Archives > Octobre 2007

Attention, avec Delirium Cordia de Fantomas, nous célébrons un post culte et bizarre spécial Halloween ! De fait, il est difficile de trouver un artiste au pedigree aussi totalement extravagant (et monstrueux) que Mike Patton. Personnage insolite, ex-leader des abominables Faith No More (peut-être pas l'une de ses meilleurs références d'ailleurs), maître vocaliste, fondateur et label manager d'Ipecac Records (au catalogue : Kid 606, Numbers, The Melvins, Dub Trio, Dälek, Mouse on Mars, Unsane, Kaada, Circus Devil... etc.), chef de file des projets les plus fous (Mr Bungle, Fantomas, Tomahawk, Peeping Tom), Patton revendique la paternité d'une œuvre hybride. Il est le chantre d'un genre mutant qui doit autant au Kronos Quartet qu'à Sepultura, c'est dire ! Logiquement, tout au long de sa carrière, le bonhomme à su exciter la curiosité de personnalités aussi diverses que John Zorn, The Sparks, Boo-Yaa Tribe, Korn, les Deftones, Fennesz, Björk; ou dernièrement du compositeur contemporain Eyvind Kang. Son œuvre pléthorique, et totalement délirante, est en fait bien à l'image de ce Delirium Cordia, quatrième album de Fantômas et ce n'est pas un hasard si on le retrouve aujourd'hui dans notre rubrique dédiée au "Culte et Bizarre".

Disque monstre, Delirium Cordia est aussi un "disque monde" où se croisent sur un unique morceau de plus de 71 minutes, musique classique, ambiances de B.O. italiennes tarées pour films d'horreur de série B (ou Z), exercices électroacoustiques, bruitisme, exotica bâtarde, electronica, ambient sinistre, rituel satanique, musique industrielle, métal hors normes (deux riffs en tout et pour tout sur cet album) et chant grégorien. A ce propos il est intéressant de noter que bien qu'accompagné du guitariste et leader des Melvins, Buzz Osborne; du batteur de Slayer, Dave Lombardo et du bassiste de Faith No More Mr Bungle, Trevor Dunn; Mike Patton incarne toutes les entités vocales du disque. Quand il interprète ce qui semble être deux minutes d'un chant religieux de la fin du 8ième siècle, Patton exécute donc à lui seul les différentes parties d'un chœur grégorien de plus de 50 moines ! Autant dire que, comme le disait un ami récemment, "ce type n'est pas tout seul". Comprendre, Delirium Cordia semble bel et bien l'incarnation sonore des multiples réincarnations d'une âme damnée, ou de plusieurs, personnifiées dans le même artiste. Plus prosaïquement, on peut cependant noter qu'en ce qui concerne l'exercice de variation musicale à géométrie variable, Delirium Cordia a bel et bien un précédent. Il s'agit du morceau "Ars Moriendi" sur le California de Mr. Bungle, dans lequel Patton et sa bande exécutent peu ou prou, une douzaine de genres différents, allant de la country au chant sacré, en moins de cinq minutes ! Seul différence, le metal pour Tex Avery de Mr Bungle est souvent hilarant, ce qui n'est clairement pas le cas de Delirium Cordia, qui lui est carrément flippant. Evidemment, les puristes et les amateurs de musique aux oreilles grandes ouvertes y verront également beaucoup d'humour, reste qu'écouter Delirium Cordia au casque, dans le noir, fait toujours son petit effet. A déconseiller, peut-être, les soirs d'Halloween, mais bon, vous êtes seuls juges...

Fantômas - Delirium Cordia (Ipecac, 2004)

A lire aussi sur notre site, l'excellent papier de Pacôme Thiellement sur la galaxie Mike Patton (portraits des 4 artistes du crime)

Après la regrettable disparition d'Oink, c'est au tour du site de critique musicale (et cinématographique aussi, un peu) Stylus Magazine de fermer ses portes aujourd'hui. Tout mon système s'effondre, je vais finir par écouter les CD promos qu'on m'envoit (sauf qu'en fait on m'envoit des URL avec un nombre de logins limités maintenant). Cette fermeture n'est pas le fait d'Interpol ce coup-ci mais juste la conséquence de la lassitude de Todd Burns, éditeur en chef du magazine.

J'ai déjà écrit tout le bien que je pense de Stylus il n'y a pas si longtemps. Stylus était en quelque sorte un fantasme de journaliste, bourré d'articles aussi longs qu'ils le voualient sur des sujets aussi ésotériques ou aussi obscurs qu'ils le voulaient, de chroniques de singles à la chaîne, de listes et tops improbables, de papiers-confessionaux, de podcasts et de tout un tas d'autres choses qui n'intéressent que les gens qui aiment autant écrire sur la musique que l'écouter. On dit que plusieurs contributeurs de Stylus vont probablement être accueillis par Pitchfork (un certain nombre travaillait déjà pour les deux) mais la perte de Stylus est la perte d'un espace unique et il convient de verser une petite larme.

Avant de s'en aller, le site offre une orgie de listes de fin d'année/de décade prématurées. A l'heure où j'écris ces lignes nous sommes hier et les listes musicales "importantes" n'ont pas encore été publiées et tout ce vers quoi je peux vous diriger c'est une liste des meilleures rééditions de l'année, des meilleurs films du millenium (ce qui sonne beaucoup que "des sept dernières années") et surtout un best-of de Stylus Magazine lui même, plein de liens vers des articles essentiels sur Mariah Carey, des listes des plus définitives aux plus inconséquentes et puis, côté inédit, les ultimes critiques en haïku, une idée à voler au plus vite.

Sebastian Mullaert et Marcus Henriksson qui constituent le duo suédois Minilogue ont sévi dans les cercles techno depuis leur rencontre il y a plus de dix ans. Sous le pseudonyme de Son Kite and Trimatic, ils ont connu quelques succès avant de se réincarner sous l'enveloppe concept de Minilogue. Le nom du groupe, qui dit assez bien ce à quoi ressemble leur musique, est la contraction de minimalisme et de dialogue. Le Minologue est pensé graphiquement et musicalement comme un petit animal habile, inventif et sautillant, ce qui correspond tout à fait à l'ambiance et aux sonorités de ce nouveau single, baptisé "Ghost" et qui comprend trois titres enjoués dont 2 variations sur le titre principal justement. Le morceau est une petite merveille électronique qui n'est pas sans rappeler les meilleurs moments d'Aphex Twin. Il se développe sur un high tempo inventif et sur un beau et confortable matelas d'arpèges qui lui donnent un côté primesautier et vaguement malicieux. Plus loin, on sent de nettes influences funk qui semblent provenir en droite ligne des influences kraftwerkiennes du duo et de Henriksson, en particulier, ancien transfuge de la cold wave. (alors que son compagnon vient de la musique classique).

Sans en faire trop sur ces trois compositions, la musique de Minilogue est une excellente introduction aux joies de l'electronica, à la fois intelligente, douce à l'oreille et follement pétillante. Ca se picore ici :

http://www.minilogue.com

http://www.myspace.com/minilogue

Etonnant Franck Bretschneider. En plus d'être musicien, compositeur, vidéaste et co-fondateur du prestigieux label Raster-Noton (avec Carsten Nicolai, aka Alva Noto, et Olaf Bender), cet Allemand touche à tout est un producteur hors pair. Sa particularité ? Il est un des principaux représentants d'un courant discret (mais bien vivace) que l'on nomme "microscopic-music". Le bonhomme est en effet aussi à l'aise avec les sons minuscules que d'autres le sont avec de gros pieds house. Il est même certainement beaucoup plus à l'aise dans le domaine de l'infiniment petit, il faut bien le dire, même si certaines de ses productions ne sont pas dénuées de groove (voir Balance, son fabuleux album micro-tribal réalisé aux côtés de Taylor Deupree chez Mille Plateaux). De fait, Bretschneider est maître d'un groove à la Richie Hawtin, rigoriste et sévère, mais "sévèrement" ondulatoire aussi. S'il avait été chimiste ou physicien il aurait fait twister les quarks et les électrons ! Même si sa réputation n'est plus à faire (on l'a vu sur de nombreux labels, et non des moindres, comme Mille Plateaux, Force INC, Prototype 909, 12K, et Raster Noton bien sûr) ce pionnier des musiques électroniques allemandes fan de blues et de jazz, mais aussi de science-fiction et de "musique nouvelle" du 20ème siècle telle que György Ligeti, Olivier Messiaen, Erik Satie ou Terry Riley, reste d'une étonnante discrétion malgré la qualité de ses productions.

Avec Rhythm, Bretschneider se livre une fois encore, et sur son propre label, à l'exploration des sons infimes et de leur impact en temps qu'éléments rythmiques aussi diffus et discrets soient-ils, au sein de la structure globale d'un morceau. Dès "A Soft Throbbing of Time" et ses 7 minutes bondissantes, on reconnaît les motifs et les textures au groove subliminal - et minimal - de Bretschneider. Ces cliquetis résonnants, accompagnés d'une grosse basse, se répondent continuellement, formant une étonnante écologie sonore, parfois proche du dub (un genre que l'Allemand affectionne également), du dubstep ("The Eight Day People"), de la noise music de Pan Sonic ("The Big Black and White Game") ou de la techno de M_Nus ("Other Days", "Other Eyes", "The Moon is a Hole in The Sky") ou encore des trips funky cassés d'ErrorSmith ("We Can Remember it for you Wholesale", "Construction Shack"). Un fascinant exercice de funk moléculaire !

De son côté, Signal annonce justement la réunion des fondateurs de Raster Noton, soit Franck Bretschneider, Carsten Nicolai et Olaf Bender ! Un "power trio" si l'on peut dire, qui s'exprime plutôt dans une veine "microscopic noise" cette fois. L'union de ces monstres sacrés de la recherche du groove micro tonal donne Robotron, un album qui porte bien son nom. Musique de flux mécanoïdes Robotron évoquera immanquablement encore une fois les Finlandais de Pan Sonic, même si dans l'ordre d'apparence historique, les trois de Signal sont certainement en avance de quelques années. Wave, sinus, ondes, vibrations, tout au long de ces sept morceaux évidemment hypnotiques ("Ermafa", "Malimo"), il est question de répétitions, de tons, de saturation, pour des titres aussi finement dubby ("Naplafa", l'éponyme "Robotron") qu'expérimentaux ("Wismut") et discrètement bruitiste ("Rawena"). Un album toujours extrêmement riche en textures et en géographie sonore. Un travail de précision drivé des mains (6 pour le coup !) de maîtres, pour un disque efficace malgré le challenge évident que représente l'évolution du courant "microscopic music" de nos jours. Si vous vous êtes lassé des jolies compositions de Fennesz, ou si vous manquez d'émotions audiophiles, n'hésitez plus, foncez découvrir le monde de sons infimes qui nous entoure.

Franck Bretschneider - Rhythm et Signal - Signal - Robotron (Tous les deux chez Raster Noton/Metamkine)

Pour ceux qui se posaient la question : arrêter la drogue, c'est bien comme arrêter le tabac, ça fait grossir des joues. Pete Doherty, de passage en France ces derniers jours pour promouvoir le Shotters Nation des Babyshambles, est devenue la risée des tabloïds britanniques qui ont mis en avant des photos de lui assez peu reluisantes et témoignant d'un réel et embarrassant embonpoint. Au premier rang des nouveaux surnoms donnés à Pipette, "Podgy Pete" (Pete-le-ventripotent) remplace assez poétiquement l'ancien "Potty Pete" (Pete le drogué). Côté informations pratiques, rappelons pour ceux qui avaient lâché l'affaire lors de notre dernier point :

1. Que Pete Doherty a sorti un album qui tient à peu près la route. Shotters Nation vend bien en Angleterre mais tarde à décoller, semble-t-il, en France, malgré une campagne promotionnelle assez offensive.

2. Qu'il a remporté une belle bataille juridique il y a trois ou quatre jours. Sa juge préférée (dont on dit qu'elle est amoureuse de lui depuis le début) a réduit sa période probatoire (et de suivi juridico-thérapeutique) de 6 mois et lui a souhaité bonne chance dans sa nouvelle vie, après qu'il a aligné 2 semaines d'analyses négatives à toute substance illicite, une cure à peu près réussie (malgré une tentative de suicide aux médicaments révélée par la suite) et quelques paroles rédemptrices dans le NME ("pas sûr que je puisse fonctionner sans rien de rien, mais bon..."). Sur ce plan, Pete Doherty est donc à peu près dégagé (sauf rechute) de tout risque d'emprisonnement pour ces multiples arrestations. Le ménage a été fait dans l'entourage du groupe, même s'il se raconte que les Bilo et Wolfman, fournisseurs officiels, ont été remplacés par d'autres créatures de la nuit.

3. Qu'il a plaqué sa nouvelle petite copine, la mannequin Irina Lazareanu, pourtant demandée en mariage il y a quelques mois (il a prétendu qu'il était défoncé), et espère renouer sérieusement avec Kate Moss. Laquelle Kate continue officiellement de voir le guitariste des Kills (et pas très beau), Jamie Hince, qui s'est fâché tout rouge après avoir découvert que la supertop entretenait de régulières conversations téléphoniques (secrètes) depuis sa rupture, avec... Pete Doherty. Quel suspense !

4. Que le deuxième single de l'album a été choisi : il s'agira du bon "You Talk", chanson imparfaite mais qui "se mumble" sans fin. Après "Delivery", on n'est pas près d'arrêter de chantonner des gnagnagna des Babyshambles en se levant le matin, dans le métro et au boulot. Malgré tout ce qu'on a pu dire sur l'incapacité chronique des Babyshambles et de Doherty à composer une chanson qui se tienne de A à Z, de la première à la dernière seconde, il faut reconnaître que le groupe est à l'origine de séquences pop qui ont un haut potentiel de pénétration dans les esprits. Un vrai cauchemar pour ceux qui ont horreur de se retrouver avec des airs qu'ils n'aiment pas dans la tête.

5. que l'une des photographies de Moss (tirée d'une campagne de pub pour Agent Provocateur) choisie pour garnir le livret de l'album a été définitivement abandonnée pour des raisons de droits.

6. Que les Babyshambles seront bien en escale française en janvier, à Lille (13), Paris (14 à l'Olympia) et Lyon (le 15) et que ça se réserve dès maintenant.

En lisant le post de 2Goldfish sur Britney Spears et ses déboires avec la drogue, j'ai enfin compris l'acharnement que les fans ont à défendre leurs idoles sur le net.
Si comme je le disais l'autre fois, les goûts musicaux (et esthétiques en général) sont histoire d'éducation, savoir les exprimer est aussi une histoire d'apprentissage de la liberté.

Pour beaucoup d'entre vous lecteurs de Flu', j'imagine que cette liberté d'expression, est justement ce qui vous fait aimer internet. A contrario, les fans (pour la plupart), utilisent ce média non pas pour exprimer leur avis propre, mais pour défendre un avis déjà prédéterminé par les médias traditionnels.
Cela me rappelle une anecdote : Dans ma ville, une radio associative a lancé un appel d'offre pour créer de nouvelles émissions. Les jeunes étaient appelés à se présenter et à faire des propositions. Résultat, la plupart des candidats souhaitaient passer exactement la même musique que Skyrock, NRJ ou Fun Radio.
Concrètement, on a beau vivre dans une société qui érige la liberté d'expression en droit fondamental, les gens n'ont pas l'habitude d'en profiter. Et la plupart ne voient pas en internet un média libre (du moins, en partie) sur lequel nous pouvons enfin nous exprimer comme bon nous semble.

En gros, si les fans de Britney n'aiment pas voir d'autres personnes exprimer des avis libres sur leur idole, c'est tout simplement parce qu'ils n'appréhendent pas le net comme un vrai média. Pour eux, il ne s'agit toujours, au mieux, que d'un grand supermarché mondial, un lieu de rencontre amicale ou érotique, ou un repaire de bloggeurs adolescents et de sites de potes qui déconnent entre amis et, au pire, un nid de pédophiles et de pirates, comme leur serinent les "old medias" à longueur d'années.

Surtout, ces fans n'ont pas l'habitude de voir s'exprimer des goûts "différents". Comprenez, pas "différents des leurs", mais "différents" tout court !
Le mouton bêlant qui habite chacun de nous se rebiffe quand on lui dit qu'il en est un. Même quand on ne fait que lui suggérer en usant soi-même de la liberté qui nous est due. C'est sûr, la liberté de ton qui règne (ou devrait régner) sur internet, ça les change de la TV ! Voilà pourquoi ils sont également aussi choqués de voir ce qu'ils considèrent comme des "wannabe" journalistes même quand il s'agit de journalistes confirmés (mais qui ne passe pas à la TV eux) se permettrent de descendre leur star favorite en ligne.
Pour ces fans, c'est simple, il y a ce qu'il passe à la radio et à la TV, donc qui est bien, et ce dont ils n'ont jamais entendu parlé, et donc c'est de la merde.
En effet, comment peut-on encore en douter ?
Si c'est passé sur la une, la deux ou Canal +, forcément c'est génial !
Et qui sont ces amateurs de "musiques bizarres" pour dire le contraire ?
Eux qui n'écoutent même pas des artistes connus (sous entendu médiatisés par les grandes chaînes et stations de radio), donc évidemment des losers sans talent.
A la lecture noire sur blanc de cet argumentaire aussi simpliste soit-il, on peut comprendre en effet que les fans soient choqués.

Au final, plus que Britney ou ses producteurs, managers ou labels, ce sont ses fans et leur manque patent de personnalité, que le chroniqueur touche et pointe du doigt quand il écrit sur elle. Et c'est ça qui fait vraiment mal.

Il est en effet un fait peu connu mais totalement certain pour qui à l'oreille (ou le nez) : le meilleur rock mainstream des années 1980 était toujours joué avec des guitares faites entièrement en coke, comme en attestent ces vidéos des chansons les plus motivantes des eighties. Malheureusement, l'aventure a très mal tourné, la plupart des concerts d'Europe et Foreigner se terminaient systématiquement à l'air guitar et il semble qu'aujourd'hui plus personne n'a les moyens ou l'envie d'une guitare de coke. Si vous cherchez un morceau "motivant" pour aller en salle de gym ou vous prendre pour Karaté Kid, le moment de vérité, vous devez de nos jours vous tourner vers le hip hop où la coke est disposée en rails biens sages sur la console de mixage, pas dedans. Une bien triste époque pour les amateurs de musique cocaïnée. Allez, on arrache les manches de son sweat, on met son bandeau anti-transpiration, on envoie un peu de Van Halen et on se fait dix pompes et un rail, en souvenir du bon vieux temps.

Metalheadz pour ceux qui ne s'en souviennent pas étaient (et est toujours, ils reprennent leurs activités) le label de Goldie, l'homme au dent d'acier de la jungle (la quoi ?? Oh, ça va hein !) anglaise des années 90. Le logo du label représentait une tête de mort en acier avec des reflets. Mon titre se voulait un bon mot donc, puisque Pre-Emptive False Rapture, deuxième album des métalos dinguos et disco junkie de Chrome Hoof est justement bourré de groove "tête de mort" ! Un "groove de Hoof" même (héhéhé, qu'est-ce qu'on s'amuse hein !?). Bref, Chrome Hoof, pour faire court, c'est le projet disco funk metal de Leo Smee, le bassiste du groupe doom Cathedral (si, si, vous lisez bien !). Originalement bâti autour d'un duo avec son frère Milo, Chrome Hoof, s'est finalement transformé en orchestre pour moines futuristes et funky. Une bande de joyeux jobards accoutrés de toges à paillettes parmi lesquels on trouve la siphonné Lola Olafisoye des excellents Spektrum. Pas moins d'une vingtaine de musiciens donc, trompettes, saxophones, tubas, percussions diverses et bien sûr basse, guitare, batterie, mais aussi synthétiseurs et effets électroniques analogiques pour un Pre-Emptive False Rapture complètement halluciné tentant follement l'hybridation du jazz mutant et futuriste de Sun Ra avec les B.O. bizarres des Italiens de Goblin, le punk funk d'ESG, le P-funk de Parliament Funkadelic et le hard rock mystique de Black Sabbath.

