Archives > Novembre 2007

Le Gibus a 40 ans ! 40 années de festivités, ce n'est pas rien, surtout si l'on tient compte de l'éclectisme des scènes et des styles accueillis ainsi que de l'ouverture musicale de ce lieu emblématique de la nuit parisienne qui, de 1967 à aujourd'hui a véritablement accompagné l'histoire de la musique populaire dans notre pays. En effet, quel autre club parisien peut se vanter d'avoir fait jouer des figures aussi emblématiques et variées que Sun Ra, James Brown ou Chuck Berry, Johnny Thunder, les Sex Pistols, Iggy Pop ou Nina Hagen, les Rita Mitsouko, Taxi Girl, les Négresses Vertes ou la Mano Negra et pour finir le meilleurs des producteurs électros des années 90, de DJ Pierre à Daft Punk en passant par LTJ Buken pour la jungle ou The Hacker pour l'electro ? Ce qui n'était au départ qu'une pizzeria un peu plus branchée musique que les autres, deviendra rapidement au cours des années 60 un lieu polyvalent, véritable repère des acteurs de l'underground, qui de tout temps animèrent la capitale.

Du twist au rythm'n'blues, du rock au hip hop, de la house à la jungle, de la techno au RnB, cette salle mythique, drivée de mains de maîtres par les frères Taïeb, sera le temple de la musique, quel que soit son style ou son école. Il faut le dire, peu de gens eurent assez de flaire et de talent pour surfer sur l'avant-garde comme le fit ce clan familial issu de Tunisie. Une équipe à qui l'on doit les premières soirées punk rock en 1977 mais aussi les premières soirées electro. Le Gibus fut pour beaucoup dans l'émergence de la French Touch et l'arrivée des rois de l'electro de Chicago, Detroit ou Berlin, à Paris. A la fin des années 90, c'est au Gibus que naissent les soirées dédiées aux Baby Rockeurs avec les festivals "Passe ton bac d'abord"... C'est ce que racontent Philippe Manoeuvre, Damien Almira, Busty et l'ex-manager de Bijou Jean-William Thoury dans ce très beau livre commandé pour l'anniversaire du club. En 192 pages et plus de 300 photos couleurs et noir et blanc, de nombreux documents d'archives et de témoignages plus nombreux encore, 40 ans de musiques au Gibus (notez le pluriel) retrace l'histoire d'un lieu unique sans lequel l'impact de ce que l'on nomme communément les "musiques actuelles" ne serait certainement pas le même. Un beau livre et un beau cadeau pour Noël d'un coup d'un seul. Chapeau !

40 ans de musiques au Gibus par Damien Almira, Busty et Jean-William Thoury sous la direction de Philippe Manœuvre (éditions Hugo Image)

http://www.gibus.fr

http://www.myspace.com/bigjourvil

L'album démarre par 5 titres quasi parfaits qui mêlent ritournelles casio-compatibles, beats lourds cafardeux et chant aérien. "The Pleasure Is Mine" offre sa part de rêve. "Peppermint" agit comme une madeleine de Proust, nous ramenant au temps de notre premier amour. "Folder" pose au single interplanétaire, répétitif, moderne et élégant comme un roman de Douglas Coupland. "Couch" s'étire avec grâce et ouvre sur l'indépassable Home 0207, le meilleur titre de l'album et l'un des morceaux les plus tristes et hypnotiques de la galaxie. "i dont know when i'll be coming home / 'cause you dont have the time / You dont know where i am coming from / 'cause you dont care" : Tennant et Lowe n'avaient pas réussi à faire plus simple. Avec une femme au chant, "Parasols" amorce un virage vers plus de légéreté et dançabilité ou quand les Young Marble Giants rencontrent les Bronzés. "Special Case" rappelle les Air de la première heure et "Another Sound" peut être taxé d'opportunisme kitsch. La dernière ligne droite est d'une pureté à donner la chair de poule : "Why Dont you ?" dépose sa plainte aux pieds d'une fille cruelle aussi vaporeuse que la nymphe de "Just Like Heaven", tandis que "Singing All The Time" redonne de l'espoir à ceux qui ne croyaient plus en la femme idéale. "The Long Run" referme ce beau voyage en apesanteur, évoquant le passage du temps et le besoin de durer. "It should be alright in the long run...", chante naïvement Van Dessel et l'on veut croire qu'il a raison. Tout est bien, tout est bon chez Plastic Operator, jusque dans sa pochette qui représente un sas d'aéroport ouvert sur un avion parti ou pas encore arrivé. Les deux musiciens sont au sol, sous forme de mannequins en plastique rikiki. L'un a les bras en l'air et appelle à l'aide (?); l''autre fixe le terminal, en survêtement bleu. Charme & modernité. Amour, anonymat et beauté. Olé !

http://www.plasticoperator.com/

Le moins que l'on puisse dire c'est que Chloé (Chloé Thevenin de son vrai nom) cultive l'ambiguïté. Pour commencer, la Française est DJ mais c'est une enfant du rock. Elle se joue d'ailleurs, des clichés de la techno comme de ceux de cette musique primitive des origines. Sur les photos de presse distribuées par son label, elle apparaît en jeune femme sérieuse, bien droite devant l'objectif, chemise blanche et col boutonné. Pourtant, derrière l'apparente austérité, une fièvre couve. Les joues sont rouges, les lèvres pleines et les mains fines semblent nerveuses, comme déjà ailleurs, occupées à de plus intéressantes activités. Sa musique comme l'imagerie qui l'entoure est donc emprunte de paradoxes, de grands écarts, de contradictions qui n'en sont pas, puisque totalement assumées. Après tout, son label se nomme "Kill The DJ". Et quoi de plus normal d'ailleurs, à une époque où le mixage, le métissage, et en un mot, le crossover, est véritablement devenu une seconde nature ? Comme je le disais plus haut, Chloé passe les frontières, déjoue les pièges des conventions, se moque de la hype et finalement, sait mieux qu'aucune autre (excepté peut-être son compère Ivan Smagghe) s'affranchir des canons de la techno tout en captant ce qu'il y a de mieux dans le minimalisme, comme dans le rock : la constance et la répétition. Ce rythme martelé, électronique ou analogique pratiqué du blues à la techno, et qui se prête si bien à l'hypnose et au dérèglement des sens. Un effet que l'on retrouve aussi bien chez Can que chez Derrick May, chez The Fall que chez LCD Soundsystem, chez Carl Craig que chez The Velvet Underground.

Et de fait, il y a du "Sunday Morning" (emblématique morceau du Velvet), dans l'intro de "The Waiting Room", le morceau d'ouverture éponyme de ce très bel album. Les arpèges tintinnabulant, plus electronica que proprement techno (et on devrait même dire, plus pop que proprement techno) ressemblent même à un clin d'œil, si ce n'est à un hommage. Comme pourrait l'être "Around the Clock" d'ailleurs, dont le quatre temps de guitare saturée et le trombone fatigué font office de base rythmique pour un morceau minimaliste évoquant autant le jazz ou le blues du delta que leur arrière-arrière petite fille volage, la techno. Cette ouverture, cet esprit d'aventure, c'est certainement ce qui fait de ce disque un des meilleurs moments de musique de l'année, il faut bien le dire. De l'hypnotique "I Want You", un hymne à la sensualité à la fois débridé et tout en retenue, à "It's Sunday", sa saturation électrique et son psychédélisme rampant, en passant par le romantisme electropop de "Be Kind to Me", la comptine electronica gazouillante de "Amour" ou la ballade electro-folk (chantée !) de "Beneath the Underground", autre grand moment du disque, la musique de Chloé sait varier les genres sans se perdre. Qu'elle compose à partir des machines d'aujourd'hui ou des instruments d'hier, Chloé fait preuve d'une unité de ton évidente et d'une personnalité étonnante, qui unit tous les habitants de cette "salle d'attente" imaginaire. Côté clubbing, ses rythmes en décalage constant ("No One Can"), qui nous laissent danser sur une jambe, déséquilibrés et incontrôlables, comme ivres, sont souvent envoûtants et ne laissent que peu de choix au danseur ; bouger, bouger comme on peut, comme on veut, mais toujours bouger. Et pour cela bien sûr, on retiendra les imparables "Suspended", "Over The Dose" et pour les plus rock d'entre vous, le très dark "Brashov".

Vous l'avez compris, si elle est meublée de manière minimaliste, pour ne pas dire spartiate, The Waiting Room n'est pas vide pour autant, loin de là, elle est même habitée d'entités hybrides, mi-féminines, mi-masculines, qui nous chuchotent à l'oreille et nous tiennent compagnie. Ça tombe bien, on comptait rester un bon moment, histoire aussi d'attendre le prochain, qui sait...

Chloé -The Waiting Room (Kill The DJ/Nocturne)

http://www.myspace.com/chloekillthedj

Le concert de Céline Dion à Halifax au Canada a été annulé. Ce n'est pas que Céline était malade ou prise en otage par Al Quaïda ou des grévistes, heureusement. Non, il y a une raison et une seule à cette annulation, René a été clair : les réactions négatives dans les médias locaux et sur internet. "Je ne dis pas que tous les gens d'Halifax sont négatifs mais... c'est une question de sentiments. Nous sommes humains. Si vous alliez dans une ville et que vous lisiez chaque jour 'Ce n'est pas un endroit pour vous, vous n'auriez pas dû venir, j'attendais quelqu'un d'autre', je ne sais pas quels seraient vos sentiments sur votre venue dans cette ville." a déclaré aux journalistes rassemblés d'Halifax René Angelil, manager/mari glauque de Céline.

René a ajouté qu'il surveillait ce qui s'écrivait sur sa femme sur le net quotidiennement. Ce qui veut dire que René est un de ces malades qu'on voit débarquer en masse sur notre humble blog chaque fois qu'on ose dire du mal de leur artiste préféré. Ca veut dire qu'il est peut-être en train de lire ces mots, là en même temps que vous et aussi qu'il va peut-être lire vos commentaires. Bon, je n'en dirais pas plus parce que je m'en fous, moi, mais au cas où ça vous intéresse, sachez qu'à moins d'une annulation comme celle d'Halifax, l'an prochain Céline passera par Paris, Nice et Genève. Vous savez ce qu'il vous reste à faire..

Deux jours après leur passage convaincant au Zénith, les New-Yorkais d'Interpol était en transhumance au Forest National de Bruxelles, l'une des plus grandes salles belges (entre le Zénith et Bercy), bourrée à craquer pour accueillir les jeunes prodiges et leur album Our Love to Admire. Précédés des peut-être surcôtés Blonde Redhead dont la prestation aura pâti d'une sonorisation médiocre, les 4 membres historiques d'Interpol et leur nouveau clavier ont emballé un set plus que sérieux et inspiré, mettant de leur côté un public conquis bien qu'assez peu remuant en dehors des "PDA" et "Slow Hands" d'usage. Si la qualité de leurs albums studio va decrescendo (on est en droit de préférer le 1er au 2ème et le 2ème au 3ème), les prestations du groupe sont en revanche meilleures avec le temps, laissant plus de place à de légères variations qui, si elles ne peuvent pas encore être assimilées à des improvisations, suffisent à donner un peu de vie à l'ensemble. Quelques mots entre les titres, un salut en français, un merci et, par exemple, une splendide intro instrumentale qui amène, lors du premier rappel, "PDA" et qui sont autant de preuves que les Interpol se sentent à l'aise et s'affranchissent (légèrement) du modèle ultraprofessionnel de leurs premières tournées. Sur scène, la voix de Paul Banks semble avoir encore gagné en puissance et s'affiche comme un double sonore aussi inquiétant, maniable et gracieux que celle de Ian Curtis.

