Archives > Août 2007

En cette fin d'été maussade, il me semblait raisonnable de réunir chez nous pour qui il ne s'est jamais levé, Gutevolk et Piana, deux archétypes de divas electronica du pays du soleil levant. Attendez, ne partez pas ! Je sais ce que vous vous dites, "diva electronica, au secours !" Hé bien non, pas forcément ! Si Eternal Castle de Piana est parfois aussi chargé qu'une haleine de diabétique, Tiny People Swinging over The Rainbow, de Gutvolk, est juste un magnifique album de pop-folk ambient électronique, idéal pour petits matins apaisés.

Penchons-nous donc tout d'abord sur le cas Gutevolk, aka Hirono Nishiyama, une demoiselle que nous avions croisée il y a quelques temps sur Happy, le label que Taylor Deupree dédie à la pop japonaise contemporaine. Son électronique luxuriante et rêveuse réunit avec bonheur ritournelles pop, complaintes folk, electronica gracile, bossa languide ou jazz mélancolique, tout en donnant à l'ensemble un moelleux inégalable que l'on doit, comme souvent dans les productions de l'archipel, à la perfection de la production. Heureusement pour Gutevolk, c'est le compositeur et producteur Kazumasa Hashimoto qui a chapeauté l'enregistrement de cet album hors du temps, et a veillé à ce que l'ensemble trouve son équilibre entre électronique et acoustique sans sonner trop "évaporé". Sur Tiny People Swinging over The Rainbow les comptines laptop succèdent aux hymnes légers comme des bulles de savon et c'est bon. Hirono Nishiyama, semble s'inspirer des petits bonheurs simples : un rayon de soleil au milieu d'un jardin d'enfants, quelques souvenirs privilégiés, une atmosphère d'intimité partagée. Mais ne vous y trompez pas, sous cette fausse candeur on retrouve également le plaisir de l'exploration ludique et la complexité qui caractérisent souvent l'exercice du folk, et surtout de l'electronica cérébrale.

De son côté, Naoko Sasaki, alias Piana, échafaude avec Eternal Castle un monument de sucre candi qui succède à Snow Bird, lui aussi paru chez Happy en 2003. Là encore, la voix et l'instrumentation redoublent de fragilité et de légèreté. A l'image de Gutevolk, sa compagne de label, Piana ne se contente pas des quelques notes de piano timides qui soutenaient son précédent "oiseau des neiges". La Japonaise invite violoncelle, guitare, violon et machines à collaborer pour élaborer ses comptines ambiant electronica. Avec timidité et sensibilité, elle lance ces trilles vers le ciel à la manière d'une toute petite Björk essoufflée (ce qui nous va plutôt bien), sans pour autant manquer de coffre. Pour autant ne nous voilons pas la face, si l'on reproche souvent à cette école de la dream pop japonaise d'être trop maniérée, c'est certainement à ce type d'album qu'on le doit. En effet, quand Piana pose sa douce voix sur les arrangements ultra sophistiqués et souvent affectés d'Eternal Castle, elle menace carrément son album d'obésité. Cela n'empêche rien à la qualité de compositeur de la jeune femme, mais l'ensemble sonne tout de même un poil trop douceureux et on lui préfèrera l'équilibre quasi-parfait des productions de Gutevolk.

Piana - Eternal Castle

Gutevolk - Tiny People Swinging over The Rainbow
(Tous les deux chez Noble/La Baleine)

En 2003 sort Speakerboxxx/The Love Below, double album d'Outkast. Double-album, car chacun des membres qui constitue l'entité Outkast a en composé un seul volet. Tandis que Speakerboxxx est l'oeuvre de Big Boi, André 3000, lui, a fourni The Love Below. Alors que Big Boi s'attache à rester dans la pure lignée du style Outkast, le projet "solo" d'André s'en éloigne un peu, allant flirter du côté de la funk, ou de la pop comme en témoigne le premier single extrait de The Love Below, "Hey Ya!".

La rumeur d'un retour très lucratif de My Bloody Valentine fait à nouveau surface et, promis, même si cette fois elle semble plus fondée que jamais, on ne mordra pas à l'hameçon avant d'avoir une vraie confirmation de tous les membres du groupe et un mot de leurs parents ou à défaut, quand n'aura vraiment rien d'autre à raconter (je ne peux pas promettre que je ne céderais pas à la tentation pendant la trêve des confiseurs). De la Route Du Rock, tout le monde ne semble avoir retenu que les caprices de Billy Corgan des Smashing Pumpkins ("Je veux des toilettes privées ! ", "Envoyez quelqu'un me chercher de l'eau de glacier norvégien en voie d'extinction ! ", "J'organise une after dans mon hélico et vous n'êtes pas invités !" ).

Sonic Youth, par contre, tourne encore et toujours et malgré quelques tapes dans le dos bien méritées à l'occasion de la tournée "Daydream Nation", tout le monde s'en fout un peu. Sonic Youth, alors qu'ils sont bien meilleurs qu'à peu près tous les groupes qui se reforment en ce moment (et je ne parle même pas de Police), on les prend pour acquis, on n'imagine pas qu'ils pourraient nous quitter et on les néglige.

Du coup, même s'il plaisante, Thurston Moore l'a un peu mauvaise : "La reformation des Pixies a été un vrai succès et Dinosaur Jr semble cartonner aussi et ces deux groupes jouent aussi bien que jamais. Mission Of Burma m'a estourbillé quand ils sont revenus mais un groupe comme nous ne s'est jamais séparé, ce qui a été à notre propre détriment. Que ce serait-il passé si on s'était séparés après Daydream Nation ou même après Dirty et que nous soyons reformés il y a deux ans ? Vous seriez en train de m'interviewer au Château Marmont alors que j'attendrais ma Limousine. Nous aurions probablement gagné tellement d'argent. Ca aura été le plus gros faux-pas de notre carrière, ne pas nous séparer".

La séparation, c'est la clé du succès. Personne ne s'en souvient mais même les Rolling Stones se sont séparés à une époque. Au lieu de remplir les stades, Sonic Youth est resté un groupe vivant et intéressant même quand il joue ses vieux morceaux et, à défaut d'être pauvres, ils ne sont sans doute pas particulièrement riches.

Plus qu'un album culte de Joy Division, Unknown Pleasures est surtout l'œuvre d'un véritable géant du bizarre : le producteur Martin Hannett. Celui-là même dont Tony Wilson le boss de Factory (R.I.P) disait qu'il pouvait "voir le son, lui donner forme, le reconstruire". Or, il est vrai que si quelqu'un avait "vu" le son de Joy Division, c'était bien Hannett. Ce producteur génial à qui l'on doit également la réalisation de sommets du post-punk et du rock underground comme le fameux "Boredom" des Buzzcocks, la mythique relecture du "All Tomorrow's Parties" de Nico ou l'album Bummed de Happy Mondays (entre autre), avait parfaitement visualisé les béances qui habitaient la musique de Joy Division. Cette musique pleine de trous et d'une froideur inouïe, c'est véritablement à Martin Hannett que nous la devons. Mieux qu'aucun autre ce producteur de génie a réussi à comprendre ce groupe exceptionnel si vite disparu.

A partir des singles "Digital" et "Atmosphere", puis sur Unknown Pleasures, Martin Hannett mettra subtilement en relief l'aspect mélodique du jeu de basse de Peter Hook et les riffs alcalins de la guitare de Bernard Sumner inlassablement soutenue par la batterie métronomique de Stephen Morris. Il exploitera à fond les tons d'aluminium froissé de cette musique tandis qu'au fond, tout au fond, comme enfermée dans une pièce poussiéreuse s'élève la voix caverneuse de leur chanteur, le tristement célèbre Ian Curtis. En studio, celui que l'on nommait "le psychopathe du son" pousse véritablement le groupe dans ses retranchements. Bourré de dope jusqu'aux yeux, Hannett n'hésite pas à déstabiliser une formation déjà fragilisée par un chanteur constamment au bord du gouffre, en imposant points de vue et idées excentriques (comme de pousser la climatisation à fond durant tout l'enregistrement d'Unknown Pleasures). C'est donc dans la douleur, et un froid polaire, que naquit le son inoubliable d'un groupe qui traversa le ciel du post-punk à la vitesse d'une comète en laissant derrière lui les agrégats ionisés d'un mythe en devenir. Mythe qui formera plus tard les fondements de ce que l'on nommera la cold wave. Ignorant les canons du punk rock qui voulaient que la production d'un album se fasse dans les mêmes conditions qu'un enregistrement live, ou presque, Hannett a travaillé sur le premier album des quatre de Salford comme sur un disque de rock psychédélique. Compartimentant chaque musicien, Hannett ira jusqu'à obliger Stephen Morris à démonter entièrement son kit de batterie pour lui faire jouer de chaque éléments séparément. Faisant feu de tout bois on raconte qu'il alla même jusqu'à construire un dôme de plâtre au dessus du batteur pour donner à son instrument cet écho mat que l'on entend sur les sommets du groupe comme "She's Lost Control", "Disorder", "Insight" ou "Wilderness". Fan de dub, Hannett use du studio comme les pionniers du genre. Dispensant sa science de la manipulation des machines, l'intéressé use et abuse d'effets électroniques, du delay AMS, du Marshall Time Modulator (qui étouffe le son de la guitare) et de la chambre d'écho, sur des titres comme "Candidate", "She's Lost Control" ou "New Fades Down". Pionnier, Hannett l'est aussi dans l'utilisation de samples dont le producteur s'est confectionné une impressionnante base de données (aujourd'hui disponible sur le net) pour les besoins de la session. C'est lui qui imposera le son d'une porte d'ascenseur métallique sur "Insight" et celui d'un verre qui se brise sur le titre de clôture "I Remember Nothing".