Après une telle description, vous l'avez compris il ne s'agit pas de fusion "metal funk" ici, on n'est pas chez Living Colors (quel horreur !). Chrome Hoof expérimente constamment. Sur "Tonyte", par exemple, cela donne une intro pilonnée par le staccato martial d'une énorme basse rebondie, un 4x4 très four to the floor et une envolée de cordes synthétique. Du disco analogique comme on en avait jamais entendu, même à l'époque ! Plus loin, la folle Lola Olafisoye, geint, feule, hurle, scande follement des lyrics endiablées sur du metal de dessin animé ("Circus 9000", "Leave This Ruined Husk", "Spoke of Iridium"), tandis que le groupe au grand complet nous offre des cavalcades de free funk à danser en tournant en rond comme des derviches de plus de 9 minutes ("Moss Covered Obelisk") ou d'étonnants morceaux abstraits et spatiaux qui ne se terminent jamais comme on l'imaginait ("Symbolik 180°", "Egg n' Bass"), quand ce n'est pas de pur moment de heavy rock à vous décoffrer les tympans et vous briser les vertèbres ("Death is Certain"). Transcendé par le jazz cette folie donne "Astral Suicide", au croisement de Black Sabbath et Tex Avery. Sur "Pronoïd" enfin, l'un des meilleurs morceaux de ce disque diabolique avec "Tonyte", "l'Arkestra" se livre à un exercice de punk funk science-fictionnesque de haute volée, de ceux que l'ont avait plus entendu depuis... oh et bien presque jamais en fait ! Même Sun Ra ne s'y serait pas risqué, c'est dire la folie du machin !

Téléchargez et écoutez "Pronoïd" et visitez le profil myspace du monstre.

Chrome Hoof - Pre-Emptive False Rapture(Southern/Differ-ant)

Un jour j'ai écrasé un chat avec ma voiture. Il se tenait au milieu de la voie, j'ai tourné pour l'éviter, lui aussi, mais au lieu de foncer sur le bas côté cet idiot s'est jeté contre mon pare choc. Ca a fait POC. Peut-être était-il suicidaire, me suis-je dit. Je n'aurais pas vraiment pu faire quoi que ce soit d'autre. j'ai essayé de l'éviter, bon sang ! J'ai beau plaisanter tout le temps sur mon aversion pour les chats et les choses que je voudrais leur faire, j'étais en fait tout retourné par l'incident. Si j'avais du écrire une chanson à ce moment-là, elle aurait ressemblé à du Radiohead. Brrr, ça fait froid dans le dos

Fort heureusement pour nous, !!! n'est pas le genre de groupe à se laisser aller à la contemplation et à la déprime. Quand ils écrasent un animal sur la route dans ce clip pour la chanson "Yadnus" extraite de leur dernier album Myth Takes, c'est parce qu'ils étaient défoncés et qu'ils roulaient à fond vers le couchant et de toute façon, tout ça est une super expérience mystique et on danse et même l'animal mort chante et tiens on a perdu un membre en route, on est plus que sept mais, oh, voilà qu'une fille s'ammène et maintenant on est huit à nouveau et en plus c'est une fille. Trop. Bien.

En matière d'albums cultes et bizarres, impossible de passer à côté de The Fall (surtout que cela fait bien 2 semaines que nous n'avons pas évoquer Mark E. Smith sur nos pages, n'est-ce pas Myoso ?). Il en fallait au moins un, mais impossible de se contenter d'un seul album dans la discographie (plus d'une trentaine d'albums officiels sans compter le double de lives !) d'un groupe comptant autant de bizarreries. C'est pourquoi j'en ai choisi 3. Trois disques de The Fall, symbolisant trois périodes différentes de ce groupe incontournable et inclassable.

1. Hex Enduction Hour (1982)
Juste avant l'arrivée de Brix Smith qui donnera ses teintes pop au groupe de Mark E. Smith, The Fall sort Hex Enduction Hour dans la lancée de sa tournée en Norvège. Pour beaucoup de fans, si Grotesque (After The Gramme) est le premier vrai grand album de The Fall, Hex Enduction Hour représentera le tour de force d'un ensemble totalement libre, expérimentant sans se soucier du public, des modes ou des critiques. L'atrabilaire leader mancunien y pond d'extraordinaires histoires au surréalisme fantasmagorique et grotesque, soutenues par pas moins de deux (!) batteries et les variations de Craig Scanlon, immense guitariste de free rock avant l'heure, à la guitare tantôt bruitiste et rapide ("Jawbone & The Air-Rifle"), tantôt lente et mesurée ("Hip Priest"). C'est aussi la période où The Fall expérimente avec les synthétiseurs, ici un Casio VL-Tone, sur "Fortress/Deer Park" par exemple (le même qu'utilisaient les premiers Human League). En ce sens, Hex Enduction Hour figure une sorte de vision tordue du rock progressif que Smith affectionnait. Une vision punk en fait. The Fall inventant quasiment l'english krautrock ("Iceland"), dépassant toutes les barrières et osant s'aventurer là où bien peu avant eux (hormis peut-être PiL et Pere Ubu) osèrent aller. "I never felt better in my life" chante-t-il sur "The Classical" et ça se sent.

2. The wonderful and frightening world of the fall (1984)
Certainement l'un des meilleurs albums du groupe, The wonderful and frightening world of the fall est pourtant peu connu et largement mésestimé, souvent confondu avec une compilation. C'est la période new wave de The Fall (qui se moque allègrement de la new wave, irrévérencieux comme toujours, sur un "Lay of The Land" hilarant). Brix Smith est arrivée depuis Perverted By Language et apporte avec elle, le jingle jangle de sa guitare à l'américaine ("2 x 4", "Draygo Guilt"). La musique y est toujours répétitive ("Copped it", "Elves" qui reprend en douce le riff de "I wanna be your dog" des Stooges), Mark E. Smith y est à son sommet, à ce titre des morceaux comme "Disney Dream's Debased" sont extrêmement représentatifs de son art de poète et satiriste, d'autant que sur The wonderful and frightening world, The Fall pond enfin des tubes ! A ce titre écoutez l'imparable "Oh! Brother", "C.R.E.E.P.", "Disney Dream's Debased" bien sûr et également les 7 minutes psychédéliques d'un "No Bulbs" évoquant le croisement incroyable de Joy Division, de Can et .... hé bien de The Fall ! Culte !

3. Levitate (1997)
Période "loose", The Fall sombre dans le chaos avant de revenir sur le devant de la scène en 2003 avec The Real New Fall Album (Country on the Click). Levitate est à l'image de ce moment de l'histoire du groupe. Un disque malade ponctué de moments de génie comme toujours dans sa discographie. Mark E. Smith qui a totalement basculé dans l'alcoolisme, est souvent absent, les membres enregistrent une partie de l'album sans lui. Quand il est en studio, il vomit ses lyrics mieux que jamais ("Hurricane Edward") et balance ses insanités sur des rythmes pilonnés rappelant parfois le dub punk de PiL période Metal Box ("Ten House of Eve") ou d'étonnants morceaux d'electro rock où les riffs industriels de Nine Inch Nails rencontreraient les pitreries des Happy Mondays ("Masquerade"). En gros, Levitate voit la musique concrète la plus je-m'en-foutiste ("Tragic Days") flirter avec des inserts de piano à la Satie, des ballades (le très bel instrumental piano/synthé de "Jap Kid"), des reprises rockabilly et punk rock tarées ("I'm a Mummy", "Jungle Rock"), des morceaux expérimentaux inaudibles, ou presque, sur lequel le chanteur parle, ou hurle ("4.5. Inch", la cavalcade psychée de "Ol' Ganz"). Grand bordel désorganisé, Levitate est souvent considéré comme le pire album de The Fall, et pourtant, il contient des morceaux précurseurs (de ce qui deviendra le punk funk actuel, LCD Soundsystem, etc.) et de très beaux morceaux ("Everybody but myself", "Jap Kid", "Ten House of Eve", "Masquerade"). Totalement culte, totalement bizarre.

Attention, il ne s'agit pas là des "meilleurs" albums de The Fall mais des plus bizarres (hormis peut-être en ce qui concerne The wonderful and frightening world). Les curieux désireux de se mettre à The Fall sans tomber dans l'excès d'excentricité devraient plutôt se pencher d'abord sur The Frenz Experiment (le plus accessible), Extricate (le plus équilibré en valeur expérimentation et accessibilité), idem pour The Real New Fall Album. Ecoutez également Bend Sinister, Perverted By Langage, Code:Selfish, les 2 merveilles que sont Infontainement Scan et The Unutterable ainsi que l'avant dernier Fall Head Rolls (le plus rock).

The Fall - Hex Enduction Hour (Kamera, 1982, réédité en 2007 chez Sanctuary
The Fall - The Wonderful And Frightening World Of.... (Beggars Banquet, 1984)
The Fall - Levitate (Artful, 1997)

Prenant le contre-pied des imprécations de Chris Crocker ("Leave Britney Alone"), ceux qui se présentent comme des amis de Britney Spears ont créé une page Myspace pour sauver celle-ci de la déchéance personnelle et professionnelle dans laquelle elle s'enfonce chaque jour un peu plus. Comment sauver Britney ? Ils appellent à un boycott actif de son nouvel album et au harcèlement de sa maison de disque et de tous ceux qui font du business sur son dos sur le mode "je ne vous filerais plus mon argent tant que Britney ne sera pas clean". Je doute que la campagne soit réellement efficace et je ne peux décemment pas y participer en sachant bien que je n'achèterais pas le disque de Britney même si elle devenait clean puis mourrait de la mucoviscidose (pourtant une excellente raison d'acheter un disque, apparemment) mais j'apporte mon soutien moral à la démarche. J'ai une infinie compassion pour Britney Spears, je me sens responsable de ce qui lui arrive et vous le devriez aussi.

Oui, oui, c'est encore un de mes billets sur Britney Spears et je suis un peu lourd avec ça mais comprenez, je me sens coupable. Britney Spears, c'est le produit ultime de notre civilisation, la pauvre fille créée par la société du spectacle, notre fantasme collectif devenu chair, le résidu de millions d'heures passées devant nos télévisions et nous ne pouvons pas juste l'enterrer comme un vulgaire déchet radioactif. Evidemment vous non plus n'avez jamais acheté un de ses disques, vous ne l'avez jamais activement poussée sur le chemin qu'a pris sa vie. Nous avons cependant tous un jour dit du mal d'elle, rit de sa superficialité, son ridicule ou son malheur. Et kiffé grave Toxic aussi. Certains d'entre nous l'ont fait plus intensément et plus publiquement que d'autres - je veux bien sûr parler de moi, là- mais nous sommes tous coupables.

Nous devons sauver Britney Spears parce que son sort, c'est celui de notre civilisation. Nous ne méritons collectivement pas mieux qu'elle. A nous de nous débrouiller pour qu'elle passe les prochaines années en haut des charts, pas au fond d'une prison. Bien qu'en y réfléchissant, elle fera probablement les deux.

Versatile a eu la gentillesse de m'envoyer le nouvel Ep des français Zombie Zombie, dont je vous parlais il y a presque un an maintenant. Composé d'Etienne Jaumet au synthé (également membre de Married Monk) et de "Cosmic" Neman, batteur chez Herman Dune. Le duo Zombie Zombie, c'est un peu l'étalon italo qui se fait peur. En fait, ce n'est même pas de l'italo du tout finalement, la filiation serait plus évidente avec des pionniers iconoclastes comme White Noise (1968!) pour leur goût de la digression, Silver Apples, Can et Neu! pour le côté répétitif, Suicide pour l'aspect brut et puis aussi, Sonic Boom, E.A.R. (Experimental Audio Research) et en général toute la galaxie Spacemen 3, pour le trip psychédélique. En définitive, le lien avec l'italo serait plutôt à chercher du côté des Italiens de Goblin et bien évidemment, l'un ne va pas sans l'autre, avec John Carpenter. Zombie Zombie, si vous me permettez le jeu de mot facile, c'est un peu de la disco pour faire danser les morts. Le titre du Ep pour commencer, Driving This Road Until Death Sets You Free, magnifique ! Un titre en forme de manifeste pour la vie en somme. Une déclaration qui ouvre des portes : un hommage aux dernières minutes du Lost Highway de David Lynch ? Une bande son improbable pour le Crash de J.G. Ballard (également valable pour son adaptation par Cronenberg) ? D'accord mais la musique dans tout ça ? Et bien c'est une longue plainte electro résonnante, minimaliste dans sa forme, répétitive et inquiétante. Une sorte de krautrock pulsée et monomane, de la kosmische musik qui resterait collée au plancher, les deux pieds sur la pédale d'accélérateur. Un univers tourmenté donc, en constante contradiction. Contrairement à leur premier EP, pas de lyrics ici, juste cette ligne droite infinie et sinusoïdale dont on aimerait même pas voir le bout, maso que nous sommes. Ça tombe bien, puisque la face deux propose une version de Joakim, un poil plus tendue encore, histoire de ne pas oublier d'où vient cette musique, ni où elle vous emmène. Comment ça "Et où nous emmène-t-elle ?" Vous ne voulez pas que je vous dises tout non plus, non ? Achetez-le !

http://www.myspace.com/therealzombiezombie

C'était l'un des... que dis-je, LE meilleur site au monde pour découvrir de la musique, que ce soit des nouveautés en avant première ou des vieux disques oubliés de tous (en particulier des maisons de disques), Oink.cd vient d'être fermé suite à une plainte déposée par l'IFPI et le BPI contre son webmaster, un britannique de 24 ans et le site est maintenant remplacé par une page menaçante qui parle d'une improbable enquête menée sur les anciens utilisateurs. Oink était un site de partage un peu exclusif, auquel on n'accédait que sur invitation et qui avait une politique très sévère avec ceux qui prenaient plus qu'ils rendaient. Du coup, quand on avait finalement réussi à y rentrer, on s'assurait de ne pas se faire virer et tous les autres en faisant autant, la fiabilité, la richesse et la qualité du contenu était sans équivalent sur le net. Sans parler du fait qu'on trouvait toujours les albums sur Oink un peu avant partout ailleurs.

Oink faisait partie de ces sites sans lesquels un tas d'artistes "alternatifs" ou "indépendants" d'Arcade Fire à MIA en seraient encore à tenter de rameuter trois amis sur myspace et sans lesquels tout un tas de mp3blogs n'auraient rien à poster et personne ne lirait des sites comme Pitchfork, la Blogothèque ou celui-ci qui parlent de beaucoup trop de musique différente pour que vous l'achetiez tous. Evidemment, Oink opérait dans l'illégalité la plus totale et nous connaissions tous la règle du jeu. Sa fermeture n'est pas véritablement une surprise et les amateurs de musique trouveront de toute façon bientôt un nouvel endroit où se réunir et partager.

Il paraît, d'ailleurs, que les majors sont très en colère après leurs chasseurs de pirates car ceux ci resteraient inefficaces face à ce bon vieux Soulseek.

Blitz'n'Ass, quel titre pour ce qui devrait être le disque qui vous fera le plus remuer le bas des reins cette année ! Et autant dire que ça va bouger puisqu'en la matière, Jahcoozi convoque ce que la planète offre de meilleur. Venu du milieu club Berlinois, Sasha Perera, la chanteuse aux origines sri lankaise née à Londres, Robot Koch le Berlinois et l'Israélien Oren Gerlitz, mêlent les rythmes caraïbes, le ragga, la booty bass de Miami et le hip hop aux sons ronflants et pétaradants du hardcore électronique. Cela fait d'ailleurs maintenant 5 ans que le trio rode sa recette à base de basses énormes et moites, d'ambiance punk-funk, de saccades et de roulement de hanches. Sur ce deuxième album le trio propose un mélange plus que détonnant. On pense parfois à Modeselektor (en mieux), à ESG (version éléctro) ou à Kid 606 (en plus structuré), pas vraiment étonnant d'ailleurs puisque l'on retrouve l'Américain parmi les fans de Jahcoozi, aux côtés de personnalités aussi variées qu'Ellen Allien ou Ewan Pearson. Un trio en pleine ascension donc, qui doit tout à une musique subtilement dans l'ère du temps, à la fois brute et riche, sexy et engagée. A ce propos, la production de l'album a beau être faite maison, on y capte déjà le perfectionnisme de grands producteurs electros bénéficiant d'une large culture et d'une belle ouverture d'esprit.

Sur Blitz'n'Ass Robot Koch et Oren Gerlitz, pratiquent en effet de subtils (et radicaux) décalages r'n'b (on n'est pas à Pop Star ici !), technoïdes et noirs, en usant d'instruments sans pour autant négliger les dérapages numériques impromptus et les moments de pures transes industrielles ("Double Barrel Name"). De son côté, Sasha Perera, un improbable mélange de Grace Jones (voir la pochette rappelant le Slave to The Rhythm de la Jamaïcaine) et de Nina Hagen période African Reggae, cultive une sensualité de tigresse et un sens de la syncope à vous faire tomber à la renverse. Ce qui ne l'empêche pas de s'engager aussi, en relevant discrètement le niveau du booty originel. Car, contrairement à ce que son titre laisse penser Blitz'n'Ass (en fait un clin d'œil au classique stéreotype du "tits'n'ass"), l'album ne se contente pas d'aligner les tracks dansants au groove malsain comme "BLN", le très dubstep "Style", "Disposable" (feat. Stereoptyp) et "Gameboy", le quarté gagnant de cet album, il fait également étalage du talent de songwriting de sa chanteuse. Celle-ci défend par exemple la cause gay sur "Rainbow Colored Rizzla" ou dénonce la dictature d'une certaine image de la "plastique" féminine sur "Collagen". Le groupe excelle également dans la composition de morceaux baroques et insolites comme le provocateur "Getyoshitout", une track non dénuée de mélancolique, le mélodique et sombre "Your hand in your pocket", l'imparable "Chill Jill" ou l'inquiétant "Takin' Your Street". A noter que des invités de marque sont également présents sur l'album, parmi lesquels MC Sayid, l'ex-Antipop Consortium et actuel Airborn Audio, et rien que pour ça, il faut poser une oreille attentive sur Blitz 'n' Ass "tropical grindcore" !

Jahcoozi - Blitz'N'Ass (A-Sound/PIAS, octobre 2007)

http://www.myspace.com/jahcoozi

Entre l'oeuf et la grenade, Sony lance son arme pour combattre Apple avec son Sony Rolly. A première vue, on se demande bien ce que c'est et ça ressemble en rien à un baladeur mp3 et pourtant c'en est bien un. Il s'agit en fait plus d'un robot musical que d'un lecteur mp3 classique. Doté d'une mémoire flash d'1 Go, le Sony Rolly possède des mini-enceintes, danse et agite ses clapets au rythme de la musique. Avec son logiciel dédié il est possible de paramétrer à l'avance les mouvements de l'oeuf. Equipé du bluetooth et de connectiques qui lui permettent d'etre relié à un téléphone portable ou à une chaîne hi-fi, l'oeuf coûte quand même 350 dollars. On se contentera pour la plupart d'entre nous de mater la pub et de profiter de sa bande-son signée Scenario Rock.

