Archives > Août 2007

En cette fin d'été maussade, il me semblait raisonnable de réunir chez nous pour qui il ne s'est jamais levé, Gutevolk et Piana, deux archétypes de divas electronica du pays du soleil levant. Attendez, ne partez pas ! Je sais ce que vous vous dites, "diva electronica, au secours !" Hé bien non, pas forcément ! Si Eternal Castle de Piana est parfois aussi chargé qu'une haleine de diabétique, Tiny People Swinging over The Rainbow, de Gutvolk, est juste un magnifique album de pop-folk ambient électronique, idéal pour petits matins apaisés.

Penchons-nous donc tout d'abord sur le cas Gutevolk, aka Hirono Nishiyama, une demoiselle que nous avions croisée il y a quelques temps sur Happy, le label que Taylor Deupree dédie à la pop japonaise contemporaine. Son électronique luxuriante et rêveuse réunit avec bonheur ritournelles pop, complaintes folk, electronica gracile, bossa languide ou jazz mélancolique, tout en donnant à l'ensemble un moelleux inégalable que l'on doit, comme souvent dans les productions de l'archipel, à la perfection de la production. Heureusement pour Gutevolk, c'est le compositeur et producteur Kazumasa Hashimoto qui a chapeauté l'enregistrement de cet album hors du temps, et a veillé à ce que l'ensemble trouve son équilibre entre électronique et acoustique sans sonner trop "évaporé". Sur Tiny People Swinging over The Rainbow les comptines laptop succèdent aux hymnes légers comme des bulles de savon et c'est bon. Hirono Nishiyama, semble s'inspirer des petits bonheurs simples : un rayon de soleil au milieu d'un jardin d'enfants, quelques souvenirs privilégiés, une atmosphère d'intimité partagée. Mais ne vous y trompez pas, sous cette fausse candeur on retrouve également le plaisir de l'exploration ludique et la complexité qui caractérisent souvent l'exercice du folk, et surtout de l'electronica cérébrale.

De son côté, Naoko Sasaki, alias Piana, échafaude avec Eternal Castle un monument de sucre candi qui succède à Snow Bird, lui aussi paru chez Happy en 2003. Là encore, la voix et l'instrumentation redoublent de fragilité et de légèreté. A l'image de Gutevolk, sa compagne de label, Piana ne se contente pas des quelques notes de piano timides qui soutenaient son précédent "oiseau des neiges". La Japonaise invite violoncelle, guitare, violon et machines à collaborer pour élaborer ses comptines ambiant electronica. Avec timidité et sensibilité, elle lance ces trilles vers le ciel à la manière d'une toute petite Björk essoufflée (ce qui nous va plutôt bien), sans pour autant manquer de coffre. Pour autant ne nous voilons pas la face, si l'on reproche souvent à cette école de la dream pop japonaise d'être trop maniérée, c'est certainement à ce type d'album qu'on le doit. En effet, quand Piana pose sa douce voix sur les arrangements ultra sophistiqués et souvent affectés d'Eternal Castle, elle menace carrément son album d'obésité. Cela n'empêche rien à la qualité de compositeur de la jeune femme, mais l'ensemble sonne tout de même un poil trop douceureux et on lui préfèrera l'équilibre quasi-parfait des productions de Gutevolk.

Piana - Eternal Castle
Gutevolk - Tiny People Swinging over The Rainbow
(Tous les deux chez Noble/La Baleine)

En 2003 sort Speakerboxxx/The Love Below, double album d'Outkast. Double-album, car chacun des membres qui constitue l'entité Outkast a en composé un seul volet. Tandis que Speakerboxxx est l'oeuvre de Big Boi, André 3000, lui, a fourni The Love Below. Alors que Big Boi s'attache à rester dans la pure lignée du style Outkast, le projet "solo" d'André s'en éloigne un peu, allant flirter du côté de la funk, ou de la pop comme en témoigne le premier single extrait de The Love Below, "Hey Ya!".

La rumeur d'un retour très lucratif de My Bloody Valentine fait à nouveau surface et, promis, même si cette fois elle semble plus fondée que jamais, on ne mordra pas à l'hameçon avant d'avoir une vraie confirmation de tous les membres du groupe et un mot de leurs parents ou à défaut, quand n'aura vraiment rien d'autre à raconter (je ne peux pas promettre que je ne céderais pas à la tentation pendant la trêve des confiseurs). De la Route Du Rock, tout le monde ne semble avoir retenu que les caprices de Billy Corgan des Smashing Pumpkins ("Je veux des toilettes privées ! ", "Envoyez quelqu'un me chercher de l'eau de glacier norvégien en voie d'extinction ! ", "J'organise une after dans mon hélico et vous n'êtes pas invités !" ).

Sonic Youth, par contre, tourne encore et toujours et malgré quelques tapes dans le dos bien méritées à l'occasion de la tournée "Daydream Nation", tout le monde s'en fout un peu. Sonic Youth, alors qu'ils sont bien meilleurs qu'à peu près tous les groupes qui se reforment en ce moment (et je ne parle même pas de Police), on les prend pour acquis, on n'imagine pas qu'ils pourraient nous quitter et on les néglige.