Paradoxalement, et malgré les manipulations extrêmes expérimentées sur Unknown Pleasures, Closer, l'album suivant, sonnera encore plus déstructuré et expérimental. Toujours produit par Hannett, ce deuxième opus devra son atmosphère à la fois plus éthérée et plus sombre, à l'utilisation récurrente de synthétiseurs que le producteur avait déjà testé sur Unknown Pleasures. Mais c'est clairement ce dernier qui restera dans les annales de l'histoire du post-punk comme l'un des albums les plus aboutis du genre. Une pièce, à la fois totalement originale et parfaitement révolutionnaire, tout en restant relativement accessible. Essentielle.

Joy Division - Unknown Pleasures(Factory, 1979)

Tiny Vipers, c'est le nom qu'a choisi une certaine Jesy Fortino pour signer son disque "Hands Across The Void". Ce n'est pas tout à fait nouveau mais c'est en ce moment très à la mode de choisir un pseudonyme qui vous fait passer pour un groupe quand vous n'êtes qu'un artiste solo. Pour le coup, quand on lit "tiny vipers (sub pop)", on s'imagine un groupe de grunge attardé. Sauf que Sub Pop a pas mal élargi sa palette depuis quelques années et connaît une seconde vie très sympa grâce à Iron & Wine entre autres.

Tiny Vipers, c'est donc une fille seule avec une guitare qui joue un folk minimaliste et dépressif. Son chant tout en roucoulements étranglés évoque immanquablement une Joanna Newsom qui ferait moins de manières. Si elle est d'ailleurs capable de laisser ses chansons errer pendant près de dix minutes, elle est par bien des côtés à l'exact opposé de la harpiste. Quand les morceaux de Newsom semblent toujours complexes et surchargés même sans les orchestrations baroques de Van Dyke Parks, Fortino elle, est de l'école minimaliste : drones et répétitions. On ne qualifiera pas Tiny Vipers de projet expérimental, mais elle a certainement pas mal écouté John Fahey.

"Hands Across The Void" ne compte donc au total que sept titres, une voix un peu limitée, une petite poignée d'accords de guitare et quelques rares synthés torturés et dissonants tout au fond. Avant même qu'on se penche sur les mots, pourtant, le disque est fascinant. il a une capacité à s'insinuer dans l'esprit le lus distrait. Quand on fait plus attention (ce que, donc, je n'avais pas vraiment fait au début), les paroles sont pas mal non plus : des histoires tristes, des mauvais choix, des responsabilités difficiles à assumer... je ne cesserais jamais de m'étonner du point auquel on peut comprendre de quoi parle une chanson avant d'en avoir compris un mot.

Bref, vous ne détestez pas ces chroniques au bout desquelles vous vous rendez compte qu'on ne vous a pas dit si le disque était bien ou non ? Surtout quand elle est suivie de trois/quatre étoiles qui n'engagent à rien ? Moi si, alors je vais être clair : celui là est très bien. Il devrait nous permettre de passer l'automne et ses matinées de gueule de bois où on se réveille dans une cabane en forêt avec du sang sur les draps qui n'est pas le votre et aucun souvenir de la soirée passée et juste une envie de s'autobercer et de se dire que tout est la faute de Bob. Quatre poissons d'or et une demi sardine d'argent.

Tiny Vipers - Hands Across The Void(Sub Pop/PIAS, juillet 2007)

http://www.myspace.com/tinyvipersss

S'il existe de nombreux disques cultes dans le domaine du hip hop underground, il en existe peu en revanche aussi bizarre que ce premier LP de cLOUDDEAD. Signalons qu'il s'agit d'une compilation plutôt que d'un véritable album d'ailleurs, puisque cette galette réunit en fait six EP's, tous cultes bien sûr (et quasiment introuvables aujourd'hui) produits sur une période allant de 1999 à 2001. Au-delà de ces considérations techniques, insolites et au moins triplement cultes, ce disque l'est pour maintes raisons que je m'en vais vous expliquer.

Au départ, c'était Sophie Ellis Bextor qui aurait du fredonner ce "la la la" dans "Can't Get You Out Of My Head". Le titre, composé par Cathy Dennis et Rob Davis, lui avait été originellement proposé, on pourrait même dire offert. La chanteuse anglaise a refusé ce beau cadeau, et c'est Kylie Minogue qui en a hérité. Publiée en 2001, la chanson a été un succès mondial, atteignant la 1ère place des charts dans une quarantaine de pays. Autre signe de sa popularité, le titre a été repris plusieurs fois (par les Flaming Lips, Garbage, Coldplay, Tori Amos...) et remixé/mashupé par Soulwax avec le titre de New Order, "Blue Monday". Après une diffusion réussie en club et à la radio de "Cant' Get Blue Monday Out Of My Head", Minogue, a elle-même, interprété cette version lors de la cérémonie des Brit Awards en 2002.

Ce qu'il y a de bien avec un projet comme ce Cendre célébrant une nouvelle fois la rencontre de Ryuichi Sakamoto et Christian Fennesz, c'est que l'on peut s'attendre à tout. Un album conceptuel et totalement ennuyeux, ou un chef-d'œuvre indépassable en passe de devenir aussi culte que Hotel Paral.lel ou Endless Summer de l'un, ou le Discord de l'autre (où le Japonais était déjà accompagné de DJ Spooky). D'un côté leur premier essai commun, le EP Sala Santa Cecilia aussi majestueux soit-il, ne nous avait pas laissé un souvenir impérissable, de l'autre ce Cendre lumineux et apaisé se présente d'office comme la collaboration que l'on attendait entre ces deux génies de la musique contemporaine (au sens large). Bonne pioche donc !

Si l'on peut généralement faire confiance à Fennesz pour nous ravir, on remarque également combien les goûts de Sakamoto s'affinent et perdent de leur clinquant avec l'âge. Ses multiples collaborations incarnées depuis plus de 10 ans par la production de fabuleux albums en compagnie de DJ Spooky, Amon Tobin, David Sylvian, Christian Fennesz, culminant avec Insen, album difficile mais passionnant réalisé avec Alva Noto dont on parle beaucoup, ont-ils eu une telle influence sur le compositeur japonais ? Il faut le croire et c'est plutôt une bonne nouvelle. Le fait est que ce Cendre ne mérite que des superlatifs. De "Oto" qui ouvre l'album, à "Abyss" qui le clôt (avec mention spéciale au psychédélique "Kokoro" où les distorsions hendrixiennes sous tranxene de l'Autrichien se nappent lentement d'un glacis de piano givré), tout n'est que calme, luxe et volupté. On a peine à croire que pareil album a réellement pu être réalisé par correspondance à des kilomètre de distance, tant les deux musiciens s'accordent parfaitement. Fennesz et Sakamoto se passent mutuellement la main, s'accompagnent ou jouent les contrepoints selon l'inspiration. Quand le guitariste dilue sa poussière de guitare aux effets sablés et moirés, les notes du Japonais quant à elles, semblent apparaître, ça et là, comme des trous de lumière à travers les nuages. C'est cliché de le dire, mais avec un tel album, on se prend à rêver à un Eric Satie de retour parmi les vivants. Le petit homme jouissant enfin de la reconnaissance de ses pairs et des plaisirs de cette terre dans de périlleux exercices de somnambulisme sonore, ou encore d'un Arold Budd débarrassé de ses oripeaux ambient new age, et rien, vraiment, ne vient gâcher notre bonheur, si ce n'est l'inévitable retour à la réalité en fin d'album bien sûr.

Cendre s'avère donc un parfait exercice de combustion artistique. Un moment intense pendant lequel deux musiciens s'embrasent et incinèrent littéralement leurs ego au seul profit de la musique. Il s'avère aussi l'album idéal pour en finir avec cet été maussade au goût de cendres justement (on pense à nos voisins Grecs). "Incontournable", comme on dit.

Fennesz - Sakamoto - Cendre (Touch/La Baleine, juin 2007)

En 2000, les Australiens de Avalanches sortent leur seul et unique album à ce jour, Since I Left You. Cet album qui s'est très bien vendu en Australie et dans le reste du monde a été en grande partie, pour ne pas dire entièrement, composé à base de samples. On lit un peu partout que le nombre de samples utilisés varie de 900 à 3500. Sorti en single en Anglettere, le single "Since I Left You", se classe parmi les 20 premiers dans les charts. "Since I Left You" n'est pas le genre de titre que l'on danse, mais plutôt le genre de chanson qui ensoleille une journée. Pour voir la liste des samples utilisés sur l'album, c'est ici.

"3 univers singuliers, 3 générations d'artistes, 3 cartes blanches", c'est le programme proposé par la Villette et son édition 2007 du festival Jazz à la Villette qui se tiendra cette année du 29 août au 9 septembre. Les amateurs pourront se régaler des prestations d'une pléthore d'artistes invités. La soirée d'ouverture du 29 août à 20h (grande salle de la Villette) verra intervenir Sonic Youth accompagné de Mats Gustafsson, Jean Marc Montera et Michel Doneda. La première partie étant confiée à Caspar Brötzmann & Hann Bennink en duo.

De son côté, Julien Lourau, invite Fred Wesley, Eric Legnini Trio, le Vincent Courtois Quartet, Maxime Delpierre, et surtout Tom Jenkinson a.k.a. Squarepusher, Anthony Joseph & The Spasm Band (avec Tikiman, le fameux MC's des berlinois électros de Rhythm & Sound).

Steve Coleman propose quant à lui d'explorer les différentes facettes de ses travaux : Coleman et Ravi Coltrane, The Pro-verb Trio, Steve Coleman & Five Elements, etc. Mais Coleman lance aussi des collaborations étonnantes comme cette rencontre de Doug Hammond, batteur de Mingus face aux Français Joakim et Discipline de Tigersushi, ou Aka Moon, où se rencontreront Magic Malik, Baba Sissoko, Sivaraman, etc.

Pour finir, Wayne Shorter sera aussi à l'honneur avec l'hommage rendu par le Thomas Savy "Ugetsu" sextet, le rencontre du Wayne Shorter Quartet et de l'Orchestre National d'Ile-de-France et le Gretchen Parlato Quintet & Wayne Shorter.

