computer et instruments, un genre dont le jeune label Mosz semble s'être fait le porte-parole depuis quelques temps en éditant les excellentes productions de Forest Jackson (aka Hanno Leichtmann), Pan American ou Christian Fennesz. Une musique libre, que vous êtes invités à personnaliser vous-même, en y plaquant souvenirs et sentiments. J'invite d'ailleurs les plus curieux d'entre vous à visiter le profil myspace des intéressés sur lequel vous pourrez découvrir le très beau "Out Of Intension", parfaite illustration de cette chronique, ainsi que "Das Meer", "Essentialy Unchanged" et l'inédit "Spacer".

September Collective - All The Birds Were Anarchists (Mosz/La Baleine, mai 2007)

Le magazine Rolling Stone livre dans son dernier numéro l'un de ses légendaires classements, souvent critiqués, toujours commentés avec passion. Cette fois, le magazine a élu les Pires albums des Grands Groupes, soit une liste assez amusante d'oeuvres faiblardes de grands artistes (Van Halen ?). Evidemment on pourra arguer que Bob Dylan n'a pas fait qu'un album médiocre, que Bowie n'en a fait que quelques bons, que les Who, enfin, les Who etc.

1. Bob Dylan, "Down In the Groove"
2. Rolling Stones, "Dirty Work"
3. David Bowie, "Tonight
4. Van Morrison, "Beautiful Vision"
5. The Clash, "Cut the Crap"
6. Neil Young, "Old Ways"
7. Van Halen, "Diver Down"
8. The Who, "Face Dances"
9. Elvis Costello, "Mighty Like A Rose"
10. Red Hot Chili Peppers, "One Hot Minute"
11. Crosby, Stills, Nash and Young, "American Dream"
12. Aerosmith, "Rock in a Hard Place"
13. Lou Reed, "Mistrial"
14. Morrissey, "Kill Uncle"
15. Led Zeppelin, "Presence"

Sur chacun de ces naufrages, les admirateurs indulgents diront qu'il y a de "bons moments", histoire de relativiser la nullité ponctuelle de leurs champions. Le mauvais album d'un grand groupe vaudra toujours mieux que l'album réussi d'un mauvais.

Les Concerts à Emporter de la Blogothèque font de plus en plus d'émules : il semble que n'importe qui avec une DV et un compte youtube se lance aujourd'hui dans la production de concerts plus où moins improvisés dans des lieux plus où moins incongrus. Pour le coup, Juan de Juan's Basement fait plutôt partie des bons. La réalisation et le montage sont plutôt soignés et surtout il a filmé Menomena, dont l'album Friend and Foe pourrait bien être notre plus criminelle omission de l'année. Omission réparée, donc, avec ce "Muscle'n Flo" pas moins magnifique en version live brut de décoffrage que dans sa très produite version studio.

Je sais ce que vous pensez : Facile le jeux de mot "Allien - Espace". Je dois l'avouer, j'ai hésité. Mais n'allez pas croire que c'est entièrement gratuit, vous seriez dans l'erreur. D'espace il sera bel et bien question dans cette chronique. En effet, si comme le déclarait récemment Stephan Betke de Pole dans le magazine M&CD, "En terme musical, l'architecture d'une grande ville peut être une influence dans la création d'espaces sonores", alors Ellen Allien en bonne "enfant de la ville" (Stadtkind, en VO, également le titre de son premier album qui sort en 2001) a certainement su capter les vibrations de sa ville, Berlin, et les retranscrire le temps d'un mix sur cette galette 34 de la fameuse collection Fabric. Une ville qui hante toute l'œuvre de l'Allemande, comme Detroit influença un temps tout ce que la techno nord américaine compte de pionniers, Juan Atkins, Kevin Sauderson, Carl Craig, Jeff Mills et consort. Une filiation Detroit - Berlin qui elle non plus n'est pas le fruit d'une savante - ou fumeuse - rhétorique, ni un exercice de style, mais le résultat d'une très longue histoire commune. Une histoire qui commence, comme le savent tous les passionnés, par feu-Tresor, le label berlinois qui vulgarisa cette musique en Europe et bien entendu Basic Channel, la mythique structure des prodiges allemands Moritz Von Oswald et Mark Ernestus. Et il était bien normal que la petite Allemande rende hommage à ses aînés sans qui elle n'aurait certainement pas eu la chance de créer Bpitch Control son désormais fameux label.

C'est donc avec un mix "analogique", deux platines et une platée de vinyles qui "chuchotent" parfois à nos oreilles, qu'Ellen Allien effectue son grand retour après Orchestra of Bubbles en duo avec Apparat. Un mix, qui sans être totalement orienté ambiant techno comme celui de Tobias Thomas, prend tout de même son temps. D'ailleurs, dès "S1 (Don't Believe The Chord-Pop Hype)" de Schubert, une track minimale mais très mélodique avec ses petits gazouillis électros évoquant un concert nocturne de grenouilles en été, les dés sont jetés. Un choix pareil en guise d'introduction, ça n'est pas gratuit forcément. Surtout qu'ensuite l'Allien balance le magnifique "The Sun Can't Compare" (Larry Heard presents Mr White, le tube de l'été ?) et le "Driven" d'Estro, avec son synthé rêveur, son romantisme, et là, ça y est ! Vous y êtes ! En plein espace, ou sur une autoroute américaine entre Detroit et Windsor. Vous voyez les éclairs de flashlights des lampes à sodium qui jouent un effet stroboscopique sur votre pare-brise !? "Driven" est certainement le morceau le plus envoûtant de ce mix. A vous faire dresser les petits poils sur la nuque. Ça commence à monter salement avec Damian Schwartz signé sur M_nus, avec un titre ("Tu y Yo") d'échos et de réverbérations, tout comme le filtré "Orderly Chaos" de Don Williams, qui évoque les meilleurs moments de Basic Channel. Et puis il y a "Sound Stealler" de Melody Boy 2000, qui aurait pu s'appeler "Detroit Stealer" avec ces paroles répétées à l'infini : "Stealing from Detroit, no one cares". Après ça, tout y passe, Wagon Repair avec Cobblestone Jazz (l'hyper hypnotique "India in Me 2 ?"), Aste /Maan de chez Säkhö, Flügel chez Klang, bref que des pointures de tech-house, spacieuses et urbaines. Seul entorse à la règle le progressif Thom Yorke de Radiohead et son "Harrowdown Hill" très bien troussé, on ne peut pas dire. Et puis la belle conclut avec "Arcadia" d'Apparat et "Baby Kate (Plastikman Remix)", mon morceau du moment, sans oublier son "Just A Woman" impeccable. Un final tourbillonnant qui sait rester rigoureux, malgré une certaine douceur rêveuse. Poigne de fer et gants de velours, serait-on tenté de dire. Il y a pas, elle sait y faire, Ellen.

Ellen Allien - Fabric 34 (Fabric/PIAS, mai 2007)

Bob Geldof n'est pas très content de l'existence du Live Earth, le concert du 7 juillet prochain organisé par Al Gore contre le réchauffement climatique en piquant il est vrai le concept des Live Aid/Live 8 de Geldof. Le truc c'est que bien sûr il ne peut pas quand même porter plainte pour plagiat contre une autre organisation caritative, mais ça ne le fait pas moins chier de se voir piquer son fond de commerce pour autant, d'où cette déclaration pleine de rancoeur mal déguisée :

"J'espère que ce sera un succès, mais pourquoi Gore les organise en fait ? Pour nous faire prendre conscience de l'effet de serre ? Tout le monde connait le problème depuis des années. Nous sommes tous (gros mot censuré par ma source) conscient du réchauffement de la planète". Rien à voir donc avec la pauvreté en Afrique dont je n'avais personnellement jamais entendu parler avant de voir Florent Pagny sur la scène Coca-cola du Live 8 parisien en 2005.

"Je n'organiserais Live Earth que si je pouvais monter sur scène et annoncer des mesures environnomentales concrètes des candidats à la présidence américaine, du congrès ou de multinationales. Ils n'ont pas ces garanties, donc c'est juste un énorme concert pop ou la énième fois que Coldplay ou Madonna montent sur scène" Pas du tout encore une fois comme Live 8 où, la énième fois que Coldplay et Madonna sont montés sur scène, la condition de l'africain moyen s'est instantanément améliorée.

L'agence britannique Saatchi & Saatchi est l'auteur d'une campagne d'affichage pour les célèbres chaussures Doc Martens. Nouvelles égéries (rock'n'dead) de la marque : Kurt Cobain, Sid Vicious, Joey Ramone et Joe Strummer. "Nous voulions mettre en valeur le fait que les Doc Martens sont faites pour durer", explique le concepteur Andrew Petch, "et l'on a découvert que ces idoles de la musique les portaient. Les montrer au paradis avec leurs Docs toujours au pied met parfaitement en scène la durabilité des chaussures. Et l'image les érige en icônes". Les droits de ces photos (de Dimitri Daniloff et Christophe Huet) ont été libérés pour la Grande-Bretagne uniquement, nous ne verrons donc pas ces pubs dans le métro parisien...
Est-ce de bon goût ?

EDIT : Doc Martens a remercié l'agence Saatchi & Saatchi et s'est excusé auprès de ceux qui auraient pu être offensés. Les posters n'étaient en réalité qu'une proposition, refusée par la marque, et ne devaient jamais voir le jour. La direction d'Airwair, la maison mère, a précisé que cette campagne ne représentait pas du tout leur société. Les publicitaires ont rétorqué que ces pubs étaient un bel et respectueux hommage aux quatre légendes du punk-rock, arguant du blogging pour partie positif autour de ces photos… 

(Sujet proposé et écrit par Jordan)

"Beautiful Life" est certainement le plus beau tube pop du printemps et c'est un producteur de techno qui le signe ! Pour ceux qui l'avait déjà oublié, Gui Boratto est le producteur brésilien de l'acclamé Chromophobia, un album magique signé chez Kompakt en mars dernier. De ce disque magnifique je disais alors : Gui Boratto est maître d'une musique énergique et douloureuse comme un amour tombé en plein vol, comme un baiser inachevé, on pourrait en trouver des comme ça à la pelle. Reste que cet album fait partie de ces moments d'épiphanie musicale qui vous font monter des frissons sur tous le corps et dresser les poils sur les bras. En revanche j'oubliais de dire à quel point "Beautiful Life" était empreint de shoegazing, ce mouvement musical à la fois timide et sauvage des années 80. Il aurait pu être écrit par Slowdive, c'est dire... La chronique de Chromophobia est ici.