Du coup, même s'il plaisante, Thurston Moore l'a un peu mauvaise : "La reformation des Pixies a été un vrai succès et Dinosaur Jr semble cartonner aussi et ces deux groupes jouent aussi bien que jamais. Mission Of Burma m'a estourbillé quand ils sont revenus mais un groupe comme nous ne s'est jamais séparé, ce qui a été à notre propre détriment. Que ce serait-il passé si on s'était séparés après Daydream Nation ou même après Dirty et que nous soyons reformés il y a deux ans ? Vous seriez en train de m'interviewer au Château Marmont alors que j'attendrais ma Limousine. Nous aurions probablement gagné tellement d'argent. Ca aura été le plus gros faux-pas de notre carrière, ne pas nous séparer".

La séparation, c'est la clé du succès. Personne ne s'en souvient mais même les Rolling Stones se sont séparés à une époque. Au lieu de remplir les stades, Sonic Youth est resté un groupe vivant et intéressant même quand il joue ses vieux morceaux et, à défaut d'être pauvres, ils ne sont sans doute pas particulièrement riches.

Plus qu'un album culte de Joy Division, Unknown Pleasures est surtout l'œuvre d'un véritable géant du bizarre : le producteur Martin Hannett. Celui-là même dont Tony Wilson le boss de Factory (R.I.P) disait qu'il pouvait "voir le son, lui donner forme, le reconstruire". Or, il est vrai que si quelqu'un avait "vu" le son de Joy Division, c'était bien Hannett. Ce producteur génial à qui l'on doit également la réalisation de sommets du post-punk et du rock underground comme le fameux "Boredom" des Buzzcocks, la mythique relecture du "All Tomorrow's Parties" de Nico ou l'album Bummed de Happy Mondays (entre autre), avait parfaitement visualisé les béances qui habitaient la musique de Joy Division. Cette musique pleine de trous et d'une froideur inouïe, c'est véritablement à Martin Hannett que nous la devons. Mieux qu'aucun autre ce producteur de génie a réussi à comprendre ce groupe exceptionnel si vite disparu.

A partir des singles "Digital" et "Atmosphere", puis sur Unknown Pleasures, Martin Hannett mettra subtilement en relief l'aspect mélodique du jeu de basse de Peter Hook et les riffs alcalins de la guitare de Bernard Sumner inlassablement soutenue par la batterie métronomique de Stephen Morris. Il exploitera à fond les tons d'aluminium froissé de cette musique tandis qu'au fond, tout au fond, comme enfermée dans une pièce poussiéreuse s'élève la voix caverneuse de leur chanteur, le tristement célèbre Ian Curtis. En studio, celui que l'on nommait "le psychopathe du son" pousse véritablement le groupe dans ses retranchements. Bourré de dope jusqu'aux yeux, Hannett n'hésite pas à déstabiliser une formation déjà fragilisée par un chanteur constamment au bord du gouffre, en imposant points de vue et idées excentriques (comme de pousser la climatisation à fond durant tout l'enregistrement d'Unknown Pleasures). C'est donc dans la douleur, et un froid polaire, que naquit le son inoubliable d'un groupe qui traversa le ciel du post-punk à la vitesse d'une comète en laissant derrière lui les agrégats ionisés d'un mythe en devenir. Mythe qui formera plus tard les fondements de ce que l'on nommera la cold wave. Ignorant les canons du punk rock qui voulaient que la production d'un album se fasse dans les mêmes conditions qu'un enregistrement live, ou presque, Hannett a travaillé sur le premier album des quatre de Salford comme sur un disque de rock psychédélique. Compartimentant chaque musicien, Hannett ira jusqu'à obliger Stephen Morris à démonter entièrement son kit de batterie pour lui faire jouer de chaque éléments séparément. Faisant feu de tout bois on raconte qu'il alla même jusqu'à construire un dôme de plâtre au dessus du batteur pour donner à son instrument cet écho mat que l'on entend sur les sommets du groupe comme "She's Lost Control", "Disorder", "Insight" ou "Wilderness". Fan de dub, Hannett use du studio comme les pionniers du genre. Dispensant sa science de la manipulation des machines, l'intéressé use et abuse d'effets électroniques, du delay AMS, du Marshall Time Modulator (qui étouffe le son de la guitare) et de la chambre d'écho, sur des titres comme "Candidate", "She's Lost Control" ou "New Fades Down". Pionnier, Hannett l'est aussi dans l'utilisation de samples dont le producteur s'est confectionné une impressionnante base de données (aujourd'hui disponible sur le net) pour les besoins de la session. C'est lui qui imposera le son d'une porte d'ascenseur métallique sur "Insight" et celui d'un verre qui se brise sur le titre de clôture "I Remember Nothing".