Les plus curieux profiteront également de la Nuit Electro avec Jeff Sharel, DJ Oil (Troublemakers), Charles Webters et Simbad. De nombreux films seront également proposés à la projection, dont Do The Right Things de Spike Lee, Mad Dogs de Larry Bishop, Les aventures du baron de Münchausen de Terry Gilliam, Blue Velvet de David Lynch et La Planète Sauvage de René Laloux, ainsi que des débats, master class et rencontres.

Toutes les informations et de plus amples détails sont présents sur le site Jazz à la Villette.

Allez, un album facile pour continuer cette série. Enfin quand je dis "facile", je parle bien sûr du choix évident de cet album culte, cela ne concerne pas sa musique. Car s'il existe des albums cultes et bizarres relativement faciles, le Trout Mask Replica de Captain Beefheart n'en fait assurément pas parti ! C'est le genre de disque dont on lit qu'il est "souvent cité, jamais écouté" (ce n'est pas complètement faux). On le trouve également souvent parmi les Les 1001 disques à avoir pour se la péter grave (j'adore la formule !) mais avant tout c'est un vrai album culte et un sommet du bizarre.

Sur Trout Mask Replica Don Van Vliet, alias Captain Beefheart envoi bouler 50 ans d'histoire du blues et une décennie de rock'n'roll d'un ample mouvement rageur. Dégoûté par la production de son précédent album Safe As Milk et de la censure par A&M de ce qui deviendra Strictly Personnal, il recrute une bande de musiciens amateurs pour s'attaquer frontalement aux canons, selon lui éculés, du rock classique. Pas fou, le "capitaine coeur de boeuf" reprend tout de même Jeff Coton à la guitare et John French à la batterie, deux musiciens qui furent pour beaucoup dans l'élaboration du son du Magic Band, qu'il rebaptise, comme le reste du groupe, des noms d'Antennae Jimmy Semens (Jeff Coton) et Drumbo (John French). Les autres seront The Mascara Snake (basse, clarinette et chant), Rockette Morton (basse et "narration ?") et Zoot Horn Rollo (guitar, flute, "glass finger" ??) Tout au long des sessions à venir, Beefheart n'aura de cesse de prouver qu'il est capable de démanteler la musique. Trout Mask Replica comporte pas moins de 28 titres dont beaucoup ne dépassent pas les 2 minutes. Un collage bruitiste et dadaïste qui doit autant au blues du delta, qu'au free jazz d'Ornette Coleman, d'Albert Ayler et de Cecil Taylor. Beefheart y laisse aller sa voix gutturale à la Howlin' Wolf et ses syllabes explosives sur des morceaux comme "Frownland", "Moonlight on Vermont", "Sweet Sweet Bulbs" ou "Hobo Chang Ba" et exploite à fond l'inventivité débordante de ses textes d'inspiration surréaliste. Même si les lyrics sont souvent obscurs, le son même des mots, leur résonance, leur puissance d'évocation ("Pachuco Cadaver", "She's Too Much For My Mirror") et leur rythme, font tout l'art de Captain Beefheart. Concernant la musique c'est bien simple, chaque instrumentiste se comporte comme un soliste. La basse, la guitare et la batterie jouent souvent plusieurs mélodies en même temps accompagnant tant bien que mal les mélopées de leur leader, qui, il faut le signaler, n'a jamais su écrire la musique et dicte ses décisions en donnant des indications sonores souvent vagues et difficilement compréhensibles. Cela donnera une "cacophonie cohérente", où traînent les fantômes déchiquetés du jazz, du blues, du folk et du hilly billy, barbotant dans une soupe psychédélique bouillonnante et épicée ("Hair Pie: Bake 1", "Bills Corpse", "My Human Gets Me Blues", "Pena", "Wild Life"). Plus qu'un disque, Trout Mask Replica s'avère être un "gumbo" musical, à l'image du plat cajun dans lequel baignent écrevisses, crabes, poissons divers, poulet et parfois même d'autres choses dont il ne vaut mieux pas connaître l'origine.

De fait, l'album a été enregistré sous l'influence de tellement de substances psychoactives différentes que la question n'est pas de savoir s'il est bon où non, mais plutôt "quelqu'un a t'il été blessé durant sa production ?" Blague à part, l'album EST bon ! Ne serait-ce que pour ses morceaux de poésie lo-fi étrange et poignante comme "The Dust Blows Forward 'N The Dust Blows Back", où l'on peut entendre les gémissements du désert en arrière plan, ou encore "Dachau Blues", le blues de "China Pig", "Ant man Bee", le boogie frappadingue de "Veteran's Day Poppy" et bien d'autres encore, cités plus haut. Précurseur des déconstructions post-punk (avant le punk), inspirateur de la scène krautrock allemande, mais aussi de Pere Ubu, de The Fall et même de PiL, on retrouve aussi du Trout Mask Replica dans le fameux III de Sebadoh ou le Skellington de Julian Cope, bref, dans tout ce que la musique a produit de culte et bizarre.

Captain Beefheart & his Magic Band - Trout Mask Replica (Straight, 1969)

Derrière sa pochette toute suintante avec ce fond vert et cet affreux pantalon moulant en latex, Midnite Vultures de Beck, dissumule bien ses tubes de l'été, oui ses, car en plus de "Mixed Business", "Sexx Laws" avait aussi toutes ses chances. "Mixed Business" et son potentiel funk évident...malheureusement pas de clip officiel, alors je vous ai balancé une vidéo amateur.

Ou juste un quarante cinq tours. Le premier single du chanteur de soul canadien The Thurston Revival sera vendu au prix de cent livres sterling par le nouveau label britannique Victorious Kiam. Monsieur The Thurston Revival nous explique : "Ce prix élevé est un commentaire sur la valeur de la musique en général. La valeur de la musique est subjective. Combien vous aimez une chanson n'a rien à voir avec combien vous l'avez payée. Somewhere There's An Angel (c'est le nom de la chanson) est sur ma page Myspace et n'importe qui peut l'écouter gratuitement. Cela veut-il dire que la chanson n'a aucune valeur ? Bien sûr que non. Pourtant c'est ce qu'on nous dit constamment." Hmm... C'est pas complètement con ce qu'il dit.

Il y a un petit problème cependant : ne seront produits que cent exemplaires du disque avec dix pochettes différentes réalisées pour l'occasion par dix jeunes artistes britanniques qui montent. Les cent livres sont justifiées par autre chose que la musique, du coup : ce n'est pas la chanson que vous payez, c'est l'objet. Si vous n'êtes qu'un cynique calculateur ce ne sera peut-être pour vous qu'un investissement spéculatif à risque.

Peu importe en fait, on ne va pas reprocher à un jeune artiste de se faire de la pub d'une façon un peu maline. Peu importe aussi que la chanson soit un peu nulle, ça arrive. L'arrangement de cordes est pas mal. C'est un peu dommage d'apprendre qu'il a passé deux ans dessus mais que voulez vous y faire ? Il est moche aussi, ce jeune homme, le pauvre.

Au fait, ce billet était le premier billet à cent euros de Playlist. Envoyez votre réglement à 2goldfish@fluctuat.net via paypal, merci.

On aurait du rebaptiser l'année 98, l'année Norman Cooke, tellement le Brightonien d'adoption a court-circuité les charts, les ondes radios et bon nombre de soirées. Son album You've Come a Long Way, Baby peut se vanter d'avoir au moins trois candidats pour le tube de l'été de cette année. "Right Here, Right Now" et son clip retracant l'évolution de l'homme, "Gangster Trippin" et ce "Rockafeller Skank". 1998 a donc été l'année où on a le plus entendu ce "Right about now, the funk soul brother. Check it out now, the funk soul brother"... Flu en remet une couche.

Géants du bizarre, les quatre new yorkais d'Excepter le sont certainement. Quant à devenir culte, gageons que cela ne saurait tarder. Excepter est le projet de John Fell Ryan, ex-membre de The No-Neck Blues Band, énigmatique formation affiliée à la scène improvisée de Brooklyn représentée par Black Dice, Liars, Gang Gang Dance, Sunburned Hand of A Man et bien sur Animal Collective. Excepter fait figure d'exception dans ce petit monde de freaks hypno-folk et de néo-chamanes urbains,  aussi nommée "néo-tribalisme", puisque ce quatuor est quasiment le seul à s'être lancé dans le tout électronique, rendant ainsi sa musique (presque) assimilable aux formes contemporaines de la house ou de la techno (quoique sa configuration noise-techno-rock-breaks'n'dub et lo-fi, se révèle suffisamment libre et tordue pour affoler tout amateur de 4x4 savamment huilé). Excepter revendique cependant l'utilisation des derniers outils technologiques pour produire une musique électronique de manière libre et non formatée, tout en restant orienté dancefloor.

Avec Excepter, J.F Ryan aspire à la création live direct d'une "dance music" débarrassée de ses clichés et de son mercantilisme. "Créer une musique que votre frère de huit ans serait capable de faire sur un Casio bon marché, développée par un groupe d'adultes sur un équipement cher et sophistiqué", tel est donc le credo dadaïste affiché par le quatuor sur Alternation, leur dernier album en date. Connu pour ses live sets sauvage désordonnés et quatre E.P. réellement inouïs (au sens propre de "jamais entendu"), Excepter est à l'origine d'une musique inclassable, un croisement déjanté de Suicide sous tranquillisants et de transcendantalisme occidental parfaitement azimuté. Sur Alternation, le groupe tente de réconcilier l'exaltation de leurs prestations scéniques hallucinées ("If I Where You", "Back Me Up") avec des productions plus calibrées singeant la techno sans vraiment y parvenir ("Ice Cream Van", "Knock Knock"). Imaginez les deux moines de Pan Sonic sous acide, vous y êtes ! Electro pour dancefloor éthylique, la musique d'Excepter est de celle qui se titube plutôt qu'elle ne se danse, ou alors, "en claudiquant sur le dancefloor". Hésitant constamment entre post-punk, musique improvisée, techno et krautrock contemporain, Excepter réussi même à signer un hymne à la déglingue à faire pâlir d'envie LCD Soundsystem, "The Rock Stepper". Enorme !