"On va rester très classes et on va retenir l'esprit de Nirvana et emmener Nirvana là où il n'a jamais été avant." Courtney Love, il y a quelque mois lors de l'annonce de la vente d'un quart de ses parts du groupe à Primary Wave Music Publishing.

La relation de Kurt Cobain à sa propre commercialisation était un peu plus ambigüe que ceux qui le voient comme un saint aujourd'hui veulent bien se souvenir. On était tout de même déjà très dubitatif à l'annonce de l'apparition de la chanson "Breed" dans un jeu de baseball, on ne l'est plus du tout devant les figurines et les boîtes à goûter Nirvana. L'esprit du groupe, ils l'ont bien retenu, mais c'était surtout pour qu'il reste loin de son nom pendant qu'ils l'utilisaient n'importe comment. Et je n'ai même pas parlé encore des colliers pour chien.

Pour ma part j'attends avec impatience le fusil très courte portée série limitée Cobain avec canon scié spécialement taillé pour votre bouche et le kit seringue/cuillère/briquet pour ma figurine en résine 25 cm.

J’avoue avoir longtemps cherché les raisons du succès des Arctic Monkeys. J’étais en Angleterre à l’époque de la montée en puissance des tout jeunes Anglais avec leur premier single "I Bet You Look Good On The Dancefloor". Zappage à 2h du matin pour trouver un programme, pour finalement tomber sur CDUK et son classement des singles au lieu du somnolant snooker. Et encore aujourd’hui je me demande comment ce groupe a pu autant cartonner, avec un single fun mais au clip horriblement chiant. Singles accrocheurs, identité lad, jeunesse fougueuse… Bon d’accord. What else ? Rien ? Peu ou prou. Sûr est-il que l’on préfère nettement voir les Arctic Monkeys en tête des charts plutôt que James Blunt et autres Pussycat Dolls. J’ai arrêté de chercher pour ma part, autant pour The Libertines, sans adhérer aux éloges, je peux concevoir leur portée (avec une grande réserve.. hem hem), autant pour les Arctic Monkeys, leurs qualités sont bien évidemment à reconnaître, mais leur statut de nouveaux prophètes à l’accent cockney ?...

Peut-être un élément de réponse va-t-il surgir grâce au second opus des anglais Favourite Worst Nightmare. Pour ceux qui avaient aimé Whatever People Say, That’s What I’m Not pour sa sensibilité sous-jacente sous les strates de guitare, les quelques mélodies finaudes témoignant d’une authenticité touchante comme sur le beau "A Certain Romance", la première écoute de ce nouvel album risque de s’avérer quelque peu difficile de prime abord. Les grosses guitares bien balourdes prennent ici encore plus le pas, rajoutant un lest sonore conséquent et notifiable comme sur le single "Brianstorm". Toujours pressés et toujours en-dessous des quarante minutes, ce nouvel album s’écoute, puis… Rien. On n’en retient pas grand chose, pas de grosses mélodies, pas d’étendard suscitant une folle envie de pogo, pas de montée d'adrénaline, tout juste un dodelinement de la tête. Musicalement Favourite Worst Nightmare sonne un peu mieux sur la longueur que son prédécesseur, mais manque cruellement de singles pour marquer les esprits. L’album passe à une vitesse fulgurante, si vite qu’on ne retient que quelques bribes sympathiques ça et là, même après plusieurs écoutes. "D Is For Dangerous" est je crois sympathique, "Old Yellow Bricks" aussi il me semble... Un des rares très bons moments de cet album est la chanson "Fluorescent Adolescent" où l’on y retrouve cet Arctic Monkeys qu’on aime, ce refrain et cette mélodie pop, ce granuleux timbre d’Alex Turner, ce délicieux accent qui sent le fish’n’ships, porte des survêts, va jouer au stade le dimanche, se rend au pub pour mater la Premier League et nous fait miroiter cette Angleterre génitrice de songwriters pop à la sensibilité mal cabossée. Ca doit être cela qu’ont vu ses milliers d’anglais et qui a hissé phallacieusement ce groupe de jouvenceaux sur les mêmes marches que les Jam ou les Clash, cette capacité à parler à l’Angleterre comme Ken Loach le fait avec ses films, et dépeindre par petites touches une histoire, une culture, une vision so british. Dommage que cela n'apparaissent que par intermittence pour les Arctic Monkeys. Cette culture de la pop que nos camarades d'outre-Manche embrassent sans trop de manière, et qui fait que lorsqu'en France nous avons Vitaa et Fatal Bazooka, les Britons eux ont les Arctic Monkeys ou Amy Winehouse.

Arctic Monkeys - Favourite Worst Nightmare (Domino, avril 2007)

Voici venu les quatre cavaliers de l'apocalypse math rock ! Vous connaissez Anthony Braxton, le fameux compositeur de free-jazz, multi-instrumentiste (pianiste, percussionniste, saxophoniste...) et grand promulgateur de l'improvisation libre ? Et bien Tyondai Braxton, le frontman de Battles, est son fils ! Ce qui explique beaucoup de choses. Entre autre, le goût immodéré du groupe pour l'aspect free, les enchevêtrements rythmiques, l'hybridation des genres et l'improvisation savamment orchestrée. Si l'on ajoute à cela la présence de John Stanier, l'ex-batteur de Helmet, le groupe hardcore des 90's (proto-mathcore pourrait-on dire) ainsi que de l'ex-Don Caballero Ian Williams, on comprend mieux le pourquoi et le comment des choix artistiques et des prises de risque de Battles. Du math rock chez Battles, on retrouve bien sûr la complexité des constructions et surtout, des déconstructions, mais également les enchaînements de break savants, de riffs escarpés et de mélodies trippées. Du post-rock, on retient les influences du free jazz, de l'afro-beat (Fela n'est jamais loin dans Mirrored), du hardcore américain des années 90 et de la world music. Pour autant, et contrairement à ce que certains ont pu en dire, Mirrored n'est pas un disque de "jazz rock" ! Et ça, c'est plutôt une très bonne surprise d'autant que leurs deux précédents e.p. BEP et EPC, abrupts et froids, ne nous avaient pas franchement convaincu.

Ce qui est évident dès les premières notes, c'est la filiation Liars/Animal Collective. Un rapprochement qui s'impose immédiatement non seulement d'un point de vue géographique (ces groupes sont voisins de paliers, ou presque) mais aussi d'un point de vu sonore. On trouve dans Mirrored la même folie, la même quête de renouveau et d'innocence. A une différence près pourtant. Au contraire des premiers, la musique de Battles est bien souvent lumineuse et enjouée, même si complètement déjantée, et par opposition aux seconds, elle est parfaitement contrôlée, tout en gardant assez d'espace et de liberté pour respirer. "Rainbow" en est le parfait exemple. Mais surtout, par delà ses qualités intrinsèques, relevant principalement d'une habilité technique et d'une maîtrise à toute épreuve (qui aurait pu se révéler saoulante sur la durée), Mirrored contient un vrai tube, ce qui est assez rare dans le domaine de la musique d'avant-garde pour être noté. Cela explique certainement aussi son retentissant et inattendu succès médiatique. Je veux parler d'"Atlas" bien sûr. Un pur moment de folie frénétique et chamanique. Une ritournelle à la fois diabolique et innocente, grisante mais difficile, et pourtant, soyez sûr qu'après deux ou trois écoutes (qui vous laisseront certainement incrédule), vous ne pourrez plus vous en défaire et vous vous surprendrez à imiter les cris égarés de Braxton, ou à chantonner cette litanie exaltée.

Ce qui nous amène à la dimension chamanique et tribale de Battles, dont les racines plongent bien évidemment dans le free jazz et par là même, dans l'héritage fantôme de l'Afrique, sa polyrythmie, sa sauvagerie, sa transe, illustrées entre autre par "Prismism", petit insère en forme de rappel séparant l'hypnotique "Bad Trails" et le très math "Snare Hangar" avec ses yodels pygmés. Enfin, Mirrored contient aussi de très belles "chansons", même si le terme peut sembler éculé pour décrire ses compositions dingos. On peut au moins dire que les Battles savent trousser d'envoûtantes mélodies. On pense à "Atlas" bien sûr pour son côté entêtant, mais aussi à "Race In" et ses faux airs d'Ennio Morricone, à "Tonto" et son intro délicate, à "Leyendecker", son rythme lourd, ses nappes, son chant extra-terrestre. Quant aux autres, "Race Out", "TIJ" ou "DDiamondd", ils dégagent une énergie et une folie rarement égalée sur disque depuis Funkadelic, Sly And The Family Stones, Sonic Youth, TV on The Radio ou Don Caballero. A ce propos, ceux qui auront la chance d'assister à ce déchaînement sonore, sur scène, le samedi 26 à la Maroquinerie, risquent bien de rester durablement scotchés puisqu'on annonce des concerts surpassant largement l'album. Ne ratez pas ça ! Quant à Mirrored, il est intégralement en écoute sur le profil myspace du groupe.

Battles - Mirrored (Warp/Discograph, mai 2007)

Battles en concert le 26 Mai 2007, le samedi de 19h30 à 21h30 à LA MAROQUINERIE, 23 Rue Boyer, 75020 PARIS.