Paradoxalement, et malgré les manipulations extrêmes expérimentées sur Unknown Pleasures, Closer, l'album suivant, sonnera encore plus déstructuré et expérimental. Toujours produit par Hannett, ce deuxième opus devra son atmosphère à la fois plus éthérée et plus sombre, à l'utilisation récurrente de synthétiseurs que le producteur avait déjà testé sur Unknown Pleasures. Mais c'est clairement ce dernier qui restera dans les annales de l'histoire du post-punk comme l'un des albums les plus aboutis du genre. Une pièce, à la fois totalement originale et parfaitement révolutionnaire, tout en restant relativement accessible. Essentielle.

Joy Division - Unknow Pleasures (Factory, 1979)

Tiny Vipers, c'est le nom qu'a choisi une certaine Jesy Fortino pour signer son disque "Hands Across The Void". Ce n'est pas tout à fait nouveau mais c'est en ce moment très à la mode de choisir un pseudonyme qui vous fait passer pour un groupe quand vous n'êtes qu'un artiste solo. Pour le coup, quand on lit "tiny vipers (sub pop)", on s'imagine un groupe de grunge attardé. Sauf que Sub Pop a pas mal élargi sa palette depuis quelques années et connaît une seconde vie très sympa grâce à Iron & Wine entre autres.

Tiny Vipers, c'est donc une fille seule avec une guitare qui joue un folk minimaliste et dépressif. Son chant tout en roucoulements étranglés évoque immanquablement une Joanna Newsom qui ferait moins de manières. Si elle est d'ailleurs capable de laisser ses chansons errer pendant près de dix minutes, elle est par bien des côtés à l'exact opposé de la harpiste. Quand les morceaux de Newsom semblent toujours complexes et surchargés même sans les orchestrations baroques de Van Dyke Parks, Fortino elle, est de l'école minimaliste : drones et répétitions. On ne qualifiera pas Tiny Vipers de projet expérimental, mais elle a certainement pas mal écouté John Fahey.

"Hands Across The Void" ne compte donc au total que sept titres, une voix un peu limitée, une petite poignée d'accords de guitare et quelques rares synthés torturés et dissonants tout au fond. Avant même qu'on se penche sur les mots, pourtant, le disque est fascinant. il a une capacité à s'insinuer dans l'esprit le lus distrait. Quand on fait plus attention (ce que, donc, je n'avais pas vraiment fait au début), les paroles sont pas mal non plus : des histoires tristes, des mauvais choix, des responsabilités difficiles à assumer... je ne cesserais jamais de m'étonner du point auquel on peut comprendre de quoi parle une chanson avant d'en avoir compris un mot.

Bref, vous ne détestez pas ces chroniques au bout desquelles vous vous rendez compte qu'on ne vous a pas dit si le disque était bien ou non ? Surtout quand elle est suivie de trois/quatre étoiles qui n'engagent à rien ? Moi si, alors je vais être clair : celui là est très bien. Il devrait nous permettre de passer l'automne et ses matinées de gueule de bois où on se réveille dans une cabane en forêt avec du sang sur les draps qui n'est pas le votre et aucun souvenir de la soirée passée et juste une envie de s'autobercer et de se dire que tout est la faute de Bob. Quatre poissons d'or et une demi sardine d'argent.

Tiny Vipers - Hands Across The Void (Sub Pop/PIAS, juillet 2007)

http://www.myspace.com/tinyvipersss

S'il existe de nombreux disques cultes dans le domaine du hip hop underground, il en existe peu en revanche aussi bizarre que ce premier LP de cLOUDDEAD. Signalons qu'il s'agit d'une compilation plutôt que d'un véritable album d'ailleurs, puisque cette galette réunit en fait six EP's, tous cultes bien sûr (et quasiment introuvables aujourd'hui) produits sur une période allant de 1999 à 2001. Au-delà de ces considérations techniques, insolites et au moins triplement cultes, ce disque l'est pour maintes raisons que je m'en vais vous expliquer.

Au départ, c'était Sophie Ellis Bextor qui aurait du fredonner ce "la la la" dans "Can't Get You Out Of My Head". Le titre, composé par Cathy Dennis et Rob Davis, lui avait été originellement proposé, on pourrait même dire offert. La chanteuse anglaise a refusé ce beau cadeau, et c'est Kylie Minogue qui en a hérité. Publiée en 2001, la chanson a été un succès mondial, atteignant la 1ère place des charts dans une quarantaine de pays. Autre signe de sa popularité, le titre a été repris plusieurs fois (par les Flaming Lips, Garbage, Coldplay, Tori Amos...) et remixé/mashupé par Soulwax avec le titre de New Order, "Blue Monday". Après une diffusion réussie en club et à la radio de "Cant' Get Blue Monday Out Of My Head", Minogue, a elle-même, interprété cette version lors de la cérémonie des Brit Awards en 2002.