Le principal atout d'Interpol, mis en valeur par les dernières compositions ("Rest My Chemistry", longuet mais joliment interprété, "Pioneer to The Falls" très bon), est plus hallucinant que jamais. Banks s'époumone sans ouvrir la bouche, monte en volume et module sans donner l'impression de fournir le moindre effort, réussissant le prodige d'emplir de ses menaces et de ses plaintes une arène de quasiment 10 000 personnes par dessus des guitares tapageuses. Daniel Kessler assure, derrière l'élégance de ses comparses, un spectacle assez dérangeant et ridicule de danse vaudevillesque, fendant la scène d'un pas qui rappelle celui de Bourvil. Carlos baisse les épaules à la basse et enquille cigarette sur cigarillos. Le batteur Fogarino, qu'on dit le véritable leader du groupe (car le plus âgé) réunit de temps à autre ses troupes autour de sa caisse pour un briefing d'équipe de rugby. En milieu de set, le groupe place un "The Lighthouse" expérimental qui n'a malheureusement pas, dans cette salle immense, la récompense à l'applaudimètre et la poésie escomptées. Le moment même décevant reste impressionnant de cohésion et de mélancolie. "Heinrich Manoeuver" fonctionne bien mais ce sont les titres les plus connus du 2ème album qui recueillent le plus de succès : "Evil" et "Slow Hands" en tête, signent que les kids (trentenaires pour la plupart) ont vraiment mordu à l'hameçon à ce moment-là. Sur le plan musical, on continue de chérir particulièrement les morceaux de Turn On the Bright Lights qui trouvent sur scène une énergie et une densité extraordinaires : "PDA", "Obstacle 1", "NYC" et "Stella Was A Diver" (en rappel) figurent parmi les meilleures chansons indie rock de ces 5 dernières années. Le nombre des titres joués tirés de l'album de 2002 ne laisse pas dupe et laisse à penser que le groupe sait déjà (sans se l'avouer) que le meilleur est... derrière lui. Arc-boutés sur un son cold wave qui rappelle les belles années de Cure, les Interpol dégagent alors une vraie force collective qui ne s'assied jamais sur les mélodies. Le "romantisme noir" du groupe, au bruit clair comme de l'eau de roche, fait fondre les Belges comme des gauffres. "Leif Erikson" et "The Specialist" (mes deux titres préférés) manquent à l'appel des 1h45 de concert (Interpol rajoute un second rappel) mais je me console en rêvant du quatuor en groupe de vieux briscards à la Cure, jouant d'ici 10 ou 15 ans des sets de 2h30 et leur premier album dans l'ordre comme s'ils y croyaient encore. Le gros Robert est annoncé au Forest National pour février ou mars 2008 et les spectateurs promettent de s'y retrouver.

D'une grosse machine splendide et sans âme, le groupe a grandi pour proposer un spectacle sans sueur mais globalement émouvant et ultrasolide. On peut dire de la musique et du style du groupe qu'ils appartiennent au passé et non à l'avenir du rock; mais de ce passé, on ne se fatiguera pas de si-tôt.

Plus de trois ans après, le clip de "Do Something" par Britney Spears est enfin interdit en France. Ce n'est même pas parce qu'il s'agit d'une des pires choses qu'elle ai jamais faite (elle a réalisé elle-même le clip et, à l'instar de Justin Timberlake, plus Britney touche à ses chansons, moins elles sont bonnes). Ce n'est pourtant même pas pour ça qu'elle est interdite mais parce que chez Louis Vuitton on n'a pas apprécié l'utilisation du célèbre motif "LV" sur la boîte à gants de Britney qu'on voit à peu près UNE SECONDE sur UN PLAN dans le clip.

OK, c'est de très mauvais goût et s'il y avait eu "2goldfish" d'écrit sur cette boîte à gants, je ne l'aurais peut-être pas apprecié... Pourquoi cependant se fatiguer à obtenir l'interdiction de diffusion d'un clip que tout le monde avait oublié (sauf moi, je ne l'avais jamais vu avant aujourd'hui) ? Louis V, avec tous ces rappeurs qui te name-checkent constamment, je croyais que t'étais cool, moi.

Il faudra pardonner à l'auditeur non averti qui écouterait Under The Surface de Marit Larsen d'une oreille distraite de croire avoir à faire à une chanteuse de pop sucrée mais tiède à la Natalie Imbruglia, Alanis Morisette ou n'importe quelle autre de ces filles interchangeables qui chantent sur RTL 2 pour les gens ennuyeux. C'est vrai que Marit chante avec une voix de gamine et un léger accent norvégien adorable. Pire, sur les vidéos ou les photos elle apparait comme une femme-enfant tout ce qu'il y a de plus mignonne et souriante.

Si on va faire un tour sur Wikipedia, on apprend qu'elle a fait partie d'un horrible duo de teen-pop au début du siècle, M2M dont les titres de gloire sont une apparition dans un épisode de Dawson (la saison 5 en plus, quand ils sont à la fac) et sur la BO américaine de Pokémon, le film.

Tout ça c'est vrai, malheureusement. La jeune femme a beau avoir publiquement renié son ancien groupe, son travail solo n'a pas l'air tellement plus brillant, de loin. L'album s'appelle Under The Surface et je vous inviterais bien à regarder sous la surface mais... il n'y a pas grand chose à y trouver. Marit Larsen fait de la pop légèrement folk, elle écrit des chansons sur sa vie amoureuse et les enregistre avec un peu de piano, de guitare (acoustique hein, attention) et rajoute quelques violons, harmonica ou trompette dessus. Pour expliquer en quoi ce disque est brillant, on pourrait en faire un peu trop à propos de l'instrumentation et des arrangements, faire croire que les envolées de cordes sur la chanson titre relèvent de l'excentricité symphonique ou bien que le banjo sur "Only A Fool" évoque Sufjan Stevens ou Neil Young.

La verité est que bien qu'elle change un peu de l'aridité de la pop adulte la plus standardisée, Marit Larsen n'invente rien, tout juste fait-elle preuve de personnalité. C'est déjà pas mal si on l'imagine sur RTL 2 mais ça ne nous suffira pas à nous, auditeurs exigeants. On peut plutôt considérer Larsen comme une traditionaliste de la pop scandinave, dans la lignée d'ABBA. Ce qu'il y a de vraiment exceptionnel chez elle, en fait, c'est le talent avec lequel elle fait vivre cette pop ancestrale, comment chaque inflexion de sa voix exprime avec une puissance, une clarté et une justesse les sentiments soit disant simples que ses consoeurs cherchent en vain à communiquer. Chacune de ses compositions s'impose avec l'évidence d'un vieux tube qu'on aurait toujours connu sans jamais l'avoir entendu. Si la trompette qui clôt "The Sinking Game" n'est pas la première à nous faire ce coup-là, dieu qu'elle est bien amenée !

On peut regarder un film pour le suspense, pour le "twist" inattendu et inédit... mais non seulement on sera déçu neuf fois sur dix, mais on ne pourra le regarder ainsi qu'une fois. Under The Surface est un album qu'on n'écoute jamais pour la première fois, c'est plutôt comme un vieux film qu'on aurait à demi-oublié et dont on savoure les surprises au moins autant que les passages attendus. Un petit chef d'oeuvre qui laisse espérer les plus grandes choses de la part de celle qui pourrait bien être une nouvelle Fiona Apple, en plus heureuse et équilibrée (et, par conséquent, plus productive, on peut l'espérer).

Marit Larsen - Under The Surface (EMI - 2006, disponible uniquement en import)

Myspace

Alternative sympa à la goinfrerie généralisée du P2P (la plupart des usagers n'écoutent pas 10% de ce qu'il download) Deezer (ex-blogmusik.net) propose un lecteur flash capable de générer des playlist. Ce sont les utilisateurs eux-même qui alimentent le site mais dans une parfaite légalité puisque les ayants droits sont rémunérés au forfait à la Sacem par les recettes publicitaires du site.

Vous pouvez ainsi écouter de la musique toute la journée (pas sur votre ipod par contre, sauf en l'achetant au morceau) et créer votre propre jukebox gratuitement. Evidemment, réouvert depuis avril pour des raisons légales, l'aventure Deezer ne fait que commencer et le choix est encore restreint, mais vous pouvez vous inscrire et participer. Alimenter Deezer pour le bien de la communauté. En attendant, voici ma playlist du week-end. Bonne écoute.

http://www.deezer.com

En PDF : télécharger le texte du rapport Olivennes.

Avant de parler du contenu (et surtout du vide) du rapport remis par la mission Olivennes à notre über-Président, je voudrais vous faire un petit rappel des principes du libéralisme économique de base : les producteurs d'un côté et les consommateurs de l'autre se rencontrent sur un marché et discutent ensemble des modalités de l'échange (traditionellement ça donnait : "OK, j'te prends ton album de Linkin Park plein de fillers si ça me revient moins cher que trois CD singles avec les seules chansons qui m'intéressent"), l'Etat n'intervenant qu'un minimum pour empêcher les gens de se taper dessus. Nicolas Sarkozy a commandé un rapport sur la lutte contre le téléchargement illégal à Denis Olivennes, patron de la FNAC, et a décidé d'adopter les mesures qu'il propose en accord avec les maisons de disques, les fournisseurs d'accès internet et la SACEM. Hmmm, c'est moi ou on a oublié de demander l'avis de quelqu'un dans cette histoire ? Le consommateur, bien sûr ! Ah, et les artistes aussi, tout du moins une bonne part d'entre eux qui ne se sent pas vraiment représentée par la SACEM.

Le rapport lui-même a été rendu public ce matin mais la principale mesure était connue : la création d'une "haute autorité" qui inspectera les transferts de données des plus gros utilisateurs de bande passante à la recherche de téléchargements illégaux auquel cas viendra une "réponse graduée" (vous savez, comme celle que le conseil constitutionnel a virée du DADVSI) allant d'un simple avertissement à la résiliation de votre abonnement internet. Non seulement c'est donner à une administration le pouvoir d'un juge (le conseil constitutionnel risque de sourciller) mais ces mesures s'ajoutent aux précédentes ce qui pourrait donner des situations ubuesques où, si vous êtes pris en flagrant délit de téléchargement, on vous condamnera à trois ans de prison, trois cent mille euros d'amendes ET on vous enverra un mail d'avertissement pour vous dire que si vous recommencez, votre connection pourrait être suspendue. C'est disuasif, faut le reconnaître.

Répression sans contrepartie

En "échange" de cette inefficace mesurette (les logiciels de peer-to-peer se mettent au cryptage et comme d'habitude, ce sont les petits poissons, ceux qui ne sont au courant de rien et téléchargent avec des logiciels démodés qui risquent d'être victme des sanctions) la commission a parlé à nouveau d'interopérabilité parce que ça fait bien dans le reportage de France 3 (mais personne ne s'engage réellement à rien, bien sûr) et obtenu un seul engagement concret : les films seront disponibles en DVD et VOD six mois après leur sortie en salle. Ca reste beaucoup quand on sait qu'ils restent en moyenne trois semaines à l'affiche et surtout ça ne fait qu'un mois et demi de moins qu'avant. A côté de ça, rien sur la baisse des prix du numérique ou une hausse de la qualité, aucune mesure pour la rénumération des artistes... bref, rien pour encourager le téléchargement légal. Evidemment : Mr Olivennes est PDG de la FNAC, pas d'iTunes.

Ces propositions de la mission, qui devraient être directement incorporées dans une proposition de loi au printemps prochain, n'apportent finalement pas grand chose de nouveau. La loi DADVSI prévoyait en effet qu'une évaluation de son efficacité soit faite un an après le début de son application. L'évaluation n'a jamais été faite. On pourrait croire qu'une nouvelle loi sur le sujet serait une sorte d'aveu d'échec... sauf qu'elle continue exactement dans la même direction.

Alors, en attendant le printemps vous pouvez y aller, lancer des pétitions, écrire à votre député, manifester même... mais rassurez-vous, on ne vous écoutera pas.