Il est temps de laisser tomber Nouvelle Vague pour écouter The Bird and The Bee. Une musique rafraichissante qui fait du bien au gosier et avec une bonne dose de soleil pour bronzer un peu (oui, vous avez une petite mine je trouve !). Pour vous donner une idée plus précise, The Bird and The Bee c'est le croisement presque idéal entre Nouvelle Vague et Au Revoir Simone.

Ah oui et au passage, j'ai aussi une petite poignée de places pour le concert privé qu'ils vont donner mardi 29 mai ! Profitez-en c'est leur première date en France. Un mot doux ici et vous avez vos places pour deux personnes.

www.myspace.com/thebirdandthebee

La classe totale, le groupe vous attend avec sa voiture...

Maintenant que notre période éléctorale est terminée nous allons enfin pouvoir nous intéresser à celle qui approche outre-atlantique, sur laquelle nous allons pouvoir reporter notre consternation, nos espoirs et surtout notre sentiment d'impuissance pour les mois à venir. Le mieux est sans doute encore de regarder ça avec la distance que permet la résignation (ou l'inverse) et de l'apprécier comme on apprécie un beau sport de combat ou une partie d'échec pas très subtile. On peut aussi profiter de la moindre miette qu'on nous lance et voter pour la chanson de campagne d'Hillary Clinton (qui n'a pas encore reçu l'investiture démocrate). Hillary laisse le choix aux visiteurs de son site entre neuf chansons (plus une case de suggestion libre, c'est sympa) :

City of Blinding Lights - U2
Suddenly I See - KT Tunstall
I'm a Believer - Smash Mouth
Get Ready - The Temptations
Ready to Run - Dixie Chicks
Rock This Country! - Shania Twain
Beautiful Day - U2
Right Here, Right Now - Jesus Jones
I'll Take You There - The Staple Singers

S'il faut se placer du simple point de vue musical, il faut bien sûr voter pour "Get Ready", chanson de Smokey Robinson écrite pour les Temptations en 1966. Sauf que nous parlons ici de politique, pas d'art, et qu'Hillary a été pas mal critiquée dernièrement pour avoir de façon assez transparente tentée de séduire la communauté noire alors que, soyons réaliste, elle ne battra jamais Barack Obama sur ce terrain là. KT Tunstall est aussi un choix que je déconseillerais à cause de rumeurs sur sa sexualité dans les journaux à scandale qui prêteraient le flanc à l'autre camp.

Cette élection se gagnera au centre, mais on déconseillera fortement U2 car outre le fait d'être un choix ultra-convenu, il porte son lot d'ambigüités indésirables en la personne de Bono, grand pote de George W. Bush. Les Dixie Chicks par contre semblent un choix judicieux puisque après avoir été mise au ban pour leur prise de position contre le président sortant elles ont effectué un retour triomphal une fois que l'Amérique a rejoint leur avis. Elles jouent en plus de la country et sont de jolies jeunes femmes, bref elles envoient plein de bons signaux dans tous les sens, je regretterais presque d'avoir voté pour les Temptations.

Ceux parmi vous qui suivent l'actualité de Kompakt se souviennent peut-être de Smallville et Für Dich (moins réussi) dans lequel le pape de l'ambient techno Tobias Thomas nous déroulait déjà le tapis rouge avec une sélection aussi somptueuse que pointue, oscillant entre downtempo, electronica, ambient et minimal, ses choix allant d'Anders Ilar à Jan Jelinek (dans un mix, il faut osez), Superpitcher, Forever Sweet, Kaito ou Dntel. Les autres, ceux qui découvriront Thomas avec Please, Please, Please (et je les envie) resteront certainement scotchés devant l'audace du bonhomme, son talent et sa sensibilité. Outre une sélection impeccable affichant Pantha du Prince, Ricardo Villalobos, Vulva String Quartet (en fait Hanno Leichmann), Stella ou Reinhard Voigt, Thomas fait preuve d'une élégance naturelle et d'une grâce qui habite son mix de bout en bout. Un mix qui en plus d'être parfait, recèle bien des surprises, mais on y reviendra.

Réalisé à l'ancienne, sans fioritures, avec deux platines et une platée de vinyls (qui craquent et crachouillent parfois, quel bonheur !) au studio 672 à Cologne, haut lieu du son Kompakt, Please, please, please, est le troisième volume de la trilogie entamée avec Für Dich en 99. Rivé au concept d'ambient techno et d'atmospheric house, Thomas s'élève très haut dans les sphères du groove planant. Dès les dix premières minutes ("Butterfly Girl, Pantha Lost The Beat Version" de Pantha Du Prince, et "Was Ist Zuviel Zeit ? Dub" d'Adolf Noise) l'auditeur attentif (écoute au casque ou bonne hi-fi conseillée) est emporté dans une autre dimension. Les clochettes de Pantha, les borgnonymes en allemand d'Adolf Noise, les cliquetis, les nappes, l'espace sonore qui s'ouvre autour de vous et se referme dans une pulsation infinie : tout est mis en place pour accueillir le lent mouvement giratoire qui va progressivement habiter ce mix. Et Thomas sait y faire quand il s'agit de poser une ambiance. Langoureuse et nonchalante, mais aussi inquiétante (Krause Duo, Johannes Heil), les ambiances s'enroulent les unes dans les autres à la manière d'un trip psychédélique (Ricardo Villalobos), pour finir sur la pop électronique de Brant ("Last Night Dreamt That Somebody Loved Me", Ada mix) et Stella ("Dreams"). Et si vous y regardez d'un peu plus près, vous constaterez que le premier est en fait l'incarnation de Johnny Marr des Smiths et que les seconds nous gratifient d'une reprise de Stevie Nick de Fleetwood Mac. Je vous avais bien dit qu'il y aurait des surprises. Au final Please, Please, Please se révèle addictif et totalement hypnotique. La grande classe !

Tobias Thomas - Please, please, please (Kompakt/Nocturne, mai 2007)

www.myspace.com/tobiasthomas
www.myspace.com/kompakt

J'ai très rarement participé à des pogos. Je me considère comme une petite nature et je n'ai pas peur de crier mon amour pour Belle & Sebastian (ce qui fait de moi un centriste sexuel paraît-il) mais je ne dis pas non plus non systématiquement à un peu de sueur et de salive, m'arrêtant tout de même avant le sang. Le problème c'est que dans la plupart des concerts auxquels j'assiste les gens restent peu mobiles, ou bien ils dansent comme des idiots. C'est que si un groupe sur deux depuis quelques années débarque avec une variation du slogan "indie kids can dance too !", ces fameux indie kids eux n'ont pas vraiment appris à danser. L'an dernier un concert de TV On The Radio à l'Ubu fut une des expériences musicales les plus physiques que j'ai vécu, pourtant mis à part une jolie jeune fille avec qui nous nous sommes énervés un peu sur "Wolf Like Me", le public est resté dans sa bonne vieille habitude de remuer mollement en gardant le regard fixé vers le chanteur.

Dans les rares occasions où ce public de coincés du cul et un autre plus remuant comme celui du métal se croisent, pour un concert des Queens Of The Stone Age ou d'Isis par exemple, le pauvre indie kid est souvent désemparé. S'il y a une chose qu'il sait cependant, c'est qu'on peut tout apprendre sur internet, aussi en prévision de la saison des festivals qui nous plonge souvent dans une foule disparate aux attitudes très différentes d'un concert à l'autre, voici une page Wikihow très complète de conseils pour votre dépucelage de pogoteur. Tant que vous y êtes vous pourrez aussi apprendre comment devenir punk et comment apprécier le Death Metal, deux savoir-faire sûrement très appréciables en ces temps de revalorisation de la valeur travail.

"Kosmische" en allemand, c'est l'expression consacrée pour désigner la version planante et électronique du krautrock. Des formations mythiques comme Tangerine Dream (voir leur fameux Zeit de 1971), Cluster (particulièrement Zuckerzeit en 74) ou encore Klaus Schultz période Cyborg ou Blackdance, restent les maîtres incontestés, ainsi que les parfaites illustrations du son typique de la kosmische musik. Stephan Bodzin étant allemand, il n'est donc pas vraiment étonnant de le voir perpétuer la tradition avec autant de talent, même si certains préfèreraient voir dans son premier album Liebe Ist... l'ombre tutélaire de l'anglais James Holden. James Holden et sa techno progressive teintée d'electronica, étant lui-même grand amateur de kosmische allemande des 70's, l'explication semble évidente, la filiation également et la boucle est ainsi naturellement bouclée.

Mais "kosmische" vous l'aurez compris, c'est aussi "cosmique" en VF, et cosmique, la musique de Bodzin l'est véritablement. "Trancey" même, d'où certainement, l'affiliation facile au son Border Community, Holden/Fake, même si le bonhomme n'a vraiment de leçons à recevoir de personne. Et c'est bien normal, car malgré une relative discrétion dans le who's who house et techno, l'allemand est loin d'être un novice. Après des années passées à exercer ses talents de producteur pour des pointures comme Marc Romboy ou Thomas Schumacher, ce compagnon d'Oliver Huntemann, pour lequel il fait également office d'homme aux manettes, se décide enfin à privilégier sa carrière. Avec plus d'une dizaine de maxis parus l'an dernier sur des structures aussi variées que Gigolo ou Datapunk, Stephan Bodzin sort donc enfin un Liebe Ist... largement attendu par les initiés de l'électrosphère du monde entier.