Ce qu'il y a de bien avec un projet comme ce Cendre célébrant une nouvelle fois la rencontre de Ryuichi Sakamoto et Christian Fennesz, c'est que l'on peut s'attendre à tout. Un album conceptuel et totalement ennuyeux, ou un chef-d'œuvre indépassable en passe de devenir aussi culte que Hotel Paral.lel ou Endless Summer de l'un, ou le Discord de l'autre (où le Japonais était déjà accompagné de DJ Spooky). D'un côté leur premier essai commun, le EP Sala Santa Cecilia aussi majestueux soit-il, ne nous avait pas laissé un souvenir impérissable, de l'autre ce Cendre lumineux et apaisé se présente d'office comme la collaboration que l'on attendait entre ces deux génies de la musique contemporaine (au sens large). Bonne pioche donc !

Si l'on peut généralement faire confiance à Fennesz pour nous ravir, on remarque également combien les goûts de Sakamoto s'affinent et perdent de leur clinquant avec l'âge. Ses multiples collaborations incarnées depuis plus de 10 ans par la production de fabuleux albums en compagnie de DJ Spooky, Amon Tobin, David Sylvian, Christian Fennesz, culminant avec Insen, album difficile mais passionnant réalisé avec Alva Noto dont on parle beaucoup, ont-ils eu une telle influence sur le compositeur japonais ? Il faut le croire et c'est plutôt une bonne nouvelle. Le fait est que ce Cendre ne mérite que des superlatifs. De "Oto" qui ouvre l'album, à "Abyss" qui le clôt (avec mention spéciale au psychédélique "Kokoro" où les distorsions hendrixiennes sous tranxene de l'Autrichien se nappent lentement d'un glacis de piano givré), tout n'est que calme, luxe et volupté. On a peine à croire que pareil album a réellement pu être réalisé par correspondance à des kilomètre de distance, tant les deux musiciens s'accordent parfaitement. Fennesz et Sakamoto se passent mutuellement la main, s'accompagnent ou jouent les contrepoints selon l'inspiration. Quand le guitariste dilue sa poussière de guitare aux effets sablés et moirés, les notes du Japonais quant à elles, semblent apparaître, ça et là, comme des trous de lumière à travers les nuages. C'est cliché de le dire, mais avec un tel album, on se prend à rêver à un Eric Satie de retour parmi les vivants. Le petit homme jouissant enfin de la reconnaissance de ses pairs et des plaisirs de cette terre dans de périlleux exercices de somnambulisme sonore, ou encore d'un Arold Budd débarrassé de ses oripeaux ambient new age, et rien, vraiment, ne vient gâcher notre bonheur, si ce n'est l'inévitable retour à la réalité en fin d'album bien sûr.

Cendre s'avère donc un parfait exercice de combustion artistique. Un moment intense pendant lequel deux musiciens s'embrasent et incinèrent littéralement leurs ego au seul profit de la musique. Il s'avère aussi l'album idéal pour en finir avec cet été maussade au goût de cendres justement (on pense à nos voisins Grecs). "Incontournable", comme on dit.

Fennesz - Sakamoto - Cendre (Touch/La Baleine, juin 2007)

En 2000, les Australiens de Avalanches sortent leur seul et unique album à ce jour, Since I Left You. Cet album qui s'est très bien vendu en Australie et dans le reste du monde a été en grande partie, pour ne pas dire entièrement, composé à base de samples. On lit un peu partout que le nombre de samples utilisés varie de 900 à 3500. Sorti en single en Anglettere, le single "Since I Left You", se classe parmi les 20 premiers dans les charts. "Since I Left You" n'est pas le genre de titre que l'on danse, mais plutôt le genre de chanson qui ensoleille une journée. Pour voir la liste des samples utilisés sur l'album, c'est ici.

"3 univers singuliers, 3 générations d'artistes, 3 cartes blanches", c'est le programme proposé par la Villette et son édition 2007 du festival Jazz à la Villette qui se tiendra cette année du 29 août au 9 septembre. Les amateurs pourront se régaler des prestations d'une pléthore d'artistes invités. La soirée d'ouverture du 29 août à 20h (grande salle de la Villette) verra intervenir Sonic Youth accompagné de Mats Gustafsson, Jean Marc Montera et Michel Doneda. La première partie étant confiée à Caspar Brötzmann & Hann Bennink en duo.

De son côté, Julien Lourau, invite Fred Wesley, Eric Legnini Trio, le Vincent Courtois Quartet, Maxime Delpierre, et surtout Tom Jenkinson a.k.a. Squarepusher, Anthony Joseph & The Spasm Band (avec Tikiman, le fameux MC's des berlinois électros de Rhythm & Sound).

Steve Coleman propose quant à lui d'explorer les différentes facettes de ses travaux : Coleman et Ravi Coltrane, The Pro-verb Trio, Steve Coleman & Five Elements, etc. Mais Coleman lance aussi des collaborations étonnantes comme cette rencontre de Doug Hammond, batteur de Mingus face aux Français Joakim et Discipline de Tigersushi, ou Aka Moon, où se rencontreront Magic Malik, Baba Sissoko, Sivaraman, etc.