Une fois n'est pas coutume, j'ai envie de vous parler d'une simple chanson. Il s'agit du premier extrait leaké du futur album d'Usher : "Dat Girl Right There" (featuring Ludacris). Même au milieu d'un RNB moderne souvent complétement barré, ce morceau sort du lot. On imagine que la fuite est intentionnelle, destinée à prendre la température pour un éventuel succès dans la lignée de l'innatendu "Yeah" en 2004 mais là, et c'est peut-être le grand père en moi qui parle, ce truc est vraiment trop bizarre pour ça

Rien de bien inhabituel dans les paroles : Usher voit une fille dans un club, passe en mode prédateur et lui explique qu'elle et la seule pour lui etc... Ludacris joue le rôle du pote resté au comptoir et qui commente, romantique, "Peu chère, celle là elle va se faire ramoner la cheminée ce soir". L'important bien sûr, ce n'est pas l'histoire mais comment elle est racontée et c'est le producteur Rich Harrison qui s'en charge. On savait qu'il était talentueux depuis "Crazy In Love", on avait découvert qu'il était bien plus malin encore avec "1Thing" et sur ce nouveau morceau il a l'air d'avoir décidé de nous montrer qu'il est aussi complétement dingue. Ca commence avec un gros synthé qui joue le rôle de la pulsion érotique primale ascendante. Mixé bien au dessous de tout le reste il tient lieu de basse mais la boucle monte aussi dans les aigües avec un son comparable à deux ballons de baudruches frottés l'un contre l'autre. Ce son est si choquant et dominant qu'on n'entend que lui pendant toute la chanson lors des premières écoutes (un peu comme avec "Yeah", souvenons-nous).

L'énormité de ce son de basse laisse aux percussions le loisir de partir dans tous les sens et de multiplier les breaks pour commenter la mélodie, chantée par un Usher démultiplié. Celle-ci est malheureusement assez banale et Usher empile les effets pour nous le faire oublier, laissant le refrain tenter péniblement de tenir tout seul debout. Heureusement le couplet de Ludacris est plus intéressant, Harrison s'amusant avec les boutons du pitch et de la stéréo sur chaque fin de vers. Arrivé au pont, les ballons de baudruche s'arrêtent enfin pour laisser la place à une guitare acoustique et des violons synthétiques. Usher passe en mode romantique, chante l'amour dans son coeur mais au bout de dix secondes à peine le gros méchant synthé revient. Les cordes ne partent pas cependant et la chanson se termine sur une question : sont-elles le déguisement qu'Usher a choisi de donner à cette pulsion animale qui l'anime ou a-t-il a réellement réussi le marriage improbable de l'amour et de la luxure ?

"Dat Girl..." c'est le son de types qui ont vendu suffisamment de disques pour s'enfiler tout ce qu'ils veulent dans le nez, le genre de pervers qui s'amuse à faire fumer des crapauds et à qui on laisse les clés du studio. Un morceau admirable, vraiment.

A l'évidence, il flottait comme un air de post-punk dub sur Steingarten, le précédent album de Stefan Betke, aka Pole. Des réminiscences du Metal Box de PiL, ou même de Gang Of Four assez étonnantes, qui disparaissent complètement sur ce Steingarten Remixes de haute volée proposant l'intégralité des remixes préalablement édités en vinyle, issus de Steingarten. Le patron du label ~Scape, quasi inventeur du click'n'cut et père d'une forme de dub électronique mutant totalement original au milieu des années 90, a le nez creux, c'est le moins qu'on puisse dire au vu de la brochette de talents réunis ici pour retravailler les morceaux arides et véritablement caillouteux de ce "jardin de pierres" (véritable sens de Steingarten en VF). De fait, chaque version proposée ici, présente l'œuvre originale sous un nouveau jour. Si la musique de Pole est souvent considérée comme difficile, voire aride, les versions offertes sur ce Steingarten Remixes réussissent l'exploit de refléter toute la subtilité de l'original, son aspect environnemental, ses innovations, tout en en proposant une vision radicalement différente.

D'emblée, on est séduit par la relecture d"Achterbahn remix" par le prince du dark dubstep Shackleton. Un morceau sombre, entêtant et hypnotique sur lequel on revient continuellement sans se lasser. Si les meilleures relectures, comme le "Sylvenstein" de Deadbeat dont le remix polyrythmique est un des grands moments du disque, ou le ragga dancehall obsédant du Canadien Ghislain Poirier sur "Winkelstreben", sont signées par des artistes proches du son dub abstrait de Stefan Betke, d'autres personnalités tirent remarquablement bien leur épingle du jeu. C'est le cas du producteur Colin de la Plante, plus connu sous le nom de The Mole, qui balance "Pferd" sur le dancefloor et revisite le track façon clubbing underground inspiré. Inspirée, Gudrun Gut la patronne du label electronica et electropop Monika Ent, l'est également, elle qui reprend admirablement "Mädchen" en y ajoutant des vocaux de son cru. De son côté Mike Huckaby déshabille "Düsseldorf" et produit une track minimaliste en forme de clin d'œil aux productions Basic Channel/Chain Reaction auxquelles on a souvent rapproché Betke, tandis que le boss de Perlon, Dimbiman, assèche radicalement "Achterbahn", le transformant en une déambulation electro funk à mille lieux de la vision dark ambiant dub de Shackleton. On le sait, l'exercice du remix peut souvent s'avérer lassant, pourtant ce Steingarten Remixes est globalement une réussite. Peut-être même l'un des meilleurs album electro dub de l'année aux côtés du Untrue de Burial, et certainement beaucoup plus marquant que l'original.

Pole - Steingarten Remixes (~Scape/La Baleine)

http://www.myspace.com/poleartist

Mardi dernier les patrons de toutes les grosses radios privées françaises ont tenu une conférence de presse pour expliquer leur opposition à l'augmentation des barêmes des rémunérations qu'elles versent aux artistes et producteurs de musique. Cette augmentation décidée par une commission paritaire présidée par un représentant de la Cour des Comptes serait une sorte de compensation accordée à une industrie du disque en crise. Les représentants de cette dernière rappellent eux que les radios françaises paient beaucoup moins que leurs voisines européennes et qu'elles sont pleines de frics. Les radios elles disent que ces augmentations sont scandaleuses et risquent de gravement gréver leurs maigres profit.

Les patrons des radios ont déclaré que cette augmentation des tarifs les pousserait à diffuser moins de musique. Axel Duroux de RTL a menacé de remplacer l'émission musicale de la nuit de George Lang par des rediffusions des Grosses Têtes. Pierre Bélanger, patron de Skyrock, déclare : "Les radios portent le risque, la diversité et la découverte. Vouloir les taxer est donc ahurissant et sucidaire". Là on commence à rigoler. Il suffit d'écouter un petit peu ces radios pour savoir que leur direction se fout bien de nous faire découvrir de la musique. Les mêmes morceaux des mêmes artistes sont diffusés en rotation ultra-lourde sur toutes les plus grosses radios et il y a fort à parier qu'une réduction du temps d'antenne consacré à la musique ne se traduirait pas par moins du dernier Pascal Obispo mais plutôt encore moins d'artistes et de morceaux différents. Le pire ? C'est peut-être bien ce que les maisons de disque souhaitent.

C'est ce qu'on apprend en tout cas à la lecture de cet article du New York Times sur les nouveaux "contrats 360" proposés aux artistes. 360 non pas comme dans "cinq jours de congés par ans, coco" (encore que...) mais "360 degrés" ou "vous êtes cernés". Ces contrats impliquent les maisons de disques dans l'organisation et les revenus non plus seulement des enregistrements d'un artiste mais aussi des concerts et des produits dérivés. En échange l'artiste reçoit un peu plus de royalties et la promesse d'être considéré comme un investissement à long terme qu'on aidera à acquérir une audience fidèle plutôt que comme une machine à produire des tubes qu'on abandonnera au premier raté. Cette promesse, évidemment, ne vaut que ce que la patience des actionnaires permettra et ces contrats sont avant tout une tentative désespérée des majors d'aller chercher le fric des artistes là où il est maintenant (c'est à dire hors des studios).

Ces contrats ont deux conséquences négatives prévisibles. La première c'est que les maisons de disques, puisqu'elles investiront plus dans chaque artiste, devront nécessairement réduire le nombre d'artistes signés. Je veux dire : les réduire encore plus qu'elle ne l'ont déjà fait ces dernières années. La seconde, c'est qu'elles pourraient mettre en oeuvre un système de bakchich similaire à celui qui leur permet de vérrouiller l'accès aux radios FM pour vérrouiller de même l'accès aux salles de concerts (comme si la situation n'était pas déjà suffisamment sombre comme ça).

On ne pourra en tout cas plus dire que la seule réaction des majors aux nouvelles technologies, c'est de faire des procès à ses clients. Youpi.

"Le dubstep est né à Birmingham" disais-je donc il y a quelques jours sur ce blog. Alors que la plupart des critiques s'accordent pour signaler sa naissance dans le sud de Londres, je continue à prétendre que Mike Harris, fondateur de Scorn et ex-batteur de Napalm Death (décidément, le metal mène à tout) a inventé le genre bien avant tout le monde, sans pour autant lui donner un nom. On peut donc dire que, "si Mike Harris faisait tout simplement du Scorn, les acteurs actuels de Brixton, eux, font bel et bien du dubstep". De là à conclure que le dubstep, en temps que genre, sévit bel et bien à Londres, il n'y a qu'un "step" (hahaha) que vous franchirez... ou pas, cela reste personnel. Bref, la semaine futur dub et dubstep étant entamée hier avec la chronique de Untrue, le nouveau Burial, je continue pour vous mon exploration de la face sombre de la bass music.

Aujourd'hui parlons de Gyral, troisième opus de Scorn, qui est peut-être celui qui relie le plus Harris à la forme de drum'n'bass ralentie matinée de dub qui nous intéresse. Resituons d'abord ce monolithe dans le contexte. Nous sommes en 1995 et le dub est omniprésent. De Kingston, sa ville natale à Munich (Kruder & Dorfmeister), en passant par Washington (Thievery Corporation) ou Berlin (Pole, Mille Plateaux, Chain Reaction, Basic Channel) sans oublier Lyon (Jarring Effect et tout sa crew), les échos enfumés de cette musique fantômatique font vibrer tous les floors de la planète. Le drum'n'bass se porte également très bien, il a même pignon sur rue (ce qui n'est plus le cas aujourd'hui). Avec Scorn, Mike Harris se place en héritier de la fusion ambiant, musique électronique, dub et musique industrielle initiée par Bill Laswell, John Zorn ou Kevin Martin. Plus subtilement il fait directement partie de ces pionniers puisqu'il entame son projet Scornien avec Vea Solis aux côtés de Nic Bullen (fondateur de Napalm Death) en 1992. Mais c'est avec Colossus et Evanescence qu'il trouve réellement sa voie, abandonnant progressivement l'industrial music lourde et saturée pour une forme de trip hop ambiant sombre et pesant.