Précisons tout de même que ce spécialiste des faux départs a bien failli nous décevoir sur "Mondfahrt" et "Planet Ypsilon", les deux premiers morceaux pas vraiment emballant d'un album pourtant impeccable. L'exercice reste malgré tout intriguant dans sa tentative d'union de glitch electronica et de rythme 4x4, laissant entrevoir une véritable techno du 3ème type dont on comprend qu'elle ait séduite les amateurs de Border Community. Mais qu'à cela ne tienne, même les faux départs, Bozdin sait les exploiter à fond. Mieux, il en joue ! Il suffit de se laisser emporter par l'éponyme "Liebe Ist..." pour en prendre la mesure, une track aux nappes rappeuses dans laquelle l'Allemand tient son auditeur en haleine durant près de 6 minutes pour littéralement nous exploser la tête à la septième. Un exercice de saturation que le producteur semble apprécier puisqu'il bâtit une bonne partie de son album sur cette recette. Bozdin a d'ailleurs une façon bien à lui de développer ses titres, imposant une tension impressionnante plombée de basses roulantes, de nappes terrifiantes ("Fahrenheit", "Kerosene" - wouah !) toute en progression dramatique et en montée diabolique (voir "Turbine" le bien nommé). L'ensemble, on y revient, est clairement cosmique ("Luka Leon", "Meteor") et complètement trippé ! Globalement, on ne se lasse pas de le dire, Liebe Ist... est une des excellentes surprises de ce printemps, et croyez-moi, même s'il y en aura d'autres, gageons que cet album restera parmi les tous meilleurs de 2007. Et qui sait, un petit tour sur son profil myspace suffira peut-être à vous en persuader...

Stephan Bodzin - Liebe Ist... (Herzblut/Cyber, mai 2007)

Oulah, oulah, un peu d'attention dans les rangs les enfants. Deux concerts sont à noter dans vos tablettes à la Maroquinerie (23 rue Boyer, Paris 20ième) cette semaine, dans le cadre du festival Lo-Fi Folk. D'une part les français de Steeple Remove, dont nous avions déjà parlé ici, le 22 mai (demain !) à 19 h 30, d'autre part, si comme moi vous aviez totalement craqué sur le folk rock ténébreux de Fire In The Distant Buildings, l'excellent second album de Gravenhurst (alias Nick Talbot) et son non moins excellent EP Black Holes in The Sand (tous deux disponible chez Warp), vous ne pouvez décemment pas rater le concert du jeudi 24 mai au soir (19h30 again). Présence obligatoire (LovelyRita tu as entendu ?), il y aura Interrogation écrite lundi ! Allez ranger vos cartables, vous pouvez sortir ! Et pour les étourdis qui auraient déjà oublié Gravenhurst, un petit tour sur son profil myspace s'impose, et on ne traîne pas des pieds s'il vous plaît ! Pour les autres, imaginez Jesus & Mary Chain période Darkland et Mazzy Star période So Tonight That I Might See jouant au sein du même groupe (pendant que les gars de Slint font les roadies), alors ça y est, ça vous parle ?

Trois ans après le très réussi Let it die, revoilà la jolie canadienne Leslie Feist pour son troisième album, The Reminder. The Reminder ? Peut-être que la chanteuse veut nous rappeler qu’elle est bourrée de talent et dotée d’une voix splendide ? Ou bien pour nous remémorer pourquoi l’on a tant aimé Joni Mitchell ou Chan Marshall ? The Reminder ou bien tout simplement pour remettre sur la table une certaine idée du folk, un folk reconstruit à partir de ses bases, une musique simple étoffée et mis au goût du jour, loin des expérimentations freak-folk, plus proche de Billie Holiday que de Devendra Banhart. Dans la lignée de Let It Die, Feist déroule et fait ce qu’elle sait faire de mieux. Formule magique lui permettant d’invoquer les plus pures émotions sans jamais tomber dans le pathos ni dans le misérabilisme facile, la Canadienne s’affirme sur ce nouvel album. Les titres rythmés et catchy à la Belle And Sebastian ("I Feel It All", "My Moon, My Man") font leur effet pour à la fois attirer l’oreille et faire s’insinuer cette nuance mélancolique, ce petit grain de recul et d’auto-appréciation. Car à cela s’ajoutent des ballades, plus langoureuses, plus intimistes, comme le titre d’ouverture "So Sorry" qui invoque les œuvres de Cat Power ou bien comme sur "The Water" où l’émotion pure prend le dessus, sans déchet, sans habillage superflu. Ainsi, "The Park" remporte la palme, frêle, imposante et affreusement belle à pleurer. De l’écriture fine à son accompagnement lo-fi, ce bijou laisse à Feist la possibilité de pousser la voix pour mieux nous atteindre.

Feist était accompagnée à la production par ses comparses Renaud Létang, Gonzales, Jamie Lidell et Mocky, l’enregistrement s’est voulu épuré et naturel presque dans des conditions de live. De touches gospel teintées d’une sensibilité et d’une justesse de circonstance, comme sur "Sea Lion Woman" ou "Brandy Alexander", Feist parvient à injecter diverses influences, créer une œuvre cohérente et à la fois évolutive empêchant l’ennui ou la monotonie, ou pire, la répétition inhérente parfois au lo-fi. Feist enrichit son The Reminder de ces vivaces hymnes élégiaques, aux contours tendres et souffreteuses, mais presque toujours rempli d’une empathie et d’un optimisme vital. Simple et modeste, mais à la portée universelle de par l’humilité de Feist, l’album est néanmoins marqué par sa présence inamovible. Une force douce qu’est cette Leslie, comme pour faire passer les vérités du monde au travers de sa musique, comme si elle s’adressait aux grands enfants que nous sommes tous, les sentiments universels dont nous avons tous conscience mais qu’il est bon de nous remémorer quelques fois. « One, two, three, four / Tell me that you love me more » C’est aussi simple que ça.

Feist - The Reminder (Polydor/Universal, avril 2007)

La pochette est moche (volontairement), le disque ne compte que deux plages nommées "Xaxapoya" et "Dead Voices In The Temple Of Error" et le groupe s'appelle Von Spar, un nom probablement allemand : ça sent la choucroute. A peine l'intro entamée, c'est-à-dire au bout de quelques minutes au rythme choisi par le groupe, nos soupçons se confirment, Von Spar joue bien du krautrock. On pourrait bien aussi parler de post-rock, la différence est parfois bien mince, davantage géographique que musicale. Enfin bon, dans un premier temps on pense surtout à Can, qui a pratiquement inventé la choucroute. Ensuite on pense aussi que c'est très bien, vraiment. Puis on repense à Can encore et on se dit que tiens, ça ressemble beaucoup quand même : rythmiques tribales, chant entre imprécations et incantations et guitare qui s'enroule autour des autres instruments comme un fil barbelé. Est-ce bien élevé de marcher si fidèlement dans les pas d'un groupe qui a eu la politesse de ne jamais s'approcher de ceux de ses aînés, de même ne jamais revenir sur les siens ? Est-ce que le fait que Von Spar le fasse si bien doit entrer en ligne de compte ou ne faut-il pas se laisser séduire ? Les vingt minutes de "Xaxapoya" ne suffisent pas à répondre à une question finalement un peu oiseuse.

"Dead Voices In The Temple Of Error", le morceau suivant, fait un bond dans le temps saisissant. Si les choses commencent assez prévisiblement par des collages sonores vintages qui sentent bon la bande magnétique, assez vite ils se retrouvent remis en contexte par un accompagnement post-rock très Slint. 1991 donc, pas vraiment le présent mais on se rapproche. De là, la suite sera tout en évolutions organiques : on passe du post rock au death-metal puis au free... j'allais dire free jazz par réflexe, mais c'est plutôt du free tout court, sur un passage qui évoque les moments les plus déstructurés de Can genre "Aumg". Le mélange est peut-être un peu plus inédit, mais les ingrédients sont connus : Von Spar est dans le camp des suiveurs. Ce n'est peut-être pas le plus glorieux, surtout vis-à-vis des défricheurs kraut qui ont inspirés déjà plusieurs générations de musiciens presque aussi originaux. Sauf que bien peu ont réellement été aussi loin que ces pionniers en rejetant le langage pop traditionnel, sa structure et son prétendu sens, ce dont Von Spar n'a visiblement que faire. Nostalgie, donc, peut-être, mais nostalgie d'une époque qui n'a pratiquement pas existé et foutue piqûre de rappel de radicalisme free.

Von Spar - Xaxapoya/Dead Voices In The Temple Of Error (Tomlab, mai 2007)

Le nouvel album des Beastie Boys qui sortira bientôt sera instrumental et, au vu de cette première vidéo pour le titre "Off The Grid", c'est une excellente nouvelle ! Les choses commencent assez doucement avec un funk plutôt tranquille et chaleureux façon The Meters et gagnent progressivement en puissance pour finir en jam P-Funk d'une grande classe. En plus, comme toujours avec les Beasties, la vidéo est elle aussi très bonne, toute en classe et simplicité. Auraient-ils enfin trouvé comment vieillir ?

Histoire de changer de décor et afin de se mettre en jambes avant les nombreuses sorties électros qui nous attendent, je vous propose un petit tour du côté des beaux-arts, ou plutôt des arts graphiques. Dans le domaine de la musique électronique, les amateurs savent combien cet aspect est important. On parle régulièrement des prouesses de tel ou tel studio, de l'identité visuelle de tel ou tel label, du "style" Warp, M_nus, Gigolo, Bpitch ou Ninja Tune (pour ne citer que les plus connus). De nombreux dossiers ont été réalisés sur Designer Republic, à l'origine de l'identité visuelle de Warp, etc. Pourtant, on oublie souvent Ant-Zen et sa sous-division Hymen, l'une des structures les plus typées graphiquement et surtout, l'une de celles qui connaît une évolution des plus intéressante depuis ces dernières années.

Douze ans déjà que les afficionados de musique électroniques expérimentales et extrêmes vibrent aux rythmes, souvent sismiques, des productions de ce label allemand. Au cours des années 90, Ant-Zen a largement contribué au renouveau du genre "industriel" et a particulièrement participé à l'émergence d'épiphénomènes entourant cette musique, comme le dark-ambiant, le dub-indus, le drill'n'bass (forme extrême de drum'n'bass et de break-beat) ou la techno-industrielle et la minimale dark. Ant-Zen est très mal distribué en France et c'est bien dommage car depuis le début son fondateur Stefan Alt, également graphiste et photographe a développé une véritable marque de fabrique qui place aujourd'hui sa structure au même niveau que des labels surmédiatisées comme Warp et consorts. Fort d'une imagerie immédiatement reconnaissable, Ant-Zen s'est fait une réputation qui doit autant à ses choix artistiques en matière de musique qu'à son art du packaging. Une prépondérance de l'image qui en dit long sur les ambitions du label, soit produire une musique cinématique, puissamment évocatrice et futuriste pour laquelle l'aspect proprement artistique est un support indispensable. Ses signatures, Venetian Snares, Lusine, Merzbow, P.A.L., Synapscape, Converter, Gridlock, Imminent Starvation, Black Lung, Snog, Wromb, Silk Saw, Beefcake ou le fameux projet Scorn de l'ex-batteur de Napalm Death, Mike Harris, sont le gage d'un univers sonore unique, entouré d'un habillage qui ne l'est pas moins.