Voilà le jukebox que John Lennon aurait acheté en 1965 et aurait trimbalé avec lui en tournée. Racheté en 1989 par John Midwinter lors d'une vente aux enchères, ce jukebox contient une quarantaine de titres que Lennon affectionnait particulièrement. Son acquéreur, Midwinter, a retrouvé un à un les disques et est à l'initiative de ce projet de documentaire. John Lennon's Jukebox détaille donc le contenu du jukebox et rassemble des commentaires de certaines personnalités présentes dans ce dit-jukebox. Dix ans de musique (1956-66) balayés par cette boîte à musique, une quarantaine de titres qui auraient joué un grand rôle dans le songwriting des Beatles et 40 min de documentaire sur l'histoire du rhythm'n'blues et de la pop music.

"La confédération des bâtards" (et non pas "des canards", private joke), c'est ce que devraient former Basteroid et Alter Ego, tant leur techno bruyante et brute de décoffrage détonne (c'est le cas de le dire !) au milieu de la production retenue et épurée actuelle. Après une décennie de click-house et une autre de minimal techno squelettique, mêlée de progressive trance nouvelle manière (la différence n'est pas toujours évidente d'ailleurs), il est toujours plaisant de retrouver des artisans capables d'envoyer du bois tout en gardant le sens de la mélodie. Plus encore qu'Alter Ego, qui pour le coup déboîte méchamment sans se préoccuper excessivement de bon goût, Basteroid (aka Sebastian Reidl) réinvestit un paysage techno laissé quelque peu en friche depuis Detroit. Longues plaintes mélancoliques sur grosses basses rondes, riffs de synthétiseurs et mélodies en cascades, étranges variations contrapuntiques sur ronflements analogiques, voilà en gros ce que nous propose Basteroid dans toute son excellence teutonne. Sur Upsets Ducks, son premier album, ça craque, ça frappe, ça déstructure sec, mais pour Reidl, une grosse baston rythmique n'empêche en rien de survoler d'insoupçonnables perspectives. C'est le cas sur "16 steps away from the stars", le morceau d'ouverture qui mérite si bien son titre, ou encore sur le brutal et spleenétique "How not to play piano", qui provoque inévitablement un curieux vague à l'âme chez celui qui l'écoute. Une constante chez Basteroid qui incite continuellement aux sentiments contradictoires et troublants. On s'étend sur les langueurs synthétiques de "Backstage Ass", alors qu'on tatanne comme des dingues sur "Jacktales". On rigole (pas tant que ça d'ailleurs) sur l'éponyme "Upset Ducks" et on observe le cosmos une larme à l'œil 8 minutes plus tard sur "Pulsador de alarma" ou "Un Dos Windows". Basteroid, cultive avec bonheur l'art du paradoxe. Une "main de silicium dans un gant de latex" en somme. Ecouter, ou danser, sur Upsets Ducks c'est un peu comme se taper une suite de montagnes russes, un sonic railway virtuel, où l'auditeur se fait chopper par les harmonies inattendues qui hantent, sous-jacentes et chafouines, de gros morceaux d'electros sombres et futuristes (Detroit, je vous disais !). En bref, un très bon album qui ne méritent que quelques mots pour affirmer sa différence et sa grandeur. Allez donc jeter une oreille sur le profil myspace de "Mr.Sebastian Reidl", il le mérite.

Basteroid: Upsets Ducks (Areal/Nocturne)

Je suis surpris en recherchant dans les vieux billets de Playlist de n'en trouver aucun consacré à Hype Machine, un des sites les plus cools et les plus smples pour se tenir au courant de ce qu'écoutent sur le moment les gens à peu près jeunes et à peu près branchés à travers le monde. A la base Hype Machine est un simple aggrégateur, qui récupère les mp3 postés sur les blogs inscrits (soit à peu près tous les mp3blogs cools du monde, plus les autres) et vous permet d'y accéder via un moteur de recherche et de regarder lesquels sont les plus populaires, fournissant ainsi une sorte de top 50 alternatif, celui d'un monde merveilleux où Radiohead est premier, Arcade Fire avec Bruce Springsteen second et le dernier artiste un peu important qui vient de mourir est troisième.

Hype Machine vient tout juste de se relancer dans une nouvelle version pleine de petits gadgets web 2.0 inutiles qui évoquent un sous last-fm. La mise en page est bancale mais le principal reste en place et hype machine reste une bonne adresse pour découvrir de la musique et des blogs intéressants.

... ou en tout cas il a su le faire autrefois. Je suis encore tombé aujourd'hui sur une de ses horribles reprises de l'album Dylanesque et comme à chaque fois, j'ai serré les dents et pensé à ce "A Hard Rain's A-Gonna Fall" de 1973 et à sa vidéo qui fait peur :

Le clip de "Overpowered", le dernier single de Roisin Murphy pour vous annoncer, d'une qu'elle a sorti un nouvel album et que deux on vous en fera gagner quelques exemplaires à partir de lundi dans la rubrique concours de Flu.

Au vu de l'excellent post de notre ami 2Goldfish sur l'arrivée prochaine de Philippe Manœuvre sur le plateau de la Nouvelle Star, je me demandais si tout le monde se rendait bien compte des implications de la présence d'un tel personnage dans le jury d'une émission censée fabriquer des stars de la variété. Il s'agit d'une révolution culturelle, pas moins... enfin au moins aussi importante, je veux dire, que l'explosion du Golf Drouot et sa participation à l'essor de la scène yéyé en France dans les 60's ! Hein ? Je ferais mieux de me taire ? Ok... Mais quand-même. Imaginez que vous allez entendre tous les soirs sur TF1, les mots "The Stooges", "The Ramones", voir carrément "Flaming Groovies" ! (les "groovies" comme ne manquera pas de le dire Manœuvre avec son accent inimitable, tandis que les autres s'exclameront : Qui ça ???) Manœuvre à la Nouvelle Star cela veut dire entendre débattre à une heure de grande écoute, des mérites respectifs de Naast et des New York Dolls, des Plasticines et de Blondie !

Imaginez vos déjeuners dominicaux quand votre père habillé d'un tee-shirt Richard Hell acheté à Auchan, devisera avec votre grand-père autour de la dernière reprise de Johnny Thunder par Gustave de Naast, ou de Television par The Teenagers ! Vous vous voyez, l'été prochain sur la plage, entouré de mecs affublé de tongs Ramones, de bandana Iggy Pop... Pour ne rien dire de votre cousin, garçon coiffeur et fan de Tektonik, qui chantera tous les matins "I Wanna Be Your Dog" sous la douche, en mimant la basse d'Asheton. "I Wanna Be Your Dog" qui deviendra certainement l'hymne de l'émission. On attend d'ailleurs l'accord de l'Iguane pour savoir s'il trouvera le temps de passer sur le plateau pour chanter avec les lauréats entre deux pubs Bouygues Telecom (et accessoirement après une ou deux gâteries aux côtés des petits "choristes" rock de service). Quel bonheur ! Avec quel impatience on attend l'avènement du rock le plus underground au sommet de notre belle culture populaire (comme le disait si bien 2Goldfish)... Non ? Ah bon ? Mais vous avez sans doute raison. Il y aurait d'ailleurs beaucoup à dire sur la gérontocratie du rock actuel, et sa façon d'abuser (de) la jeunesse actuelle en lui bourrant le moue (entre autre) avec sa culture "rebelle" et si belle, farouche et surtout si authentique, dont Manœuvre est la vivante incarnation. A propos, il serait temps pour toute une génération, de se souvenir de la petite phrase de Johnny Lyndon, alias Johnny Rotten (qui lui au moins est à sa place quand il fait des pitrerie, lui le lecteur de Guy Debord, le situationniste revendiqué), au premier concert des Sex Pistols : Vous n'avez pas l'impression de vous faire enculer ?

(Merci à Id, pour l'idée de la photo)

Passer sa vie dans l'atmosphère enfumée des clubs du monde entier finit par lasser même les plus tenaces des producteurs/DJ. A quoi ressemble la vie quand elle est uniquement vécue la nuit ? La réponse existe certainement mais ce n'est pas moi qui vais vous la donner, pour cela je vous renverrais plutôt au Journal d'un Jeune Homme Chic d'Alain Pacadis, où pour un autre genre d'oiseaux de nuit, au Why Not? irrévérencieux, je-m'en-foutiste et branque d'Alter Ego. Après presque 15 ans passés sous les lights et dans des cabines de DJ, Roman Flügel et Jörn Elling Wuttke ont clairement besoin de prendre des distances avec le succès. Il faut dire qu'en la matière, ils ont beaucoup donné. Une période qui a culminé en 2004 avec les singles "Rocker" et "Daktari", entonnés, remixés et dansés par toute une génération de clubbers, mais aussi de novices en matière de musiques électroniques, tant ces titres étaient fédérateurs. Las, Flügel et son compère en sont revenus et semblent bien décidés à envoyer la hype se faire foutre avec un album ronflant et pétaradant comme au bon vieux temps des raves sauvages en entrepôts. Revoir leurs fondamentaux donc, se moquer gentiment de la techno fine et intelligente de Kompakt, Italic et consort, fuir les concepts comme la peste, balancer enfin, du gros, du lourd et du lyrisme de supporters en bordée sans réfléchir plus avant, telle est l'ambition (ou plutôt son contraire) d'Alter Ego en 2007.

Braillard, rigolard et carrément cake parfois, Why Not? porte bien son titre. Et pourquoi pas ? L'album apporte sa part de plaisir brut et décomplexé. Danser chez soi sur Why Not?, c'est un peu comme d'écouter les pires groupes de metal au casque pour ne pas que vos voisins apprennent votre goût caché pour le gras. Prenons par exemple, l'énorme "Gary", un des meilleurs morceaux de l'album décrit par le critique Phil Sherburn comme la rencontre d'un "Gary Glitter électro et d'un Gary Numan sous stéroïde", le morceau nous déverse ses riffs de synthés à la Blade Runner dans les oreilles et finalement c'est un tel pied, qu'on en redemande. Sur "Blank", Alter Ego exécute un parfait pied de nez à cette scène minimale si "raffinée" en se permettant un titre carrément aussi puissant que le "Mouth to Mouth" d'Audion ! Croyez-moi celui-là, vous ne l'entendrez pas que dans votre salon. Disque jouissif, Why Not? se moque bien de la bienséance et du bon goût. Il joue, point. De "Jolly Joker", totalement extraverti dans le genre acid techno détraquée, au bizarre "Third World Food on Upper East Side" qui semble singer les tics et les tropes d'un Villalobos tout en en ironisant, Why Not? regorge de clin d'œil et de plaisanteries de ce genre. Un disque malade fait par des malades. Illustration avec ce "Pleasure Island" au titre totalement inapproprié : brutal, idiot et dévastateur, porté par un pied lourd et totalement épuisant, il restera certainement dans les annales de l'histoire de la techno comme le plus fabuleux "fuck off" lancé à la face de la culture new rave. Pour autant Why Not? n'est pas si éloigné du son de leurs productions plus "cérébrales" des débuts. Sur "Fuckingham Palace" par exemple, hormis le titre en forme de grosse blague au premier degré et le gros pied, on n'est pas si loin de l'ambiance de leur mythique Decoding the Hacker Myth de 1996 réédité l'an dernier. Même petits sons idiots, à cheval entre IDM 90's et techno, même répétitions éreintantes, même structure tordue, bien loin de l'idéal techno classique. Bref, si Why Not? s'annonce déjà comme un album ambigu, adoré ou détesté, c'est avant tout un bel exemple de décontraction et d'intelligence, contrairement à ce que voudrait nous faire croire ces rythmes bornés et ces blagues de potaches. Un peu comme le dernier de la classe, nul en maths, celui qui squatte le fond de la classe, mais dont on apprend des années plus tard que c'était pour lire Conrad, Dostoïevsky et Philip K. Dick... Why Not?, c'est un peu la guerre à l'intelligence faite par des mecs brillants. A essayer donc, pour ne pas mourir idiot.

Alter Ego - Why Not?! (Klang electronic/Nocturne, oct 2007)

Il y a un article sur Stylus qui tente de réintroduire la notion de technique dans la critique musicale après sa réinsertion façon ours dans les Pyrénnées par toute une série d'artistes tels que Battles et Marnie Stern. C'est intelligent et intéressant aussi certainement beaucoup trop pour que la plupart d'entre nous le lise, aussi je vais vous le résumer de façon honteusement grossière :

1- Nous ne sommes plus dans les années 1970 et les charts ne sont plus dominés par des super-musiciens et il n'y a plus a priori de raison de les détester. Et on devrait parler de la technique des groupes qui n'en font pas forcément la démonstration.

2- Stylus continue à produire du porno pour critiques (ce qui est trop pas con au niveau marketing quand tout le monde se croit critique, même moi).

Bref, c'est promis je me souviendrais dans ma prochaine chropnique d'album que derrière les instruments il y a des hommes et des femmes qui travaillent et je ne dirais plus que le prog rock c'est nul par principe, juste par expérience. Et puis j'expierais mes péchés passés en m'entraînant tous les jours à jouer de l'instrument impossible, la véritable raison d'être de ce billet est le joujou le plus geek du monde dans un monde qui en est déjà rempli : le séquenceur rubik's cube.

Via MusicThing, bien sûr.

Petit rattrapage pour cette sortie de juillet qu'on avait lâchement zappé après quelques écoutes. Common a beau être un gars qui a la cote, un gars respecté de l'underground de Chicago, un gars qu'on a pu apprécier par le passé avec les Soulquarians ou sur son Like Water for Chocolate acidulé, Common est surtout et depuis son retour en forme commerciale avec Be dans le mainstream et les mégastores, devenu mou du genou. Produit lui aussi par Kanye West (j'aime pas Kanye West), Finding Forever est un peu trop r'n'b à notre goût, même si on accorde au rappeur qu'il s'affiche un soupçon plus lugubre et compliqué que son prédécesseur. Les textes de Common restent au dessus du niveau moyen qu'il s'agisse de ses récits de ghetto (des histoires de putes, de jeunes filles et de misère sociale) ou d'escapades narratives chez les bobos blancs qui pratiquent le yoga et baladent leurs clebs en manteau de fourrure (bonjour les clichés). Plus "profond" et conscient (sûrement un peu trop pour ce qu'il a à dire), on trouve d'assez fastidieuses séquences sur la morale, le rapport à la maman (Zidane sort de ce corps) et j'en passe, mais toujours torchés avec suffisamment de manière pour que ce ne soit pas là où le bât blesse. Ce qui lasse ici alors que c'était une des principales qualités du MC, c'est la façon dont il a lui même neutralisé son flot, jadis un peu plus varié, dans l'atone et le sirupeux.

Finding Forever est plus doux, soul et r'n'b que ses précédents albums. Si l'on excepte l'électrique "Southside", on se situe ici presque toujours en terrain connu et sur une morne plaine musicale, certes agrémentée de jolies trouvailles (les pétillants et old school "Misunderstood" et "The Game", le dynamique "Close to Me"), mais un rien barbante sur la longueur. Sur "Drivin Me Wild", Common résume assez bien sa philosophie en chantant : "Love's not a mystery. It is everything" On peut trouver ça très cool mais aussi trouver ça un peu trop court pour asseoir un vrai travail de séduction. Il ne faut néanmoins pas en faire trop dans le lynchage, dans la mesure où c'est plus le genre que cet album là qu'on aime pas. Finding Forever, malgré l'excellent accueil critique qu'il a reçu, est un disque qui passe, qu'on écoute d'une oreille sensuelle (tout de même) mais qui ne restera pas dans les annales. Common n'évite plus les clichés du genre et nous fait trop respirer son savoir-faire pour qu'on adhère à ce qu'il faut désormais appeler une "formule".

Common - Finding Forever(Universal, juill. 2007)

Malgré toutes mes bonnes intentions, je ne parle toujours pas assez de bonne pop qui s'assume, je ne dis pas assez de bien ici de Rihanna ou Justin Timberlake pour compenser tout le mal que je dis de Madonna et le bien que je dis de Celebration ou M.I.A.. Je vais essayer de rééquilibrer un peu les choses avec ce très bon clip de Robyn pour la chanson "Handle Me".

Le morceau avait en fait déjà fait l'objet d'un clip européen beaucoup moins intéressant dans lequel la charmante suédoise jouait les durs. De façon assez significative, le clip américain est plus rigolo et bizarre (sans atteindre les sommets de "Konichiwa Bitches"). Sans doute quelqu'un s'est-il dit que la seule façon de vendre une Suédoise qui chante sur un beat hip hop minimaliste aux USA était de lui coller un emballage vaguement "alternatif". On ne s'en plaindra pas, les images conviennent en fait beaucoup mieux à cette petite merveille de pop moderne, et tant pis si on est tombé dans un piège à bobo.

J'adore la pochette de cet album ! Vous vous dites, " Ok, ça promet d'être profond, cette chronique", mais ne partez pas maintenant, ça serait dommage de passer à côté de cette perle d'italo disco importée directement de Rome ! Et oui, l'italo c'est italien, et là on ne peut pas dire que l'on soit trompé sur la marchandise puisque Rodion, alias Ed Cianfannelli, est né là-bas, y a grandi et même fait une école catholique. On doit donc à l'excellent label autrichien Gomma, et à l'église catholique et romaine, la découverte de ce petit prodigue de l'electro romantique et mélodique, que l'on nous présente comme le croisement improbable de Lindstrom et de Daft Punk, ce qui n'est pas faux. Du premier, il a hérité l'amour des cavalcades disco tumescentes et enfiévrées, des seconds, la mélancolie des hommes machines toujours à cheval entre mélodie retro-futuriste et exubérance rythmique. Car même quand il nous parle du futur, Rodion imagine que c'était hier. Pianiste virtuose, Ed Cianfannelli aurait même composé quelques pièces classiques et sacrées avant de découvrir la musique électronique et les raves, qui lui firent toute deux subitement oublier son éducation classique. Emporté dans la déflagration electro des années 90, Cianfannelli rachète du matériel d'occasion à une pointure de la house italienne vieillissante et fonde Rodion. Voilà pour la petite histoire. Pour le reste, tout est sur Romantic Jet Dance, son premier album.

Avec ses faux (vrais) airs populaire, son imagerie à la Top Gun, Romantic Jet Dance évoque immanquablement une période de l'histoire que certains d'entre vous préfèreraient peut-être oublier, les années 80. Forcément, qui dit "italo disco", dit couleur fluo, néon, menthe à l'eau, culte du corps et de la vitesse. Un certain idéal, accompagné des rêves de fric facile et de pouvoir pas toujours mérité. Ce serait pourtant oublier une forme d'innocence, un peu égoïste c'est vrai, mais bien présente au cœur de cette décennie. Une époque où l'on croyait encore dans l'avenir. C'est peut-être ce qui donne à cet album de Rodion ces teintes mélancoliques noyées dans une exultation toute adolescente. Ses synthés pleureurs qui répondent à ses basses morodesques ("Fisico"), ses rythmes un peu kitsch sur lesquels vous ne pourrez pas vous empêchez de bouger ("Electric Soca", "Via Lactea", "Donq"), ses harmonies en cascades nappées de voix traitées au vocoder (imparable "Luna Dark" et "Atala Ride" le bien nommé, envoûtant "Tokyo Deca Dance") et ses mignardises electro bizarres mais adorables ("Bilancia Blu", "Dolce Futbole"), bref, tout un univers rutilant comme les seins chromés d'un androïde hollywoodien, ou les turboréacteurs d'une fabuleuse machine de guerre/machine d'amour, traçant impitoyablement sa route dans votre tête pendant que votre corps ne répond plus. Voilà ce qu'offre généreusement Romantic Jet Dance, un peu de nostalgie facile et d'abandon. Du strass et des paillettes, mais surtout une fraîcheur et une naïveté doublée d'un don certain pour la composition, qui fait étrangement échos à ces sons que l'on est persuadé d'avoir déjà entendu mille fois, mais qui ne cessent de nous charmer. C'est ça, c'est ce que l'on appelle le talent, et Rodion en a à revendre, croyez-moi. Ils sont forts ces italiens !