Avec Gyral, Harris passe une frontière. Il est attentif aux échos de la drum'n'bass en temps que genre dominant de l'époque (au milieu des années 90, qu'il s'agisse du post-rock, du trip hop, de l'electronica ou du jazz, tous font au moins une fois l'expérience de cette musique) et tente lui aussi l'hybridation avec le dub tout en gardant ses sons hypnotiques d'une profondeur inouïe. La lenteur de ses break beats et le ronronnement surpuissant de ses basses font de Gyral un album pionnier en matière de dubstep. C'est particulièrement évident sur des morceaux comme "Six Hours One Week", "Far in Out" ou la jungle au ralenti de "Hush", quand celui-ci s'accompagne de gazouillements électroniques et de notes de piano éparses ("Stairway") qui viennent animer ses rythmes tourbillonnants, répétitifs et syncopés. Enfin, comment ne pas penser à Memories of The Future des tenants du dubstep actuel, Kode 9 and Spaceape, à l'écoute du complexe et subtil "Trondheim - Gävle", un must d'hypnose qui relie d'un coup le Consumed de Plastikman et l'electrodub minimaliste des productions de Chain Reaction avec la drum'n'bass mécanique et futuriste du label Metalheadz de Goldie. Une fusion que Mike Harris continuera d'explorer avec Logghi Barogghi en 96 puis avec Zander, en 97. Assurément culte et bizarre dans sa volonté de mixer des cultures antagonistes (le dub et la musique industrielle, mais aussi le hip hop et la jungle/drum'n'bass) Gyral est de ces albums intense et novateur qui marque leur époque d'une manière indélébile.

Scorn - Gyral (Scorn Recordings/Hearache)

http://www.mickharris.net/ & http://www.myspace.com/mjhscorn

Il y a les anti, les pro-Daho et ceux qui ne savent pas trop quoi en penser. Pour les premiers, Etienne Daho, malgré sa longévité et l'évidence de quelques tubes bien placés, est tout sauf un artiste intéressant : une inspiration pop qui n'arrive pas à la cheville de ses modèles britanniques malgré des goûts assurés (My Bloody Valentine entre autres) rabâchés au fil des interviews, une voix qui ne mérite pas d'être gravée sur CD et des textes inégaux. Pour les pro, Daho est ce que la chanson française a fait de mieux avec Bashung depuis des décennies. Daho serait le seul représentant français d'une pop...anglaise, déterminée, classieuse et qui ne sombre pas dans le plagiat. Pour les troisièmes (ceux qui s'en foutent), Daho est anecdotique, n'existe pas mais bénéficie d'un capital sympathie qui lui épargne les critiques et les moqueries habituellement réservées aux artistes français. Il faut dire que le bonhomme a de beaux états de service et depuis son Mythomane de 1981, quelques décennies de succès à opposer à la populace. L'L' Invitation, son neuvième ou dixième album studio, devrait satisfaire les 3 catégories pré-citées et ne pas faire bouger les uns et les autres sur leurs positions : l'invitation est un album d'Etienne Daho, beau pour son âge et son genre, mais pas forcément surprenant et irréprochable.

Peu mélodique mais très musical, le disque fait penser sur ses ambitions au Vauxhall And I de Morrissey (en moins bien), beaucoup de mélancolie, peu de... notes et une manière feutrée et ouatée d'habiller les titres. Daho n'a jamais été réputé pour sa violence musicale et semble grandir avec cette idée de trouver la paix et gagner l'apaisement. Cela donne un album étrange qu'on peut trouver somptueux et plein d'élégance, mélancolique et sublime ou alors dépouillé et ennuyeux, peu inspiré et morne. A vrai dire, la vérité sort toujours du titre à titre et le bilan d'une écoute approfondie est plutôt en demie-teinte. L'Invitation souffre de deux tics principaux. Le premier concerne les mélodies abandonnées trop souvent au profit d'aplats répétitifs qui "symbolisent" le temps qui passe et la morne plaine du désamour. Le titre éponyme se développe autour de quelques phrases rappelées ad lib sur un faux rythme bashungien mais sans grand souffle. On peut dire la même chose de "La Vie Continuera" et de "Cap Falcon", dont le dépouillement cache-misère parvient toutefois à produire au bout de 5 minutes en apesanteur une ambiance onirique. A chaque fois, les morceaux déroulent sur quelques accords avant de s'élever en fin de morceau sur une "originalité", un final enlevé sur "La Vie Continuera", un éclairage nouveau sur "Les Fleurs de l'Interdit", ou un rattrapage de dernière minute sur le très moyen "Cet Air Etrange". L'autre tic de composition qui tire l'Invitation vers le bas est cette sorte de syndrome MC Solaar qu'on avait isolé dernièrement et qui consiste, en matière de textes, à reprendre sans fin les mêmes 2 ou 3 vers sur 4 ou 5 minutes. Cela fonctionne plutôt bien parfois ("Toi. Jamais. Toujours", au son plus dur et colérique) mais souvent ça tourne court lorsque les 2 ou 3 vers en question ne sont pas à la hauteur : "que tous les autres sont vraiment trop cons, et vraiment pourris. Chienne de vie !" sur "Cet Air Etrange" ou les rimes laborieuses d'un "Obsession" désinvolte ("la parure du souvenir viendra tout embellir."). Sur ces quelques titres, le travail de production savoureux n'en arrive pas moins à créer une ambiance décontractée et lascive qui reste la marque de fabrique de l'ancien Rennais et qui rend sa compagnie agréable.

Malgré ses défauts, Daho réussit par moment à hausser le niveau et à aligner quelques titres épatants. "Boulevard des Capucines" (6ème titre) dont on a pas mal parlé (Daho y raconte du point de vue de celui-ci la rencontre avec son père un soir d'Olympia) est le premier morceau qui bénéficie d'un vrai texte. L'autobiographie est simple et basée sur les fantasmes du chanteur : la starification, l'idole, le devenir pop star, la filiation. La description de son propre show est émouvante et donne l'impression que Daho pose sa carrière sur la table :"J'observe lorsque tu chantes, que brillent les yeux des filles." L'Invitation ne serait rien sans deux titres somptueux : "Sur la terre comme au ciel", à la mélodie répétitive mais obstinée, qui sonne comme un nouvel hommage de Daho à ses racines anglaises. Elégance. Equilibre, tout y est. Jusqu'à ce refrain "je suis libre comme l'air" qui donne envie de s'envoler avec lui. L'album réussira à faire une seule fois mieux que ce titre-là sur "Un Merveilleux Eté", sans conteste le meilleur morceau du tout. Le titre est une vraie chanson... chantée sur l'amour et la séparation, un thème qui réussit bien à Daho et qui nous rajeunit le bonhomme de trente ans. On trouve sur ce titre la moelle de l'auteur, celle d'un homme de 51 ans maintenant qui n'a jamais cessé d'être cet amateur de pop enfermé dans sa chambre d'ado. Sur ce merveilleux été, ça donne ça : "tu pleures en secret toutes les larmes de ton corps, comme si j'étais mort.". C'est beau, pur comme le verre et ça tutoie le sacré à grands renforts de cordes pincées et caressées. L'Invitation laisse au final une impression mitigée, celle d'avoir traversé l'album en somnanbule parfois, de n'avoir été surpris ou épaté que rarement, mais aussi d'avoir vieilli avec Daho, d'avoir partagé avec lui un bout de chemin entre averses et éclaircies. La conclusion est un peu convenue mais, par les temps qui courent, on a pas grand chose d'autre à se mettre sous la dent. Daho n'est jamais meilleur que lorsqu'il arrive à nous faire régresser jusqu'au temps où nous étions jeunes et n'avions pas à porter ce fardeau d'une demie-vie passée à faire n'importe quoi. L'Invitation n'est pas un album mémorable mais un album qui fait passer le temps... en l'arrêtant. Ce n'est pas une petite prouesse.

"Somptueux" est le mot qui vous vient instantanément à l'esprit à l'écoute de Untrue , la nouvelle sortie de Burial. Dès les premiers morceaux, Untrue s'impose immédiatement comme un futur disque majeur. Après un album éponyme en 2006, le mystérieux producteur anglais (nul ne connaît sa véritable identité) réussit l'union quasi-parfaite de la sensualité du Massive Attack des origines (pour les parties vocales) avec la finesse de l'electronica, la noirceur d'un Scorn et bien sûr les subbass profondes qui font tout le sel du genre. Si le dubstep est encore peu connu dans nos contrées sachez qu'avec un album de cette trempe il ne va pas le rester longtemps. Héritier de la drum'n'bass dont il emprunte l'art de la syncope et du dub pour la production enfumée et les basses monstrueuses, le dubstep est surtout une histoire d'ambiance ("et de skunk", comme dirait Kevin Martin de The Bug). Son rythme ralenti est propice au voyage, souvent dans les plus sombres recoins de la conscience humaine. Un trip dans l'afrique fantôme de Lee Perry et King Tubby, versant urbain, en l'occurrence, le sud de Londres dont il est en grande partie originaire (même si vous connaissez déjà mon avis sur la question...) Encore peu nombreux, ses principaux acteurs ont tous développé un style personnel, Digital Mystikz est le plus roots, respectant plus ou moins les paramètres des pionniers du dub jamaïcain, Kode 9 et Spaceape, dont vous avez pu voir la vidéo samedi dernier, sont les scientifiques de la bande, leur son est le plus futuriste, The Bug est directement inspiré par le ragga, et le dancehall, Boxcutter vogue vers les cimes abstraites de l'electronica et Skream est certainement le plus ouvert usant et envahissant des genres aussi variés que la house, la techno ou les musiques de film.

Au milieu se trouve Burial, producteur emblématique et occulte, dont l'art est certainement celui qui ouvrira toute grande les portes du succès au dubstep, qu'il le veuille ou non (le genre et ses acteurs étant obsédés par l'anonymat et la discrétion). Si son précédent album affichait une mine bien plus sombre et était presque entièrement instrumental (excepté sur le groove De Profundis de "Spaceape" scandé par le MC du même nom et quelques vocaux samplés), Untrue affiche d'office des couleurs un peu plus gais. Oh, ce n'est pas encore la Jamaïque hein, nous sommes toujours en pleine grisaille londonienne, mais on va dire qu'une faible lueur brille au bout du tunnel. La profondeur des arrangements spatiaux de son producteur est constamment contrebalancée par les mélodies hantées des vocaux féminins omniprésents. C'est sur ces climats éthérés emplis de réverbérations et de cliquetis que les ambiances se développent portées par des voix dont il est difficile de deviner les origines. Samplées ou organiques ? Le mystère reste entier, d'autant qu'une audition distraite finit par provoquer le même trouble que provoquait certains enregistrements des Cocteaux Twins, la voix ne faisant plus qu'un avec la musique. Pour faire simple, disons que sur Untrue, les voix sont utilisées comme des instruments à part entière, et c'est tout simplement magnifique. Alors bien sûr, certains regretteront peut-être l'aridité du précédent album, et lui reprocheront peut-être sa facilité. On entre en effet dans ce disque avec plaisir, et l'on en ressort de même, mais les amateurs d'expériences sonores et de voyages aux limites de l'audition se féliciteront d'avoir su trouver le bon chemin, et se donneront certainement corps et âme pour faire partager ce savoir. Avec Untrue, le dubstep devient enfin global !

Ne passez pas à côté du très beau profil d'hyperdub, son label, vous y découvrirez encore des merveilles.

Burial - Untrue (Hyperdub/Differ-Ant)

Une étude récente menée par des chercheurs américains a montré qu'un gros tiers de leurs chansons populaires contiennent des références à la drogue (alcool et cigarettes inclus). L'étude s'est basée sur 279 des chansons les plus vendues de 2005 aux USA. Comme d'habitude les scientifiques nous rappellent qu'ils ne peuvent à partir de ces chiffres prouvé que la chanson pousse à la consommation mais ont cependant noté que toutes ces références étaient généralement "positives", associant les drogues à la fête et au sexe. Les rares conséquences négatives évoquées étant généralement les problèmes légaux que peuvent entraîner la consommation plutôt que les problèmes de santé.

Les chercheurs ont inclu un intéressant classement par genre : le hip hop arrive largement en tête (77% des chansons parlaient de drogues) suivi par la country (37%) puis le RnB (20%), le rock (14%) et enfin la pop (9%). On n'est même pas choqué de découvrir que le rock est devenu plus politiquement correct que la country. Une étude similaire menée dix ans plus tôt apporte un éclairage intéressant : le rap n'a pas beaucoup bougé (75% à l'époque) mais le rock à chuté (de 20% à l'époque à 14% aujourd'hui) pendant que la country devenait alcoolique (passant de 14% à 37%).