Photos au caractère évidemment mélancolique, visions post-apocalyptiques de (non)lieux abandonnés, détails de carrosseries, de bâtiments vides, d'ombres inquiétantes, mais aussi véritable petits trésors et objets collectors sous forme de pliages en origami, de pochettes cartonnées granuleuses, de mini-CD ou concept album (comme le superbe "Time Hunter" de Merzbow offert avec un organiser en cuir dans lequel se nichent quatre petits CD), Ant-Zen a toujours mis le visuel au même niveau que l'audible proposant ainsi une alternative au format CD uniformisé, banalisé et plutôt laid. Une vision qui a logiquement évolué au fil des années, tout comme les productions du label. Du design pro-indus, ou post-industriel, les visuels d'Ant-Zen, et particulièrement ceux d'Hymen, le sous label electronica, sont devenus plus organiques au fil des années.

Mais comme les images sont souvent plus fortes que les mots, je vous propose de visiter les deux sites, Ant-Zen et Hymen, sur lesquels Stefan Alt propose de découvrir ses productions, musique et design, sous forme d'albums photos, de fonds d'écran ou de pochettes de digipack, particulièrement bien mis en valeur. Vous pouvez également visiter les profils myspace des deux structures afin d'avoir une idée plus nette de la musique proposée. Amateur de clickcrrr, de bruizzz, de crouick et de bjiiiiiizzz, à vos postes !

www.myspace.com/antzen
www.myspace.com/hymenrecords

Depuis la sortie de leur premier album fin janvier 2007, Hats Off To The Buskers, The View est omniprésent sur la scène médiatique anglaise. Originaires de Dryburgh, charmante cité écossaise proche de Dundee, les jeunots qui forment le groupe (19 ans de moyenne d'âge) sont présentés comme les nouvelles stars du rock tendance "nouvelle vague post-punk", dans la lignée des Arctic Monkeys, la filiation des Libertines mais aussi dans celle, devenue beaucoup plus enviable désormais, d'un groupe "majeur" comme... Oasis. C'est d'ailleurs le producteur Owen Morris, producteur d'Oasis et The Verve, qui a assuré la production du premier album de The View. Le groupe a pu, en outre, bénéficier d'une rencontre réussie avec le gentleman junky Pete Doherty, lequel, en tournée écossaise, est tombé en admiration devant le duo de chanteurs (tiens, tiens) Falconer/Webster, au point de les emmener en tournée royale avec ses Babyshambles dans toute l'Ile. Servie par deux singles de haute volée - l'énergique "Wasted Little DJs" et l'oasien "Superstar Tradesman"- et un beau scandale (Falconer a connu l'insigne honneur de se faire serrer par les flics avec le maître Doherty et ses sachets de poudre à laver), la musique des jeunes Ecossais a déboulé direct en tête des charts en janvier.

Hats Off To The Buskers ne déçoit pas et s'affirme, en effet, comme le premier essai tonitruant et affreusement catchy d'un rock qui, depuis les Artic Monkeys, veut distraire, faire danser et sautiller, tout en essayant d'évoquer la réalité des cités anglaises. Dans ce registre, The View réussit pleinement son oeuvre, livrant pas moins d'une demie-douzaine de tubes instantanés, dont l'univers rappelle un croisement de Supergrass (pour la vélocité) et des Libertines (bien sûr), la poésie en moins. Sur "Jeans", le groupe fait ce qu'il y a à faire mais ne pourra jamais aller plus loin que de présenter quelques observations tirées de sa vie quotidienne : "I've had the same jeans on for four days now / I'm gonna go to a disco in the middle of the town / Everybody's dressing up, I'm dressing down". C'est encore un peu court pour rivaliser avec ses aînés, mais il y a une fougue sur des titres tels que "Skags Trendy", "The Don" ou "Claudia" qui vaut toutes les paroles du monde (ou presque). En contrepoint le groupe tente quelques titres plus lents et intimistes qui mettent en évidence un petit manque de densité ("Gran's For Tea", "Streetlights") mais toujours une belle sincérité. Hats Off n'est clairement pas l'album du siècle mais affiche suffisamment de bonnes intentions pour faire de The View un candidat sérieux au titre de meilleur groupe des festivals de l'été 2007. Nouveau fer de lance d'un rock ouvrier qui renvoie les Franz Ferdinand à leurs livres d'art, le groupe écossais marque le retour en force de l'esprit et de la culture lad en Grande-Bretagne, le rejet de tout intellectualisme et la poursuite d'un travail inconscient de construction d'une mythologie autour des clubs, des acides, des coups tirés à l'arrière des voitures, de Trainspotting... De The View à The Streets, il n'y a qu'un pas qu'on franchira allègrement. On paiera en tout cas pour les entendre une seconde fois. "He had a girlfriend she was very, very, very nice/Walks by him now, won't look at him twice" chante Falconer sur "Skags Trendy". Nous, si.

The View - Hats Off To The Buskers (1965 Records/SonyBMG, mai 2007)

La tentative originale d'Al Gore de résoudre le problème du réchauffement de la planète en flattant l'ego surdimensionné des stars de la pop, le Live Earth a inévitablement attiré les plus imbues d'elles-même à commencer par Madonna. N'hésitant pas à en rajouter quand il s'agit d'un sujet si important (je veux bien sûr parler de son ego), la madone en fait encore plus que les autres puisqu'elle a écrit une chanson pour l'occasion. Elle vient de la mettre sur le net pour que tout le monde l'apprenne par coeur et la chante avec elle sur scène le 7 juillet. C'est qu'elle a vu des concert caritatifs à la télé et elle sait comment ça se passe.

La chanson donc s'appelle "Hey You" et est disponible sur MSN. Le premier million est gratuit, les suivants seront payant mais les sous iront lutter pour l'environnement ou quelque chose comme ça d'une manière ou d'une autre. Pour ma part je suis content d'avoir fait partie du premier million ce qui m'évite ce dilemme cornélien : payer pour un morceau de Madonna ou voler une bonne oeuvre. C'est parait-il produit par Pharrell Williams, mais il s'est selon toute vraisemblance évanoui le nez dans une montagne de coke pendant qu'un ingénieur du son stagiaire s'est retrouvé à devoir enregistrer la musique en cinq minutes avant l'arrivée de Madonna. C'est soit ça, soit Pharrell est un agent infiltré des forces pro-effet de serre.

Madonna elle, on le croit, est arrivée avec les paroles. J'ai été très déçu que ce ne soit pas celles qui ont fait le tour du net récemment, avec des vers excellents comme "The sun is shiiiniiiing/But the earth is whiiiniiiing" mais rassurez-vous, les vraies paroles sont du même niveau, pleine de trucs comme "hey you, just be yourself" et surtout à la fin "you must first love yourself/then you can love someone else then you have saved someone else". Des trucs passe-partout qui pourraient presque s'appliquer à n'importe quelle "grande cause" mais au final ne parlent de rien, ne disent rien et n'engagent à rien, surtout vis-à-vis de l'effet de serre.

Ca pourrait peut-être par contre resservir dans un stage de recrutement pour la Kabbale, où des mots rassurants, des concepts flous et l'attrait glamour d'une star comme Madonna feraient des merveilles sur les esprits vulnérables que la secte de Madonna cherche à attirer.

Il est trois heures de l’après-midi. Mal de ventre, c’était trop de gras pour trop peu de patates. Les branches des arbres se soulèvent, poussées par un vent malingre. Ce n’est pas le bon moment pour écouter le dernier disque d’Arca. La musique des deux albums précédents le signalait déjà : à écouter la nuit tombée. A écouter faiblement. C’est une musique transparente, qui se fond derrière les vies humaines occupées à rêvasser.

Les rouages factices d’un orgue électronique, les cliquetis, les discours de la radio, les batteries jouées doucement comme pour ne pas perturber le voisin irrascible : On ne distinguait plus les têtes est un disque de peu, de petits orfèvres patients. Profonde, douce et maniérée, la voix de Sylvain Chauveau s’abandonne, comme perdue, sur les mélancoliques boucles de Joan Cambon. Ici tout transpire l’humilité, le vide des structures répétitives. Comme habit, ce serait une robe bien taillée dans une solide étoffe unie, gris perlé.

Là c’est trois heures de l’après-midi, spleen de celui qui ne fait rien, celui qui ne se lève pas tôt pour occuper sa vie à cotiser pour une retraite méritée (à moins d'être emporté prématurément par un automobiliste pressé). Alors je suis peut-être mûr, moi aussi, pour comprendre ce disque d’Arca. Ca ne va pas bousculer mon circuit auditif, mais certainement chatouiller un peu du côté des histoires enfouies, des amours que l’on croyait pures – pauvres cons !

Peut-on admirer ce qui ne se voit pas ? Jamais les groupies ne se détruiront le scalp à écouter les morceaux d’Arca. Jamais la foule en délire ne s’enverra de fraternelles beignes lors d’un pogo au concert du groupe. Et pourtant, insidieusement, On ne distinguait plus les têtes frotte en ces endroits où d’autres, aveugles, ne viennent plus. L’espace de trois morceaux, "Laced By The Night", "7. Will Schneidmann" et "Sunday Negative", un nom ressurgit du passé : Piano Magic. Et les couleurs de jadis m’étreignent, je vois Lyon et la mort des espoirs, l’indépendance trompeuse de l’étudiant, la Place des Terreaux, si lisse les jours pluvieux.