Excepter - Alternation (5 Rue Christine/Import, 2006)

(merci à Stoun pour m'y avoir fait penser)

En 1978 James Chance déclenche un tollé au sein de la scène no-wave new yorkaise, cet épiphénomène bruitiste qui ne dura que trois courtes années (juste le temps de tout réduire en cendre) en sortant Buy, son album "disco", sur le label de Michael Zika et Michel Esteban, ZE records. A l'origine, la passion première de James Chance est le funk hystérique de James Brown dans "Super Bad, part. 1 & 2", "Sex Machine" et "I Got Ants In My Pants". "J'ai des fourmis dans le pantalon", la métaphore est parfaite concernant la musique que Chance développera durant toute sa carrière. Avant de débarquer à NYC, ce saxophoniste maigrichon originaire du Wisconsin était à la tête d'un groupe inspiré par les Stooges, Death, mais son goût pour le free jazz le plus sauvage, et particulièrement Ornette Coleman, Albert Ayler et Sun Ra, le projeta rapidement d'une ville où il s'ennuyait à la scène du Mudd Club new yorkais.

La première mouture de son groupe se nommait Flaming Youth et les "contorsions" de son saxophoniste inspirèrent un critique pour finir par en devenir le nom. C'est donc James Chance & The Contortions qui apparaît aux côtés de D.N.A., Mars et Teenage Jesus & The Jerk (conduit par Lydia Lunch) sur No New York, la mythique compilation réunie par Brian Eno en 1978. La musique des Contortions est violente, chaotique et totalement frénétique. C'est un funk tout droit sorti des entrailles du Lower East Side de la fin des 70's, le dernier cri d'agonie du jazz. Le lyrics ne sont pas en reste. Au programme, violence conjugale, bondage, addiction aux drogues et obsessions morbides en tout genre. C'est pourquoi James Chance choqua tout le monde en sortant Buy. A l'époque, le disco était une musique indigne pour les punks. Comme l'écrit Simon Reynolds dans Rip it Up and Start Again (éditions Allia) : "Les punks ignorant pour la plupart que le disco était né dans l'underground gay, ne voyaient en elle que la bande son d'une vie de fuite et de complaisance, une musique d'ascenseur à laquelle on avait ajouté un beat et qui ne s'adressait qu'aux esclaves des apparences et autres nantis du New York uptown. Il y avait la culture disco du Studio 54 et il y avait eux." Comprenez, le disco allait jusqu'à dominer les ondes des radios new wave, et pour un punk virer disco était une abomination. C'est pourquoi à la sortie de Buy, personne ne comprit le choix de Chance et de sa troupe.

Pour le musicien, l'idée était avant tout une provocation qu'il entérina par ces propos : "J'ai toujours été intéressé par le disco. D'accord cette musique a quelque chose de dégueulasse, mais il y a aussi quelque chose qui m'a toujours intéressé : c'est sa monotonie. C'est une sorte de jungle music qu'on aurait blanchie et pervertie". Et "perverti", le disco allait l'être encore plus avec cet album. Présenté tout d'abord sous le nom de "Contortions" sous une pochette représentant Terry Sellers en maillot de bain arty, futur auteure d'un livre sur la domination sexuelle, Buy contient des perles de barjerie comme "Design to Kill", "I Don't want to be happy", l'hymne SM "Bedroom Athlete" et bien sûr l'incontournable "Contort Yourself", morceau manifeste de la "James Chance Attitude" récemment remixé par le duo écossais Optimo pour Tigersushi. Sur "I Don't Want To Be Happy", Chance declare : "I prefer the ridiculous to the sublime". Tout est dit ! Mais par delà la provocation ("My Infatuation"), Buy est avant tout un fabuleux album de punk funk. Tout à fait plaisant, il est bourré de trouvailles et de clins d'oeil ("Throw Me Away", "Twice Removed"). Enthousiaste, Buy célèbre en quelque sorte la rencontre (rêvée) de Sonic Youth et de James Brown ("Roving Eyes", "Contort Yourself"). A conseiller à ceux qui n'ont jamais pu écouter un album de funk de leur vie.

James Chance & The Contortions - Buy (ZE/Discograph, 1979)

Si on aime Dj Shadow, c'est pour plein de choses et surtout pour son "Organ Donor", qui, à chaque fois qu'il le joue en live, nous donne des secousses sismiques. Ce titre présent sur le premier album studio de Shadow, Endtroducing, repose essentiellement sur un morceau original de Moroder, "Tears". Sur cet album reconnu par le Guinness Book of Records comme le premier à avoir été entièrement composé avec des samples, DJ Shadow réussit à transformer l'orgue spectral de Moroder en orgue "dancable".

Je sais, je sais, le titre de cette chronique est nul, facile, tout ce que vous voulez, et vous vous dites : "ça commence mal". Mais bon, pour ce qui est de l'humour, on voit bien que vous n'avez pas lu la feuille d'info, hein ! Parce que les mecs de Kompakt sont des rigolos eux aussi. Par exemple ils écrivent : "Tout ceux qui ont été de près ou de loin amené à s'intéresser à Kompakt ont connaissance de la sortie, à cette période de l'année, de notre collection Total, et étant maintenant à la 8ième édition il est apparu approprié de l'appeler Total 8". Aaah, les marrants ! En fait, cela aurait pu être vraiment drôle si je n'avais pas autant galéré sur cette nouvelle livraison du label de Cologne. D'être bloqué à ce point sur une chronique, cela faisait longtemps que cela ne m'était pas arrivé. Pas que cette livraison soit mauvaise, mais allez savoir pourquoi, ça ne fonctionne pas.

Bon, tout le monde le sait maintenant, la série des Total est l'occasion de réunir sur un double CD ce qui fait l'esprit Kompakt. Ce que d'aucun nomme encore la minimale allemande, tout en n'étant pas vraiment sûr de ce dont ils parlent puisque le son du label l'est de moins en moins, minimal, mais passons. D'abord, il y a de bonnes surprises sur ce Total 8, c'est vrai. Ça commence même plutôt bien puisqu'on y retrouve Burger/Voigt que les connaisseurs ont déjà eu la chance d'écouter sous le nom Burger/Ink sur Las Vegas, un magnifique album paru chez Matador en 1998 (à l'époque les labels pop/rock indés signaient de l'électro). Il s'agissait alors bel et bien de minimal, dans la lignée Chain Reaction/Basic Channel. Et même si on retrouve sur "Man Lebt Nur Zweimal" les échos de ce qui fit la grandeur du duo : intro vaporeuse, rythme au ralenti et lointains arpèges de guitare western, on se rend compte à quel point aujourd'hui leur style a évolué et n'a plus rien de minimaliste. Ceci dit, pas de problème, le titre est très bon et rappelle les meilleurs moments du dernier album d'Isolée pour faire une bonne comparaison. Autre "vétéran" de retour, Jürgen Paape , qui nous étonne avec une track vocale, "We Love", poussée par un gros pied, c'est la parfaite pop song électro pour soirée autour de la piscine, un doux rêve d'été romantique quoi. C'est après que ça se gâte. En fait, hormis ces deux premiers morceaux, rien n'accroche vraiment sur le CD 1. "Rainy Night in Georgia" de Superpitcher est très bien, mental et tout, mais ne vaut pas le "Enzian" présent sur Speicher 3. Partial Arts (alias Ewan Pearson et Al Usher) sont bof, Rex The Dog, Steadycam, Nightcats (Jonas Bering et Thierry Mbaye), idem... Même le remix de Gui Boratto ("Mr Decay") par Robert Babicz et l'habituellement impeccable Justus Köhncke ne cassent pas des briques. Ah tiens, le Thomas/Mayer est joli, vraiment joli, spatial et mélodique, rien à redire. Jörg Burger en solo revient à ses racines, basses filtrées et échos dubby très Berlin 90. Supermayer, hé bien, espérons que l'album sera meilleur. The Rice Twins est "gentil". Mais je vais pas vous faire les deux albums comme ça...

Donc, de ce double volume de Total 8, exception faite de Burger/Voigt, "We Love" de Paape et la pop spatiale de Thomas/Mayer ("Überwiesen"), on retiendra plutôt sur le CD 2, le "Polyform 1" de Burger solo, le très fin "The Closer" Hervé AK digne d'un Plastikman c'est dire, et très minimal pour le coup, le "Mariposa" de DJ Koze, un poil trancey comme on aime en ce moment, le très dark "Nord" de Jürgen Paape (CD 2), l'inclassable "Cold Wind" de Schaeben & Voss (des habitués de FirmRecords) avec sa basse slappée et ses vocaux funky et ce sera tout ma bonne dame ! Bon, ce n'est déjà pas mal, bien qu'il s'agisse d'un double CD. Comprenons-nous bien, en vinyle 12", sur un dancefloor, je ne doute pas que ces morceaux soient imparables, sympas et tout, mais là, tous réunis d'un seul bloc, bon c'est indigeste je crois. Kompakt nous avait habitué à plus de finesse dans la construction de ses compilations. Rappelons-nous de Total 7 l'an dernier, incroyable ! Ou du volume 6, énorme ! Bref, cela ne remet en rien en cause la qualité des productions du label, mais révèle bien à quel point à une grande année avec de grands albums (Gui Boratto, Micheal Mayer, The Field) il est difficile de faire succéder une simple compilation fut-elle double, et ça, c'est plutôt bon comme bilan annuel non ?

Kompakt - Total 8 (Kompakt/Nocturne, août 2007)

Et voilà, il suffit que je parte en vacances quelques jours pour que le joyeux monde de la musique perde son habituelle ambiance amicale pour s'approcher dangereusement de la guerre ouverte. Après toute une série de changements de calendrier de part et d'autres, les deux vendeurs de hip hop en gros 50 Cent et Kanye West ont arrêté une date de sortie définitive pour leur album respectif et, flûte, il s'avère que c'est la même.

Ce qui ne pourrait être qu'un malencontreux incident industriel s'est cependant vite transformé en drame personnel pour Curtis "demi dollar" Jackson III qui a d'abord invité Kanye à une rencontre télévisée style "débat présidentiel" pour déterminer quel disque était le meilleur. La réponse de Kanye : "je pense que c'est le truc le plus stupide que j'ai entendu". Un point pour Kanye, même si j'aurais aimé qu'il dise ça en acceptant l'invitation, pas en la refusant.