Au milieu des années 90, des faux grunges comme Bush, Silverchair, héritiers d'une tradition rock macho, dominaient les charts rock aujourd'hui plus ouverts à des groupes de rock métrosexuels comme Fall Out Boy ou Panic At The Disco! pas vraiment les premiers à chanter les mérites de la drogue et de l'alcool. Ils laissent ça au hip hop.

De l'autre côté, la country est passée d'une période où elle faisait profil bas sous l'administration Clinton, trouvant son champion dans le cow-boy sensible Garth Brooks, à une période où elle jouait les fiers à bras sous la seconde présidence Bush mais qui vire doucement à la dépression, les deux étant prétexte à une forte consommation d'alcool (l'unique drogue évoquée par les chansons country selon les études).

Retour aux valeurs traditionnelles de la pop couplet/refrain, Sighs Trapped By Liars est le cadeau d'un radicalisme lumineux de Mayo Thompson de Red Krayola à ses auditeurs, après des années d'activisme expérimental et underground.

Il faut dire que depuis 1966 Mayo Thompson a tâté à presque tout ce qui pouvait se faire, se jouer et s'expérimenter dans le domaine musical. Du rock d'avant garde et du psychédélisme freeform freakout (autrement dit, libre et "barje") de The Parable of Arable Land, un album composé avec l'aide de plus d'une centaine de participants, qui mériterait les honneurs de notre rubrique "culte et bizarre", sous le nom The Red Krayola, au lo-fi, folk, noise, new wave rock et minimalisme. Pionnier proto-punk, Thompson participa également à l'élaboration du concept d'avant-garage cher à Pere Ubu. Pere Ubu qu'il rejoignit au milieu des années 80 apportant son jeu de guitare dissonant, ses melodies aux structures complexes, alors inspirées de la musique arabe et du free rock (principalement sur les albums The Art of Walking et Song of the Bailing Man). On ne compte plus ses nombreuses collaborations (Tortoise, Jim O'Rourke, Gastr Del Sol) ni ses travaux de producteurs pour des groupes cultes aussi variés que Scritti Politti, The Raincoats, Blue Orchids, Cabaret Voltaire, The Fall, les Néo-zélandais de The Chills ou Primal Scream, mais vous trouverez tout ça sur Wikipedia, venons en donc à ce dernier album sur lequel le maître est accompagné du collectif artistique Art & Language.

Dès les premières notes, l'auditeur informé est forcément saisi ! Si, comme l'écrivait notre confrère François Clos, "l'originalité aujourd'hui est d'effectuer un retour radical à la pop et au classicisme", alors Sighs Trapped by Liars est d'une originalité incontestable. L'album affiche en effet un classicisme forcené, tout d'harmonies soft rock, jazz et pop sha la la. Charmé, on suit donc les harmonies vocales de Sandy Yang et Elisa Randazzo, desquelles émergent Thompson et son jeu de guitare si particulier ("Jumping Through The Mirror"), accompagné pour l'occasion (exceptionnelle) par un Jim O'Rourke discret, alignant des lignes de basses synthétiques tintinnabulantes ("Il ne reste qu'à chanter") et égrenant quelques notes d'harmonica, quand il ne joue pas le jeu du backing vocals affable et même charmeur. On retrouve également le leader de Tortoise, John Mc Entire, dont la batterie offbeat et les interventions jazzy donne le ton sur tout l'album. On pense au moments les plus apaisés du Velvet Underground, l'album Loaded ou des morceaux comme "Ocean", à la pop laidback de High Llamas... Mais surtout malgré sa douceur et ses comptines enjôleuses, l'écoute attentive de Sighs Trapped by Liars révèle que l'amour de Mayo Thompson pour les constructions en équilibre et les arrangements étranges est resté intact (écoutez la guitare subtilement "indiannisante" de "Jerry Fodro's Story", les glouglous électroniques de "The Big Vacation" et "Igor Zabel's Song", les dissonances et contrepoints décalés de la plupart des accompagnements, particulièrement sur "Four Stars : The Ideal Crew"). Sighs Trapped by Liars a failli nous tromper, avec l'âge et après une longue carrière, il semblerait simplement que Thompson privilégie la subtilité dans l'expression de son univers baroque et dérangé, sans n'avoir finalement rien perdu de son indépendance et de son anti-conformisme.

The Red Krayola with Art & Language - Sighs Trapped By Liars (Drag City/Discograph)

http://www.myspace.com/theredkrayola

Il y a cette musique qui effraie toujours de loin : le math-rock. Les olibrius vaguement bigleux qui cherchent dans l'antidanse (ou la surdanse, celle du cerveau dans son bain amniotique), un remède à la monotonie supposée de la grande famille du rock à quatre temps. Ces longues chevauchées de guitares, ces insondables cavalcades de batteries, qui, sans tomber dans l'héroïque fantaisie propice aux disques les plus drôles de l'histoire de la musique contemporaine (hein Steve Vai !), ont certainement à voir avec l'origine mythologique de ce Perceval.

Et pourtant, "Dormir Sommeil !", second album de Perceval Music se tord bien moins que le chemin qui a mené les chevaliers au Graal. Il est même assez frappant de s'habituer aussi vite à une écriture relativement mouvante, plutôt montagnarde dans ses dynamiques. Ca mollit et repart, comme ces bateaux miniatures dans les bassins des Tuileries, portés par une bourrasque improbable. Les longues préparations au voyage rendent honneur à une batterie finalement libérée ("Vision"), les saxophones rêvassent, les clavecins clavecinnent dans l'ondine troublée d'un mode mineur simple ("Velasquez"). Rapidement, l'érudition s'estompe, certainement grâce à un matériau mélodique réussi et très en avant sur le disque. Le ton peut se durcir, le fil narratif ne se romp pas ("Rituel Rythmique", dans la série "un titre, mais pour quoi faire ? ah oui, il y a des critiques qui aiment nommer les morceaux").

C'est non sans fierté chauvine que l'on associe alors les noms de Berg Sans Nipple, pas si loin dans la rythmique euphorisante de "Brocéliande", Les Clochards Célestes pour cette écriture qui respire et ces éclairs de saxophones, et évidemment Chevreuil... dont on retrouve le guitariste. C'est ensuite avec tristesse que l'on mesure la faible audience rencontrée sur la toile de ce "Dormir Sommeil !" ambitieux (joué live par 2 musiciens !) et réussi jusque dans son kitsch assumé (synthés old school et boucles entêtantes). Mais relevons la tête : le duo est demain en concert au Nouveau Casino en compagnie de Faustine Seilman dont on dit tout le bien qu'on en pense ici et des non moins excellents et speedés Papier Tigre.

Perceval Music - Dormir Sommeil ! (Effervescence, 2007)

http://www.myspace.com/percevalmusic

Inévitablement, quelqu'un va piquer cette idée et l'appliquer à d'autres genres. Laissez moi essayer d'être le premier :

Vous avez trouvé ? 

J'ai longtemps été un bass addict de la pire espèce, un fan de dub électronique versant dark et indus, un courant représenté par des artistes comme Scorn (qui sort un nouvel album), The Bug (idem), Bill Laswell, Justin K. Broadrick ou les oubliés Sub Dub. Je collectionnais alors les productions de Kevin Martin, les deux volumes de Macrodub Infection, les parutions Illbient d'Asphodel et toutes les sorties du label Wordsound de Brooklyn (et dire que la plupart pensent que le dubstep est né à Londres !) A l'écoute de ses perles de subbasses trafiquées et torturées, il est pourtant évident que le genre est né avec Scorn (à Birmingham donc !) et qu'il ne date pas d'hier. Cela n'enlève rien cependant, au plaisir de découvrir tous ces jeunes groupes dubstep qui reprennent allègrement le flambeau de leurs aînés dans les rues de L'East London. Cela pour vous annoncer une grande semaine dub et dubstep donc, avec des chroniques du dernier Burial (une magnifique surprise, vous allez voir !), la double compilation des singles du label Souljazz, le volume 2 de la collection Boxe of Dub avec Skream, Kode 9, Digital Mystikz, Ramadanman, Cotti & more et l'énorme (New) Dub Excursion drivée de main de maître par le boss de Sounds Around.

En attendant, et pour vous mettre dans l'ambiance (hum), "dégustez" ce clip magnifique (mais traumatisant) du "9 Samurai" de Kode9 and Spaceape. Attention, âmes sensibles s'abstenir, couchez les enfants...

Qui est mieux placé que Luciano pour symboliser le pendant organique et sensuel des polyrythmies synthétiques savamment millimétrées par le Chilien Ricardo Villalobos ? A l'écoute de cette double compilation en forme de bilan la réponse ne fait plus de doute : personne ! Et tout ceux qui ont eu la chance de les voir à l'œuvre sur scène comprennent parfaitement pourquoi les deux compères s'entendent si bien, à la ville comme derrière les platines... Avec Cadenza Contemporary 01 qui présente les derniers maxis et Cadenza Classics qui compile les "tubes", il s'agissait pour le producteur le plus cool de l'electrosphère, de poser les fondations d'une aventure, celle d'un label bâti dans un esprit underground et familial, mais aussi de miser sur l'avenir. C'est pourquoi, plutôt que de présenter un simple "best off", le producteur suisse, chilien par nécessité (et accessoirement par sa mère) a choisi de résumer cinq ans d'activité sur deux CD (rassurez-vous, il ne s'agit donc pas de "dépôt de bilan" ici) et de présenter ses espoirs. Rappelons que Cadenza a acquis ces dernières années une place vraiment à part dans le champ de la techno contemporaine. Parfaitement autonome, Luciano n'y signe que des coups de cœur.

Ainsi, Cadenza Contemporary 01 fourmille de découvertes et de surprises, incarnées par les producteurs directement importés de Bucarest que sont Rhadoo et Petre Inspirescu, dit "Pedro", deux prodiges roumains à qui l'on doit les meilleurs moments du premier CD, comme le spot pour subwoofers "Woa Ovuls", ou le tourneboulant "Racakadoom" et la montée ascensionnelle intergalactique de "Galantar". Sur Contemporary 01, ceux qui connaissent le label reconnaîtront immédiatement la house très deeeeep et toute en finesse des productions Cadenza. Les autres découvriront un son minimal mais toujours organique et subtilement hypnotique ("Amplified" d'Argenis Brito, "Honolulu" de Digitaline), avec une propension à cultiver les basses rondes et dubby ("L Delay" de Audomat 3000 & Jan). Une musique naturellement enfumée, aux structures souples et aux géométries variables. Parfaitement addictive (à ce propos, matez attentivement la pochette), cette sélection mixée par le boss himself vous laisse immanquablement béat et ravi, le nez en l'air noyé sous un déluge de percussions, un sourire idiot aux coins des lèvres ("Honolulu" Digitaline & Luciano mix). Côté, Cadenza Classics, on retrouve les arrangements innovants et les séquences polyrythmiques virtuoses qui font la réputation du label depuis 5 ans. Luciano réunit sur la même galette le "hit", "Orange Mistake" où il s'accompagne de Quenum, le soyeux "Amael" avec Pier Bucci, la randonnée groove de plus de 12 minutes de "Funk Excursion" par Luciano & Serafin et nous achèves avec l'énorme "Bomberos" (qui porte bien son nom, une bombe pour dancefloor terrassante) qui nous laisse sur les genoux. La feuille d'info parle de groove flexible et instable, on ne pouvait pas dire mieux !

Luciano - Cadenza Contemporary 01/Cadenza Classics (Cadenza/Nocturne)

http://www.myspace.com/cadenzarecords

Le Docteur C, auteur de renom, nous a fait la grâce d'une analyse du dernier Venetian Snares, champions de la drum'n'bass extrême et de la lutte contre Rondo Veneziano. Vous aussi, comme lui, vous pouvez nous proposer un billet.