Pour finir, Wayne Shorter sera aussi à l'honneur avec l'hommage rendu par le Thomas Savy "Ugetsu" sextet, le rencontre du Wayne Shorter Quartet et de l'Orchestre National d'Ile-de-France et le Gretchen Parlato Quintet & Wayne Shorter.

Les plus curieux profiteront également de la Nuit Electro avec Jeff Sharel, DJ Oil (Troublemakers), Charles Webters et Simbad. De nombreux films seront également proposés à la projection, dont Do The Right Things de Spike Lee, Mad Dogs de Larry Bishop, Les aventures du baron de Münchausen de Terry Gilliam, Blue Velvet de David Lynch et La Planète Sauvage de René Laloux, ainsi que des débats, master class et rencontres.

Toutes les informations et de plus amples détails sont présents sur le site Jazz à la Villette.

Allez, un album facile pour continuer cette série. Enfin quand je dis "facile", je parle bien sûr du choix évident de cet album culte, cela ne concerne pas sa musique. Car s'il existe des albums cultes et bizarres relativement faciles, le Trout Mask Replica de Captain Beefheart n'en fait assurément pas parti ! C'est le genre de disque dont on lit qu'il est "souvent cité, jamais écouté" (ce n'est pas complètement faux). On le trouve également souvent parmi les Les 1001 disques à avoir pour se la péter grave (j'adore la formule !) mais avant tout c'est un vrai album culte et un sommet du bizarre.

Sur Trout Mask Replica Don Van Vliet, alias Captain Beefheart envoi bouler 50 ans d'histoire du blues et une décennie de rock'n'roll d'un ample mouvement rageur. Dégoûté par la production de son précédent album Safe As Milk et de la censure par A&M de ce qui deviendra Strictly Personnal, il recrute une bande de musiciens amateurs pour s'attaquer frontalement aux canons, selon lui éculés, du rock classique. Pas fou, le "capitaine coeur de boeuf" reprend tout de même Jeff Coton à la guitare et John French à la batterie, deux musiciens qui furent pour beaucoup dans l'élaboration du son du Magic Band, qu'il rebaptise, comme le reste du groupe, des noms d'Antennae Jimmy Semens (Jeff Coton) et Drumbo (John French). Les autres seront The Mascara Snake (basse, clarinette et chant), Rockette Morton (basse et "narration ?") et Zoot Horn Rollo (guitar, flute, "glass finger" ??) Tout au long des sessions à venir, Beefheart n'aura de cesse de prouver qu'il est capable de démanteler la musique. Trout Mask Replica comporte pas moins de 28 titres dont beaucoup ne dépassent pas les 2 minutes. Un collage bruitiste et dadaïste qui doit autant au blues du delta, qu'au free jazz d'Ornette Coleman, d'Albert Ayler et de Cecil Taylor . Beefheart y laisse aller sa voix gutturale à la Howlin' Wolf et ses syllabes explosives sur des morceaux comme "Frownland", "Moonlight on Vermont", "Sweet Sweet Bulbs" ou "Hobo Chang Ba" et exploite à fond l'inventivité débordante de ses textes d'inspiration surréaliste. Même si les lyrics sont souvent obscurs, le son même des mots, leur résonance, leur puissance d'évocation ("Pachuco Cadaver", "She's Too Much For My Mirror") et leur rythme, font tout l'art de Captain Beefheart. Concernant la musique c'est bien simple, chaque instrumentiste se comporte comme un soliste. La basse, la guitare et la batterie jouent souvent plusieurs mélodies en même temps accompagnant tant bien que mal les mélopées de leur leader, qui, il faut le signaler, n'a jamais su écrire la musique et dicte ses décisions en donnant des indications sonores souvent vagues et difficilement compréhensibles. Cela donnera une "cacophonie cohérente", où traînent les fantômes déchiquetés du jazz, du blues, du folk et du hilly billy, barbotant dans une soupe psychédélique bouillonnante et épicée ("Hair Pie: Bake 1", "Bills Corpse", "My Human Gets Me Blues", "Pena", "Wild Life"). Plus qu'un disque, Trout Mask Replica s'avère être un "gumbo" musical, à l'image du plat cajun dans lequel baignent écrevisses, crabes, poissons divers, poulet et parfois même d'autres choses dont il ne vaut mieux pas connaître l'origine.

De fait, l'album a été enregistré sous l'influence de tellement de substances psychoactives différentes que la question n'est pas de savoir s'il est bon où non, mais plutôt "quelqu'un a t'il été blessé durant sa production ?" Blague à part, l'album EST bon ! Ne serait-ce que pour ses morceaux de poésie lo-fi étrange et poignante comme "The Dust Blows Forward 'N The Dust Blows Back", où l'on peut entendre les gémissements du désert en arrière plan, ou encore "Dachau Blues", le blues de "China Pig", "Ant man Bee", le boogie frappadingue de "Veteran's Day Poppy" et bien d'autres encore, cités plus haut. Précurseur des déconstructions post-punk (avant le punk), inspirateur de la scène krautrock allemande, mais aussi de Père Ubu, de The Fall et même de PiL, on retrouve aussi du Trout Mask Replica dans le fameux III de Sebadoh ou le Skellington de Julian Cope, bref, dans tout ce que la musique a produit de culte et bizarre.