50 Cent, au lieu d'être refroidi par l'indifférence de son adversaire, a alors décidé de tout mettre en jeu : si le 11 septembre il se vend plus de Graduation Day (l'album de West) que du sien (Curtis), il abandonnera sa carrière solo pour devenir un homme de l'ombre, un sous-traitant pour d'autres artistes non marqués par la honte. S'il ne prend sur le papier pas trop de risque, Kanye étant un très bon vendeur mais fifty jouant dans la catégorie Super Size XXL Multi Platinum et grande frite, il ne faut pas négliger l'impact que pourrait avoir sa déclaration : n'avez-vous pas comme moi envie d'acheter Graduation Day le 11 septembre juste histoire de voir si 50 Cent comprend mieux le concept de "retraite" que Jay-Z ?

Oh, et puis il y a la musique : si les premiers extraits de l'album de Kanye ne nous ont pas emballé plus que ça, ceux de l'album de 50 Cent sont catastrophiques. Certes, il a prouvé par le passé qu'il savait vendre du "catastrophique" mais aux dernières nouvelles, Ayo Technology n'a pas vraiment fait bouger les foules, qui peut-être en ont marre comme tout le monde de voir Timbaland et Timberlake partout et je n'ai même pas retrouvé le titre de cet autre morceau, un peu jazzy, dont la vidéo semble avoir disparu (désolé mais la pop comme ça ne devrait demander aucun effort)

Malheureusement, malgré le passé soi disant plein de flingues de 50 Cent et les dons de casse cou automobile de Kanye West, les deux ont en fait construit leur personnage comme victimes plutôt qu'assaillants et je doute que cette petite guerre que 50 Cent se fait pour l'instant tout seul n'aboutisse à autre chose qu'une fausse réconciliation aux MTV Video Awards avec peut-être un baiser façon Britney/Madonna.

Cette année-là, où nous avions tous fatalement 13 ans de moins qu'aujourd'hui, était une année décisive où il fallait faire un choix, ou du moins c'était comme ça qu'on nous présentait la chose. La Brit Pop que les médias nous vendaient à l'époque, était tout sauf un mouvement de réunification. En quelle année ça a commencé, quel en est l'album fondateur (Parklife de Blur, Definitely Maybe d'Oasis, I Should Coco de Supergrass...? Tout comme ma mère me demandait de choisir la cassette que j'aurais pour Noël (I Should Coco ou Definitely Maybe), on nous demandait de choisir entre Blur et Oasis, entre les riches et les pauvres, entre le sud et le nord de l'Angleterre. Encore toute petiote à l'époque, j'ai donc opté pour les frères Gallagher. En 1994, Oasis sort "Supersonic" et voilà qu'aujourd'hui je lui substitue "Girls and Boys". Je me suis réconciliée avec moi-même, vous me direz ? Oui, non, enfin c'est surtout que "Girls and Boys" hante toujours les playlist de soirée tandis que "Supersonic" n'y a pas sa place.

Sa basse est une invitation à la danse, son refrain est fédérateur, et pourtant, "Girls and Boys", ce titre à l'apparence culture club détient son lot de sarcasmes sur la culture de la fête, justement. "Following the herd, Down to Greece, on holiday" chantait Damon Albarn, pour dénoncer les bandes de gamins en vacances, dont le seul but était dans l'ordre de boire, danser et baiser. Critiquer la culture de la sur-fête avec un titre aussi festif, c'était un pari, qui n'a pas été remporté à 100%, puisque le single a été plébiscité en 94 par bon nombre de boîtes de nuit estivales. Titre évocateur du Blur, première mouture, jeune et affilié à la Brit Pop, "Girls and Boys" nous ramène à une certaine époque, tant pour nous que pour le groupe, parti quant à lui explorer d'autres horizons depuis. Et c'est là, que je vous conseille d'aller faire un tour sur le site de Travaux Publics, qui propose à la vente une série de compilations dont une spéciale reprise...compilation sur laquelle vous trouverez une sublime version indian-like de "Girls and Boys".

Si je dis ça, ce n'est pas pour que vous pleuriez sur mon sort (vous pouvez le faire, cependant, j'adore ça) mais parce que le site Now Play It va permettre aux jeunes générations de vivre ce que moi je n'ai pas vécu. Il est certes trop tard pour moi mais je vous communique le lien comme ça, sans amertume, bande de connards. Bref, donc, ce site propose des vidéos d'une poignée d'artistes anglais qui vous explique en long et en large comment jouer leurs chansons. Il y a pour l'instant des membres de Blur, Supergrass, KT Tunstall et tout un tas d'autres artistes anglais mineurs. Le site n'en est qu'à ses débuts et devrait voir son line up s'agrandir considérablement (nous promet-on). Bien sûr, les vidéos sont payantes mais vous n'allez pas vous plaindre tout de même : j'ai gâché ma vie, moi.

Si Ui fait assurément partie des groupes post-rock cultes du début des 90's (même de manière extrêmement confidentielle et dans des milieux "bien informés", comme dirait l'autre), c'est surtout à cause de leur leader Sasha Frere-Jones, toujours très actif au sein de la scène improvisée et noise actuelle. Concernant Ui, il n'a pas été facile de choisir un album parmi la passionnante discographie de ce groupe défiant toutes normes. Las, j'ai finalement choisi leur premier album Sidelong, pour sa capacité à représenter à la fois le versant le plus expérimental du post-rock et à faire assez de concessions à l'histoire de la musique populaire (rock, funk, krautrock) pour intriguer l'auditeur lambda. Sidelong a aussi l'avantage de comporter nombre de morceaux faciles et même assez dansants, ce qui ne gâche rien. C'est aussi la dernière tentative d'intelligibilité du groupe avant que celui-ci ne sombre dans l'abstraction la plus totale. Et l'abstraction, ces new yorkais connaissent bien, puisqu'ils orbitent autour de la scène improvisée de la Knitting Factory (entre autre), depuis le tout début.

Ceci étant, il a fallu un certain temps au groupe de Sasha Frere-Jones pour s'extirper du carcan rock et devenir l'ovni sonore expérimental que l'on sait. Créé au début des années 90 dans la grande vague post-rock, le groupe sort une tripoté de maxis étonnants et méchamment barrés, avant de signer un véritable premier album. Après ce Sidelong paru en 1996, sortiront donc Lifelike en 98, The Iron Apple en 99 et enfin Answers en 2003. Au même titre que, disons, Tortoise, Ui explore le vaste champs des musiques populaires, country, folk, rock, en y ajoutant là une pincé de dub, là une référence krautrock, une pointe de jazz. Pourtant, on se demande si le groupe a réellement "pensé" sa musique de cette manière, si les effets dub ne sont pas simplement là par hasard, si l'étiquette "krautrock" ne leur a pas été collée de force. La musique d'Ui semble trop naturelle pour être inscrite au sein d'une quelconque filiation. C'est particulièrement évident sur Sidelong, où le groupe est à l'origine d'une musique à la fois profondément marquée par le folklore américain, tout en étant totalement avant-gardiste. Pourtant, le terme "arty" leur va très mal. Alors comment décrire leur americana-krautrock ? Leur dub post-rock ? Leur country funk ? Sur des morceaux envoûtants comme "Golden Child", on jurerait entendre le batteur de Can, Jaki Liebezeit. Sur "Panted Hill", le groupe oscille entre jazz et free rock contemplatif pour finir en ballade de cowboys avinés. Et que dire du dub urbain de "Butterfly Who" et du funk invertébré mais pourtant entraînant de "The Piano" ? Quant à "Johnny", le morceau qui clôt si superbement cet étrange album, on le jurerait extrait d'une session improvisée extirpée des répétitions du Unknown Pleasure de Joy Division, tout en basses (Ui en comptait deux!), motifs rythmiques répétitifs et guitares rappeuses. La folie d'Ui, sa totale liberté, ses montées psychédéliques en font toujours, 4 ans après leur explosion, un groupe unique. Comment, après ça, voulez-vous écouter sereinement Animal Collective ?

En attendant de trouver la réponse à cette question, vous pouvez vous rendre sur la courte page officiel de Ui sur le site de Southern Records et regarder des extraits du documentaire que leur a consacré Christopher Wilcha juste avant leur séparation.

Ui - Sidelong (Southern, 1996)

Attention, rendez-vous à ne pas manquer à partir de ce soir sur France Culture ! Alexandre Laumonier, directeur et éditeur des éditions Kargo à qui l'on doit feu la revue Nomad's Land et nombre de traductions de passionnants bouquins sur la, ou plutôt, "les", musique(s) (DJ Culture d'Ulf Poschardt, The New Beats de S.H. Fernando Jr., Ocean Of Sound de David Toop, le fameux Krautrocksampler de Julian Cope et Raisin Cain, le Blackface de Jim Crow à Michael Jackson, pour n'en citer que quelques-uns), Alexandre Laumonier donc, lance une série de 5 émissions sur France Culture du 20 au 24 août de 23h10 à 23h50.

Make Some Noise, c'est le titre de cette série en 5 volets, traitera de manière extrêmement vivante et avisée de l'histoire du son dans les musiques populaires du XXe siècle, du phonographe au son surround 5.1, en passant par le hip-hop, le rock, la pop', la techno, les musiques électroniques, l'ambient, etc. L'emission s'attachera donc à expliquer et décrypter "comment la technique crée des mondes sonores". Avec les voix de David Toop, Brian Eno, DJ Shadow, Juan Atkins, Michel Geiss, (ingénieur du son, spécialiste de l'enregistrement sonore) Richie Hawtin, Bruno Heuzé, (journaliste, spécialiste averti des mondes sonores) et Tony Herrington, (directeur du magazine The Wire) ! Inutile de vous dire qu'il ne faut pas rater ça. Playlistien, à vos agendas !