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On pourrait croire à la première écoute que My Downfall (original Soundtrack) constitue une suite molle au plus célèbre des albums de Venetian Snares, Rossz Csillag Alatt Szueletett (ou l'album au pigeon). La réalité est plus complexe : tandis que le premier album utilisait allègrement des samples de violons et de musiques orchestrales, le second utilise des violons et des chœurs synthétiques dont je ne saurais expliquer la miraculeuse invention tant ils sonnent vrais. De ce fait la quasi-totalité des constructions mélodiques sont l’œuvre d'Aaron Funk, tour de force qui rend l'album bien plus palpitant.

Disons-le tout net : My Downfall devrait figurer parmi les albums les plus déprimants jamais enregistrés. Il s'ouvre sur le terrifiant "Colorless" aux nappes pathétiques qui introduisent des choeurs synthétiques éteints - choeurs qui renvoient au morceau central de l'album, "If I Could Say I Love You". "The Hopeless Pursuit of Remission" suit avec la première incursion de l'Amen Break violenté qui fait la réputation de Venetian Snares et qui semble ne jamais pouvoir s'annihiler ou exploser comme il est d'usage en musique électronique. La rythmique hoquète, échoue, et finalement abandonne sur des nappes d'instruments à vent mêlés à un clavecin.

Plus tard "Integraation" commence comme un quatuor à cordes désespérant dans lequel l'Amen Break particulièrement bien séquencé s'introduit avec le plus de légèreté possible, se fait même pizzicato avec quelques violons avant une magnifique envolée quasi-symphonique. A la moitié du titre, l'Amen Break se fait plus agressif et une basse saturée enragée va boucler et sursaturer l'espace sonore jusqu'à la destruction totale. Une merveilleuse métaphore de la rage de l'impuissance. Second meilleur titre de l'album, "My Half" mêle ambition symphonique, instruments rocks - guitare wah wah - et rythmiques endiablées. Le morceau frôle la destructuration, mais retombe toujours sur ses pieds mélodiques particulièrement solides.

Venetian Snares - My Downfall (original Soundtrack) - (Planet Mu, oct 2007)

http://www.myspace.com/venetiansnares

La redécouverte de Pylon par Mr. James Murphy est l'occasion rêvée de vous présenter un album "culte et bizarre" bénéficiant d'une actu brûlante. En effet, c'est grâce au Pygmalion de service du "mutant funk disco punk" new yorkais, que nous avons aujourd'hui la chance de pouvoir écouter (et danser !) sur les rythmes mécaniques de cette obscure pépite du post-punk américain. Pour la petite histoire, sachez que Pylon, est un quatuor punk-funk séminal, actif de 1979 à 1983. Originaire d'Athens en Georgie (comme R.E.M. dont ils ont d'ailleurs fait la première partie bien des fois), le groupe est composé de 3 gars et une fille, soit Vanessa Briscoe Hay au chant, Randall Bewley à la guitare, Michael Lachowski à la basse et le batteur Curtis Crowe. Initialement introuvable, leur premier album Gyrate, est aujourd'hui réédité chez DFA, augmenté de maxis et d'inédits, sous le titre Gyrate "Plus". Une forme de clin d'œil certainement ironique, tant l'usage de tout superlatif sied mal à ce groupe à l'origine d'un funk décharné au groove robotique et cyclothymique pourtant tout à fait infernal.

Avec Gyrate Plus, Pylon réussit l'exploit de vous faire effectuer les contorsions les plus sauvages tout en restant parfaitement rigide ! La dance du zombie quoi ! C'est la quintessence du disco punk américain, à la fois dansante et désossée, tel qu'entendue chez les tenants de la no wave new yorkaise, comme James Chance, DNA ou Bush Tetras, et dont le slogan pourrait clairement être : "Contort Yourself !". On peut aussi oser une autre comparaison en déclarant que, tout en cultivant le même sens du rythme monolithique et en jouant dans la même cour, celle du punk funk, Pylon c'est un peu ESG à l'os, sans les rondeurs et sans la soul. Deux groupes exécutant le même genre de musique à la fois funky et janséniste, mais dont les origines diamétralement opposées aboutissent au final à un résultat aussi totalement différent qu'étonnamment proche. C'est ce que j'appelle le paradoxe du funk blanc. Sur Gyrate Plus, le combo interprète donc une forme parfaitement froide et minimaliste du funk, mais il l'exécute avec une frénésie communicative et jouissive. Un peu à la manière de Talking Heads période Stop Making Sens, sans les apports ethniques "kora, sanza, balafon et blablabla" ! Musicalement on pense aussi au Wire de Colin Newman, si les Anglais avaient jamais su (et surtout voulu !) nous faire danser, ou encore à une troupe de robots répétant les tubes de Gang Of Four. Soutenu par la voix de félin famélique de Vanessa Briscoe Hay qui nous déchire littéralement le cœur sur "Feast on My Heart", Pylon balance ses bombes dancefloor disco punk avant l'heure, avec une telle facilité qu'on finit par se dire qu'il y a des chances pour que ce soit eux qui aient inventé le genre ! Leur musique aussi répétitive et saccadée soit-elle ("Cool", "Volume") n'en est pas moins rageuse et engagée (écoutez "Human Body", "Driving School" ou "Read A Book" !). Le groupe pond aussi de véritableS tubes en puissance, comme l'hypnotique "Dub", ou "Danger", le morceau que LCD Soundsystem aurait rêvé signer, et c'est ce qu'il a fait en quelque sorte puisque grâce à cette magnifique réédition tout le monde va pouvoir écouter Pylon. Loué soit DFA et son saint patron (on ne le dira jamais assez !)

Une fois n'est pas coutume, de nombreux morceaux (dont les excellents "Cool", "Stop it", "Volume" et "Danger 2", la version dub de "Danger", sont disponible à l'écoute sur leur profil myspace.

PYLON - Gyrate Plus (DFA/Differt-Ant)

Ian Svenonius est un type formidable. Non content d'être le meilleur showman rock du monde (si,si,...) et le leader d'un groupe qui sait ce que le mot "frisson" veut dire, les admirables et funky Weird War, Ian Svenonius écrit des livres super-balèzes (l'excellent The Psychic Soviet, dont on a déjà parlé), des articles de presse pertinents et présente, depuis quelques mois, une émission de télé en ligne en passe de devenir la référence indie télévisuelle... mondiale. Soft Focus, le nom de cette émission, dont on peut retrouver la plupart des shows ici http://www.vbs.tv/softfocus, vaut tant pour les qualités d'intervieweur de Svenonius (c'est en anglais évidemment) que pour la qualité de ses invités. Svenonius a été le premier à sortir le scoop des scoops de la bouche de Kevin Shields : My Bloody Valentine se reforme et sortira un album prochainement. Le NME en rêvait depuis des décennies; Svenonius l'a fait. Mark E. Smith dans un fauteuil, Chan Marshall de Catpower en pleine confession ou Will Oldham sous toutes les coutures : c'est ce qu'on peut voir sur ce site tout à fait passionnant.

En attendant, vous pouvez toujours écouter un petit Make Up (lancé par Philippe QuelqueChose ?), histoire de remuer les pieds.

Ricardo Villalobos est un artiste à part au sein de la galaxie techno, il est même l'un des rares qui mérite réellement ce qualificatif. Villalobos est un véritable artiste au sens où il pense ce qu'il fait, tout en ayant assez d'aisance et de talent pour ne pas le montrer quand il joue sa musique en live ou quand il mixe en public. En as du trip cérébral, le Chilien vous emmène très loin, avec une parfaite connaissance de sa musique et des sons qui vont résonner dans le corps et l'esprit de ceux qui l'écoutent. Il faut dire que sa passion pour les rythmes sud américains et les percussions lui donnent un avantage énorme : il sait comme personne mener son public à la transe d'une manière instinctive en utilisant le tout venant de la technologie électronique et en donnant l'impression de créer un bouillon vivant de rythmes et de sons organiques. Ecoutées avec de la distance (c'est-à-dire loin de la scène avec des bouchons dans les oreilles, sinon impossible de ne pas danser) ses progressions semblent calculées en fonction des mathématiques mystérieuses de l'intelligence collective. Celle des abeilles, des fourmis, des bancs de poissons. Plus qu'aucun autre DJ que je connaisse, Ricardo Villalobos est conscient des réactions de la foule. Il baigne dans son mouvement tandis que les danseurs lui renvoient leurs énergies dans ce qui semble une parfaite fusion du fond et de la forme. Mais cette musique de flux et de reflux, qui vous entraîne véritablement hors de vous-même, n'est pas que musique. C'est aussi un "message", dans le sens Mcluhannien du terme. Un message subliminal qui délivre une philosophie et nous informe de la façon dont Ricardo Villalobos perçoit le temps du rythme, de la danse et de la vie, dans son art.

Lire la suite de la chronique du Fabric 36 de Ricardo Villalobos, sur Fluctuat.net, le mag.

Ah, Prince, comment et pourquoi t'aimons-nous toujours malgré tout tes mauvais albums, malgré tous tes caprices de diva ?

La semaine dernière il envoyait ses avocats menacer les sites de fans www.housequake.com, www.princefams.com et www.prince.org de poursuite pour violation de copyright, demandant que soit retiré de ces sites toute musique, vidéo, parole de chanson ou image de Prince ou représentant Prince (jusqu'aux photos des tatouages à son efigie que se sont fait faire quelques fans). Non seulement il n'a pas légalement le droit d'obtenir tout ça mais ce qui choque c'est surtout que Prince s'en prenne ainsi à ses propres fans. Les fans, persuadés que le véritable but de Prince était de les faire taire et d'étouffer toute critique, ont créé le site Prince Fans United pour expliquer leur décision. Ils seraient en pourparler avec les avocats de Prince, tout devrait s'arranger selon eux...

Sauf que Prince vient de créer le site Prince Fams United (la différence est dans le M) qui consiste en une simple page sur laquelle vous pouvez écouter le morceau "PFUnk", une espèce de longue diatribe à moitié incompréhensible adressée à ses fans : "La seule raison pour laquelle vous dites mon nom c'est pour avoir vos quinze secondes de célébrité, personne ne sait ce que vous faites vraiment" puis finalement "J'vous aime tous mais ne m'emmerdez plus jamais". Une série d'insultes ("big fat punk") et de menaces est réservée à un dénommé "Weemolicious". Les forums de fans débattent de son identité, plusieurs sont même persuadés d'être Weemolicious.

Tout ça serait pathétique - Que dis-je ? C'est pathétique. - Tout ça serait uniquement pathétique si la chanson "PFUnk" n'était pas plutôt excellente, un vrai morceau de P Funk avec une méchante guitare funkadélique, des trompettes façon JB's et, parce que Prince est Prince, de l'hélium dans la voix et d'amusantes cochonneries jazzy sur la fin. C'est le genre de morceau que le nain pourpre est capable d'écrire et enregistrer d'une main en se curant le nez de l'autre et c'est pour ça qu'on l'aime toujours. Il a toujours été capable de ça, son problème aujourd'hui, c'est surtout que la plupart des morceaux sur lesquels il se donne de la peine ne sonnent pas aussi bien que ça.

La Belgique va mal ! Certains s'en sont peut-être aperçus, le pays va droit vers la scission. Histoire de rappeler que la patrie d'Hergé et de Franquin (bordel !) est aussi celle de soirées et de clubs qui n'ont rien à envier aux plus grands dancefloor européens, le Triptyque organise sa première grande soirée consacrée à la Belgique. Afin de vérifier que mes assertions sont justifiées, les représentants des excellents labels Dirty Dancing et Eskimo (The Glimmers, Headman, Optimo, Prins Thomas, etc.. ) se succéderont aux platines le jeudi 15 novembre à partir de minuit.