Rodion - Romantic Jet Dance(Gomma/Discograph, oct 2007)

A noter qu'une vidéo est consultable ainsi que de nombreux morceaux sur le profil myspace du bonhomme. Par ailleurs une petite interview sera également publiée dans le numéro 2 du magazine Tsugi. Qu'on se le dise !

Le Washington Post, auquel on ne connaissait pas une telle propension à la déconne, vient de créer le Quotient Moby, soit le résultat d'une équation complexe qui nous permet de déterminer avec précision à quel point on doit être scandalisé de l'usage d'une chanson dans une pub. Le quotient est bien sûr nommé d'après Moby, l'homme qui refuse de porter des chaussures cuir mais qui vend sa musique au premier fabriquant de voitures venu. Vous aussi, calculez le quotient Moby du Velvet Underground dans une pub pour Renault ou de KT Tunstall pour Alice Télécom et découvrez lequel est le plus grave ! Vous pouvez même vous en servir pour estimer le rapport coût en crédibilité, gain en chèque géant avant d'accepter cette offre d'un marchand d'arme pour votre chanson de Death Metal.

Ian Brown a beau être un personnage agaçant, poseur souvent, crâneur toujours, hâbleur quand il en a l'occasion, il n'en reste pas moins une figure emblématique du rock anglais d'aujourd'hui et l'auteur, en marge de ses historiques Stone Roses, d'une oeuvre solo de plus en plus consistante. Présenté comme son "nouveau chef d'oeuvre", The World Is Yours est un album assez étrange qui navigue entre l'exceptionnel et le grand-guignol. Pour l'enregistrer, Brown qui n'est pas connu pour sa rigueur, a fait défiler son carnet d'adresses, invitant une ribambelle de stars (mancuniennes) comme Sinead O'Connor, Andy Rourke (ex-Smiths), Paul Ryder (le frère du Mondays n°1) ou encore les anciens Pistols Paul Jones et Steve Cook. Paul McCartney qui avait été pressenti un temps se serait défilé à la dernière minute, gâchant les effets du Roi Monkey (son surnom préféré) qui pensait tenir là une juste reconnaissance de ses immenses talents de songwriter. Cette démonstration de moyens ne paie pas plus que ça et se remarque à peine à vrai dire, si ce n'est sur le single chanté effectivement par O'Connor.

Du coup, et si on se résume, on dira que l'album (assorti dans son édition limitée d'un second CD instrumental intégral, qui se laisse écouter) est un disque assez bon pour être écouté mais sûrement pas acheté (si vous voyez ce que je veux dire), un disque qu'on appréciera d'autant plus si on ne parle pas un traître mot d'anglais. Loin d'être le chef d'oeuvre annoncé par son auteur (Brown concurrence Robert Smith sur ce terrain-là), ce disque de l'ex frontman des Stones Roses, 44 ans, et privé de fumette pour l'occasion, démontre, comme le chante Brown, que le passé est sûrement derrière nous, mais le futur pas forcément devant. Ou vice versa, ce qui ne serait pas plus con.

Ian Brown - The World Is Yours (Polydor , sept 2007) 

http://www.ianbrown.co.uk

Sidérant ! C'est le mot qui vient à l'esprit à l'écoute des 32 titres (pour 67 minutes) de Sgt Disco, le nouvel album de Circus Devils. Enfin, je dis "nouveau", mais je dois avouer avec humilité que je n'avais jamais entendu parler de ce groupe, pourtant déjà responsable de 5 albums, avant que Mike Patton (dieu le bénisse) ne le signe sur son label Ipecac et que je le reçoive chez moi. J'ai honte, d'autant que Circus Devils est la créature de Robert Pollard de Guided By Voices (rien que ça !) et de Todd Tobias, qui officiait un temps, chez les mêmes. Sur Sgt Disco ne cherchez aucun clin d'œil au revival du genre dansant dont je parle souvent, il n'y en a pas. D'ailleurs, l'album aurait pu être enregistré en 1967, 69, 72 ou 84/85 (période du revival psychédélique californien connu sous le nom de "Paisley Underground") mais certainement pas en 2007 et certainement pas à New York, Oslo, Bruxelles ou Berlin.

Musicalement, Sgt Disco est d'une richesse incomparable, guitare, basse, batterie, mais aussi bidouillages électro-cacophoniques, chaque morceau est unique et il faudrait réellement le passer en revue track by track pour en rendre toute l'originalité et l'étrangeté. Volontairement expérimental, le chant de Pollard frôle parfois le spoken word et rappelle le poète punk John Cooper Clarke dont nous parlait Myoso il y a peu. Clairement ce disque n'entre dans aucune catégorie actuelle, si ce n'est le psychédélisme. Je disais sidérant, mais je pourrais ajouter étonnant, saisissant, captivant, ou tout simplement enthousiasmant. Sgt Disco est de ces albums qui vous forcent la main, vous donnent envie de téléphoner à votre meilleur ami pour le partager avec lui. Envie surtout, d'y revenir en boucle, encore et encore (pensez donc, 32 morceaux ! Il faut du temps pour en faire le tour). On pense souvent au psychédélisme californien flamboyant de Love ou des Left Banks, mais aussi à Sebadoh, Julian Cope, au premier Beck, à Captain Beefheart, Butthole Surfers, Devo ou à Rocky Ericsson (le grand timonier du 13Th Floor Elevators), c'est dire si Circus Devils est décalé, loin, très loin de nos préoccupations habituelles. Mais qu'attendre après tout, d'un groupe oeuvrant à Akron, dans l'Ohio ?

Sur ces 32 vignettes allumées où l'intrigant ("New Boy", "Bogus Reactions", "In Madonna's Gazebo") croise le magnifique (les belles mélodies de "Zig Zag" ou "Summer Is Set"), Tobbias et Pollard s'amusent à visiter les méandres de l'esprit, lancent de petits cailloux dans les gouffres sans fond de l'inconscient ("Happy Zones"), se font peur ("Nicky Highpockets"), s'engueulent ("Love Hate Relationship With The Human Race") se perdent, s'appellent et finalement se retrouvent épuisés sur une plage inconnue. Tout comme l'auditeur qui les accompagnera durant tout le voyage. Sur ce très beau digipack réalisé par Pollard himself, il manque d'ailleurs cet avertissement : "Toi qui entre ici, sache que tu n'es déjà plus le même que celui qui sortira". Si l'on devait comparer Sgt Disco à un film, se serait certainement au Lost Highway de David Lynch. Les chansons de Circus Devils seraient le couloir obscur de la maison de Fred et Renée Madison, un passage dans lequel on ne s'enfonce pas gratuitement. Et pendant que des femmes inconnues quittent leurs corps en rêvant de piscine et de garçons bronzés, un type bizarre se balade sur votre tombe en secouant des osselets, c'est la fin de l'été, il est temps de se trouver un endroit heureux où les maris disparaissent sans raison et où les animaux du zoo sont inoffensifs les jours verts. Pour le reste, n'ayez pas peur, vous sortirez de cet état second au bout de 67 minutes, promis, mais évitez de regarder dans un miroir immédiatement après, un clown sinistre et ricanant vous y guette peut-être encore en attendant votre retour. Parce que vous reviendrez, forcément. Circus Devils is REAL ! Déjà culte et bizarre.

Circus Devils - Sgt. Disco (Ipecac/Southern/Differ-Ant)

Quelques vidéos donnent une idée de l'univers de Circus Devils, ici. Des morceaux de l'album sont en écoute ici.

Tout est dans le titre. Bertrand Cantat, chanteur de Noir Désir, condamné pour avoir porté des coups mortels à Marie Trintignant, une nuit de juillet 2003 est finalemennt libre. Après 4 ans de détention, Cantat a été libéré ce matin à minuit. Le juge d'application des peines de Toulouse a prononcé sa libération hier dans la matinée.

Plusieurs facteurs ont permis cette libération. Tout d'abord le comportement modèle de Cantat et enfin son projet de réinsertion sociale et professionnelle. Par projet de réinsertion professionnelle, on attend bien sûr un nouvel album de Noir Désir. Dans le cas Cantat, il faut mettre en évidence deux mesures particulières qui s'ajoutent aux contraintes habituelles de la libération conditionnelle. Le chanteur du groupe devra "se soumettre à des mesures d'examen de contrôle, de traitement ou de soins appropriés à son état, à savoir la poursuite de la prise en charge psychothérapeutique suivie en milieu carcéral", et autre mesure il devra "s'abstenir de diffuser tout ouvrage ou oeuvre audiovisuelle dont il serait l'auteur ou le co-auteur et qui porterait, en tout ou partie, sur l'infraction commise et de s'abstenir en outre de toute intervention publique relative à cette infraction". D'après Olivier Metzner, l'avocat de Cantat, ce dernier n'envisage pas de remonter sur scène dans un futur proche. Compte tenu de la polémique autour de sa libération et d'un possible retour de Noir Désir dans les bacs, Bertrand Cantat tente tout simplement de se mettre à l'écart des attaques qui ne manqueront pas de fuser à son encontre . 

Ceux qui ont eu la chance d'entendre - ou de danser - sur le dubby "Jittery Heritage" (sa grosse bassline, ses échos souterrains, sa folle mélodie synthétique) ou le chamanique "Half Moon Tiger", n'ont certainement pas oublié Einmusik. Composé du producteur et songwriter Hambourgeois Samuel Kindermann, du DJ Bastian El Zohbi (aka, Cranque) et de Pelle Buys, Einmusik est la parfaite incarnation de la techno allemande dans ce qu'elle peut nous offrir de meilleur aujourd'hui. Si le son du trio s'adresse avant tout aux amateurs de vraie techno dancefloor, et donc aux jambes, sa sensibilité et son intelligence en font une entité unique qui ravira certainement aussi ceux pour qui les harmonies sont primordiales. Einmusik cultive il est vrai, des qualités mélodiques alliées à une belle vélocité et à une dynamique dont on peut dire qu'elles lui sont véritablement propres, au sein de l'electro allemande actuelle. Une aptitude qui n'a rien de vraiment étonnant si l'on considère que ce trio est signé sur Italic, à la fois label d'Antonelli Electric et mythique structure de Cologne, qui, aux cotés de Kompakt a toujours su lier "minimale pop et maximum techno". La présence au sein de cette unité de production d'un véritable musicien comme Kindermann, n'est pas non plus pour rien dans ce particularisme. Reste que si Einmusik et sa techno bleepée oscillant constamment entre electro, techno minimale, "braindance", ou electronica (on pense parfois à LFO ou aux productions Warp du début des 90, à l'écoute de leurs morceaux) n'a rien de "spectaculaire" en soit, elle s'impose tout de même, et à raison, comme meilleur espoir et possible finaliste dans le peloton de tête des producteurs les plus virtuoses du moment.

Double CD regroupant un album de titres inédits et un autre proposant la réédition de tous leur maxis sortis sur Italic entre 2003 et 2007, De'Medici est donc l'occasion justifiée de découvrir l'approche unique de ce trio. La recette Einmusik est pourtant très simple (mais cela ne dévalorise en rien leur musique). Kindermann, Bastian El Zohbi et Buys composent à partir de boucles rythmiques répétitives et le plus souvent totalement hypnotiques ("E Keli", "The Runaway Child", l'éponyme "De'Medici") et ajoutent de discrets éléments répétés à des moments clés. Dans le genre on évoquera le parfait "Mouth To Mouth" d'Audion par exemple, et si Einmusik n'a pas encore la notoriété de l'Américain, gageons qu'un morceau comme "Half Moon Triger" présent sur le deuxième CD ne va pas tarder à les faire monter au sommet. Mais revenons à l'album. Le premier CD s'ouvre sur "69", une intro douce et introspective (leur côté electronica) et prend tranquillement de l'assurance avec un "Arp Milk" qui semble dire "back to techno kids !", suivit de "De'Medici" et "Runaway Child", le diptyque minimal halluciné et mélodieux qui annonce avec juste ce qu'il faut de fièvre la montée de "Nichts, WDH", pur morceau dance music raffinée, à la fois futuriste et nostalgique, porté par une rythmique savante parsemée de notes synthétiques mélancoliques et rêveuses. Une langueur qui habite tout l'album mais qui n'exclut pas le décollage à la vertical sur n'importe qu'elle piste de la planète. Pour vous en assurez, jetez donc une oreille sur des morceaux comme le tripant "Tisuca", ou "Fleur de Lis" et son groove infernal, ses cordes pincées complètement insolites et ses vagues de synthés cosmique ! Et tandis que "Breakbeat Culture" réussit l'exploit d'immanquablement évoquer le drum'n'bass (son rond, basses profondes, échos, gimmick) sans pour autant utiliser un seul des clichés du genre, le trio conclut sur le trancey "Scarborough Feat. KSVH", proche de l'electro psychédélique de Nathan Fake. Sur le deuxième CD, les Allemands balancent tout, du "Jetty Heritage" sus-cité, au lancinant "Kleine Nachtmusik", "Half Moon Triger" ou "Shaw", sans oublier l'incroyable "Devotion" où l'improbable rencontre des synthés de New Order avec les pulsations primitives de Detroit, qui achèvera de vous faire transpirer, que vous soyez en club ou dans votre salon. Virtuose je vous disais !

Einmusik - De ' Medici (Italic/Nocturne)

http://www.myspace.com/einmusik

Radiohead vient à peine de faire son annonce et il est déjà temps de s'intéresser aux répercussions. On parle d'1,2 millions d'albums vendus sur Gigwise, rien d'étonnant à en juger par le niveau de surcharge du site (je n'ai jamais reçu mon code d'authentification et je n'ai pas réussi à accéder au site. J'ai fini par aller télécharger le disque ailleurs par les toujours fiables "méthodes alternatives"). Une étude menée sur trois mille acheteurs révèle que le prix moyen payé serait de quatre livres, avec cependant un tiers des acheteurs qui ont choisi la gratuité. On peut supposer qu'un certain nombre d'entre eux voulait entendre avant de payer, ou bien trouvait comme moi ridicule l'encodage en 160 kbps des mp3 (so nineties) ou bien encore qu'ils gardent leurs sous pour le CD.

Sur son site un fabricant de badges déclare avoir payé le disque mille dollars, histoire de se faire un peu de pub pas chère pour montrer combien vaut la musique pour lui. Si on lit entre les lignes d'une déclaration de Johnny Greenwood, le groupe n'entendait en fait pas secouer autant les choses, mais plutôt frapper préventivement contre le leaking de l'album en attendant la sortie du CD via l'une des quatres majors avec lesquelles le groupe serait en pourparler actuellement. Tant pis pour les fans qui ont mis dix livres dans le téléchargement avant d'en connaître la qualité et de savoir que sortira l'an prochain un CD, vraisemblablement enrichi de bonus tracks.

On aura aussi vu dans la semaine passée énoncer une liste d'artistes qui auraient décidé de suivre l'exemple de Radiohead. Il paraît prématuré de prendre une telle décision et dans les faits seul Trent Reznor de Nine Inch Nails a véritablement annoncé vouloir suivre l'exemple de Radiohead, une décision qu'il murissait certainement depuis longtemps. Le nom d'Oasis a été balancé à tort et à travers : actuellement sans maison de disque le groupe a effectivement mis en vente un single sur itunes sans passer par un intermédiaire mais ce ne serait qu'exceptionnel, un nouveau deal avec une major ne saurait tarder. On a parlé de Jamiroquai et des Charlatans, deux groupes qui n'ont encore rien déclaré mais qui de toute façon ont leur avenir financier sur scène et pas en studio et pour qui effectivement une maison de disque ne servirait peut-être plus tant que ça. A moins que nous n'ayons à faire à une manoeuvre pour faire monter les enchères lors du renouvellement des contrats de ces artistes.

Madonna a fait beaucoup de bruit mais si son mouvement est intéressant, il n'a rien à voir avec celui de Radiohead. Elle a en effet signé un deal avec LiveNation, le pendant "concerts" de Clear Channel (le géant de la radio qui vous veut du mal). Madonna court-circuite les maisons de disques pour ne plus travailler qu'avec son promoteur pour les concerts ET les disques. La nouvelle est au moins aussi mauvaise pour les majors que si elle avait imité Radiohead mais Madonna n'a pas du tout choisi l'indépendance.

Le moins que l'on puisse dire en tout cas c'est que l'avenir est sombre pour les maisons de disque. Si le succès du téléchargement d'In Rainbows est au rendez-vous, il est presque inévitable que d'autres groupes iront plus loin que Radiohead et abandonneront réellement les maisons de disque. Radiohead pourrait même changer d'avis. Si on consièdre les choses de leur point de vue, des artistes dans lesquels elles ont beaucoup investit et qu'elles ont rendu très riches les quittent pour profiter seuls des fruits d'un travail commun. Comment financeront-elles les futurs Radiohead ? On verra bien. En attendant, on peut jeter un oeil à cette liste récapitulative des modèles émergeants.

On ne les espérait plus vivants. Notre avis de recherche, lancé il y a trois ou quatre ans, n'avait rien donné, mais les revoilà, ressuscités dans leurs anciens meubles (la reprise d'un album vieux de 4 ans chez One Little Indian, re-encarté avec une pochette un peu moins crado comme s'il avait été composé il y a 2 mois) et aussi bons et percutants qu'au premier jour. Les Day One, auteurs en 2000, d'un unique album, et chef d'oeuvre baptisé Ordinary Man, reviennent et nous rappellent qu'ils ont été les lointains ancêtres de la vague trip-lad, avant Mc Devvo, The Streets et tous les autres. Emmenés par l'impeccable chanteur et lyriciste Phelim Byrne et par le multi-instrumentiste Matthew Hardwidge, les Day One sont d'une certaine façon le groupe le plus cool du monde, capables de poser des titres pop sur des nappes de cordes ou des medium beats sur des guitares acoustiques, du trip hop sur du classique et de la soul dans du n'importe quoi. Probably Art est, dans le registre de la diversité, un album plus complexe et riche que son prédécesseur : les titres empruntent à des ambiances sonores très différentes et jonglent avec les environnements de production. On a droit à quelques cordes un rien "nouveaux riches" et à une apparition de célébrité avec le pompeux Will.i.am. Derrière cet habillage tape à l'oeil (et parfois un peu forcé), on retrouve trait pour trait ce qui nous avait enthousiasmé alors : un univers fait de descriptions réalistes du quotidien, des mélodies qui tiennent la route et évitent les nids de poule, un bon sens populaire aussi amusant que précieux et une mélancolie romantique qui caractérisait à cette époque le son de Bristol.