Émission 1. Lundi 20 août.
Le son au XXe siècle avec des musiques de Alexis Korner, The Outcasts, Nine Inch Nails, Johnny Cash...

Émission 2. Mardi 21 août.
La production sonore avec des musiques de Phil Spector/Tina Turner, The Beatles/St. Peppers, David Bowie/Brian Eno...

Émission 3. Mercredi 22 août.
Techniques & ingénieries sonores avec des musiques de DJ Premier, Dr Dre & ice Cube, Maxime Dangles, Maurizio...

Émission 4. Jeudi 23 août.
Communautés, mondes imaginaires, fictions soniques avec des musiques de Reverend Kelsey, DJ Shadow, Red Planet, Dokaka, The Chi-Lites...

Émission 5. Vendredi 24 août.
Le pouvoir de la machine avec des musiques de Mike Patton, Aphex Twin, Autechre, Richie Hawtin, Plastikman...

Pour plus d'infos sur le programme, les sujets traités et ses invités, rendez-vous également sur le profile myspace de l'émission.

En 1993, Calvin 'Cordozar' Broadus sort son premier effort solo sous le nom de Snoop Doggy Dogg. A sa sortie, Doggystyle, se hisse directement à la première place des charts grâce à ses singles bien sentis ("Ain't No Fun", "Gin & Juice" et "Who Am I (What's My Name) ?"). Après quelques collaborations dont la récente avec Dr Dre sur son album The Chronic, Snoop réussit avec succès le passage du 1er album.

Un film va bientôt sortir. Le thème ? Morrissey. Enfin non, les fans de Morrissey. Mieux, la relation qu'ont les fans avec leur passion pour Morrissey. C'est Jean-Philippe mais en vrai en gros. Alors qu'Awesome, I Fuckin' Shot That semble ravir les Beastie fans et que Daft Punk va faire de même en sortant un montage de leur concert à Brooklyn filmé par 250 fans, Passions Just Like Mine va s'intéresser à la fanatisation une fois accomplie, au syndrôme de culte voué à l'artiste, à l'idole, qui se manifeste par la présence omniprésente de Morrissey. Entre la mythique banane ou bien les tatouages Morrissey semblant être écrit avec le gros orteil sur les avants-bras, les fans s'en donnent à coeur joie de montrer à quel point Morrissey est beau, irremplaçable, majestueux et combien il comble leur vie.

L'idôlatrie est une connerie (j'ai presque l'impression de dire un gros mot). On en a notre dose de fans hystériques et décérébrés sur Playlist, et pourtant ceux de Passions Just Like Mine semblent bien atteints. J'essaie de me rappeller et de fouiller mentalement tous les artistes que j'apprécie et qui se rapprocherait du statut d'idole pour moi... Ian Curtis... épileptique, raciste sur les bords, mort pendu... Bob Dylan... born again christian.... et c'est tout, et encore ces deux-là ont juste eu le luxe de m'initier au rock. Je n'ai pas d'idoles, ni même quelquonque artiste pouvant remplacer l'image d'un quelquonque Dieu auquel je pourrais croire. L'idolâtrie artistique est en soi un magnifique oxymore, car l'idôlatrie tue toute nuance, toute tentative d'objectivité, l'idôlatrie ou le fanatisme anéantit l'art en tant que moyen d'expression si le message est biaisé au départ pour ne finir que dans une seule et unique expression. L'art est constructif, et meurt dès lors que ses référentiels sont altérés par l'irrationalité du fanatisme, et s'éteint lorsqu'il est substitué du contenu par le contenant. M'enfin, porter la banane pour un fan de Momo passerait encore, imaginez les fans de Michael Jackson qui souhaiterait ressembler à leur idole. Brrr. Chacun sa merde.

House Of Pain fait partie des rares artistes blancs à avoir cartonné dans le milieu du rap, encore n'ont-ils pas eu le succès des Beastie Boys ou d'Eminem. Fondé par Erik Schrody, dit Everlast, House of Pain sort son tout premier album en 1992, album sur lequel on trouve le single "Jump Around". Ce titre a permis au groupe de quitter son Irlande natale pour partir en tournée aux USA. Le groupe a rencontré avec "Jump Around" un succès commercial auquel il ne s'attendait pas et qu'il n'a pas réussi à réitérer par la suite. Trois albums et des soucis avec la justice pour port illégal d'armes ont eu raison du groupe. De House of Pain, il ne reste aujourd'hui qu'Everlast et sa carrière solo et ce "Jump Around" bondissant.

"Trop long ?!!"

Cette phrase (à prononcer dans un étranglement), je l'ai répété quelques douzaines de fois après le concert aux gens qui me donnaient leur impression générale du set. Dix neuf ans après sa sortie dans le commerce, Sonic Youth joue Daydream Nation, ce monolithe, dans l'ordre et en live. Ces 70 minutes d'indie fondateur, passées à la moulinette des années, renaissent en live avec une fureur et une arrogance bienfaitrice.

Tout a déjà été dit sur ce disque bien avant que je ne le découvre, et avec un groupe en aussi bonne forme, il paraît naturel que le live ait été aussi énorme. Les fans de Sonic Youth auront vu passer la performance comme un rêve, électrique et cotonneux à la fois, expérimental, rentre-dedans, frappant de bâtardise et de grâce. Les autres auront été destabilisés par les parties expérimentales du disque/set, et les violences que Thurston Moore inflige régulièrement aux cordes de sa guitare, pour en tirer de très diverses conclusions sur la qualité du concert.

"Les vieux groupes qui marchent encore, c'est ceux qui ne se sont jamais arrêtés."

Un addage récupéré dans le public des convaincus, alors que le groupe quitte la scène et que le public crie tout de même sa joie en masse. Les minutes s'écoulent, durant lesquelles certains descendent du nuage. Juste à temps pour voir revenir la bande et un nouveau venu, introduit par Moore avec cette phrase : "Back to the 21th century ! My boy is gonna play some songs with us." Et voilà le fiston de Thurston fraîchement débarqué, guitare en main, qui accompagne le groupe sur six titres de Rather Ripped. Parce que jouer Daydream Nation tout seul et se casser était vraiment trop chiant et opportuniste pour eux. Côté public, c'est la cerise sur le gâteau ou la goutte de trop.

La vérité, que bien évidemment je suis le seul et unique à détenir, c'est que les deux heures durant lesquelles Sonic Youth a brûlé la scène, les amplis et les tympans font partie, avec LCD Soundsystem, des meilleurs moments de tout le festival. C'est pourtant pas si compliqué, le rock est question d'audace, de son et lei fameux "esprit rock" n'est qu'un synonyme d'"intégrité artistique".

"I ripped your heart out from your chest, replaced it with a grenade blast."

Comment ça "trop long" ?

C'est vraiment cool d'attendre le concert de LCD Soundsystem sans avoir à penser hype, surestimation, retour de bâton etc... Il y a probablement eu un moment depuis 2005 et la sortie de leur premier album où des gens crachaient sur ce nom, James Murphy aimant trop jouer les petits malins pour ne pas en énerver certains. Aujourd'hui, même si les détracteurs existent forcément toujours quelque part, on s'accorde tous pour chanter les louanges de Sound Of Silver et du songwriting de Murphy, comme si on devait encore s'étonner qu'un type qui fait de la musique un peu électronique sache écrire de "vraies chansons" ou qu'il arrive même aux clowns de pleurer. Sniff.

En bref, LCD Soundsystem est juste un des meilleurs groupes actuels et, comme leur set de la Route du Rock l'a démontré, il n'y a pas à s'en étonner. Quand tout fonctionne parfaitement et quand le batteur joue très vite et très bien et quand le chanteur tire le maximum de ses capacités relativement limitées et que la basse fait bouger des milliers de fesses à l'unisson et que le set compte deux prétendants à la chanson de l'année avec "All My Friends" et "New York, I Love You" (manquait juste "Someone Great", donc) tout ça semble le plus naturel du monde. Bien sûr, c'est juste ça que tous les autres groupes auraient du faire ! Pourquoi n'y ont-ils pas pensé alors que ça parait si facile, si évident ?

Ca ne l'est sans doute pas tant que ça mais qui a envie de savoir comment les saucisses sont faites ? Dans la fosse on oublie vite le côté "petit malin" du James Murphy studio qui empile les clins d'oeil comme des boîtes de conserve au supermarché. On retient juste un set ultra efficace, joué à fond et sans temps morts.

Au moment de se dire au revoir, on s'est partagé les tâches avec Flyer. Je voulais Sonic Youth et lui aussi. "Je ne me souviens absolument pas de LCD Soundsystem" m'avoue-t-il en usant du ton de petit garçon grâce auquel il m'a déjà refilé les Smashing Pumpkins. Je comprends pourtant parce que j'ai moi-même plus de souvenir dans mon corps que dans ma tête. Outre la ferveur du public (qui pour cet ultime concert était, reconnaissons-le, dans un état qui facilitait grandement la tâche au groupe), ce dont je me souviens c'est de notre amie paralytique dont le stoïcisme n'avait pas été perturbé une seule fois du festival. Dansant comme un fou derrière elle, je lui jetais régulièrement un oeil et je l'ai bien vue, je vous promets, elle a remué doucement la tête.

Qui aurait cru retrouver un titre de R.E.M. dans un classement des tubes de l'été ? Certainement pas moi et encore moins Michael Stipe au moment où il décide de consacrer sa carrière au groupe d'Athens au début des années 80. Huit ans après un premier, beau et triste album, Murmur, REM publie Out Of Time, opus incontournable dans la carrière du groupe car il contient deux titres, deux hits qui les exposeront à la face du monde. Après la complainte de "Losing My Religion" qui les fait passer du statut de groupe fétiche des "college radios" à celui de gros fournisseur mondial de pop-rock, le groupe sort en single le pire titre qu'un meilleur groupe du monde ait pu écrire ! "Shiny Happy People", un titre "anti-REMesque" au possible, une erreur de parcours, un moment de faiblesse vestimentaire (oui, Michael Stipe, le jaune Amora ne va pas à tout le monde !)...mais un vrai tube de l'été. Un titre que l'on fredonne inconsciemment, qui se glisse en nous sans qu'on ait rien demandé. Un titre qu'on ne devrait pas trop aimer, car REM c'est tout sauf ça, mais "Shiny Happy People" est à prendre tel qu'il est, avec son riff de mandoline entrainant, sa mélodie généreuse, le duo entre Kate Pearson des B-52's et Stipe. Bien qu'il s'agisse de l'un des titres les plus connus de REM, Michael Stipe l'a exclu du tracklisting du best-of sorti en 2003 et le magazine Q l'a classé dans les "10 pires titres de grands groupes" (qu'est-ce que je disais plus haut ?).