Il est trois heures largement sonnées. "Artists' Rifles" de Piano Magic. La fenêtre est ouverte. Le soleil enflamme le dessous blanc des feuilles.

Arca – On ne distinguait plus les têtes (Ici d’ailleurs, mai 2006)

www.myspace.com/arcamusique

Il est 00:12. Je viens enfin de visionner le film de Jacqueline Caux, Detroit : The Cycle of The Mental Machine et je ne résiste pas à l'envie de partager, là tout de suite, maintenant, mon enthousiasme débordant. Difficile de dire comme ça brutalement, à quel point j'ai aimé ce film et à quel point il m'a touché ! C'est à la fois magnifique visuellement, intellectuellement brillant et parfaitement pédagogique. Le plus beau film sur la techno à mon sens et un grand film sur les musiques noires du passé (le gospel, le blues) et du futur (la techno). Un grand moment qui rappelle l'importance de la capitale du Michigan dans la fondation de cette mythologie électro si présente dans notre culture contemporaine.

The Cycle of The Mental Machine insiste particulièrement sur la fin des années 70, l'écroulement de l'économie américaine et la chute de Detroit, passée de Motor City triomphante à "Ruins City" galeuse et abandonnée par les riches blancs et les industriels affolés par les émeutes des années 60. On y voit aussi l'ascension de Motown et Berry Gordy, on y capte l'importance que la fameuse émission de radio du mythique "Electrifying Mojo", celui-là même qui propulsa le funk et la soul dans l'espace avec l'aide des tubes européens de Kraftwerk, Human League et Cabaret Voltaire, a eu sur toute une génération. Le film montre également comment les transports motorisés deviennent de plus en plus rapides, rendant les destinations lointaines plus accessibles, permettant de découvrir des environnements culturels nouveaux. On comprend l'impact très fort qu'on eu tous ces bouleversements sur de jeunes musiciens new-yorkais comme Afrika Bambaata, Grand Master Flash ou à Detroit, Juan Atkins, Carl Craig et Derrick May.

Pour les Dj afros-américains, on le voit bien dans le film, l'idée même de voyage, de technologie, de futur, représentée par des albums comme Trans Europe Express de Kraftwerk, était très excitante et très exotique. Les sons même de groupes comme Human League et de la New-Wave naissante, mêlés au funk science-fictionnesque et débridé de Parliament et Funkadelic étaient un dépaysement total au pays de la soul reine. Le culture clash entre ces deux univers donnera la techno visionnaire des pionniers de Detroit, celle de Kevin Sauderson, Derrick May, Juan Atkins, Jeff Mills et des artiste du label Underground Resistance. En ce sens, on peu dire que la techno est pratiquement le seul genre de musique populaire à puiser autant dans les racines blanches de la musique que dans les musiques noires. On sent aussi à quel point cette musique est avant tout l'œuvre d'artistes et Dj's noirs américains. En empruntant les rythmes froids et mécaniques de la musique pop européenne, les Dj's provoquèrent l'avènement d'un genre aujourd'hui globalement reconnu comme le dernier style de musique vraiment nouveau du 20ième siècle.

Bref, vous l'aurez compris, The Cycle of The Mental Machine est un futur classique. Un incontournable pour tous les curieux et ceux que l'histoire de cette musique passionne. Certains d'entre vous ont peut-être eu la chance de le voir le mercredi 25 Avril dernier ? Pour les autres, une rumeur annonce d'ailleurs sa sortie prochaine en DVD et je vous promets qu'on en reparlera bientôt sur Flu'. Stay tuned !

Et ouais à Flu on va à la messe tous les dimanches tous ensemble et même qu'on se met tous au 1er rang ! "Bishop" en anglais, ça veut bien dire "évêque" ? J'espère que oui, sinon mon entrée en matière un peu vaseuse le sera encore plus si je me trompe sur la traduction. Alors au fur et à mesure que je rédige ce post et que je collecte des informations en temps réel sur The Bishops, j'apprends que le groupe est anglais et mené par les frères jumeaux Mike et Pete Bishop...donc rien à voir avec les mitres. Fils des années 60, assurément, les Bishops ont été bercé au son des Kinks et des Beatles. Leur album sort le 21 mai et ils seront en concert (et c'est là que ça devient intéressant) le 22 mai au Nouveau Casino (Paris). Oui, je disais que ça devenait intéressant, car Flu vous offre des places pour 2 personnes. Si vous voulez succomber au riff entraînant de "Can't Stand It Anymore", à la guitare galopante de "Breakaway" ou tout simplement jouer au jeu des différences entre les frères jumeaux Bishop, allez-y. Il suffit de m'envoyer un mail avec vos nom et prénom et ce avant dimanche soir.

www.myspace.com/thebishopsuk

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Mai 2007 : Un printemps en musique

Gros coup de flemme ou coup de vieux ? Je ne saurais vous répondre. Toujours est-il qu'aujourd'hui vous vous contenterez de parcourir avec moi la liste des nouveautés (magnifiques cependant) à paraître, ou déjà parues depuis quelques jours, et que je me ferais un plaisir de chroniquer pour vous dans... quelques mois... (je plaisante !) Allez, petit panorama de sorties qui méritent d'être citées, voir encensées sur nos pages, c'est parti. Nous l'attendions tous, il arrive presque par surprise, vous aurez bientôt droit à une chronique de Walls, le dernier Apparat qui relègue son prédécesseur (Duplex) au rang de sympathique oeuvrette croquignolette c'est dire (ok, j'exagère un peu). Suivront de près (ou avant ou après je ne sais pas) le nouvel album de l'extraordinaire (dans tous les sens du terme, "techno pas ordinaire" "artiste pas ordinaire", etc.) Matthew Dear from Detroit, avec son album Asa Breed, LA très belle surprise electro-techno du printemps. L'Allemand Stephan Bodzin n'est pas en reste avec Liebe Ist..., de la minimale mélodique et un poil trancey de très belle facture. Du côté de l'ambiant et de l'electronica, le finnois Anders Ilar nous offre Ludwijka, une nouvelle manifestation de son talent et de l'univers totalement transcendant dont il est le maître incontesté. Coup de théâtre, les Anglais de Two Lone Swordsmen reviennent avec Wrong Meeting, un album electro-rockabilly-new wave !! Oui, vous avez bien lu. On vous dira donc si ça nous a plu (ou non, à l'heure actuelle je ne sais pas encore trop pour ma part) et pour finir en beauté, tout de bruit et de fureur et pas du tout électro, voici qu'entre dans l'arène : Visqueen, visqueux virage vaseux (comprendre lent) et vasoconstricteur (comprendre écrasant) de Unsane ! Sans oublier les interviews prochains de Turzi, Von Südenfed et notre dossier "L'Etat de la pop en 2007"... Alors, c'est pas un beau printemps !? A bientôt !

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Volta : Björk et les voyages organisés

De la pochette de ce nouvel album de Björk, on ne parlera qu'un instant pour dire qu'elle pourra aisément rivaliser avec celle du dernier album de Miossec pour le concours de fin d'année. Pourquoi diable vouloir à tout prix se déguiser en bouteille d'Orangina, quand on a un physique si agréable ? Quelle chapelle arty peut proposer une telle débauche de couleurs sans risquer la peine de mort ? En ouvrant le livret pour ôter le CD, tout un chacun se demandera néanmoins si la musique qu'elle abrite correspond ou non au contenant. Rassurez-vous, NON. Volta est meilleur que sa pochette mais... juste un peu meilleur. Pensé comme un album plus spontané (et sans doute plus pétillant) que les précédents, Volta se veut le reflet d'une Björk, qui après avoir joué l'introspection, se rouvre aux autres et au monde. Medulla était une occasion pour la chanteuse de penser sa propre voix (ou voie, au choix). Volta est une ode aux sources d'énergie qui innondent la musique, un hymne au "Wanderlust", deuxième titre de l'album, et vieille notion germanique qui renvoie à la soif de découverte, au goût du voyage. L'Islandaise a roulé sa bosse pour composer ces 10 nouveaux titres, pour absorber à sa manière habituelle, quelques influences et partenaires extérieurs : depuis les rythmiques africaines et la kora du Malien Toumani Diabate, jusqu'aux basses du producteur Timbaland, en passant par quelques grappes de musique asiatique sur le sexy (et pas très bon) "I See Who You Are" ou les vocalises d'un castra d'opéra, Volta transforme tout en énergie naturelle. Björk est une profanatrice de sépultures du calibre de Madonna mais qui n'oublie jamais de refermer les tombes en sortant. Du coup, personne ne râle et personne ne crie "Au voleur". Björk a, depuis Homogenic, imposé sa méthode qui consiste à faire poser sa voix incomparable (et qui navigue selon les cas entre le sublime et l'insupportable) dans des décors classieux bâtis à grand renfort d'électronica d'avant-garde, de new-age symphony, ou de world classique. Avec Volta, elle semble quitter définitivement le plancher des musiques traditionnelles pour une bulle faite de musique et de publicité, où se côtoient des sons, de la musique, des chansons mais aussi des images-concept.