Day One n'est pas un grand groupe, on en était convaincu, mais est un groupe qui écrit de grandes chansons. Sur Probably Art, "Bad Before Good" rappelle les alternatives hésitantes d'un Babybird branché, "Cosmopolita" parle dans une mise en scène virtuose d'une boîte en vue et de son barman anonyme. On retrouve quelques thèmes qui indiquent l'ancienne progression du groupe vers une célébrité évanouie ("Feet Firmly On the Ground", sur la grosse tête post-succès). On passe sur le démonstratif et médiocre "Money", le simpliste "Give It to Me", pour mettre en exergue une belle série de titres intelligents et particulièrement émouvants : l'élégiaque "Saturday Siren" sur une fille du...samedi soir, le poétique "Who Owns the Rain ?", le pop "Probably Art", l'efficace "Travelcard Traveller" et surtout le grandiose "Now I'm A Little Older" qui rappelle le très beau "Autumn Rain", sur Ordinary Man. En 12 titres, Day One livre un album qu'on aime tout autant pour la nostalgie qu'il nous inspire que pour ses qualités propres. Sorti au moment de son enregistrement, il aurait enfoncé le clou du succès. En 2007, il risque de passer complètement et injustement inaperçu. Eux (comme nous) n'ont pas pris une ride mais un peu de plomb dans la cervelle et dans les ailes. En quittant (très temporairement) notre rubrique Les Oubliés de la Pop, ils nous tirent une larme pour hier et des sourires pour demain.

http://www.myspace.com/dayoneprobablyart (malheureusement une seule chanson du nouvel album disponible et c'est la moins bonne)

Day One - Probably Art(One Little Indian/Virgin, oct. 2007) 

Nos furieux suédois The Hives font leur come-back en noir et blanc. Bon, ils n'ont jamais été absents, puisqu'on les as vu s'acoquiner récemment avec un rappeur, mais là ils reviennent avec un nouvel album à l'image de leurs costards bicolores et qui s'appelle donc The black and white album. Trois ans qu'ils n'avaient pas sorti d'album, trois ans durant lesquels on avait du se "contenter" de Tyrannosauraus Hives. Pour leur dernière galette, le groupe a fait appel à Pharrell Williams. A l'occasion de cette sortie, Flu vous offre des exemplaires de leur album sur sa page concours.

Et ci-dessous le premier volet de leur webisodes.

Et les liens vers les 3 autres:

http://www.spring69.com/clients/thehivesbroadcast2.mov

http://www.spring69.com/clients/thehivesbroadcast3.mov

http://www.spring69.com/clients/thehivesbroadcast4.mov

http://www.spring69.com/clients/thehivesbroadcast5.mov

Avec Preparations, Scott Heren alias Prefuse 73, continue de creuser le sillon déjà bien retourné de son abstract hip hop teinté de musique latine, de (post) rock psychédélique et d'électronique. Les esprits chagrins et les snobs lui reprocheront certainement de se répéter, qu'à cela ne tienne, Preparations s'écoute en tout cas bien mieux que Surrounded by Silence, son précédent opus de 2005, trop bavard et rempli de featuring pas toujours très motivés - ni motivant - aussi prestigieux soient-ils. En ce sens, ce nouvel album s'impose comme la suite logique de son foisonnant Security Screenings de 2006. Un disque qui bénéficiait déjà de l'apport de très peu d'invités, exception faite de l'incontournable Four Tet sur "Creating Cyclical Headaches", le bien nommé et Babatunde Adebimpe de TV On The Radio, au chant sur la curieuse outro "We leave you in a cloud of thick smoke and sleep". Sur Preparations, c'est simple, Heren est seul. Seul au monde dans son studio. Mais ce globe-trotter natif de Miami, de mère cubaine et de père catalan, peut-il vraiment s'isoler, même dans un lieu aussi retiré qu'une pièce fermée bourrée de machines ? Pour un personnage aux racines aussi cosmopolites qu'Heren, c'est clairement impossible. Une fois encore en recréant tout un univers baroque de vibrations et de sons, ce citoyen du monde partage avec nous ses émotions simplement universelles.

De fait, les esprits chagrins n'ont pas tout à fait tort, retrouver Scott Heren c'est toujours un peu la même chose, mais c'est également comme de retrouver un vieux copain, du moins pour ceux qui le suivent depuis ses débuts sous les différents pseudos avec lesquels il explore ses univers sonores divers et variés (le post-rock avec Savath and Savalas, l'electronica avec Delarosa & Asora, l'expérimental hip hop avec Piano Overlord et un peu tout ça sur Prefuse 73). Sur Preparations par exemple, les fans reconnaîtront immédiatement la science du cut up de Scott Heren, ses mélodies gracieuses toujours étrangement éthérées ("The Glass of 73 Bell, feat School of Seven Bells") même quand elles sont chaleureuses et terriennes ("Aborted Hugs", "Girlfriend Boyfriend"). Avec Prefuse 73, Heren parsème ses albums d'interludes alambiqués (ici "17 seconds Interlude"), de méandre sinueux ("Spaced + Dissonant"), d'orchestrations savantes cachées derrière les scratch de voix et les saccades (l'extraterrestre "Let in Ring"). Bien sûr, tout ça est déjà vu chez Heren, et alors ? Les repères familiers sont là, mais les surprises aussi. Parmi celles-ci, il serait dommage de passer à côté de l'admirable "Prog Version Slowly Crushed", célébrant la rencontre inattendue d'une pure abstract electronica warpienne (on pense aux titres les plus symphoniques du Amber d'Autechre) et de samples de cordes décalés à la Massive Attack, première période. Idem pour le frénétique "Smoking Red", où l'Américain s'accompagne du batteur de Battles, John Stanier. Un morceau à l'énergie imparable et communicative, à la fois classique et excitant, qui doit beaucoup au free jazz pour la forme et au rock dans l'esprit. Un exercice de déconstruction à la virtuosité accrue par les technologies numériques. En écoutant ce disque au casque, ou sur un bon équipement hi-fi, l'auditeur pourra naturellement apprécier ces finesses. L'ampleur du travail de producteur de Scott Heren, son don pour les harmonies discrètes, les sons subliminaux, les clins d'œil. Si au premier abord la musique de Prefuse 73 peut sembler du papier peint pour les oreilles, faites moi confiance, c'est tout le contraire. Evidemment, un album comme Preparations nécessite du temps pour l'apprécier, et ça, tout le monde le sait, nous en avons de moins en moins. Pour une fois, faites exception, prenez-le...

A noter qu'une longue interview du bonhomme paraîtra le 1er novembre dans le prochain numéro de M&CD (Musiques & Cultures Digitales).

Prefuse 73 - Preparations (Warp/Discograph, parution le 15 oct. 2007)

http://www.myspace.com/prefusion1973

Un peu comme on sort traditionellement papy de l'hospice pour la Noël, les Sex Pistols se reforment encore une fois cette année, à l'occasion des trente ans de Never Mind The Bollocks - Here's The Sex Pistols. Malheureusement pour eux cette année on a déjà eu Police, Led Zeppelin, Dinosaur Jr et une demi-douzaine d'autres grands groupes qui se sont reformés pour la première fois, eux. L'annonce d'un concert unique vite transformé en une mini tournée accompagnée de la mille-et-unième réédition de cet unique album jaune fluo dont tout le monde se plaît à rappeller que "OK mais bon, il est surtout important symboliquement, tu vois ? Et puis ils avient dit des gros mots à la télé anglaise !", on s'en fout un peu.

Le NME, sur qui on peut toujours compter, a bien lancé une campagne pour faire monter "God Save The Queen" sur la première place des charts britons qui lui aurait été "volée" en 1977 (et c'est vrai que si les disquaires avaient tous accepté de vendre le disque, peut-être que...). Imaginez qu'ils y parviennent ça voudrait dire que... euh, les vieux punks ont de l'argent à foutre en l'air aujourd'hui ?

John Lydon, transformé depuis quelques années en bouffon médiatique professionnel à plein temps, un peu comme Paris Hilton, s'est beaucoup mieux débrouillé pour faire parler de lui en choquant le bloggueur lambda avec des déclarations du style "Pour moi les Ramones n'ont jamais été vraiment punks, ils étaient plus proches de Status Quo" et "Je n'ai jamais aimé le Clash... et je ne l'ai jamais considéré punk". Les réactions en général ont été de l'ordre de "Oh mon dieu, comment ose-t-il ?" et "Pour qui se prend-il, ce vieux bouffon ?". Le mot d'ordre du punk, ça a bien toujours été le respect des vieux et des idoles, hein ?

Généralement, je ris bien en lisant les déclarations de Johnny. Je suis aussi toujours autant fasciné par les gens qui, trente ans après, prennent encore les Sex Pistols au premier degré. Ils étaient une blague élaborée et géniale et chaque reformation ridicule, chaque réédition "trop abusée" sont un prolongement de cette blague. Leur film s'appelait "la grande arnaque du rock'n'roll", bon sang !

Le temps passe cependant et les meilleures blagues sont souvent les plus courtes (vous savez : six mois, un an). Une première reformation ? Très drôle. Une deuxième, je ris encore un peu. Et pourquoi s'arrêter s'il y a toujours des couillons pour croire qu'il y a quelque chose à dégrader, une légende à détruire ? Pourquoi monsieur Rotten ne ferait pas une apparition télé ridicule de plus ? Le message est toujours d'actualité, tant qu'il en reste pour s'outrer. Oui, mais le message, ceux qui veulent bien le comprendre l'ont fait depuis longtemps. Il serait peut-être temps de passer à autre chose, non ? John Lydon pouvait jouer au con tant qu'il voulait quand il produisait encore quelque chose d'un peu plus intéressant à côté. Aujourd'hui, on doit se demander : qu'est-ce qui différencie un type qui fait semblant en permanence d'un type sincère et honnête ? Dans le showbiz, rien du tout.

La nouvelle commence à filtrer dans les cercles bien informés : le rockabilly revient ! Les DJ les plus pointus, d'Andrew Weatherall (dont le dernier album sous le pseudo de Two Lone Swordsmen sonnait déjà très rockab') à Ivan Smagghe en passant par Andy Smith (le responsable de Andy Smith presents Trojan), tous s'y mettent. Nul étonnement donc à voir le partenaire de DJ Shadow et leader de Jurassic 5, Cut Chemist, et le heavy funker Keb Darge, décider de nous offrir une sélection regroupant des pépites de rockabilly (et de "jump blues") d'hier et d'aujourd'hui sur un double CD ! Ce qui étonne plus finalement, c'est que ces deux personnages, dont on envisageait plus volontiers le rôle comme pourvoyeurs de black music, se font à la fois les émissaires d'un style musical des plus archaïques - même s'il est pour beaucoup dans l'épanouissement de la musique populaire actuelle -mais surtout d'une culture dont le passé raciste n'est plus à démontrer. Or, en proposant ce double CD thématique, premier volet de ce qui deviendra leur nouvelle collection Lost & Found, ils font également preuve d'une générosité et d'une ouverture d'esprit peu commune, illustrant une fois de plus l'adage selon lequel "la musique ne connaît pas de frontière". A Wap Bam A Loo Wap A Wap BLEEP Boom !

Keb Darge & Cut Chemist - Keb Darge And Cut Chemist Present - Lost And Found: Rockabilly, Jump And Blues(BBE/Pias)

La rumeur en faisait état depuis longtemps, c'est maintenant confirmé : le jury de l'émission "La Nouvelle Star" d'M6 sera composé cette année de Lio, la chanteuse toujours partante pour un nouveau gimmick (fut-ce Jacques Prévert ou Teki Latex), de Sinclair, l'homme le moins funky de France qui doit être bien content de trouver un boulot et André Manoukian, AKA "l'autre, là" qui était déjà dans l'ancien jury mais qui n'a jamais réussi à s'enregistrer dans mon cerveau (ce que les autres ont fait sans que j'ai jamais eu besoin de regarder l'émission) et que j'oublierai dès la fin de cette phrase. Voilà. Il y aura aussi, et c'est là ce qui nous vaut cette notule, ce bon vieux Philippe Manoeuvre, toujours fidèle à lui même.

OK, un tas de lecteurs innocents de Rock'n'Folk vont crier à la trahison, mais La Nouvelle Star c'est un peu comme un soirée baby-rock au Gibus. Le but c'est de nous faire dévouvrir les jeunes artistes pénibles qui grouillent en France, non ? Et puis il paraît que leurs directeurs de casting approchent même des vrais groupes de rock comme les Four Black Taxis. Ne faites pas comme si ces deux mondes étaient si différents.

Dans mes rêves les plus fous, j'imagine que Manoeuvre perdra définitivement toute crédibilité (même si, selon toute logique, ça aurait du être fait depuis longtemps), que ses lecteurs laissent tomber les armes, cessent de faire semblant de croire qu'Eudeline et Steeve Estatof n'ont rien à voir, qu'ils aillent rouler des pelles aux fans de Julien Doré, que tous les mythes du rock s'effondrent enfin totalement sur eux-même, qu'on ne lise plus nulle part "Kurt Cobain est mort pour...", qu'on cesse de traiter Pete Doherty et Britney Spears si différement, que plus personne n'achète de bouquins étroits d'esprit qui s'appellent "les cents super disques les mieux" ou "l'encyclopédie du rock"n"roll de R à L", que la production de perfectos s'arrête et que plus de deux bons disques de rock sortent cette année.

Vous pouvez dire que je ne suis qu'un rêveur, mais je ne suis pas le seul.

Un mois et demi seulement après la décision de lancer un nouveau magazine suite à notre échec pour racheter Trax, notre ancien magazine, nous touchons au but. L'aventure est passionante, pas sans risques, mais exhaltante puisque nous sommes maîtres à 100% de ce projet. Oubliées les années d'errance auprès d'éditeurs-aventuriers, dépourvus d'ambition autre que celle de se remplir les poches à moindre coût, cette indépendance est la base de de notre histoire, nous annonçait Patrice Bardot, ex-rédac' chef du magazine Trax, il y a quelques semaines. Le résultat ? 108 pages, un format plus "carré" (presque "4x4 four to the floor" on va dire) un CD sampler, des tonnes de chroniques, une pelleté de signatures, parmi lesquelles de nouvelles têtes et des vieilles connaissances, c'est Tsugi, le nouveau projet "musiques-tendance-électroniques" de l'ancienne équipe de Trax. Si le nom du magazine vous laisse dubitatif (rassurez-vous, vous n'êtes pas seul mais on s'y fait très bien) sachez que cela signifie "Next", "Nouveau", "Prochain" en japonais.

Foin de pinaillage étymologique, Tsugi se présente donc comme une suite logique à l'aventure Trax, sans pour autant copier l'ancien magazine phare de la culture electro. Au sommaire (exhaustif) : Miss Kittin & The Hacker "le retour" (logique après leur maxi tueur - et tuant - de l'été), l'idiotisme serein de Modeselektor, un formidable portrait de Tony Wilson (RIP) et l'épopée Factory, également prétexte à une présentation de Control, le film, un dossier Shoegazing in the 00's (par votre serviteur), la scène electro à Cuba, une belle évocation de notre Chloé nationale à l'occasion de la sortie de son excellent album, une enquête sur le business du remix, des interviews de Trentemoller, Swayzak, Boyz Noise et un micro-trottoir Tektonik (si, si). Du côté des nouvelles rubriques, Kill your Television (le titre parle de lui-même), un portfolio carte blanche mensuel offert à un photographe (non ce n'est pas des "pages modes"), un panorama des pistes chez nos amis belges et suisses et surtout, une très belle idée, la rubrique "Inspiration/expiration" qui retrace en une poignée d'albums le parcours d'un artiste. Tout ça au prix de lancement de 5 €. Pour finir, l'avis d'un de nos lecteurs sur le blog Tsugi : "Tsugi déchire, déboite, explose toutes les barrières... !!!", c'est peut-être un peu fort, mais il faut avouer que l'ouverture du mag est certainement son point fort, en plus de nous régaler tous les mois d'une tonne de références, de pistes musicales, de bons mots et de bons conseils. La presse française était en manque de culture électronique (et affiliée) depuis 3 mois, Tsugi vient pallier ce manque flagrant. Alors, souhaitons lui bon vent !

Outside a new day is dawning
Outside sububias sprawling everywhere
New york to east california
Theres a new wave coming

Tsugi, le blog du mag (et bientôt, Tsugi le site)

A noter que le mag donne une "Fête de soutien" le 24/10 Paris à La Loco, le programme est ici.

Loveless est certainement l'album culte par excellence, et quel album bizarre ! Tant d'histoires, plus ou moins connues, tant de rumeurs plus ou moins véridiques aussi, ont couru sur la conception de ce disque. Il aurait "ruiné le label d'Alan McGee, Creation Records" (véridique). Il aurait nécessité une vingtaine de studios, plus de trois ans d'enregistrement et pas moins de 16 ingénieurs du son différents pour achever sa production (véridique). Le leader du groupe, Kevin Shields, "était sourd à cause du volume de leur musique bien avant l'enregistrement" et cela expliquerait la puissance du son, le brouillard des guitare saturées, la marmelade mélodique et surtout, les multiples tentatives de mixage différents (invérifiable, même si Kevin Shields était bel et bien sourd, et l'est encore, durant la tournée Loveless, il l'avouera dans plusieurs interviews de l'époque). "Les heures de studio interminables coûtèrent tellement chères au label que celui-ci fut obligé de signer Oasis que McGee n'aurait jamais pris sous son aile, si Loveless ne l'avait pas mis sur la paille..." (Invérifiable, même si on aimerait y croire). Bref, les légendes ne manquent pas concernant ce qui restera comme l'ultime opus de My Bloody Valentine. Peut-être parce qu'il s'agit du dernier disque d'un groupe symbolique justement. Le groupe shoegazer définitif des années 80/90. Pour beaucoup, Loveless figurera d'ailleurs la fin du genre, même si d'autres groupes lui succèderont (Boo Radleys, Catherine Wheel, Slowdive, Lush, Swervedriver). Pour d'autres, de part son extrême technicité, l'importance du travail de production en studio et l'usage intensif de samplers, qui accompagnèrent la création du disque, Loveless, annonce l'entrée de la brit-pop dans les années 90, sa décadence et l'annonce de la future domination des musiques électroniques.

Pourtant, par delà la légende, nul ne peut nier qu'il reste un pur chef-d'œuvre, une œuvre phare, d'une intensité unique, comme si ses auteurs en connaissaient déjà l'épilogue. Alors forcément, pour les fans de par le monde, cet album s'accompagne également d'un petit arrière goût d'amertume, incarné dans une question récurrente : Que nous aurait offert MBV si ses membres avaient su surpasser les épreuves et les affres de la création ? En ce sens, Loveless fait aussi un peu figure d'album maudit, malgré sa beauté formelle et l'incroyable actualité de ses ritournelles hypnotiques. Car on l'aura peu dit (enfin si, un peu), mais en 2007 peu d'albums sonnent aujourd'hui aussi actuel. Un bon signe d'ailleurs, celui du renouveau de la pop et du rock expérimental, celui d'un retour aux bonnes références, les Brian Eno, Phil Spector, Martin Hannett ou Joe Meek (qui ça ?), des producteurs qu'adorait (et adore certainement encore, il n'est pas mort !) Kevin Shields, visionnaire en chef de ce Loveless d'exception. Finalement, qu'est-ce qui fait de cet album monstrueux, un disque majeur et incontournable ? D'abord, c'est un condensé de ce qu'il s'est fait de meilleur dans la pop du 20ième siècle : intransigeance de ses créateurs, qualité de ses mélodies, originalité totale et paradoxalement, emprunts multiples (la batterie répétitive et monolithique de Colm O'Ciosoig doit beaucoup à Can, le mur de guitares à Spector, la production électronique et l'usage de samples, à Brian Eno (dont Kevin Shields explique régulièrement l'influence, particulièrement de l'album Here Come The Warm Jet). Ensuite, bien que parfaite incarnation de la pop britannique du début des années 90, Loveless incarne aussi son total dépassement. Ses mélodies entêtantes et hypnotiques préfigurent l'acid house (à ce titre le morceau "Soon" qui clôt l'album, remixé plus tard par Andrew Weatherhall, est imparable) et parlent tout autant aux amateurs de musiques de dance (de transe ?) qu'aux aficionados de rock expérimental et psychédélique. La production proprement stupéfiante de Shields, lui permet de plonger dans un même bain d'ondes vibrantes noyées d'échos et de réverbs, attaques de fuzz sauvage ("Only Shallow", "When You Sleep", "What you Want"), pop songs éthérées jusqu'à l'inaudible ("Loomer", "To Here Know When", "Blow a Wish"), ballade dub ("Come in Alone") où fleure toujours une profonde neurasthénie ("Sometimes") et sons inouïe, voir inaudibles, donnant à ces morceaux des teintes étranges dans lesquelles certains entendront des violoncelles ("I Only Said", "Touched"), des cuivres ("Blow a Wish") et d'autres instruments subliminaux. Il aura donc fallut trois ans à Shields et son groupe pour accoucher d'une production d'une rare cohérence, dans un album surpassant aisément tout ce que l'on a pu entendre à l'époque. Mais à quel prix ? Les fans de My Bloody Valentine ne s'en sont encore jamais remis... Et vous ?