Après les Beatles qui nous assènent que "All You Need Is Love", voilà que Lady Miss Kier se donne corps et âme pour nous faire comprendre que "Groove Is In The Heart". Lady Miss Kier, c'est la voix de Deee-Lite et la crevette rousse qui ondulait si psychédéliquement dans le clip de "Groove Is In The Heart". Deee-Lite fait partie de ces groupes one shot (un tube sinon rien !), bien qu'ils aient sorti 2-3 albums, on les associera ad vitam eternam à ce seul et unique titre. La recette de ce succès ne tient pas seulement à la présence de Bootsy Collins et de Q-Tip de A Tribe Called Quest mais aussi à ce mélange jouissif de funk, disco et groove, de fun et merci à ce refrain aux paroles facilement mémorisables et chantables à 4h du matin, bourré !

Il n'y a pas grand chose de générique chez Electrelane si ce n'est leur propre musique. En quelques albums et à force de concerts implacables, les quatres Anglaises se sont imposées dans la liste fermée des chouchous de festivals, attendues avec délice et entendues avec ravissement sans coup férir.

Une fois n'est pas coutume, leur noyau dur de fans, qui s'étend de plusieurs rangs chaque année, se déhanchait à s'en déboîter les os, tandis que la foule, au début clairsemée, gagnait en densité avec les troupeaux de curieux séduits par leur son. Ces nanas font du stoner, alignent les riffs, carrées et régulières comme des trains, et maltraitent la masculinité du genre par leurs voix, leurs paroles et leurs nappes mélodiques. Flottantes et suaves, elles insufflent une véritable romance dans leur tempête de rock à chaud.

Mais ? Oui, un tout petit "mais". Même si leur set paraît (comme à chaque fois) très court, la vague qu'elle jette sur le public a toujours la même saveur. C'est exquis, certes, mais comme sur album, Electrelane n'est pas tant un groupe qui surprend qu'un groupe qui emporte. En tout cas, ces filles-là ont des tonnes de choses à apprendre à énormément de groupes de mecs en cuir ou en Armani qui jouent les rock stars du pauvre.

Et oui, les crevards à guitare : la révolte est une affaire d'émotion.

Jesus Christ

Justice

The Smashing Pumpkins

Pictured by Ben

Art Brut

The Go! Team

Pictured by Ben

On a loupé l'accréditation photo cette année pour vous ramener de beaux clichés du devant de scène, alors on fait avec les moyens du bord pour vous donner quelques idées de ce qui s'y passe.

Pictured by 2goldfish

Les Smashing Pumpkins, j'ai du mal à m'en défaire. J'ai été les voir par pure nostalgie au Grand Rex en mai, je les ai croisé par hasard à Barcelone en juin et là ils viennent dans MA Route du Rock comme si je n'avais pas assez entendu "Today" et "Zero" cette année. Une bonne chose donc, que le groupe se soit radicalement transformé en quelque mois. Exit les tenues de super héros et les robes de mariée, bonjour le look euh.. clodo-chic ? La setlist, si elle fait toujours la part belle aux vieux tubes (on est dans un festival après tout) laisse heureusement peu de place aux extraits du nouvel album qui sont cependant tout à fait corrects une fois défaits des artifices de production de Zeitgeist. Des vieilleries totalement réarrangées et d'autres raretés asurent le contentement de tous, du fan (venu en masse. en grosse, grosse masse) et du passant improbable, peut-être venu pour le concert annulé de Peter Bjorn & John.

Même si les sentiments exprimés par Billy Corgan semblent aujourd'hui loin de nous, lui à quarante ans assume totalement ses paroles de goth de quatorze piges et des solos de guitare à la Van Halen entre quelques roulements de batteries spectaculaires de l'excellent batteur Jimmy Chamberlin. Avec l'âge, ils semblent avoir abandonné toute fausse modestie et se lancent dans des jams parfois prétentieux, souvent trop longs mais aussi terriblement satisfaisants par moments. Corgan et son nouveau guitariste Jeff Schroeder se lancent dans des duels de solos avec la jubilation d'un joueur débutant de guitar hero. La foule est devenue une masse compacte violemment secouée par le métal et unie par les hymnes universalistes pré-émo comme "Tonight, Tonight" ou "Disarm". Ces citrouilles sont peut-être le groupe le moins dansant de tout le festival mais qui pourrait danser, de toute façon, quand il se bat amicalement avec son voisin pour assurer son espace vital ?

Situé un cran au dessus de toute considération esthétique, ce bon gros show rock a emporté le public et nous avec, nous vidant de toute notre énergie. On est vraiment désolé pour CSS, d'autant plus que le bruit court que Lovefoxx a terminé le show vêtue uniquement de paillettes. Un type bourré et nu me l'a dit, en tout cas.

Je ne sais pas vous, mais moi je ne lis plus Pitchfork. Du moins plus comme avant. Et plus pareil. Je jette un œil, je parcours quelques rubriques et basta. De fait, le site "star" du journalisme musical indépendant (qui ne l'est plus tant que ça) ne m'a jamais vraiment fasciné. Ce n'est pas du snobisme, exception faite de quelques chroniqueurs je n'ai simplement jamais eu rien à foutre de leurs avis et je ne me retrouve pas trop dans cet amas de références pop-rock indés, produites au kilomètre. Déjà vu, déjà lu, avant, ailleurs. C'est pourtant à Pitchfork que je dois la découverte de cette compilation d'Italians Do It Better records, et pour cause, le label est tout jeune et pas distribué de ce côté de l'Atlantique. Rendons donc à César ce qui lui appartient, cette chronique, pour une fois, n'existerait pas sans le flair des renards de Pitchfork.

Concernant After Dark soyons clair, il s'agit encore de disco. D'italo pour être précis, et c'est important ici car il faut bien séparer les choses. Au milieu du vaste continent disco qui n'en finit plus de remonter à la surface comme un Atlantide inespéré de la musique électronique, d'un côté nous avons l'italo et de l'autre le cosmic (ou space) disco. Le tout faisant actuellement un grand retour comme vous le savez si vous lisez régulièrement le fil disco de ce blog, au sein de la nébuleuse nu-disco. Cousin germain du cosmic, l'italo disco est plus porté sur les machines et leurs effets (rétro)futuristes. Alors que le cosmic disco aime les percussions tribales, les rythmes alanguis du balearic, les ambiances exotiques, le funk et la soul, l'italo aime la synth pop, les hymnes 80, la pose "camp" et le kitsch un rien ébouriffé de la new wave de garçons coiffeurs d'Heaven 17 ou d'Ultravoxx (celui avec John Foxx, notez les deux X). Faire l'historique du genre prendrait trop de place ici, mais on peut déjà dire que le genre refait surface en 1997, quand le DJ hollandais I-F sort son fameux dj mix, Mixed Up in the Hague, Vol. 1. Citons également Unclassics par Morgan Geist, qui fait aujourd'hui figure d'incontournable compilation de raretés.

Ainsi After Dark ne pourrait être qu'une compilation italo de plus si ce n'était véritablement celle du nouvel étalon italo. Réunissant une pelleté de morceaux uniquement trouvable sur des 12" et de nombreux inédits des poulains du label Italians do it Better, Glass Candy, Chromatics, Mirage, Professor Genius et Farah, After Dark s'impose comme une vision nouvelle du genre, plus 80 que jamais. Mirage propose par exemple un remix du fameux "Last Night a DJ Save My Life" de Indeep, tout en nappes de synthé spatial et en basses compressées, et quand Glass Candy reprend le "Computer Love" de Kraftwerk c'est pour le faire sonner comme un morceau de Blondie sous tranxene. L'obsession des artistes d'Italians do it Better pour les années 80 se traduit aussi par les adaptations de Dark Day, obscur groupe post-no wave de l'ex-DNA Robin Crutchfield (que l'on retrouve sur le volume 3 des mythiques compilations New York Noise), dont Chromatics reprend le "Hands in the Dark" et Glass Candy "The Chameleon". La mélancolie urbaine et l'expression du növo spleen de cette décennie réactionnaire placée sous le signe du fric facile, de la magouille politique et de l'absence de scrupule sont également omniprésentes dans des ballades mélancoliques comme "In The City", ou le futur morceau culte de Farah, "Law of Life". Originaire du Texas, Farah est à l'origine d'une descente aux enfers vraiment unique dans l'histoire de l'italo. Sur une base rythmique monotone et hypnotique proche du "I Feel Love" de Summer/Moroder, la chanteuse pose sa voix spectrale dans un spoken word mêlant l'anglais et une mystérieuse langue orientale, tandis que les synthés serpentent et que l'auditeur se laisse embarquer sur les pentes savonneuses de la transe la plus noire. Mais After Dark regorge aussi de perles électros vintages digne des B.O. de John Carpenter ("La Grotta" de Professor Genius), de space disco envoûté ("Miss Brodway" de Glass Candy), de cosmic sound dilaté ("Lake Of Dreams" et "Lady Operator" de Mirage), le tout animé des infinies pulsations du funk synthétique tridimensionnel de la fin des 70's. Clairement, After Dark oscille entre hommage et pastiche ("Pegaso" de Professor Genius), tendresse et distance post-moderne, qui font de lui un excellent prétendant au double titre d'album "culte et bizarre" et de "disque de l'été" à ranger aux côtés de Kathy Diamond, du Cosmo Galactic Prism de Prins Thomas ou du White Magic de Sorcerer.