Captain Beefheart & his Magic Band - Trout Mask Replica (Straight, 1969)

Derrière sa pochette toute suintante avec ce fond vert et cet affreux pantalon moulant en latex, Midnite Vultures de Beck, dissumule bien ses tubes de l'été, oui ses, car en plus de "Mixed Business", "Sexx Laws" avait aussi toutes ses chances. "Mixed Business" et son potentiel funk évident...malheureusement pas de clip officiel, alors je vous ai balancé une vidéo amateur.

Ou juste un quarante cinq tours. Le premier single du chanteur de soul canadien The Thurston Revival sera vendu au prix de cent livres sterling par le nouveau label britannique Victorious Kiam. Monsieur The Thurston Revival nous explique : "Ce prix élevé est un commentaire sur la valeur de la musique en général. La valeur de la musique est subjective. Combien vous aimez une chanson n'a rien à voir avec combien vous l'avez payée. Somewhere There's An Angel (c'est le nom de la chanson) est sur ma page Myspace et n'importe qui peut l'écouter gratuitement. Cela veut-il dire que la chanson n'a aucune valeur ? Bien sûr que non. Pourtant c'est ce qu'on nous dit constamment." Hmm... C'est pas complètement con ce qu'il dit.

Il y a un petit problème cependant : ne seront produits que cent exemplaires du disque avec dix pochettes différentes réalisées pour l'occasion par dix jeunes artistes britanniques qui montent. Les cent livres sont justifiées par autre chose que la musique, du coup : ce n'est pas la chanson que vous payez, c'est l'objet. Si vous n'êtes qu'un cynique calculateur ce ne sera peut-être pour vous qu'un investissement spéculatif à risque.

Peu importe en fait, on ne va pas reprocher à un jeune artiste de se faire de la pub d'une façon un peu maline. Peu importe aussi que la chanson soit un peu nulle, ça arrive. L'arrangement de cordes est pas mal. C'est un peu dommage d'apprendre qu'il a passé deux ans dessus mais que voulez vous y faire ? Il est moche aussi, ce jeune homme, le pauvre.

Au fait, ce billet était le premier billet à cent euros de Playlist. Envoyez votre réglement à 2goldfish@fluctuat.net via paypal, merci.

On aurait du rebaptiser l'année 98, l'année Norman Cooke, tellement le Brightonien d'adoption a court-circuité les charts, les ondes radios et bon nombre de soirées. Son album You've Come a Long Way, Baby peut se vanter d'avoir au moins trois candidats pour le tube de l'été de cette année. "Right Here, Right Now" et son clip retracant l'évolution de l'homme, "Gangster Trippin" et ce "Rockafeller Skank". 1998 a donc été l'année où on a le plus entendu ce "Right about now, the funk soul brother. Check it out now, the funk soul brother"... Flu en remet une couche.

Géants du bizarre, les quatre new yorkais d'Excepter le sont certainement. Quant à devenir culte, gageons que cela ne saurait tarder. Excepter est le projet de John Fell Ryan, ex-membre de The No-Neck Blues Band, énigmatique formation affiliée à la scène improvisée de Brooklyn représentée par Black Dice, Liars, Gang Gang Dance, Sunburned Hand of A Man et bien sur Animal Collective. Excepter fait figure d'exception dans ce petit monde de freaks hypno-folk et de néo-chamanes urbains,  aussi nommée "néo-tribalisme", puisque ce quatuor est quasiment le seul à s'être lancé dans le tout électronique, rendant ainsi sa musique (presque) assimilable aux formes contemporaines de la house ou de la techno (quoique sa configuration noise-techno-rock-breaks'n'dub et lo-fi, se révèle suffisamment libre et tordue pour affoler tout amateur de 4x4 savamment huilé). Excepter revendique cependant l'utilisation des derniers outils technologiques pour produire une musique électronique de manière libre et non formatée, tout en restant orienté dancefloor.

Avec Excepter, J.F Ryan aspire à la création live direct d'une "dance music" débarrassée de ses clichés et de son mercantilisme. "Créer une musique que votre frère de huit ans serait capable de faire sur un Casio bon marché, développée par un groupe d'adultes sur un équipement cher et sophistiqué", tel est donc le credo dadaïste affiché par le quatuor sur Alternation, leur dernier album en date. Connu pour ses live sets sauvage désordonnés et quatre E.P. réellement inouïs (au sens propre de "jamais entendu"), Excepter est à l'origine d'une musique inclassable, un croisement déjanté de Suicide sous tranquillisants et de transcendantalisme occidental parfaitement azimuté. Sur Alternation, le groupe tente de réconcilier l'exaltation de leurs prestations scéniques hallucinées ("If I Where You", "Back Me Up") avec des productions plus calibrées singeant la techno sans vraiment y parvenir ("Ice Cream Van", "Knock Knock"). Imaginez les deux moines de Pan Sonic sous acide, vous y êtes ! Electro pour dancefloor éthylique, la musique d'Excepter est de celle qui se titube plutôt qu'elle ne se danse, ou alors, "en claudiquant sur le dancefloor". Hésitant constamment entre post-punk, musique improvisée, techno et krautrock contemporain, Excepter réussi même à signer un hymne à la déglingue à faire pâlir d'envie LCD Soundsystem, "The Rock Stepper". Enorme !