My Bloody Valentine - Loveless (Creation, 1991)

NB Easywriter : Fabrice Colin a téléchargé (légalement) le dernier Radiohead, In Rainbows, il nous fait part de ses impressions, track by track :

15 step : ballade orientalisante assez surprenante. Commence comme un morceau électro-world avant qu'une guitare électrique très douce, surgie à 00:41, ne souligne la progression de l'ensemble. Puis des cymbales. Puis des synthés, extraterrestres un peu 80's, et des cris joyeux d'enfants. Magnifique.

Bodysnatchers : le 2+2=5 de l'album : un morceau très enlevé, toutes guitares dehors. Très rugeux dès le départ et procédant, comme beaucoup de titres, par accumulations successives entrecoupées de brèves et trompeuses accalmies. La fin, hystérique, prouve si besoin était que le groupe n'a rien perdu de son mordant (putain, voilà que j'écris comme un journaliste de Marie-Claire).

Nude : assez différente de la version entendue en live ; penser à Morning bell sur Amnesiac mais avec moins d'emphase. Un clip possible : une centrale nucléaire abandonnée en plan fixe. L'un des plus beaux morceaux jamais enregistrés par le groupe - de la trempe d'un Morning bell, justement, ou d'un No surprises.

Weird fishes / Arpeggi : encore un morceau souvent joué sur scène. Rapide, contemplatif. Le titre ne prend toute sa dimension quà 03:03, quand il s'enfonce dans des territoires souterrains, suffocants avant que, quarante secondes plus tard, la batterie ne re-émerge, accompagnée de plaintes séraphiques.

All I need : entrée de cordes crépusculaires pour une ballade gothique plombée de basses marécageuses. Un saurien, donc, magnifié par une orchestration inventive, et qui se termine en apothéose.

House of cards : parfois entendu en concert aussi ; un titre étrangement lumineux, avec une voix toute de reverbérations éthérées et une fin somptueuse. Encore des influences black, subtiles et joyeuses.

Faust arp : morceau d'une glaciale élégance, une voix plus une guitare sèche. Force est de reconnaître que le groupe aurait été incapable d'enregistrer une telle merveille il y a dix ans. Sidérant.

Reckoner : aurait eu sa place sur Kid A ou, plus sûrement, sur Amnesiac. Rythmique sautillante, voix aigüe, mode mineur. Et puis à 2mn25 le morceau s'arrête et se mue en une complainte angélique, gospel nappé de cordes - qui rappelle la fin de Paranoid Android - avant de retrouver sa route quasi funk.

Jiggsaw falling into place : Thom chante beaucoup moins haut. Encore un morceau rapide déployé en spirales, volutes & guitares sèches.

Videotape : déjà un classique, déjà entendu mille fois - ici, un piano, des choeurs obsédants, quelques filets de synthé, et une boîte à rythme trébuchante. Un morceau d'une mélancolie assez aveuglante.

Verdict : Au final ce qui frappe sur In rainbows, c'est d'abord une impression d'absolue cohérence (cohérence issue d'une sélection de titres méticuleuse & restreinte, nécessairement drastique et qui, d'une façon ou d'une autre, faisait défaut aux trois albums précédents), impression qui poussait déjà les fans hardcore du groupe à comparer In rainbows à OK Computer dix jours avant sa sortie.
Deuxième chose : la légerté de l'ensemble, l'aisance mélodique pleinement retrouvée, la rythmique en retrait, souvent jazzy, et l'allant naturel des morceaux (pour six d'entre eux au moins), leur enthousiasme, leur naturel bondissant. Il est évidemment un peu tôt pour dire si In rainbows se hisse à la hauteur de OK Computer : disons qu'il y ressemble, dix ans après - dans une version plus décomplexée et peut-être moins pesante, largement compensée par la noirceur apocalyptique des lyrics.

En règle générale, j'évite de façon maladive les nouvelles chansons quand elles ne m'arrivent pas sous la forme d'un enregistrement studio masterisé, d'un truc gravé dans la pierre. Je suis le genre de mec qui détourne les yeux et les oreilles des bandes annonces au cinéma, alors je ne vais pas prendre le risque de me gacher la découverte d'une nouvelle chanson d'un artiste que j'aime avec un enregistrement d'une version prématurée fait à bout de bras avec un téléphone portable dans une fosse pogotante.

Et puis bon, l'âge venant, j'ai de plus en plus de mal à maîtriser mes impulsions et aussi tout ça me semble de moins en moins important. J'ai donc craqué pour cette nouvelle chanson de Joanna Newsom jouée au Brésil et trouvée sur Stereogum. Et flûte alors, je n'ai aucun regret, c'était un excellent moment et le son est correct.

Avec trois mouvements et sept minutes, le morceau est plutôt léger par rapport à ceux de Ys. Il est aussi beaucoup plus simple mélodiquement, dans la lignée de "Coleen" sur l'EP Joanna Newsom & The Ys Street Band, ressemblant finalement pas trop mal à une chanson pop, du genre qu'un vieux groupe de hard rock prétentieux met au milieu de son album, certes, mais de la pop quand même. C'est surtout très beau et en plus Joanna chante sans tous les petits tics qui ont rendu Ys si inaudibles pour beaucoup. Sa voix semble avoir gagné en maturité pour approcher de celle de Kate Bush à dix-sept ans.

J'écoute vraiment trop de trucs de filles, moi.

Là, j'en vois déjà qui se disent : "ça y est, il nous fait une crise de mégalo le Danois !" En effet, après le succès tous azimuts du magnifique The Last Resort (sur lequel nous nous sommes longuement étendus dans Flu' le mag l'an dernier), nommer un disque The Trentemøller Chronicles sonne comme l'aveu assumé d'une auto-congratulation quelque peu condescendante de la part d'un producteur talentueux, mais à qui il reste également encore beaucoup à prouver. Mais détrompez-vous, ce nouvel album, qui n'en est pas vraiment un, ne porte ce titre que parce qu'il représente une somme dans la carrière de Trentemoller. En effet, The Trentemøller Chronicles est un peu un voyage à rebrousse temps dans le cycle de ses productions. Un bilan alors ? Pas vraiment, mais un panorama savamment élaboré, oui. Un disque charnière, juste avant de passer à autre chose, car Trentemoller a de grands projets, mais nous y reviendrons plus tard...

Pour l'instant contentons nous d'analyser l'objet. The Trentemøller Chronicles se présente comme un beau double album, toujours marqué de l'emprunte d'une certaine mélancolie new wave (la pochette, déjà, offre une version minimaliste des arbres noyés dans la brume du précédent CD) qui propose sur une première moitié les morceaux les plus ambient de son répertoire, "The Forest", "McKlaren" un remix du duo Klovn de Copenhague et le grandiose "Snowflakes" d'une part, et de l'autre, ses compositions les plus dancefloor. Le disque est parfaitement coupé en deux (6 tracks pour le Trentemoller ambient et downtempo, 6 aussi pour le Trentemoller "techno") et offre également la primeur de deux luxueux inédits : "Klodsmajor" et "Blood in The Streets", des titres presque acoustiques, guitare et piano, pour des ambiances précieuses qui creusent le sillon de son précédent album, tout en en accentuant le côté "rock". On y retrouve l'emphase typique du producteur, son goût pour les basses très en avant, façon post-punk 80, l'art avec lequel il manie les échos tournoyants à la Basic Channel/Chain Reaction sur les morceaux plus "4 to the floor" (c'est particulièrement évident sur "Kink", "Gush", "Physical Fraction"). Tout au long de The Trentemøller Chronicles, les titres ne sont jamais dénués de romantisme, ni de mélodies et son amour de la pop, fut-elle electro transparaît idéalement sur "Always Something Better" feat Richard Davis ou "Moan" feat Ane Troll, tous deux tirés de The Last Resort. Un second CD présentant un large éventail des travaux de remixes du Danois (Röyksopp, Mathias Schaffhäuser, Moby...) vient compléter ce Trentemøller Chronicles de haute tenue, même si l'on n'en comprend pas réellement l'utilité, si ce n'est d'annoncer quelque chose, "d'autre". Un nouveau Trentemoller, nous dit-on (mes sources resteront anonymes) qui prépare une nouvelle mue, un voyage vers des continents encore plus pop et rock, voire une tournée mondiale accompagnée d'un groupe, guitare, basse, batterie et chant... A suivre donc. En attendant, gageons que ce producteur danois élevé aux Smiths et aux Cure, nous réserve encore bien des surprises.

En prime, Fluctuat vous offre cette magnifique (bien que très simple) vidéo de "Evil Dub", tirée de The Last Resort, enjoy !

Trentemoller - The Trentemoller Chronicle (Poker Flat/Audiomatique/La Baleine)

http://www.myspace.com/trentemoeller

J’adore les surprises, et lorsque après la publication du dossier Constellation, le collectif Effervescence me propose l’écoute de Faustine Seilman, une formation nantaise qui cite A Silver Mt Zion dans ses influences, je sens déjà l’eau monter à ma bouche (ou à mes oreilles). Disque reçu, une évidence certaine : on est plutôt loin du collectif canadien, avec 12 ballades structurées autour du piano et de la voix doucement enrouée (jamais enjouée) de Faustine. Certes il y a les montées d’adrénaline façon post-rock, mais on se trouve d’avantage dans le jardin bien ordonné des Rachel’s ou la pop & post rock de Migala que dans le loft tordu des canadiens.

Pourtant, je n’enterre pas le disque malgré la légère déception produite par l’effet d’annonce, moi qui imaginais déjà cris, chœurs et morceaux de vingt minutes. D’abord parce que Silent Valley est plaisant : bien écrit, bien réalisé, il porte les stigmates des premiers albums où la crédibilité passe par l’extinction de toute vraie folie. Il y a l’envie d’en découdre dans ces morceaux complexes aux rythmes chahutés, il y a la volonté d’imposer une forme d’écriture "à la française" (accordéon, piano et balais) mais on sent encore que le lion rugit plus fort afin de ne pas laisser voir sa fragilité. Ensuite, parce que Silent Valley cache derrière ses ambiances mortuaires ("The Ballad of The Starving Man"), dépressives (tout l’album) ou faussement enjouées ("Keys Are Bound To Be Found", "Nocturne, Italy Square") une vraie richesse musicale qui tente de s’affranchir de ses références : Cat Power, Shannon Wright… Aussi, les passages intimistes ramènent de ce côté-ci de l’Atlantique : on songe à Pascal Comelade dans les pianos jouets et les senzas disséminés, à "Rue des Cascades" de Yann Tiersen dans le duo piano violon tourmenté de "The Man Who Said No" ou au Solo Piano du "Parisien "Gonzales sur l’instrumental "Nocturne, Italy Square".

Finalement, le jeu des ressemblances s’estompe, et Silent Valley ne brille plus que de sa noire lumière intérieure. Distillant ce mélange imparable de pop et de neurasthénie, le premier opus des Nantais est porté par une batterie gorgée d’émotions et des canevas mélodiques élégiaques, entonnés à l’harmonium ou au violon. L’auditeur bercé pardonnera sans peine les déroulés de piano quelquefois un peu facile, car la promesse d’un groupe émouvant est bien réelle. A découvrir en concert un peu partout en France et notamment le 20 novembre au Nouveau Casino.

Faustine Seilman - Silent Valley (Collectif Effervescence, oct 2007)

http://www.myspace.com/faustineseilman

Brian Wilson a beau porter le jaune poussin, on ne peut pas s'empêcher lorsqu'on le voit sur scène de lui trouver un air gâteux. Lors de ses derniers concerts, à Paris et à Londres, partout en Europe pour présenter l'album mythique, enfoui pendant trois décennies, sous ses névroses, Smile, Wilson paraissait parfois perdre pied, laissant à ses musiciens le soin de donner corps à ses inspirations géniales. La voix fragile entravait à peine les harmonies célestes composées jadis pour ses frères, cousins et amis Beach Boys et aujourd'hui interprétées seul ou avec des choristes professionnels. Revigoré par ce tour triomphal, Brian Wilson a remis le turbo et achevé l'écriture d'un nouveau cycle de chansons, donné pour la première fois sur scène, il y a quelques semaines, dans son nouveau fief londonien, le Royal Festival Hall. That Lucky Old Sun est le titre de ce nouveau cycle de chansons (qu'on trouve depuis en téléchargement un peu partout), ensemble de 10 chansons entrecoupées de textes composés pour l'occasion par Van Dyke Parks, son complice et parolier préféré, et évoquant la vie in Los Angeles. Le nouveau cycle nous ramène près de quarante ans en arrière, à l'époque de Smile et de la Californie de l'Age d'or : les textes sont enjoués mais traversés parfois de doutes et de cicatrices. La musique, un rien kitsch et qui peut paraître dépassée par son temps si l'on ne dépasse pas l'écueil que peuvent représenter les arrangements wilsoniens, se hisse néanmoins sur plusieurs des titres au niveau des meilleurs morceaux de l'époque. Il ne faut pas plusieurs écoutes pour qu'on ait l'impression d'avoir déjà entendu "Forever You'll Be My Surfer Girl", titre au romantisme et à la beauté instantanée, ou le mélodique et gracieux titre éponyme. "Midnight's Another Day" est un modèle de précision minimaliste, tandis qu'Oxygen vous procure au bout de trois mesures un afflux d'ondes positives dans le cortex. S'il est difficile de promettre une postérité à That Lucky Old Sun, l'expérience sonore est suffisamment vivifiante pour qu'on y prête une oreille. On a coutume ici de considérer qu'il n'y a pas de bonne musique joyeuse. Avec sa délicatesse élégiaque, Wilson est, depuis toujours, l'exception qui confirme la règle.

Attention, Burnt Friedman c'est du lourd. Le bonhomme, de son vrai nom "Bernd Friedmann", n'est pas la moitié d'un artiste, c'est même carrément un pionnier en matière de fusion de musique industrielle et de funk, d'ambient dub et de minimal techno toute en basses. Fondu de reggae dub, cet Allemand de 42 ans est très certainement l'un des bâtisseurs de l'electro allemande à l'origine du son teuton actuel. Hyperactif producteur du début des années 80 (son premier disque est enregistré entre 1978 et 1982 sous le pseudo de THOX) à aujourd'hui, Burnt Friedman est surtout connu actuellement pour son travail au sein de Flanger, un projet abstract jazz sur lequel il s'accompagne d'Uwe Schmidt (alias Atom tm). Ce qui n'est déjà pas rien. Mais se borner à ce duo serait oublier ses nombreuses interventions sous divers autres pseudonymes comme Some More Crime (industrial ambient dub), Drome (ambient industrial), Nonplace Urban Field aka NUF (minimal dub et techno) et bien sûr Burnt Friedman & The Nu Dub Player (reggae dub mutant). Pour sa part, First Night Forever est le nouveau jalon d'un producteur indépendant hors normes, qui délaisse momentanément les terres fumantes de l'electro dub pour rendre un hommage implicite à l'aspect expérimental des musiques noires. Pour cela Friedman bénéficie de l'appui d'une culture musicale sans borne et d'un talent de producteur inégalé, sans oublier une technique et une imagination qui ferait rougir n'importe quels producteurs de RnB contemporain. Des atouts lui permettant une large gamme d'interprétations, du groove déviant au "simple" hit futuriste, qui s'exprime totalement sur ce nouvel album.

C'est donc sous la houlette des Sun Ra, Lee Perry, James Brown, Parliament Funkadelic et autres Sly And the Family Stone, qu'il échafaude le groove profond qui parcourt First Night Forever de bout en bout, comme un fil rouge. De "Where Should I Go" (feat Steve Spacek), une track qui rendrait verte de jalousie même sa seigneurie The Artist alias Prince himself, en passant par l'étrange "Machine in The Ghost" porté par la voix grisante de Barbara Panther, tout en saccades africaines et collages rythmiques, sans negliger l'ambient funk de "Walk With Me", le skank spatial de "Need is all you Love", le blues funk de "The Healer" ou le jazz transcendant (et funk toujours) de "Western Smoke, feat Enik", ce nouvel album conceptuel mais crédible, toujours accompagné d'un backing-band fictif mais d'invités bien réels eux (une habitude depuis Burnt Friedman & The Nu Dub Player) impose le plus groovy des producteurs allemands comme un outsider - et un modèle - de l'electro contemporaine. Son album gorgé de funk du troisième type, jette une nouvelle fois un pavé dans la mare des habitudes et des clichés de la scène electro actuelle en nous offrant les effluves d'un air plus pur que celui auquel nous sommes ordinairement habitués, celui des cimes de la création. C'est tout du moins ce que l'on se dit à l'écoute attentive de sa production si particulière sur "Thumb Second" ou "Chaos Breeds" 1 & 2, qui clôturent l'album. Deux morceaux manifestes ("Chaos Breeds" égale "les dompteurs de chaos" en VF) pour celui qui apprivoise manifestement si bien les échos bondissants folâtres et imprévisibles du dub électronique depuis plus de 20 ans déjà. Virtuose !

Burnt Friedman - First Night Forever(Nonplace/Nocturne, oct 2007)

La rentrée électro c'est bien connu, c'est en octobre ! Et à ce propos, c'est toujours un grand moment de bonheur puisqu'on attend avec une impatience non feinte le numéro spécial des Inrocks ! Encore une belle tranche de rigolade en perspective (il paraît qu'ils ont découvert un petit groupe français, "Justice" ça s'appelle, ou "Daft Punk", je sais plus, bref...) Cette année encore nous sommes spécialement gâtés avec le volume 36 de la collection Fabric, drivé cette fois par le dieu vivant, Ricardo Villalobos. On attend aussi le nouveau Trentemoller, tout plein d'electro-disco balearic chez Smalltown Supersound (merci Differ-Ant), un magnifique mix des Japonais référence du Cosmic Sound, Force of Nature et l'excellente nouvelle signature Warp (qui reviennent à l'electro) Flying Lotus ! Sans oublier les surprises comme cette réédition de Pylon, de la disco-punk new wave chez DFA, Chrome Hoof (un son "de ouf!" héhéhé) chez Southern, Rodion chez Gomma et Jahcoozi chez A-Rec. Du bon, du beau, donc et on en parle très bientôt sur Flu'.

Et dire que novembre annonce le Fabriclive 36 de JamesMurphy et Pat Mahoney !!

Arcade Fire ne doit plus beaucoup aimer Radiohead. Après que ces derniers nous aient fait leur super annonce qui a fait trembler la terre lundi dernier (enfin, elle a au moins généré beaucoup de commentaires sur tous les sites du monde en tout cas), l'apparition sur Neonbible.com d'un lien vers le site anagramme BeOnlineB.com qui annonçait une surprise pour le six Octobre a permis les spéculations les plus folles : ils ne pouvaient pas déjà avoir un nouvel album enregistré en secret, mais pourquoi pas un petit EP gratuit, une chanson inédite en duo avec Boy George ou une sex tape de Win Butler et Régine Chassagne ?