Il n'est pas facile sur cet album de faire la part des choses et d'écouter les chansons sans se laisser pourrir l'esprit par des images de nature vierge, de féminité, des décors d'aéroports, de lofts hightech ou de magazines de mode. Volta porte les contradictions d'une époque qui élimine l'ancien monde (celui qui résiste dans un titre comme "Innocence") mais chante sa louange en permanence, un monde qui revendique un esprit de résistance et l'indépendance des Iles Féroé sur "Independance" ("Dont let them do that to you/ Raise your flag higher higher") mais enfante une sorte de soupe musique cosmopolite qui en est la négation par excellence. Volta alterne les titres sympathiques et relativement envoûtants, comme le joli et lugubre "Vertebrae By Vertebrae" aux boucles généreuses, ou l'efficace et politique "Earth Intruders", et des titres infects, roublards ou carrément ennuyeux ("Dull Flame Of Desire", dégoulinant, ou le creux et intimiste "My Juvenile"). L'esthétique panthéiste qui fonde l'art de l'Islandaise nous ramène, lorsqu'elle est enfouie sous tant de sophistication sonore - les albums de Björk ressemblent de plus en plus à des TP de producteurs qu'à des recueils de chansons - à une visite d'un établissement de type Nature et Découverte. L'ultrasincérité revendiquée (et vraisemblablement réelle) de l'art aboutit à un effet toc. L'intime débouche sur l'artificiel ; l'émotion sur un sentiment de rejet et de dégoût. Ce mouvement de recul est d'autant plus fort qu'on n'en finit pas de se laisser hypnotiser et envoûter par une voix qui n'a pas varié d'un cristal depuis les Sugarcubes. Du coup, on hésite entre se laisser appater, histoire de goûter au bonheur et au plein abandon, ou envoyer le tout valdinguer par principe.

Volta est une oeuvre d'art qui épate par la richesse de ses moyens et la profondeur de ses intentions, mais une oeuvre d'art dont on ne peut s'empêcher de remarquer chaque coup de pinceau et dont le motif a, à l'arrivée, le rendu exact d'une image de synthèse. "A force de trop chercher le Beau, on s'en éloigne", écrivait Apollinaire. On est en plein dedans.

http://bjork.com

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Gemini : un foutage de gueule made in China ?

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Rock Fujiyama ?!

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Alexei Borisov & Anton Nikkilä : Passeurs de frontières

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Seefeel : la réédition de luxe

La réédition du premier album des Londoniens de Seefeel n'inspirera sans doute pas grand chose à pas grand monde. Depuis leur séparation discrète en 1996, les membres du quatuor anglais n'ont pas donné beaucoup de nouvelles : Mark Clifford a sévi pendant quelques années sous le nom de Disjecta and Woodenspoon, son compère Daren Seymour a livré quelques obscurs remixes et la chanteuse Sarah Peacock a continué le boulot dans des franchises de quatrième division dont la dernière en date se nommait The Gemma Ray Ritual and Shimmering Beasts. Cette mystérieuse sublimation de ces quatre musiciens (guitare, basse, batterie et chanteuse intermittente donc) ne doit pas faire oublier qu'entre 1993 et 1996, les Seefeel ont aligné un parcours quasi parfait en trois albums dont le principal apport aura été, avant l'heure, de marier le rock bruitiste tendance shoegaze et les musiques électroniques (ambient en particulier).

 

D'une certaine façon, et c'est ce à quoi nous ramène la luxueuse réédition de leur premier album Quique, les Seefeel sont parmi les pères fondateurs d'un mouvement qui compte aujourd'hui en ses rangs des groupes (toujours discrets mais estimés) tels que Hood, Boards of Canada ou Mogwai. Le groupe apparaît ainsi quelques mois après la sortie du second album de My Bloody Valentine, Loveless, son seul et véritable prédécesseur, sur le label Too pure. Venus du rock, les Seefeel choisissent avec Quique de mélanger une base instrumentale rock et une électronique d'avant-garde, cherchant à imiter les gazouillis d'une nature mélancolique. Alors que les Ride mûrissent, au même moment avec le grandiose et ultrapuissant Going Blank Again, les Seefeel accouchent d'un album délicat et tout en sourdine. Quique est un album apaisé, un brin monotone mais qui regorge de belles surprises sonores si l'on se prête au jeu de l'hypnose et de la répétition. Le premier titre de l'album, "Climatic Phase", donne assez bien le ton en quelques 8 minutes et 25 secondes, lesquelles évoquent avant l'heure le travail qui viendra de groupes comme Orbital. "Polyfusion" n'est pas sans rappeler "The Eternal" de Joy Division par sa lenteur funèbre. Les titres suivants s'appuient sur ces mêmes solides fondations rythmiques pour déployer des mélodies serpentaires et parfois presque dansantes, entre New Order ("Industrious") et Aphex Twin ("Signals). Quique, dont la réédition livre, sur un second disque, quelques remixes et 3 titres inédits, est un album épatant tant pour sa valeur intrinsèque que pour ce qu'il porte sur lui de promesses historiques. Loin du radicalisme de My Bloody Valentine, il ouvre une voie peu connue où le mélange du rock et de l'electro s'est fait en paix et sans éclairs, sans fracas, ni souci de saccager l'existant. Les deux successeurs de Quique, moins intéressants de ce point de vue mais tout aussi aimables, verront la bascule définitive du groupe vers l'electro. Le groupe voyagera sur le label Warp et oubliera son passé de guitares pour s'abandonner au langage des machines.

 

Seefeel - Quique (Too Pure, mai 2007)

www.myspace.com/seefeelmyspace

 

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Tires Larmes

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40ième numéros de Musiques et Cultures Digitales

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Loco Dice et Jamie Jones : After animals

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Le punk pour les nuls

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Wilco, même pas au bureau

Il y a une demande, bien compréhensible, pour une musique inoffensive, incolore et inodore pour les adultes responsables qui veulent quelque chose à écouter au bureau que leurs collègues tolèreront. C'est ce qui explique en grande partie le succès de Norah Jones ou de Moby. Wilco en a toujours été très éloigné, même avant que Jim O'Rourke y ammène toutes ses idées avant-gardistes, les sentiments dans la country, la folk et la pop relativement traditionnalistes des premiers albums du groupe étaient loin d'être apaisés, et les arrangements étaient toujours à la limite de l'écroulement, du bordel complet, un truc piqué chez les Replacements. Il n'y avait donc aucune raison pour que même après que Jim O'Rourke soit repartit avec ses idées Wilco se convertisse en groupe de rock pour bureaux, salle d'attentes et tous espaces publics. Même l'âge n'excuse pas tout.
Sky Blue Sky me fait presque regretter d'avoir usé mes superlatifs catastrophistes à la catastrophe pour le dernier Modest Mouse, me fait même douter de mon envie d'aller assister à leur concert du Primavera Sound à Barcelone (où, normalement, je serais) alors que j'avais fait tant de route il y a quatre ans sans le regretter un instant rien que pour aller voir Wilco. J'éxagère sans doute un peu, peut-être parce que j'aime tant leur passé : il y a de bons moments dans Sky Blue Sky, surtout quand le phénoménal guitariste Nels Cline trouve la place où s'exprimer, même si cela ne se fait jamais sur un truc de dingue comme la rythmique Kraut de "Spiders (kidsmoke)". "You Are My Face" ne dérangera pas vos collègues, mais la chanson renferme quelques bonnes idées bien cachées, et le piano de "Either Way" est magnifique. Bon allez, "What Light" et "On And On And On" sont pas dégueu non plus, mais c'est pas folichon non plus.

Je caricature aussi quand je laisse entendre que le groupe n'a jamais été du genre qu'on peut écouter au bureau : sur tous leurs albums il y avait de ces morceaux qui pourraient passer partout. Sauf qu'alors ils avaient une grâce qui manque cruellement à cette fade bouillie sonore qui ne prend même pas la peine d'être ratée correctement. Car si on peut pardonner à un artiste de se planter en visant trop haut, ou trop à côté, Jeff Tweedy vise trop bas. On dirait qu'il n'essaye même pas.
Je n'ai pas trop suivi toute l'histoire de son addiction à différents médicaments, mais pour trouver une analogie clinique, ce disque ressemble à l'oeuvre d'un dépressif qui, après avoir connu une période de hauts et de bas toujours plus extrêmes prend maintenant bien sagement ses médicaments et n'est plus que l'ombre de ce qu'il était avant la maladie, un être au tempérament égal en toute circonstance. C'est sans doute mieux pour lui et son entourage, mais on ne peut pas dire qu'il soit de bonne compagnie. Et si vous avez besoin de ce genre de disque au bureau et que vous en avez marre de Norah Jones, M. Ward fait la même chose en bien.

 

Wilco - Sky Blue Sky (Nonesuch, mai 2007)

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Biosphere et The Field : Over the Ice

Profitons de la réédition d'un grand classique de la musique électronique des années 90 pour oser une audacieuse comparaison. D'un côté nous avons Cirque de Biosphere, et de l'autre From Here We Go To Sublime, premier album de The Field. Un point commun pour commencer, Geir Jenssen aka Biosphere et Axel Willner aka The Field sont tous les deux suédois. Autre point commun, ils ont tous les deux œuvré dans le domaine de l'ambient. Maintenant, les différences. Si Geir Jenssen peut facilement faire figure de pionnier de l'ambient music, Axel Willner lui, se place plutôt parmi les cadets, ou les "petits nouveaux" puisqu'il est non seulement plus jeune, mais fait également partie de cette nouvelle école de producteurs electro aussi gavés de techno mais également de rock et de pop shoegazz des 90's. Pourtant, ces deux albums que presque huit ans séparent, partagent de nombreux points communs. On pourrait même aller jusqu'à dire qu'il existe une unité de ton, de sons et de compositions entre Cirque et From Here We Go To Sublime.

Originalement paru en 1999, Cirque fait partie de ces disques mythiques que tout passionné de musiques électroniques se doit d'avoir chez soi. Et le label Touch ne s'est pas trompé en choisissant de le rééditer quelques mois après un autre disque symbolique, le Endless Summer de Fennesz. Loin d'être une "emmerdante œuvre chill-out de plus", ce cinquième album de Geir Jenssen sous le nom de Biosphere est même souvent considéré comme son chef d'œuvre. Un classique indémodable. Et c'est vrai qu'en illustrant l'épopée de l'Américain Chris McCandless à travers le désert d'Alaska, Jenssen a su capturer la dimension inaltérable de ce genre d'aventure humaine mais également le caractère hors du temps de toute bonne musique électronique. Sur Cirque l'auditeur ne s'ennuie pas. Il s'agit d'ambiant bien sûr, en ce sens que le rythme y est soit inexistant, soit extrêmement ralenti et hypnotique. Les nappes synthétiques sont omniprésentes tout comme l'usage d'arpèges de guitare lentement répétés, d'instruments classiques, de field recordings (des enregistrements de voix ou d'éléments naturels capturés live) ou de bande-son documentaire. L'ensemble génère un véritable paysage de sons et d'ambiances. Une véritable aventure sonore ou tout évolue doucement autour de l'auditeur. Au contraire de beaucoup d'œuvres ambiantes, Cirque ne nécessite pas forcément une attention soutenue. Les mélodies et les changements y sont évidents. A la manière des grands disques pop, Cirque capture son auditoire et offre une vision immédiate de l'ensemble. Complexe mais immédiatement accessible, on ne s'y ennuie jamais.