Au programme (merci Traske) :

COZY MOZZY (Dirty Dancing)
AEROPLANE (Eskimo)
FREDO & TANG (Make Up)
Et DIRK (la patron d'Eskimo et resident Make Up)

A ne rater sous aucun prétexte si vous êtes dans les parages histoire de soutenir les artistes de ce petit pays voisin (entrée libre !)

Un sourd pourrait s'étonner de me voir entamer avec Stevie Wonder cette nouvelle rubrique consacrée à la musique normale des gens normaux, qui aiment leurs parents et le monde et qui ont vendu des disques à la pelle ou, comme on dit nous les critiques, "auraient du". Sur le papier, ça ne peut pas être "normal" un gamin noir aveugle qui a connu le genre de starification infantile qui a fait péter les plombs à Michael Jackson et qui dans les années soixante-dix, à peine agé de vingt ans, a décidé de s'enfermer en studio pour enregistrer en jouant lui même de tous les instruments (personne ne faisait ça, à l'époque) et des synthétiseurs (bis) des disques à l'ambition démesurée, mêlant gospel, funk, R&B, pop et apparement tout ce qui passait à portée d'oreille. Sauf que nous ne sommes pas sourds et il est évident dès qu'on entend une note des albums de Stevie Wonder des années 1970 que nous sommes tous bizarres. Lui seul est normal. Les nombreux publicitaires qui ont profité de son talent (avant que ce soit la mode d'utiliser des groupes branchés dans les pubs) et les rappeurs family friendly qui l'ont samplé sont là pour en attester.

La question que vous vous posez peut-être, c'est "pourquoi Fulfillingness' First Finale?". Personne ne cite jamais cet album perçu (avec de bonnes raisons) comme un remake de Talking Book ou un brouillon de Songs In The Key Of Life. Je suis peut-être le seul qui vous dira que Fulfilingness' est le meilleur mais peu importe, c'est moi qui écrit. Cet album contient tout : l'intro pop parfaite "Smile Please" qui contrairement à d'autres ne vous fait pas penser à Cofidis malgré vous, le gospel spacial avec "Heaven Is 10 Zillion Light Years Away", un précoce et rare reggae américain réussi en "Boogie On Reagge Woman", un morceau samba, des chansons d'amour à pleurer et un sens de la mortalité rassurant (je ne sais pas vous, mais moi c'est plutôt les gens qui chantent des "never get old" et des "live forever" qui me font froid dans le dos).

Ce qui fait la force des disques de Wonder des seventies et en particulier de celui ci, c'est que Stevie Wonder nous aime. Qu'il chante sur sa mort dans le sombre gospel "They Won't Go When I Go" ou qu'il pousse Nixon hors de la Maison Blanche avec le furieux funk "You Haven't Done Nothing" (avec les Jackson Five aux choeurs), Stevie garde toujours au coeur son indéfectible foi en la nature humaine. Je suis un pécheur et vous aussi et au moment de l'Ecstase ou de Ragnarok nous prendrons tous cher. Nous ne nous en sentons pas forcément pas digne mais Il nous aime.

Cet amour, qui aurait chez un être moindre viré amer, aura donné à la suite de la carrière de Stevie Wonder des accents sirupeux mais peu importe, en 1974 cet amour a trouvé son expression parfaite. Je n'écoute jamais Fulfilling en été (qui est plutôt la saison d'Innervisions et Music Of My Mind) parce qu'en hiver il me tient littéralement chaud.

NPR, c'est la National Public Radio américaine. L'équivalent américain de France Inter, si j'ai bien compris. Régulièrement je vais sur leur site pour y écouter les sessions d'enregistrements inédites de quelques groupes intéressants (Band Of Horses ou Animal Collective pour prendre des exemples récents). Tout récemment le site a évolué en "NPRmusic beta" et propose maintenant tout un tas de nouveaux services : de la vidéo, des blogs, des news...

La plus intéressante de ces nouveautés c'est "Project Song", une série de courtes vidéos pour lesquelles un artiste sera filmé en studio pendant quarante-huit heures au cours desquelles il devra composer et enregistrer une chanson en s'inspirant d'un mot et d'une image qu'on lui aura donné au préalable. Le premier (et unique, pour l'instant) épisode nous montre Stephin Merritt des Magnetic Fields composer un morceau intitulé "Man Of A Million Faces" en se basant sur la jolie photo que je vous ai mises là, à gauche.

Le morceau est sympathique, bien qu'évidemment très "léger". Vingt-quatre heures de plus n'auraient sans doute pas fait de mal mais pour nous autres pauvres hères sans une once de créativité, voir l'auteur composer et entendre la chanson prendre forme reste un spectacle rare et magique, à savourer en attendant les prochains épisodes.

J'ai été surpris la semaine dernière à la lecture que certains avaient du "Losing My Edge" de LCD Sounsystem ! Rappelons tout d'abord qu'il s'agit du premier succès des new yorkais James Murphy and Tim Goldsworthy en 2002. Sur ce titre, le chanteur incarne un maniaque de musique qui exprime tout haut son étonnement, voire même son admiration envieuse et secrète, de la culture musicale de toute une génération de gamins 100 fois plus fondus de musique qu'il ne l'a jamais été, lui qui pourtant "aurait vu le premier concert de Can en 1968" (ce qui évidemment une vanne, James Murphy étant né en 1970 - et non pas en 1967 comme j'ai pu le lire, qui est la date de naissance d'un autre Murphy, guitariste de heavy metal de son état.) Comme je l'écrivais il y a peu dans ma chronique de Sound Of Silver : "Losing my Edge", ne parle que de ça : sa passion dévorante pour la musique et comment les petits jeunes autour de lui, le rattrapent et le poussent, tout à la fois, à aller encore plus loin dans le délire autoréférentiel et l'ironie. Murphy joue bien évidemment un rôle dans cette chanson, même si celle-ci comporte une bonne part d'auto-biographie, il ne parle pas uniquement de lui, mais de tous les disquaires et fanatiques de musique qu'il a connu dans sa vie. Ce n'est pas la chanson d'un donneur de leçons comme j'ai pu le lire. C'est le constat effaré clamé sur le mode humoristique d'un mec de 35 ans, fanatique de musique et persuadé d'être branché, qui découvre qu'il ne fait pas le poids à côté de la nouvelle génération connectée. Celle qui échange indifféremment sur le net le premier album de Liquid Liquid, le nouveau Justice ou la série de singles introuvables d'un obscur groupe disco underground des années 70. "Losing my Edge", c'est un peu le cri du cœur pathétique de Rob, le personnage principal de High Fidelity de Nick Hornby, qui réaliserait à quel point il est largué comparé à cette nouvelle génération de nerds. C'est aussi un hommage à une génération qui l'a faite, auquel LCD Soundsystem doit son succès.

Pourquoi parler de "Losing My Edge" dans une egographie ? Simplement parce que je me sens inévitablement proche de ce personnage décrit par Murphy. Comme je le disais également : LCD Soundsystem cultive une véritable histoire d'amour avec la musique et avec les passionnés de musique que nous sommes. Faisant partie de la génération qui a galéré pour se construire une identité musicale à coup d'import, de recherches acharnées de collectors, d'inédits et d'impossible 45 tours épuisés, je suis aussi abasourdi que lui, coincé entre les fans de tecktonik affublés de la coupe de cheveux "Ziggy Stardust", les bébés rockeurs qui citent Pacadis et les spécialistes d'electronica mariant dans le même mp3 mix Autechre et Britney Spears. Comment ne pas être désemparé, voir dépassé, devant ce phénomène ? Aujourd'hui, tout est trouvable. Facilement. Un déferlement de musique qui s'accompagne paradoxalement d'une totale ignorance de son histoire, de ses racines, de son sens profond, des combats qu'elle représente parfois, de sa culture. Je parlais la semaine dernière de "culture, d'éducation et de liberté" offertes par l'accès à internet, pourtant, au milieu de cette abondance, c'est surtout l'impression d'être pleinement entré dans l'ère du "tout se vaut" qui prédomine. Et quand tout se vaut, on dirait bien que "tout ne vaut plus rien". Dans ces conditions, le journaliste se sent obligé de faire sens, de passer outre la simple "chronique" pour raconter "l'histoire", de surnager au milieu des courants et des tendances tout en restant fidèle à lui-même. Chaque jour c'est un peu "Us vs them, over and over again". Et passé 30 ans, il y a quelque chose de pathétique et de sinistrement drôle dans ce combat permanent (pourvu qu'on ait le sens de l'autodérision). Sinistre parce que tout de même, la musique est notre passion, c'est important. Pathétique et drôle, parce que finalement cela semble parfois bien superficiel comparé aux vrais combats quotidiens.

Ne passons pas par quatre chemins pour d'une, vous balancer la vidéo flippante de Liars pour "Plaster Casts Of Everything", de deux vous annoncer qu'on vous offre des places de concerts et des CD de Liars dans notre rubrique concours et de trois vous inviter à voir notre interview vidéo avec Liars et lire la chronique de leur album Liars.

Et en quatre, je rajouterais que Liars c'est achement bien !

Le fameux site Resident Advisor nous propose un mix exceptionnel de Prins Thomas. Pour ceux qui auraient loupé Cosmo Galactic Prism (les malheureux !) et ceux qui se demandent encore "mais qu'est-ce donc que ce néo disco dont on nous rebat les oreilles ?" Epoustouflant, rien à redire !

Resident Advisor

ou direct Mp3 link

Tracklisting
01. Lindstrøm - Contemporary Fix (Bjørn Torske Remix) - Smalltown Supersound
02. Blackbelt Andersen - Cock O Steel (Full Pupp) - cdr
03. Aeroplane - Caramellas - Eskimo
04. Metro Area - Miura (Maelstrom Edit) - white
05. LCD Soundsystem - 45.33 Part 2 - DFA
06. LCD Soundsystem - 45.33 Part 3 (Prins Thomas Miks Diskomiks) - cdr
07. Matthew Dear - Elementary Lover - Ghostly
08. Karou Inoue - Secret Field (Todd Terje Remix) - Mule Electronic
09. Giorgios Gatzigristos - Boggling About The Future (Jussie Pekka Goes Bongo remix) - Channels Records
10. Worthy - Irst Te? - Dirtybird
11. Cole Medina - Red Hot - cdr
12. Paul Lewis - Inner City Blues (Edit) - cdr
13. Osibisa - Move Your Body (Edit) - cdr
14. Ron Trent - Altered States - Djax-Up-Beats
15. Osibisa - Move Your Body (Edit) - cdr
16. Jasper Street Company - A Feeling (After Midnight mix) - Outland
17. L.I.F.E. - All Played Out (Club Mix) - Dance-Sing Records
18. Neal Howard - The Gathering (Joey Negro edit) - NRK
19. Kenlou - Bounce - MAW Records
20. Jean Luc Ponty - Open Skies (Todd Terje edit) - cdr
21. Isoleé - Beau Mot Plage (Mental Overdrive remix) - cdr
22. Billy Cobham - Pleasant Pheasant (Edit) - cdr
23. Robin Trower - The Fool And Me - Chrysalis
24. Prins Thomas - Morning Dew (Edit) - Mindless Boogie
25. Glass Candy - Miss Broadway - Italians Do It Better
26. Sheila B Devotion - Spacer - Carrere

Bon dimanche !