Excepter - Alternation (5 Rue Christine/Import, 2006)

(merci à Stoun pour m'y avoir fait penser)

En 1978 James Chance déclenche un tollé au sein de la scène no-wave new yorkaise, cet épiphénomène bruitiste qui ne dura que trois courtes années (juste le temps de tout réduire en cendre) en sortant Buy, son album "disco", sur le label de Michael Zika et Michel Esteban, ZE records. A l'origine, la passion première de James Chance est le funk hystérique de James Brown dans "Super Bad, part. 1 & 2", "Sex Machine" et "I Got Ants In My Pants". "J'ai des fourmis dans le pantalon", la métaphore est parfaite concernant la musique que Chance développera durant toute sa carrière. Avant de débarquer à NYC, ce saxophoniste maigrichon originaire du Wisconsin était à la tête d'un groupe inspiré par les Stooges, Death, mais son goût pour le free jazz le plus sauvage, et particulièrement Ornette Coleman, Albert Ayler et Sun Ra , le projeta rapidement d'une ville où il s'ennuyait à la scène du Mudd Club new yorkais.

La première mouture de son groupe se nommait Flaming Youth et les "contorsions" de son saxophoniste inspirèrent un critique pour finir par en devenir le nom. C'est donc James Chance & The Contortions qui apparaît aux côtés de D.N.A., Mars et Teenage Jesus & The Jerk (conduit par Lydia Lunch) sur No New York, la mythique compilation réunie par Brian Eno en 1978. La musique des Contortions est violente, chaotique et totalement frénétique. C'est un funk tout droit sorti des entrailles du Lower East Side de la fin des 70's, le dernier cri d'agonie du jazz. Le lyrics ne sont pas en reste. Au programme, violence conjugale, bondage, addiction aux drogues et obsessions morbides en tout genre. C'est pourquoi James Chance choqua tout le monde en sortant Buy. A l'époque, le disco était une musique indigne pour les punks. Comme l'écrit Simon Reynolds dans Rip it Up and Start Again (éditions Allia) : "Les punks ignorant pour la plupart que le disco était né dans l'underground gay, ne voyaient en elle que la bande son d'une vie de fuite et de complaisance, une musique d'ascenseur à laquelle on avait ajouté un beat et qui ne s'adressait qu'aux esclaves des apparences et autres nantis du New York uptown. Il y avait la culture disco du Studio 54 et il y avait eux." Comprenez, le disco allait jusqu'à dominer les ondes des radios new wave, et pour un punk virer disco était une abomination. C'est pourquoi à la sortie de Buy, personne ne comprit le choix de Chance et de sa troupe.

Pour le musicien, l'idée était avant tout une provocation qu'il entérina par ces propos : "J'ai toujours été intéressé par le disco. D'accord cette musique a quelque chose de dégueulasse, mais il y a aussi quelque chose qui m'a toujours intéressé : c'est sa monotonie. C'est une sorte de jungle music qu'on aurait blanchie et pervertie". Et "perverti", le disco allait l'être encore plus avec cet album. Présenté tout d'abord sous le nom de "Contortions" sous une pochette représentant Terry Sellers en maillot de bain arty, futur auteure d'un livre sur la domination sexuelle, Buy contient des perles de barjerie comme "Design to Kill", "I Don't want to be happy", l'hymne SM "Bedroom Athlete" et bien sûr l'incontournable "Contort Yourself", morceau manifeste de la "James Chance Attitude" récemment remixé par le duo écossais Optimo pour Tigersushi. Sur "I Don't Want To Be Happy", Chance declare : "I prefer the ridiculous to the sublime". Tout est dit ! Mais par delà la provocation ("My Infatuation"), Buy est avant tout un fabuleux album de punk funk. Tout à fait plaisant, il est bourré de trouvailles et de clins d'oeil ("Throw Me Away", "Twice Removed"). Enthousiaste, Buy célèbre en quelque sorte la rencontre (rêvée) de Sonic Youth et de James Brown ("Roving Eyes", "Contort Yourself"). A conseiller à ceux qui n'ont jamais pu écouter un album de funk de leur vie.

James Chance & The Contortions - Buy (ZE/Discograph, 1979)

Si on aime DJ Shadow, c'est pour plein de choses et surtout pour son "Organ Donor", qui, à chaque fois qu'il le joue en live, nous donne des secousses sismiques. Ce titre présent sur le premier album studio de Shadow, Endtroducing, repose essentiellement sur un morceau original de Moroder, "Tears". Sur cet album reconnu par le Guinness Book of Records comme le premier à avoir été entièrement composé avec des samples, DJ Shadow réussit à transformer l'orgue spectral de Moroder en orgue "dancable".