Avec ses titres cryptiques faisant référence à l'arctique, à la glace et au climat nordique ("Over The Ice", "Sun&Ice", "Silent"), il serait aisé de rapprocher From Here We Go To Sublime, premier album d'Axel Willner sous le nom de The Field, de Biopshere. Les deux producteurs partagent le même goût pour les ambiances. The Field apparaît d'ailleurs sur Pop Ambiant 2007 de Kompakt pour un très beau titre inédit. Les nordiques partagent aussi une égale passion pour les nappes envoûtantes et les compostions se rapprochant de la pop par leur immédiateté. Les seules véritables différences viennent peut-être des générations. Willner et ses vingt ans et quelques, privilégie les clins d'œil au shoegazzing des 90's, à l'electronica de Boards of Canada (qui doit déjà beaucoup à Biosphere), ou aux derniers albums de Cocteau Twins (difficile en effet de ne pas penser à Heaven Or Las Vegas en écoutant "Good Things End" ou "The Deal"), saturées d'échos et de distorsions, les compositions de The Field sonnent plus "noisy". Composées de couches de sons plus denses, elles sont moins fluides tout en restant chantantes et très pop. L'autre différence vient de l'orientation purement techno de certaines tracks de The Field ("The Little Heart Beats So Fast" par exemple qui revendique clairement son héritage acid house, ou "Everyday" qui arrive malgré un rythme 4x4 soutenu à garder son caractère ambient, tout de nappes et d'échos enveloppant). The Field finalement, ce pourrait être Biosphere avec du rythme, encore que Geir Jenssen montre qu'il est aussi capable d'accélérer les tempos sur Cirque comme le prouve "Algae & Fungi part. 1 et 11" qui s'emparent de break beat (genre plus courant à l'époque, alors que The Field leur préfèrera bien évidemment la dominante minimale actuelle). Reste que ces deux très beaux albums, tout droit venus du continent arctique, illustrent bien la vitalité d'une musique électronique qui ne vieillit pas et se passe le flambeau de génération en génération, intemporelle, indémodable, en un mot éternelle. Et c'est clairement ce qui fait sa force.

Biosphere - Cirque (Touch/La Baleine)
The Field - From Here We Go To Sublime (Kompakt/Nocturne)

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Les Radios Flu pour toutes les cages à miel

Plaisir des yeux, plaisir des oreilles ! Chez Flu, la musique se lit et depuis cette semaine elle s'écoute aussi. On a essayé de monter un groupe, on a répété dans la cuisine, mais notre roadie (James Murphy) est parti à New York avec toutes les bandes et une partie du matos... Le bougre nous a quand même laissé une platine, des enceintes et , et...moults cds. On avait le choix d'en faire des freesbees ou de les écouter et finalement on a réussi à faire les deux ! Le résultat de ces semaines de lancés de CD, c'est un nez coupé, un orteil en moins, des tympans crevés et dans tout ce chaos, la naissance des Radios Flu.

Des milliers de cd passés à la moulinette et huit radios thématiques (en version beta) que vous pouvez écouter ici :

RADIO FLU

Comment dire, c'est le meilleur du meilleur, le pot-pourri de tout ce qu'on aime en ce moment toutes tendances confondues (Jamie T, El-P, Apparat, Montgomery, Maps, Laura Veirs, The Roots, Wax Tailor...)

RADIO POP ROCK

Parce qu'il n'y a rien de mieux que d'avoir une guitare entre les mains (Elvis Costello, Calexico, Arab Strap, The Clash, Arcade Fire, Hey Hey My My, Leonard Cohen, Blonde Redhead, David Bowie, PJ Harvey...)

RADIO DUB
Une radio pour arpenter les voies inexplorées de ce genre musical et accompagnée de d'un dossier histoire du dub (Keith Hudson, Horace Andy, Mad Professor, Zenzile, Elephant System, Inner Circle, Trojan All Stars, Lee Scratch Perry...)

RADIO HIP HOP

Du bon son, des bons mots et une bande de mecs sympas (The RZA, Mos Def, Beastie Boys, De La Soul, The Game, The Streets, Dr Dre, Talib Kweli...)

RADIO REGGAE
Pour triper sans être dans la brume (Peter Tosh, Studio One, Winston Mc Anuff, Dillinger, The Viceroys, Big Youth, Burning Spear, Bob Marley...)

RADIO CHANSON FRANCAISE

Ils font de la bonne musique et en plus on comprend tout ce qu'ils disent car ils chantent en français (Serge Gainsbourg, Arman Méliès, Dominique A, Georges Brassens, Alain Bashung, Valérie Leulliot...)

THE TRIP : RADIO PSYCHEDELIQUE

Pour accompagner la lecture du dossier sur la musique psychédélique, pour triper (encore une fois) et sans LSD, en tout cas on ne vous le fournit pas (Syd Barrett, XTC, Sigur Ros...)

WORLD : RADIO MUSIQUE DU MONDE
Pour surfer aux rythmes de Ravi Shankar, Nusrat Fateh Ali Khan ou Oum Kalsoum, la radio de Flu dédiée aux musiques des cinq continents : turques, arabes, indiennes, africaines, sud-américaines... Une fréquence unique pour (re)découvrir le meilleur de la sono accoustique mondiale.

RADI007

My FM is Bond, une playlist en guise de retour musical sur la saga Bond (Shirley Bassey, John Barry, Nancy Sinatra...)

Attention travaux : Il s'agit encore de premières versions, beaucoup de choses ont été déjà faites sur ces radios et des améliorations sont à venir. En attendant, faites-nous part de vos commentaires.

Et remember : Internet didn't kill the radio stars, la preuve ici

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Si Peter Hook tapait sur un piano...

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Vladislav Delay : Les multiples vies de l'ectomorphe.

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Robert Hood : Mr. Man-Machine en concert exceptionnel

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Inventaire : La tortue y va plein pot

Il va sans dire que je comptais ressortir pour la chronique de ce premier album du vainqueur de la Nouvelle Star 2006 un jeu de mots à la noix du type Christophe La Torture ou je ne sais quoi d'autre. A l'arrivée et même s'il serait exagéré de dire du bien de cet Inventaire très typé gay pop, survendu et sur-acheté dans les supermarchés de France, Christophe Willem met sur la table un album qui, bien que sans aucun intérêt (et qu'on ne me ressorte pas que ce mec a une voix originale ou jamais entendue), repose sur un travail suffisamment sérieux et marketé pour être musicalement écoutable.

Bénéficiant du renfort de quelques professionnels estimés (Valérie Lemercier et Philippe Katerine notamment), le son de la Tortue est très travaillé et évoque successivement le cabaret (piano seul sur le "Jacques a Dit" d'ouverture), le disco-punk ("Quelle Chance", "Kiss The Bride", meilleur morceau de l'album entre Daft Punk et les Pet Shop Boys) ou l'electro-soup des Scissor Sisters ("Double Je"). Les titres variétoches à la ligne pop-romantique sont les plus difficiles à subir avec une mention spéciale au slow mouille-culottes "Chambre avec Vue" et aux funky-slammé "Le Lycée", "Pourquoi tu t'en vas ?" font penser à un titre parodique façon Goûte mes Frites en moins marrant. Le catastrophique "La Tortue" pose au pire titre des 13 chansons qui constituent cet album, et "Safe Text" à celui de plus idiot de ces 10 dernières années. L'Inventaire pourrait faire figure de médiocre sous Kylie-Pet Shop-Abba-Elton-Disco Queen et s'écouter en paix dans les clubs s'il n'était plombé par des textes incroyablement mauvais. Si la sincérité du chanteur compositeur n'est pas en cause (Zazie l'a aidé à trouver le ton juste, ceci explique cela), il faut un sacré courage pour chanter "Quelle Chance / On est en vie quand on y pense / On est en vie à l'évidence" ou "Tous ceux qu'on aime bien /Sur un temps très court/ Moi ça me convient/.../ Tous mes amis pour m'écouter / Chanter Billie Jean de Michael/ Comme je m'en souviens.. Comme je me sens bien/ Si un jour tu viens / C'est que j'ai l'amour/ De ces temps anciens..." ou "Ne nous arrêtons pas / Ce qui se passe entre toi et moi à un côté temporel Eternel.". Je passe sur l'homosexualité du chanteur (dont on se fout par ailleurs) évoquée ici plus ou moins frontalement (quelques "il" bien placés viennent suggérer que l'aimé(e) est un homme) qui continue à brouiller une écoute sans a priori de sous-entendus libidineux. A l'arrivée, Inventaire est un disque personnel, affreusement mauvais mais qui peut s'écouter lors d'une soirée entre ami(e)s entre un medley de Dalida, Dave et des Pet Shop Boys.

Pour ceux qui veulent assister en direct à une grande opération marketing, un simple clic sur ce site dédié au chanteur ouvre une bonne vingtaine de pop-up publicitaires, dont une très opportune pub pour les buralistes (marchands de tabac), du plus bel effet quand on sait que les acheteurs sont majoritairement des 10-17 ans.

Bravo l'artiste et merci pour tout. www.christophe-willem.com

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Les Stones et les ravages de la drogue

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Super chansons, clips pourris

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