Du coup, il faut relativiser. "Oui, c'est peut-être les Italiens qui le faisaient le mieux, dans les années 80". Aujourd'hui, force est de constater que les Américains se débrouillent plutôt bien aussi.

VA After Dark - Italians Do it Better (Italians Do it Better/Import)

Pascal Nègre et Universal viennent de faire leurs amplettes. Entre deux déclarations anti-téléchargement, le PDG de la filiale française voit sa société s'offrir un joli petit cadeau de Noël quelques mois en avance. Le groupe Universal Music vient de racheter pour près de 10 millions d'euros V2 Music Group. Que penser de cela ? On peut craindre pas mal. Car on connaît tout le mal que se donne notre gentil Pascal pour faire respecter la créativité des artistes (ahem...) et ainsi donc couper court à tout les moyens de téléchargement illégaux, supportant la loi Davdsi, mais surtout faire fructifier le chiffre d'affaire d'Universal. Racheter V2 permet à Universal de mettre la main sur un important catalogue d'artistes : Architecture In Helsinki, Bloc Party, Broken Social Scene, Calexico, Clap Your Hands Say Yeah, dEUS, Etienne De Crecy, Grandaddy, Jean-Louis Murat, Malajube, Mercury Rev, Paul Weller, Stereophonics, The Go! Team, The Knife, The Pipettes etc.

Lorsqu'on se souvient de la vision de Nègre sur la musique "Si Jim Morrison ou Jacques Brel entraient aujourd'hui dans mon bureau... et bien je ne signerais pas avec eux !" on peut effectivement prendre peur quant à la lignée artistique que s'était fixée V2. Avec un catalogue hétéroclite et comprenant de belles grosses cylindrées mais ne vendant pas forcément autant que - piochons au hasard - Anais, Isabelle Boulay ou Henri Salvador, on sait d'avance ce qui adviendra des équivalents de petits vendeurs mais talentueux Blood Red Shoes, Absentee, Simian Mobile Disco ou autre Black Keys au niveau national... Universal 1 ; Musique : 0.

Ca ne devrait vraiment, vraiment pas marcher. Le set spartiate de Fujiya And Miyagi a eu lieu en début de soirée, face au soleil couchant, les spectateurs arrivent sans trop savoir à quoi s'attendre et s'en foutent complétement, moi et Flyer écoutons, une galette-saucisse à la main (je me fais un devoir de l'initier à un minimum de traditions bretonnes). Ca ne devrait pas marcher non plus quand on s'éloigne de la scène pour profiter de nos relations haut placées dans la distribution de houblon pour profiter de pintes gratuites. Cette musique limite glaciale, sans fioriture, sans effet de manche, se montre pourtant insensible aux pires manques de respects.

Certains pissent entre copains contre la barrière pendant les instrumentaux kraftwerk-iens, mais recommencent à danser avant d'avoir refermé leur braguette. D'autres s'asseoient pendant les chansons funky/new-wave et ils ne peuvent pourtant s'empêcher de remuer la tête en rythme. Même quand je perçois avec étonnement une ressemblance avec INXS (c'est donc pour ça que Maxence les aime tant ?) je me dois de reconnaître que ça reste très bon. INXS est pourtant à ma connaissance toujours resté loin de l'esprit de tous les réhabilitateurs de la pop. Qu'y-a-t-il de si mal dans un peu de guitare funk à la javel ? Oui, Fujiya & Miyagi sont bons comme ça : j'ai presque envie d'écouter Suicide Blonde. Je n'en ferais rien, rassurez-vous.

The Go! Team, j'aimerais vraiment plus les aimer. J'aime leurs ingrédients : une rappeuse old school qui danse comme dans une cour de récré, des samples de cuivres sixties-seventies, une choriste asiatique à la voix de petite fille, des arrangements un peu bordéliques et une énergie de collégiens sous amphés. J'aime leur image, leur son, leur état d'esprit mais, entre tout ça et mes oreilles, il se passe quelque chose, ou alors il manque quelque chose et je finis par tout juste sourire, battant peut-être du pied mais sans vraiment avoir envie de me lâcher et de danser comme on m'y exhorte.

Sur disque comme sur scène, ils souffrent de toujours sonner pareil et surtout d'un songwriting faiblard qui n'est jamais caché qu'un temps par l'agitation qui l'entoure. Parfois pourtant, tous ces éléments que j'aime tant chez eux s'unissent en un tout consistant, la sauce prend - un peu par hasard semble-t-il - et le concert devient merveilleux. Ils s'échangent leurs instruments en courant, la rappeuse Ninja danse n'importe comment, le guitariste devient deuxième batteur, la choriste prend le devant de la scène et je me fends d'un de mes célèbres mouvements de danse tueurs, qui suscitent l'admiration de tous autour de moi. En tout cas l'ambiance est suffisamment enjouée pour que j'imagine cette admiration dans le regard des autres et ça me suffit amplement.

Au final on reste sur une impression en demi teinte, hésitante, le concert était tour à tour moins bon et meilleur que je ne l'aurais cru, l'enthousiasme de toute l'équipe et les déclarations bancales entre les chansons de la part ailleurs charmante Ninja peuvent basculer de l'insupportable à l'irrésistible à la vitesse du vent qui fait flotter l'écran géant comme une bannière animée du futur. A la fin, l'écran aura disparu, peut-être s'est-il envolé et a-t-il pris aux pièges les VIP en dessous, peut-être a-t-il juste été décroché par l'organisation. Ainsi s'achève ce moment d'ambiguïté.

Nous sommes ici en terrain connu. Qu'il s'agisse de son incarnation electronica, sous son premier pseudo, Manitoba, ou de Caribou, projet lancé après un trip au LSD dans la forêt canadienne (et accessoirement une menace de procès de Richard Manitoba, rocker américain et ex-roadies des Dictators) tout chez Dan Snaith est affaire de psychédélisme. Déjà à l'époque de Start Breaking My Heart, le Canadien avouait son amour immodéré pour les Byrds, Beach Boys, Left Banke et autres Montage, bref une foi aveugle en tout ce que la Californie des late 60's a produit de plus mélodieux et juvénile. Pas étonnant donc, qu'à l'image de ses glorieux aînés Andorra monte en vrille, parte en fusée et finisse par exploser dans une spirale ascendante de mélodies luxuriantes et exubérantes.

Donc oui, Caribou sort du bois et Dan Snaith semble avoir bel et bien tourné la page des machines chantantes. En effet, si son précédent sublime avatar de pop électronique, The Milk of Human Kindness, résonnait encore des sons très kitsch de la beatbox et fourmillait de samples malins, Andorra lui, se conçoit entièrement comme un album de psyché pop "classique" (si tant est qu'un tel mot ait un sens dans le contexte psychédélique qui nous occupe). Hormis la très discrète rythmique d'"Irene" et son electronica cliquetante ou la transe engourdie de "Niobe" façon "Chain Reaction rencontre The Beta Band", Andorra n'est qu'arpèges, clochettis, retour de manivelle shoegazer ("After Hours"), fond de distorsions et de dilatations accompagnant les couplets et refrains de "She's The One", ou accords bluesy déstructurés au ralenti (le très beau "Eli"). Alors bien sûr, même si justement les Byrds, les Beach Boys, les Zombies et The Left Banke ont déjà tout dit, on apprécie l'ensemble mélodique fait de lignes répétitives et joyeuses précieusement bâtit par Snaith ("Sundialing"). On regrette juste un peu que le Canadien n'ait pas osé expérimenter d'avantage et on se dit que, finalement il n'aurait peut-être pas du laisser tomber les machines. Ceci étant, Andorra n'aurait pas détonné dans notre sélection de pop 2007 et constitue certainement un parfait disque d'accompagnement pour cet été en demi-teinte. Allez hop, un petit tour sur myspace ne fait jamais de mal et vous donnera sûrement une idée plus juste que ce fatras d'adjectifs déguisés en avis personnel.

Caribou - Andorra (City Slang/Merge/V2, août 2007)

Technikart, les Inrocks, la hype, la contre-hype, les journaleux aigris, les lecteurs de bonne foi, les boulets de mauvaise, les blogueurs imbus de leur diahrée intellectuelle, et les autres... tout ce petit monde s'est agité, a hurlé à l'illumination ou à l'humiliation autour de Justice. "Alors tu l'as écouté ? Et en live ? Oh la la, en live, ça doit vraiment être mieux." Oui ? Non ? On s'en fout ?

"C'est un album d'une modernité affolante, au tempo souvent lent, à la croisée du métal et de la techno, qui ravit autant les amateurs de house filtrée que les indie kids. Justice pour tous..." dit le Dossier De Presse.

Menteur. Justice réanime la flamme Daft Punk avec une recette à peine mise à jour. On repassera pour la modernité. Mais est-ce que c'est mal ? Non. Est-ce que c'est pas mal ? Euh oui. Les filtres sont bidouillés, le mix balancé à la Route du Rock ressemble aux mix servis dans toute l'Europe, à un sample des Klaxons près. Pas d'avant-garde électro là-dedans. De toutes façons, ce n'est pas ce que quiconque y cherche.

Tubesque, épique, grandiloquent. Défonce-moi le tempo et je danserai jusqu'à la mort. Et ça fonctionne très bien, les gens lèvent les mains, bougent leur corps. Quel est le boulot du critique de concert quand les gens s'y amusent ? C'est facile de démonter un concert de The National où tout le monde s'emmerde. C'est autre chose que de baver sur Justice quand le peuple a attendu leur descente de croix dans la pluie jusqu'à 2h30 du mat'.

Non, c'est pas nul, c'est très bien fait. Non, c'est pas bien non plus, leurs ficelles musicales ont des gueules de câbles pour paquebot. En une heure, on a le temps de danser, de sauter et de s'emmerder. Sans surprise (on est pas chez Fatboy Slim) mais avec conviction. On trouvera surtout chez Justice ce qu'on veut y trouver, du génie ou de l'escroquerie, parce qu'au fond ces mecs ne sont que des marchands de fun. Comme dans une montagne russe, tout l'intérêt réside dans la première fois.