Or, et je ne vous apprends sans doute rien vu que si vous êtes intéressé vous avez sûrement déjà cliqué sur BeOnlineB.com et que si vous n'êtes pas intéressé vous ne lisez sans doute déjà plus, tout ce qu'on a eu, c'est une espèce de mini clip interactif en flash pour la chanson titre de l'album/site d'Arcade Fire. Une chanson qu'on connaît depuis des mois et quelques animations sympas qui montrent que le groupe a soit un peu plus d'humour que ce qu'on croyait (pas difficile) ou peut-être beaucoup moins encore, atteignant ainsi un niveau digne de celui de U2 sur l'échelle du non-drôle. Quoi qu'il en soit, pas de quoi surexciter le passant ou contenter le fan qui surveillait le site à minuit (heure canadienne).

C'est un peu, beaucoup même, la faute à Radiohead. Ils ont augmenté la mise et celui qui met encore maintenant un compte à rebours bidon pour annoncer qu'il a filé deux cent euros à un pote au chômage qui connaît un peu flash, celui là ne peut pas suivre et ferait mieux de se coucher. Même si In Rainbows est nul, il aura au moins eu ce mérite de ridiculiser par comparaison toutes les prochaines annonces événementielles du prochain groupe à avoir l'idée révolutionnaire d'un green screen contest, la générosité exceptionnelle d'ofrir deux remixes en streaming pendant 24 heures ou l'exclusivité pour ses amis Myspace d'un extrait de trente secondes de son prochain single.

Certains, heureusement, ont toujours la classe, comme Blur qui vient de confirmer sans faire de manières les rumeurs selon lesquelles le groupe se réunirait, Graham Coxon inclus. Ils se sont en effet retrouvés tous les quatre pour... déjeuner ensemble. Tant mieux pour eux.

Les curieux et les fans seront sans doute intéressés d'apprendre la parution de Roots, Rock, Remixed un album de remixes (comme son nom l'indique, de Bob Marley. On y retrouve de très bonnes versions de "Soul Shakedown Party" par Afrodisiac Sound System, "Dupply Conqueror" par Fort Knox Five, "Sun is Shining" par Yes King (Rhys Adams & Mark Rae), le fameux "Soul Rebel" dans une version honorable d'Afrodisiac Sound System (toujours) et le profond "400 Years" (très bon titre traité dub !) par Jimpster (en fait Jamie Odell). Les meilleurs restant, "African Herbsman" par King Kooba, le "Don't rock my Boat" très dub de STUHR, "Trenchtown Rock" par le Trio Electrico (Boozoo Bajou) et bien sûr le "Rainbow Country" de l'inimitable DJ Spooky. A noter qu'un titre bonus est offert sur le CD. Un très bon disque reggae dub, utilisant les dernières technologies numériques sans pour autant entamer les saveur roots des productions originales. Une bonne idée pour se préparer à l'hiver qui arrive.

Bob Marley & The Wailers - Roots, Rock, Remixed (Quango/Discograph)

Impossible de ne pas penser au label Def Jux ou aux jansénistes Antipop Consortium, quand ce n'est pas carrément à Public Enemy et au Bomb Squad, et à tout un pan de l'intransigeant hip hop indépendant qui anima l'intervalle des 80's-90's (soit certainement, la meilleure période du genre) à l'écoute de cet excellent Breaking Kayfabe, signé Cadence Weapon (alias Rollie Pemberton) ! La comparaison est flagrante mais ne dévalorise en rien cet album au contraire (d'ailleurs, l'utilisation du mot "intransigeant" en ouverture de cette chronique est soigneusement pesé) et s'il lit le français, espérons que Pemberton le prendra comme un compliment. Nul besoin de se faire un ennemi de celui qui critiquait, il n'y a pas si longtemps encore, le hip hop contemporain dans les pages de Pitchfork avec une sévérité mais aussi une justesse et une lucidité qui est toute à son honneur, en écrivant en parallèle pour Stylus et Wired. Pas la moitié d'un intello donc le Rollie, et cette exigence se sent tout au long d'un Breaking Kayfabe expédié à la cadence (héhéhé) d'une kalashnikov grime-core teintée de hip hop offensif et batailleur.

Filons la métaphore militaire (facile, je l'admets volontiers) pour décrire cet album explosif. En franc-tireur du hip hop, Pemberton déstabilise son auditeur en usant de sons électroniques agressifs que l'on jurerait tout droit sortis de jeux d'arcade millésimés 80, mais il parsème aussi son album de clins d'œil à la pop, au metal et à la techno. De fait, on ne sait plus trop où est le grime, où est le hip hop dans Breaking Kayfabe. C'est donc sous un feu nourri de break beat pervers, de cuts et de scratch déchaînés, bafouant toutes les lois de la convention de Genève, que Cadence Weapon avance, balançant de pure grenade grime-hop (l'excellent "Sharks" qui rappelle les meilleurs heures d'Antipop), quand il ne s'agit pas de morceaux d'anthologie comme le claustrophobe "Oliver Square" ou "Grim Fandango", parfaite B.O. pour un film de science-fiction malade (du type Ghosts of Mars de John Carpenter) le tout dans une ambiance urbaine et glauque (disons froide, comme la "colère froide", pour être plus juste) noyé sous un flow ardent. Pemberton a l'art de manier le chaud et le froid. Sur l'hypnotique "Turning On Your Sign", il aligne les loops de guitares et de cordes contre un mur pour mieux les flinguer à la fin. Un peu comme sur les troublants "30 Seconds" et "Lisa's Spiders", ou les très dark et pop "Holy Smoke" et "Vicarious", tous trois habités d'une tension continue qui finit par vous hérisser les poils sur la nuque. l'ensemble se conclut sur "Julie Will Jump The Broom", un exercice de hip hop expérimental de plus de 10 minutes rappellant les audacieuses opérations de déconstructions de Sixtoo ou de Spanck Rock. Au final, on retiendra de ce Breaking Kayfabe, un album fort en gueule placé sous les auspices d'un hip hop sans concession, énergique et belliqueux, qui n'exclut pourtant ni la subtilité, ni l'originalité (mais ça, vous l'aviez compris). On vous aura prévenu, cet album doit vous plaire, de toute façon, Breaking Kayfabe ne fait pas de prisonniers !

Cadence Weapon - Breaking Kayfabe(Big Dada/PIAS, oct 2007)

La seule chose qu'on pourra reprocher à Miossec avec ce Brest-of (lol!) c'est d'avoir définitivement perdu le goût des belles pochettes. Ceci mis de côté, cette collection de 20 chansons dont quelques unes ont été ré-enregistrées pour l'occasion (avec une fortune diverse), agrémentée d'un DVD-captation d'un concert donné en mai 2004 à Lille réussit un presque sans faute. Après 12 ans d'activité et des albums diversement accueillis par le public et la critique, ce best-of en forme de retour arrière sur sa discographie nous place devant un bilan globalement très favorable. Depuis l'excellent Boire découvert en 1995 et représenté ici à hauteur de 6 titres jusqu'à l'Etreinte, on est surpris de voir que Miossec, sans révolutionner sa formule musicale (voix limitée, chant faible mais beaucoup d'idées sur des mélodies la plupart du temps squelettiques), a su maintenir tout au long de son parcours un certain standard qualité. Les titres qui sont réunis ici ne permettent pas d'accréditer la thèse d'une chute de régime ou de périodes creuses. Sur chaque album et avec les années, on peut ressortir sans trop de mal quelques belles chansons, quelques séquences accrocheuses et vers qui sonnent plus juste que juste. La pugnacité matinée de critique sociale des débuts, symbolisée par le "Non, non, non" qui ouvre et ferme le disque a laissé la place à une approche exclusivement analytique du couple, du vieillissement masculin et de l'amour au quotidien. On aura beau gloser sur la faiblesse de certaines approches (la fameuse "Facture d'électricité" dont on s'était moqué alors, le foireux "Rose", le médiocre "Maman" ou cette histoire de bières qui aujourd'hui s'ouvrent manuellement), Miossec est, pour tous ceux qui approchent ou ont franchi la trentaine, écoutent du rock et ont aimé le football et les amitiés viriles, l'unique chanteur fédérateur, l'unique Français (avec Bashung peut-être dans ses meilleurs moments) susceptible de parler la même langue que nous, de mettre en mots branques et brutaux nos émotions et nos doutes. Ces titres les plus rudimentaires en viennent même, avec le recul, à être ceux qui ont le plus de charme : "La mélancolie" qu'on avait pu trouver too much à l'époque prend des allures de "Ne me quitte" pas breliennes et des titres comme "Brest", "Je m'en vais", le beau "Tonnerre" ou "Recouvrance" des allures de symphonies pastorales du pauvre. L'une des qualités premières de Miossec durant toutes ces années aura été d'oser : oser intituler une chanson "La Guerre" et s'en tirer avec les honneurs, oser prétendre qu'il était un cheval de retour sur "Evoluer en Troisième Division" alors qu'il était alors un... véritable pur-sang taillé pour la conquête des troquets et des coeurs. Miossec a osé jouer au rocker anglais sans l'être tout à fait et a réussi à le devenir au delà de ses propres espérances.

Le DVD bonus adjoint à ce best-of est à lui seul un bon investissement. Les clips ne présentent pas d'intérêt majeur mais le concert, pour ceux qui ont vu l'homme sur scène, comme pour les autres, rappelle qu'un désastre technique (voix, attitude) peut déboucher (parfois) sur un enchantement live. Miossec est parfois à la peine, souvent joueur, en confrontation permanente avec son public qu'il drague, cajôle ou emmène dans ses voyages intimes. L'homme rappelle le belge Arno pour sa manière de broder autour de sa gêne physique à se présenter devant les gens. Comme lui, il donne le sentiment permanent de s'émerveiller devant sa propre position, de prendre un plaisir craintif à endosser le rôle qui est le sien. Le concert répare, en outre, un oubli du disque principal en proposant une version impeccable du titre "Je Plaisante", l'un des meilleurs morceaux du chanteur. Pour fêter la sortie du tout, le brestois en profite pour relancer une petite tournée dont il a le secret, histoire d'écumer les petites salles de province et de maudire la campagne.

Allez y sans peur et achetez pour une fois français. L'occasion est suffisamment rare pour qu'on y cède.

Miossec - Brest Of (Tout Ca Pour Ca) chez Pias, septembre 2007

http://www.christophemiossec.com/

De par son line up hors-normes et son intensité inégalée Our Moon is Full, le premier album de Strings of Consciousness fait partie de ces albums inclassables à l'impact purement émotionnel, qu'il est forcément difficile de décrire et d'analyser à l'aide de simples mots. Il suffira donc de dire qu'il s'agit d'une très belle surprise, servie par une poignée de musiciens exceptionnels venant d'horizons différents, mais tous attachés à ce que l'on nommera pour faire court, le "rock bizarre". Dans le genre, on ne voit à la rigueur que le Tilt de Scott Walker, le California de Mr Bungle ou Why I Hate Women, le dernier Pere Ubu pour rivaliser avec un tel monstre. Ce n'est d'ailleurs pas un hasard si au sein de ce big band, nous retrouvons le trompettiste Andy Diagram, soit une moitié des Two Pale Boys, qui accompagne aujourd'hui le même Pere Ubu. Signé sur Central Control, le label du Bad Seeds et de Barry Adamson (ce qui n'est pas rien en soit) String Of Consciousness est donc une forme de "supergroupe" informel, réunissant en son sein le Français Phillipe Petit (label manager du recommandable Bip_hop, au theremin, laptop et platines), Hervé Vincenti (guitare/laptop), Raphaelle Rinaudo (harpe), Nicolas Dick (guitare), Pierre Fénichel et Abdenor Natouri (contrebasse), Hugh Hopper (electric bass), Perceval Bellone (saxophone), Lenka Zupkova (violon), Alison Chesley (cello) et Stefano Tedesco (vibraphone). Onze musiciens donc, pour huit morceaux, chantés par d'autres pointures tels J.G. Thirlwell (alias Foetus), Scott McCloud de Girls Against Boys, le chanteur d'Oxbow Eugene Robinson, Lisa Smith-Klossner, Pete Simonelli (d'Enablers), Black Sifichi et Barry Adamson, que l'on ne présente plus.

Un casting impressionnant en forme de name dropping, mais aussi un exercice incontournable pour nous aider à situer cet étrange objet, et le niveau de son ambition. Concentré abrasif de rock libéré de son carcan de clichés divers, "objet sonore non identifié" bardé d'effets électroniques discrets, Our Moon is Full est une œuvre schizophrène dont les personnalités multiples semblent finalement très à l'aise ainsi à cheval entre musique expérimentale et primitivisme rock. A ce titre, le puissant "Cleanliness is next to Godliness" marmonné et bafouillé avec le talent que l'on sait par Eugene Robinson d'Oxbow, est exemplaire. Tout comme l'incandescent "Crystallize it" interprété par McCLoud. D'une profondeur insondable, ces deux titres présentent la face psychopathe de Strings of Consciousness. Ici, la musique puissante et cathartique de l'une, répétitive jusqu'à l'aliénation pour l'autre, répond parfaitement à la folie qui habite ses interprètes. Cela dit, les 8 titres de cet impossible album n'excluent pas les plages de détente. Comme cet étonnant "Asphodel" qui ouvre l'album, un titre easy listening tordu interprété par J.G. Thirlwell sur fond de trompette envoûtée, de crissements insectoïdes et de slide guitare hantée, ou encore, un "Defrost Oven" minimaliste et léger. A la manière du Dream Syndicate (celui de Tony Conrad, John Cale, La Monte Young et Angus MacLise, pas celui de Steve Wynne, quoique...) les huit musiciens échafaudent une anti-cathédrale, vibrante d'ambiances mystérieuses et urbaines. Des titres dépassant généralement les 8 minutes, qui doivent beaucoup au jazz, au film noir ("Sonic Glimpse" feat Barry Adamson) et à New York en général. Pas de doute, Our Moon is Full est bel est bien un album unique, au moins en ce qui concerne les productions rock et affiliées actuelles qu'elles soient free, post ou expérimentales au sens large. Strings of Consciousness y navigue les yeux fermés même si c'est souvent dans les eaux troubles de la possession au sens vaudou du terme. Futur culte et bizarre, à n'en pas douter.

Strings of Consciousness - Our Moon Is Full(Central Control/La Baleine, sept 2007)

http://www.myspace.com/stringsofconsciousness

Spirit If... de Kevin Drew aurait du être la moitié du quatrième album de Broken Social Scene, un second disque, Speakerboxx/The Love Below-style, aurait été placé sous la responsabilité de Brendan Canning, l'autre moitié fondamentale du collectif partouzard de Toronto. Sauf que le disque de Canning a pris du retard et chacun sortira finalement son album à son tour, précédé d'un "Broken Social Scene Presents..." qui intrigue beaucoup de gens quant à la nature exacte de ce disque et se montre en tout cas fidèle à l'esprit BSS, un collectif incapable d'être vraiment juste un groupe et maintenant incapable de spliter réellement.

Dans les faits, une vingtaine de musiciens ont participé à l'enregistrement, à peu près tout Broken Social Scene. Charles Spearin et Ohad Benchetrit de Do Make Say Think ont co-produit avec Drew. Le résultat ressemble à un disque de BSS en plus calme, moins bourratif et avec plus de guitare accoustique, quelque chose d'assez proche des sessions de BSS pour NPR. Il y a même quelques thèmes d'anciens morceaux de Broken Social Scene recyclés/remixés (l'évident "Gang Bang Suicide" basé sur "Shampoo Suicide" et une apparition plus discrète de "Stars & Sons" ailleurs). Et puis le disque est un peu trop long, comme ceux de BSS.

Dans n'importe quel autre contexte, Spirit If... mériterait certainement toutes nos éloges. Il est plein d'idées, contient quelques superbes chansons et d'autres véritablement fun (en particulier le bordélique hommage à Dinosaur Jr "Backed Out On The..." avec le vrai Jay Mascis en guest star), Leslie Feist et Amy Millan qui chantent un peu partout... Sauf que nous ne pouvons nous empêcher de juger le disque de Kevin Drew à l'aune de ce qui lui manque. Il a toujours été difficile de dire qui faisait quoi dans les disques de BSS, mais apparement, Brendan Canning était responsable du groove. Il était aussi, en tant qu'un des principaux songwriter, une partie importante d'un équilibre alchimique complexe qu'on ne retrouve pas dans Spirit If... pour faire simple, les morceaux les plus moyens de Drew auraient pu laisser la place au meilleurs de Canning.

Le bon côté, c'est que le prochain album de ce dernier n'en sera que plus intéressant pour qui souhaite apprendre à discerner ces personnalités fascinantes. Kevin Drew s'est révélé être celui qui aime le désordre, les paroles emo/porno et une sorte de spiritualité de caniveau. En fait on se demande ce qui peut bien rester à Canning dans tout ça. On devrait le découvrir dans quelques mois. Ce qu'on a en attendant, c'est juste un des meilleurs albums rock de l'année, avec quelques chansons formidables comme "tbtf" (pour "Too Beautiful To Fuck") qui parvient à être aussi cool que son titre, un "Lucky Ones" aussi cathartique que l'était "Almost Crimes" et trop d'autres bons moments pour les citer tous.

Borken Social Scene Presents : Kevin Drew, "Spirit If..." (Arts & Crafts, 2007)

Voilà un disque qui a une bien curieuse histoire. "Un de plus", me direz-vous. La raison en est simple, Modern Lovers est de ces albums qui reçurent la grâce de deux producteurs influents, et pas n'importe lesquels, Kim Fowley et l'ex-Velvet John Cale, mais dont aucune des versions n'a réellement vue le jour ! Reprenons dans l'ordre. Quant en 1971, le chasseur de tête Kim Fowley découvre les Modern Lovers, c'est le coup de foudre. Le groupe originaire de Boston, emmené par Jonathan Richman ne ressemble en effet à rien d'entendu jusque là. Alors que le rock s'enfonce doucement dans le progressif et le folk, perfusé par le glucose soft rock, les Modern Lovers proposent une musique brute, presque primitive, à la fois directe et rentre-dedans, mais également profonde. Une qualité que l'on doit au songwriter inimitable qu'est Richman. Pourtant, le petit bonhomme ne paie pas de mine. Un air de fouine anorexique, un look passe-partout de premier de la classe, Richman tranche singulièrement avec ses partenaires chevelus. Leur musique en revanche, est unique. Producteur et musicien caractériel, chafouin et excessif, Kim Fowley, n'en a pas moins le nez creux. On lui doit la découverte et le management de nombreux groupes, dont les Stooges, les Runaways, les Flamin' Groovies de Teenage Head sans oublier Kiss ou Slade. Il sent immédiatement le potentiel des Modern Lovers et les embarque en studio. Sous sa houlette, le groupe de Richman enregistrera ses meilleurs titres.