Je sais, je sais, le titre de cette chronique est nul, facile, tout ce que vous voulez, et vous vous dites : "ça commence mal". Mais bon, pour ce qui est de l'humour, on voit bien que vous n'avez pas lu la feuille d'info, hein ! Parce que les mecs de Kompakt sont des rigolos eux aussi. Par exemple ils écrivent : "Tout ceux qui ont été de près ou de loin amené à s'intéresser à Kompakt ont connaissance de la sortie, à cette période de l'année, de notre collection Total, et étant maintenant à la 8ième édition il est apparu approprié de l'appeler Total 8". Aaah, les marrants ! En fait, cela aurait pu être vraiment drôle si je n'avais pas autant galéré sur cette nouvelle livraison du label de Cologne. D'être bloqué à ce point sur une chronique, cela faisait longtemps que cela ne m'était pas arrivé. Pas que cette livraison soit mauvaise, mais allez savoir pourquoi, ça ne fonctionne pas.

Bon, tout le monde le sait maintenant, la série des Total est l'occasion de réunir sur un double CD ce qui fait l'esprit Kompakt. Ce que d'aucun nomme encore la minimale allemande, tout en n'étant pas vraiment sûr de ce dont ils parlent puisque le son du label l'est de moins en moins, minimal, mais passons. D'abord, il y a de bonnes surprises sur ce Total 8, c'est vrai. Ça commence même plutôt bien puisqu'on y retrouve Burger/Voigt que les connaisseurs ont déjà eu la chance d'écouter sous le nom Burger/Ink sur [Las Vegas], un magnifique album paru chez Matador en 1998 (à l'époque les labels pop/rock indés signaient de l'électro). Il s'agissait alors bel et bien de minimal, dans la lignée Chain Reaction/Basic Channel. Et même si on retrouve sur "Man Lebt Nur Zweimal" les échos de ce qui fit la grandeur du duo : intro vaporeuse, rythme au ralenti et lointains arpèges de guitare western, on se rend compte à quel point aujourd'hui leur style a évolué et n'a plus rien de minimaliste. Ceci dit, pas de problème, le titre est très bon et rappelle les meilleurs moments du dernier album d'Isolée pour faire une bonne comparaison. Autre "vétéran" de retour, Jürgen Paape , qui nous étonne avec une track vocale, "We Love", poussée par un gros pied, c'est la parfaite pop song électro pour soirée autour de la piscine, un doux rêve d'été romantique quoi. C'est après que ça se gâte. En fait, hormis ces deux premiers morceaux, rien n'accroche vraiment sur le CD 1. "Rainy Night in Georgia" de Superpitcher est très bien, mental et tout, mais ne vaut pas le "Enzian" présent sur Speicher 3. Partial Arts (alias Ewan Pearson et Al Usher) sont bof, Rex The Dog, Steadycam, Nightcats (Jonas Bering et Thierry Mbaye), idem... Même le remix de Gui Boratto ("Mr Decay") par Robert Babicz et l'habituellement impeccable Justus Köhncke ne cassent pas des briques. Ah tiens, le Thomas/Mayer est joli, vraiment joli, spatial et mélodique, rien à redire. Jörg Burger en solo revient à ses racines, basses filtrées et échos dubby très Berlin 90. Supermayer, hé bien, espérons que l'album sera meilleur. The Rice Twins est "gentil". Mais je vais pas vous faire les deux albums comme ça...

Donc, de ce double volume de Total 8, exception faite de Burger/Voigt, "We Love" de Paape et la pop spatiale de Thomas/Mayer ("Überwiesen"), on retiendra plutôt sur le CD 2, le "Polyform 1" de Burger solo, le très fin "The Closer" Hervé AK digne d'un Plastikman c'est dire, et très minimal pour le coup, le "Mariposa" de DJ Koze, un poil trancey comme on aime en ce moment, le très dark "Nord" de Jürgen Paape (CD 2), l'inclassable "Cold Wind" de Schaeben & Voss (des habitués de FirmRecords) avec sa basse slappée et ses vocaux funky et ce sera tout ma bonne dame ! Bon, ce n'est déjà pas mal, bien qu'il s'agisse d'un double CD. Comprenons-nous bien, en vinyle 12", sur un dancefloor, je ne doute pas que ces morceaux soient imparables, sympas et tout, mais là, tous réunis d'un seul bloc, bon c'est indigeste je crois. Kompakt nous avait habitué à plus de finesse dans la construction de ses compilations. Rappelons-nous de Total 7 l'an dernier, incroyable ! Ou du volume 6, énorme ! Bref, cela ne remet en rien en cause la qualité des productions du label, mais révèle bien à quel point à une grande année avec de grands albums (Gui Boratto, Micheal Mayer, The Field) il est difficile de faire succéder une simple compilation fut-elle double, et ça, c'est plutôt bon comme bilan annuel non ?

Kompakt - Total 8 (Kompakt/Nocturne, août 2007)