Hélas, les sessions enregistrées en une journée, véritables pépites de punk rock avant l'heure, ne vont pas convenir au label et elles sont mises au placard. Erreur ! Grave erreur ! Les titres enregistrés alors, parmi lesquels on retrouve les désormais classiques "Roadrunner" (la #1, dans une version plus rugueuse que celle que nous connaissons généralement), "She Cracked", incroyable morceau de new wave avant-gardiste qui préfigure le Joy Division de "She's Lost Control", avec 20 ans d'avance et la ballade mélancolique "Astral Plain" compte aussi des chefs d'œuvre oubliés comme "Don't let Our Youth Go To Waste", certainement le morceau le plus sombre et poignant de l'histoire du rock, "Dance With Me", "Walk up The Street" et "I'm Straight" véritable déclaration d'intention dans laquelle Richman explique qu'il est "straight", ne doit rien à la drogue, ni l'alcool, n'est pas homo et préfère l'amour romantique à la pseudo-liberté sexuelle des années 60 et 70. Un manifeste en forme de provocation à une époque où les principaux slogans revendiquaientt l'amour libre et l'usage de tout ce que la planète comptait de stupéfiants. Pour autant, la musique des Modern Lovers n'est ni molle, ni aseptisée. De cette rectitude revendiquée par le chanteur, le groupe tire son inspiration et compose des morceaux tendus à l'extrême, rigides oui, mais comme du Fugazi, ou plus près de nous, du Art Brut. Et nous sommes en 1971.

De retour en studio, en 1972, c'est John Cale, alors Pygmalion de service, qui se met derrière la console. Il affine le son des Modern Lovers et enregistre avec eux de nouveaux titres. Certains ne sont pas mauvais. On notera par exemple l'hilarant "Pablo Picasso" dans lequel Richman compare son manque de feeling avec les femmes au succès du célèbre peintre dans ce domaine, "Hospital" ou "Modern Wolrd", mais rien qui ne dépasse les sessions de Fowley. L'album que la plupart d'entre vous ont dans les mains subit de multiples rééditions, dont une double accompagnée d'un live. Mais il s'agit toujours du mix de John Cale. On aurait pu s'attendre à ce que l'album réédité ce mois, contienne enfin ces versions perdues, ce n'est malheureusement pas le cas (et malgré la très bonne note que lui attribue Pitchfork, Modern Lovers version Cale, ne mérite qu'un gentil 5.5). Il existe cependant une édition des mythiques Fowley Session, The Original Modern Lovers. Parues en 1981 sur le confidentiel label Mohawk, il n'existe malheureusement que quelques copies vinyles (et bien évidemment, votre serviteur en a une en face de lui pendant qu'il écrit cette chronique). Heureusement, le disque bénéficie d'une réédition chez Bomp Records en 2000. Vous l'avez compris, l'important est de noter que l'album généralement daté de 1976, année de naissance du punk rock US, fut en fait enregistré entre 1971 et 1972, ce qui en change radicalement la portée visionnaire et en fait avec presque 5 ans d'avance un digne précurseur du punk tout court.

Modern Lovers - Modern Lovers (John Cale tracklisting) :

1. Roadrunner
2. Astral Plane
3. Old World
4. Pablo Picasso
5. She Cracked
6. Hospital
7. Someone I Care About
8. Girl Friend
9. Modern World

Modern Lovers - Modern Lovers (Kim Fowley tracklisting) :

1. Roadrunner #1
2. She Cracked
3. Old World
4. I'm Straight
5. Walk Up in The Street
6. I Wanna Sleep
7. Don't let Our Youth Go To Waste
8. Dance With Me
9. Girlfren
5. Roadrunner #2

Modern Lovers - Modern lovers(Beserkley Records, 1976)
Modern Lovers - The Original Modern Lovers (Mohawk, 1981)
Modern Lovers - The Original Modern Lovers (Bomp, 2000)
Modern Lovers - Modern Lovers (Sanctuary, 2007)

Une version de "I'm Straight" (indispensable) est en écoute sur le myspace unofficiel du groupe.

Sans trompette, fanfare ou ne serait-ce qu'une grande conférence de presse internationale au sommet d'un volcan avec un robot Michael Jackson géant, la patrouille de France et un concert privé de Liberace comme d'autres l'auraient fait, Amazon a lancé son "iTunes killer" (aux USA seulement pour l'instant). Certes, il semble qu'on annonce l'ouverture d'un nouveau site de téléchargement de musique légal toutes les semaines paires (les semaines impaires, on annonce les fermetures) mais ce qui qui fait toute la différence de celui d'Amazon, c'est d'avoir quelques chances de succès.

Amazon a en effet l'avantage de disposer d'une large clientèle pré-établie, d'un prix de base de 89 cents la chanson et 8,99 dollars l'album simple (soit un cent/un dollar de moins que chez Apple), sans DRM ni watermark (ou presque) et les mp3 sont encodés en 256kbps, ce qui n'est pas mal du tout. Le catalogue est encore relativement limité (des majors, seul EMI propose tout son catalogue) mais risque vite de s'étoffer selon la rumeur.

Le seul hic, en fait, c'est que le "prix de base" ne s'applique pas à tous les morceaux : la plupart des nouveautés sont à 99 cents et le prix des albums va de 5 à 10 dollars. Contrairement à iTunes, Amazon accepte de varier ses prix. Tous reste abordable pour l'instant mais il va bien falloir convaincre les autres majors de venir et, si celles ci réclament à Steve Jobs la possibilité de varier les prix depuis des années, ça n'est pas que pour vendre moins cher.

Le tribute à OK Computer monté par le blog américain Stereogum il y a quelques mois de ça ayant été un succès sur à peu près tous les plans (les gens en ont parlé, ça a fait un peu de pub aux groupes participants et, même, il y a eu un peu de bonne musique de produite), Stereogum a décidé de remettre ça en prenant cette fois pour prétexte les quinze ans d'Automatic For The People de R.E.M. pour rassembler une douzaine d'artistes autour de Drive XV.

Il y a encore une fois du beau monde, avec les Meat Puppets (dont on ne sait trop s'ils se moquent ou pas de "Everybody Hurts"), Shout Out Louds (qui jouent à Donkey Konga dans son "Man On The Moon" parce que "Andy Kaufman était un super joueur de bongos"), The Wrens (qui ont choisi "Night Swimming" comme moi je l'aurais fait) ou Dr. Dog (qui fait du joli avec "Find The River". Ils sont spécialistes en joli ces gars-là).

Chaque chanson est accompagnée de quelques mots des "repreneurs" et aussi de Mike Mills et un petit essai accompagne le tout, bref, les choses sont très bien faites et surtout, donnent une grande envie d'aller ressortir mon vieil Automatic For The People, l'original, pour une écoute anniversaire.

Décidément Lo Recordings est un petit label sympathique que rien ne semble devoir arrêter. Après les exactions néo-prog rock electronica des inclassables Anglais de The Chap l'an dernier, la structure nous avait offert cet été, les versions dub de Black Devil Disco Club, rapidement suivies d'un Moog Acid célébrant la réunion inespérée du pionnier Jean-Jacques Perrey et du barjot Luke Vibert. On remarquera d'ailleurs avec bonhomie que rien ne semble plus réjouir Jon Tye, le boss de Lo, que de nous offrir régulièrement de l'insolite et du singulier (on lui doit entre autre l'exhumation d'une pelletée d'incredible strange music aux côtés de Barry 7, le leader des ex-ADN To X, sous le nom de "Barry 7's Connectors", deux volumes à ce jour). Cette fois la petite structure créée en 1995 (12 ans déjà !), nous offre la  meilleure compilation de "néo-növo-italo-cosmic" disco de la saison, ni plus ni moins ! Je le dis tout net : avec Milky Disco, les derniers réticents de la disco moderne vont devoir se tenir à carreau. S'ils résistaient encore tant bien que mal à l'appel des sirènes forcément extra-terrestres de ce courant cosmique et électronique, cette juteuse compilation risque bien de les faire revenir sur leurs a priori.

Comme son nom l'indique, Milky Disco est dédié au nu-disco dans ce qu'il a de plus spatial et mélodique. Le but avoué du label étant d'ailleurs de proposer un équivalent actuel des riches heures du Loft de David Mancuso ou du Cosmic Club de Daniele Baldelli, en mieux serait-on tenté de dire, tant le son du disco moderne, cosmic ou autre, s'est affiné et diversifié au fil des années. C'est donc à un véritable festival de sonorités astrales et flamboyantes auquel nous avons droit dès les premières notes enchanteresses et naïves (aussi naïves en tout cas que le terme "enchanteresses", qui pourtant, leur convient parfaitement) d'un "All Flower Must Fade" directement importé de la voie lactée ("Milky Way to Disco" oblige) par le prodige Daniel Wang. Cette track oscillant entre 4x4 four to the floor et electronica, est la parfaite introduction qui nous transportera dans la quatrième dimension disco. Une dimension en forme de sound scape infini au sein duquel nous allons naviguer d'un bout à l'autre de cette sélection. De l'electro kraut punk funk de Padded Cell et The Emperor Machine au balearic new look de Quiet Village (l'hyper hypnotique "Desesperate Hours") et Sorcerer (sublime "Surfing at Midnight", quel titre!), sans oublier Johan Agebjörn (raaah, "Spacer Woman from Mars" feat. Sally Shapiro) Kerrier District & Black Mustang, ils sont tous là les chantres du disco underground contemporain célébré par les papes nu-disco Lindstrom & Prins Thomas. Ici, tout n'est qu'arpeggios tourbillonnants, basses en cascade, effets de cordes synthétiques et planantes (à ce titre "Electric Bird" de Georges Vert est imparable), cuivres dans une chambre d'écho fantôme ("Konkorde Lafayette" de Padded Cell) et mélodies enivrantes. Milky Disco va même jusqu'à nous offrir un remix d'In Flagranti par un Black Devil qui retrouve décidement une seconde jeunesse, et un hommage de Morgan Geist à Black Devil sous le pseudo Jersey Devil Social Club ! Je le redis, cette compilation mixée est LA clé qui vous ouvrira les portes, toutes les portes, de la galaxie nu-disco. Alors, aussi méfiant que vous soyez, n'hésitez pas une seconde, suivez le lapin doré et surfez sur sa boule(tte) aux multiples facettes.

A noter qu'une fois n'est pas coutume, la compilation est intégralement en écoute sur la page d'accueil du site de Lo. Aaah, je vois d'ici l'ami Traske qui se déhanche... ("il m'entraîne au bout de la nuit, le... dé-mon de minuit !")

Maxence a parlé récemment d'Unknown Pleasures, unique album vivant de Joy Division et de son importance pour l'histoire des musiques modernes. Dans la foulée de Control, le film plein d'application réalisé par Anton Corbijn, ressortent dans une version remasterisée les 3 pièces principales de la discographie du groupe, augmentées chacune d'un appendice live et d'un superbe livret aux commentaires signés John Savage. Avec Unknown Pleasures, on (re)découvre un live à la Factory du 11 avril 1980 qui faisait partie des préférés des collectionneurs depuis des lustres et dont le son, malheureusement, ne sort pas du tout amélioré par la présente livraison. Ce concert bénéficie d'une belle énergie, d'un duo Hook/Morris absolument impeccable dans ses expérimentations et d'un Ian Curtis comme possédé par le diable. Le chanteur livre une prestation effrayante sur "Atrocity Exhibition" de plus de 6 minutes et un non moins impressionnant "Transmission" en bout de set.

Closer arrive accompagné par un live de février 1980 à l'Université de Londres (ULU), soit quelques mois à peine avant le précédent. Live in Ulu pour Closer de février 1980. Le son est plus métallique et plus cold wave que sur le précédent, le groupe ayant réussi à reproduire sur scène le son symphonique et synthétique proposé par Martin Hannett en studio. On retiendra surtout l'une des premières sorties sur scène du single "Love Will Tear Us Apart" et un "The Eternal" lugubre. Le concert à l'ULU est le compagnon parfait d'un Closer dont il reprend les meilleurs moments : "Colony", "Twenty Four Hours" ou "Isolation". La réécoute successive d'Unknown Pleasures et de Closer rappelle que la postérité du groupe repose en partie sur le caractère monolithique (et presque granitique) de l'oeuvre. C'est cette densité, cette dimension monumentale et monobloc, qui écrase par sa gravité et sa solennité, qui peut expliquer aujourd'hui pourquoi on reste 27 ans après baba devant Joy Division. Enregistrée sur une poignée de mois (12-13 guère plus), les deux albums bénéficient d'un son homogène, d'une inspiration qui n'a presque pas évoluée (Curtis épuise les billets-paroles de sa boîte à chaussures), si ce n'est pour creuser le même sillon : l'oppression, l'étouffement, le dérangement.

Le CD bonus qui accompagne Still (rappelons-le, disque live composé principalement du dernier concert du groupe, enregistré à Birmingham et agrémenté de quelques autres prises - dont un "Sister Ray" repris brillamment du Velvet) est enregistré une semaine à peine après celui de l'ULU, à la mairie de High Wycombe. La set list (soundcheck et titres live) reprend un mélange heureux des 2 CDs précédents, sans éviter (pas le choix) les répétitions, mais en prenant garde de ne pas doublonner avec ce qui avait déjà pu être vendu sur le coffret indispensable Heart And Soul. On insistera ici sur un enchaînement de milieu de CD qui voit Curtis et sa bande enchaîner "Love Will Tear Us Apart", "Disorder" et "Atrocity Exhibition", soit 3 monstres qui taquinent le punk, la pop et le rock new wave avec autant de succès. Malgré les textes, les rythmes, les graphismes, la production de Hannett, la musique de Joy Division sonne en live comme la plus humaine et la plus chaude qui soit. Les dernières notes qui poussent le groupe dehors sur "The Eternal" annoncent quant à elle les révolutions à venir. Curtis se tait, New Order n'attendra pas pour se faufiler dans son ombre. Il aurait été intéressant de voir, si la mutation qui s'engage parfois ici (les "synthétiseurs étourneaux") aurait pu se produire avec Curtis et comment il y aurait réagi. Le timide et candide Bernard Sumner, assez amusant dans le film Control, allait prendre le pouvoir.

"Evergreen", premier extrait de The Modern Tribe, nouvel album de Celebration à paraître très bientôt. Avec cette batterie primitive, ces couches d'orgues élégiaques et la voix de diva goth de Katrina Ford difficile à discerner, un peu comme si elle chantait sous l'eau, ce titre sonne comme comme le Wall of Sound d'un Phil Spector défoncé, sauf que là personne ne tire sur personne à la fin. C'est que, même si à en juger d'après le clip le groupe a consommé une grande quantité de kryptonite, celle-ci n'a heureusement d'effet négatif que sur Superman. A moins que ce ne soit pas de la kryptonite et que ce clip soit en fait la suite de celui du "Knife" de Grizzly Bear.

Oh, et il faut que je précise ça pour Flyer : Dave Sitek a produit le second disque du groupe, comme le premier, et il a encore rammené quelques potes de Tv On The Radio dans le studio.

MAJ : Lire aussi notre critique de l'album In rainbows track by track.

In Rainbows, le nouvel album de Radiohead, sort dans dix jours. Oui, c'est bien ça : le 10 Octobre. Comme avec l'album solo de Thom Yorke, le disque est annoncé au dernier moment et risque peu d'être "leaké" sur le net avant le jour prévu. Sauf que la date est peut-être la moins étonnante des annonces.

Radiohead n'a signé avec aucun label et, à la manière de Prince dans les années 90, n'offrira son disque à la vente que via le site inrainbows.com (qui, ce n'est pas étonnant, a l'air un peu surchargé pour l'instant). Il est d'ores et déjà pré-commandable sous deux formes : digitale (des mp3 sûrement, mais on en sait encore rien) ou "discbox", soit un coffret contenant l'album sous la forme d'un CD et de deux vynils plus un second CD de bonus plus un joli artwork et un livret avec les paroles et le droit au téléchargement de l'album dès le 10 octobre parce que votre Discbox ne sera disponible que le 3 Décembre.

Mais mais mais... ce n'est pas tout ! Ce qui je crois est LA vraie bonne idée de Radiohead, c'est que le groupe vous laisse totalement libre de payer le prix que vous voulez pour le téléchargement. Vous êtes riche et vous voulez payer cinquante livres ? Pas de problème. Vous êtes radin ou pauvre et vous voulez l'album gratuitement ? Servez-vous (pour les incrédules : j'ai testé, ça marche. Je paierais peut-être plus tard, si la musique est bonne). Vous l'auriez téléchargé "illégalement" ailleurs sinon, le groupe a su reconnaitre ça et c'est très malin de sa part. Surtout que, on imagine que beaucoup de gens qui auraient téléchargé l'album sans état d'âme autrement vont se sentir obliger de donner au moins une livre symbolique.

Le seul petit hic dans tout ça, c'est pour le fan de Radiohead. Il a certainement très envie d'avoir un objet entre ses mains, un peu de l'artwork toujours si important avec Radiohead et les paroles aussi. Il peut commander la discbox, mais elle coûte quand même 40 livres, soit à peu près 60 euros. Il n'a pas d'autres choix s'il veut avoir un peu de son groupe favori entre les mains que de débourser quatre cent balles pour deux CD et des vynils pour lesquels il n'a probablement pas la platine pour les lire. C'est un peu dur, les mecs. Toujours est-il que voilà la tracklist :

01 15 STEP
02 BODYSNATCHERS
03 NUDE
04 WEIRD FISHES/ARPEGGI
05 ALL I NEED
06 FAUST ARP
07 RECKONER
08 HOUSE OF CARDS
09 JIGSAW FALLING INTO PLACE
10 VIDEOTAPE

Sur le CD bonus de la Discbox:

01 MK 1
02 DOWN IS THE NEW UP
03 GO SLOWLY
04 MK 2
05 LAST FLOWERS
06 UP ON THE LADDER
07 BANGERS AND MASH
08 4 MINUTE WARNING

Réagissez sur le forum Radiohead. 

A la demande générale d'au moins deux d'entre vous, voici un nouveau Jeu Rock qui, une fois n'est pas coutume, fait la part belle à aux artistes français (2 sur 6, c'est un record). Comme souvent et afin de décrocher le superlot (des CD dans votre boîte aux lettres), il vous suffit d'être le premier à donner dans l'ordre, les réponses complètes aux questions suivantes :

1. Identifier les 6 artistes rock qui sont photographiés ici, en indiquant en plus de leur nom et s'il y a lieu, leur groupe d'appartenance.

2. Trouver le point commun que 5 d'entre eux partagent (et qui n'est pas leur sexe). Pour ceux qui ont depuis fait une carrière solo, il s'agit bien de revenir à l'activité de leur groupe originel.

3. Trouver l'intrus, c'est-à-dire celui qui ne répond pas à ce que vous trouverez en 2.

Bon courage.

(celui qui trouve du premier coup et en moins de 50 minutes aura droit à tout mon mépris)

La tecktonik, c'est un mot que je n'avais jamais entendu il y a quinze jours et que depuis j'entends partout, tout le temps. Je suis bien sûr totalement à la ramasse puisqu'on en parle depuis longtemps sur les forums de flu. Après avoir entendu ce mot pendant quelques jours dans des phrases du genre "oué vas-y tu t'la raconte toi mais t'écoute de la tecktonik" ou "lol tu cé pa danC la tecktonic" (je vous assure, il y a des gens qui parlent comme ça dans la réalité), j'ai fini par apprendre ce qu'il désignait. Enfin à peu près : la page wikipedia de la tecktonik est un monument à la gloire du grand n'importe quoi collaboratif ("la tecktonic a débuté dans les soirées parisiennes en 2000. En 2006 elle arrive sur Paris."). Le consensus qui se dégage de mon enquête, c'est que tecktonik serait une danse des bras pratiquée par une jeunesse souple et stupide sur de la mauvaise musique électronique hollandaise.

Keepon, le robot qui aime Spoon dont je vous avais déjà parlé, est incapable de danser la tecktonik parce qu'il n'a pas de bras. Il danse par contre mieux sur "Well, Don't You Evah" que je ne le ferais ou que quiconque, humain ou robot, ne le fait après tout dans cette trop uber-mignonne vidéo.