... "Harder Better Faster Stronger" !!! Non ? Bin si ! Dévoilé officiellement sur MTV, le clip officiel du single "Harder Better Faster Stronger" (Alive 2007) de Daft Punk est enfin disponible. Réalisé par Olivier Gondry (le frère de Michel), le clip exploite les images prises par 250 caméras confiées au public lors du concert de Brooklyn, le 9 août dernier. (via Unblogged.fr)

Aux Etats-Unis, plus particulièrement à New York, nous assistons depuis environ une dizaine d'années à l'explosion de formations multiformes et mutantes, qui semblent avoir retenu les leçons des maîtres du chaos germaniques que furent Amon Düül, Ash Ra Tempel, Popol Vuh, Faust ou dans une moindre mesure, Can. Des groupes comme Animal Collective, Liars, Excepter, The No-Neck Blues Band, ou bien ceux qui nous préoccupent ici, soit Sunburned Hand of A Man, Gang Gang Dance et Black Dice. Hors, des différences flagrantes sur le fond et la forme, ces artistes partagent tous un enthousiasme commun pour la transe. Une transe dominée par les pulsations hypnotiques et décousues de machines en déroute, ou par les constructions en équilibre d'un rock sans aucune retenue. Une forme de danse déstructurée donc, aux rythmes complexes et alambiqués, composée pour la jungle urbaine et ses habitants. Une forme de néo-tribalisme en somme.

Après des débuts qui singeaient vaguement Sonic Youth (première période) et alors que le très deep Miles of Smiles EP, fruit de sessions improvisées et hypnotiques, les rapprochaient de leur collègue de label Delia & Gavin Russom, Load Blown de Black Dice (combo formé en 1997 autour de la Rhode Island School of Design) marque une réelle évolution du groupe cornaqué par DFA vers un univers plus riche et moins connoté no wave qu'auparavant. Néo-krautrock-embrouille-funk-abstract-noise serait plus approprié même si l'étiquette parfaitement idiote ne veut rien dire. On y trouve au moins des indices pour caractériser cette musique de transe bancale, cette techno claudicante et biturée, cette danse malade pour dancefloor éthilique. Un grand n'importe quoi donc, dont seules notre curiosité et notre patience (parce qu'on est bien gentil) viendront à bout. Le fait est que comparé à Miles of Smiles, Load Blown est bien décevant. Tout d'abord il ne s'agit que d'une compilation de EP, la plupart réalisés pour DFA (Roll Up/Drool) et les autres pour Paw Tracks, le label de l'animal Panda Bear. Ecouté attentivement, l'ensemble est amusant dans son expression désaxée d'un free rock électronique tribal ("Manoman" et ses yodles de pygmées Aka) et sautillant (les saccades intempestives de "Gore" ou les ondulations drôlatiques de "Toka Toka"). D'un autre côté, les saturations de "Roll Up", la world music échappée d'un asile de fou de "Drool", le bruitisme de "Bananas" et le psychédélisme barje de "Cowboy Soundcheck" nous fatiguent et tout cela reste bien en deçà de l'exercice transcendant assuré sur leur EP de 2004. On attendait mieux.

Un avis partagé donc, que nous ne réitérerons pas concernant Sunburned Hand of the Man, un autre groupe d'outsiders issu de l'improvisation électronique à la même époque que Black Dice (1997 également, hé oui !) Sur ce Fire Escape , 25ième album (!) de haute volée (produit par Kieran Hebden de Four Tet), cette obscure bande d'artistes et de performers bouclent la boucle du néo-tribalisme new yorkais en réunissant les éclairs improvisés du No Neck Blue Band, la transe électronique bancale d'Excepter (voir "The Rock Stepper" ici), le groove de !!! (ou de Fela Kuti), les nappes spiralés de Black Dice et la furie anarchiste de Liars, tout ça dans un même élan ravageur et déconnant. Musique pour chamans modernes, Fire Escape leur dernier album édité chez Smalltownsupersound, navigue à la croisée des chemins entre afro beat décharné, krautrock cybernétique, bruitisme pur et psychédélisme électroacoustique à base de found sounds. Une anomalie sonore de plus, à mettre au crédit de Brooklyn et de ses environs.

Concluons ce panorama de la folie new yorkaise sur Gang Gang Dance, un autre collectif de Brooklyn, centré autour de Liz Bougatsos et de son mari. Largement méconnu de ce côté-ci de l'Atlantique - et pourtant respectés aux States - Gang Gang Dance évoque par ses délires vocaux, sa propension au maniérisme exotique et ses rythmes à tiroirs, les trips azimutés signés par Mutsumi Kanamori et Maurice Fulton sous le nom de Mu. Un combo qui ne fait pas dans la facilité donc, et ce n'est pas les trois titres de Rawwar, un mini-LP totalement allumé qui y changeront quelque chose. Et c'est bien dommage, car au contraire de Black Dice, Gang Gang Dance fait ici oeuvre de modération tout en alignant les idées comme d'autres les pédales d'effet inutiles (suivez mon regard). Sur "Nikoman" par exemple, le groupe se lance dans une longue digression free psychédélique (rythmes soutenus et dansants, influences orientales, cavalcades de guitare, breaks impromptus, le tout en seulement 4 minutes haletantes) évoquant les meilleurs moments du rock allemand des 70's. Plus loin c'est 5 minutes d'arpeggios cosmiques sous influence 80 que n'aurait pas reniés Arthur Russel et l'ensemble se clôt sur une épopée ambiant exotica de plus de 11 minutes. Essayer, c'est l'adopter !

Black Dice - Load Blown (Paw Tracks/La Baleine)
Sunburned Hand of the Man - Fire Escape (Smalltownsupersound/Differt-Ant)
Gang Gang Dance - Rawwar (Young Turks/Beggars Banquet)

http://www.myspace.com/blackdicemyspace
http://www.myspace.com/sunburnedhandoftheman
http://www.myspace.com/ganggangdance

Peut-être est-ce parce que je me suis senti sale après avoir écrit un billet si politiquement correct dans lequel j'appellais les bloggueurs du monde à se donner la main et à arrêter de se traiter de raciste et après tout personne dans le monde ne marche du même pas... mais j'ai particulièrement apprécié ce top raciste (raciste-fun, rassurez-vous) des "dix morceaux de hip hop préférés des blancs" sur catsandbeer.com. Le pitoyable blanc-bec que je suis s'y est bien sûr reconnu, même s'il y manquait les quelques morceaux de hip hop français qui peuvent faire danser même dans une boîte de province. Un manque que j'ai ressenti si profondément en moi que j'ai du le combler en composant ce top 5 :

Ménélik, si quelqu'un se souvenait de lui, aurait pu être dans cette liste. Tout comme James Deano, qui y sera certainement d'ici quelques années quand "Les Blancs Savent Pas Danser" aura gagné en notoriété auprès des vieux. Oh, et puis j'oubliais "Mon Papa à Moi est Un Gangster" ! Alliance Ethnik ! Tant de mauvais hip hop, si peu de temps...

20ème anniversaire oblige, le festival des Inrocks 2007 avait placé son ouverture sous le signe de la fête à neuneu : concert fiesta à la Cigale avec les Happy Mondays en tête d'affiche et sauterie en te-boî avec des surprises à la clé (que je ne connais pas, faute d'y être allé). Ayant échappé à la vague carnavalesque qui semble déferler sur les milieux rock branchés, j'ai pris dans la face le discorock (europop ? ploucmambo ?) des Parisiens de Koko Von Nappoo, groupe très looké qui envoie une musique transgenre entre Morcheeba et Beck. Bon flow, élégance branchée imparable et jolie fille au clavier qui permet de goûter à sa juste valeur (laquelle ?) ce revival dansant aux beats un rien passés de mode partout ailleurs. La prestation des très attendus brésiliens de Bonde Do Role, vendus, depuis un an, comme la nouvelle merveille musicale, m'a convaincu que les scènes électroniques avaient une longueur d'avance sur la sophistication sonore. A coups de samples, de raps qui font passer Mickael Youn, ses Bratisla Boys et n'importe quel groupe français pour Dr Dre, la prestation amusante sur ses 10 premières minutes, sautillante, vaguement dansante et évoluant entre musique de dancehall, saillie punk et spoken word hirsute, ne m'a pas convaincu. Le groupe nous ramène au moins vingt ans en arrière et serait parfait pour animer les fêtes de mariage ou les soirées dansantes de n'importe quelle boîte de nuit après un bon ball-trap. Le croisement entre l'esprit de Patrick Sébastien et le son de Daft Punk, période débile, ne séduit pas tout le monde. Le décalage s'observe dans la salle où un public tendance trentenaire avancée (tête d'affiche oblige) s'oblige à bouger le cou et les oreilles pour rester dans l'ambiance. Entre les deux pochades, une sorte de Beck ultradoué dont je n'ai pas capté le nom (une chanson sort du lot : "I know Karate") assure un interlude original et foutraque d'une dizaine de minutes qui enterre par son amateurisme et son énergie les 2 groupes dont il se devait d'être le faire-valoir. Il restait aux Happy Mondays la lourde charge de rattraper tout ça, ce qu'ils feront les mains dans la poche et avec un grand professionnalisme (malgré quelques problèmes de son qui gâcheront le meilleur titre de l'album Unkly Dysfunktionnal, "In The Blood", et interrompront en plein milieu le morceau précédent) pendant... 1 heure et 5 minutes (sans rappel).

La bande de Shaun Ryder, presque aussi mince et classieux que lors de ses meilleures années (casquette blanche vissée sur le crâne, lunettes noires et qui ne bougera de son carré de 25cm de côté que pour aller s'asseoir, aller pisser ou aller chercher une mousse en coulisses), la joue légende vivante et se hisse presque à la hauteur de sa réputation, déjante et agonie sublime en moins. Bez assure le show en façade avec leur chanteuse-choriste black à voix, tandis que les Mondays alignent anciens tubes (un "Kinky Afro" incisif à l'ouverture, une version somptueuse de "Loose Fit", un excellent "Step On" et son classique "You're twistin my melon, man" et le très très planant et simbiotique "Hallelujah") et titre du très bon dernier album ("Jellybeans", "Unkle Dysfunktional"). Le rap de Ryder est toujours aussi bon et canaille et le son mi-funk, mi-raisin rock imparable. La comparaison entre les vieillards et les prestations précédentes laissent ces derniers à des années lumière dernière, même si, là aussi, l'effet nostalgique joue plein pot. La scène est régulièrement envahie par des trentenaires pacifiques et un rien grotesques : je ne savais pas qu'on pouvait monter sur une scène avec un sac à main. Toujours est-il que le show fonctionne et met le feu au dance-floor, mêlant un public bigarré entre rockeurs égarés, teufeurs et filles à franges. Un sentiment de mélancolie envahit parfois l'auditeur incapable de retrouver néanmoins l'effet que cette musique pouvait produire à sa grande époque. On imagine la détresse d'un Bez obligé de faire le clown pendant une heure, complètement sobre... O tempora, o mores, on s'amuse comme on peut. Le set s'achève un rien brusquement et la magie se dissipe aussi vite qu'elle était venue. Métro, dodo, sans extase, ni ecstasy. Bienvenue dans l'âge mûr.

Et si le vrai talent de LCD Soundsystem était finalement la propension innée de son leader à savoir décliner, toujours à propos, ses albums en singles et vidéos (quand ce n'est pas l'inverse, à l'instar de son premier album qui réunissait tous les premiers maxis du groupe) ? Après "North American Scum" et "All My Friends", voici "Someone Great", le petit dernier. A sa manière décomplexée, LCD Soundsystem rappelle ainsi immanquablement l'époque où les albums de New Order, Grace Jones, Police, The Human League, Depeche Mode ou Peter Gabriel étaient ainsi découpés en tranches, transformés en chair à maxis et en bêtes à dancefloor. Malgré les références pointues que l'on a constamment collé à Sound of Silver (on a évoqué tour à tour Moroder, Brian Eno, Steve Reich, E2-E4 de Manuel Göttsching...) impossible de nier que James Murphy et sa bande jouent de main de maître la carte commerciale du mainstream, pour un album qui réussit clairement à réunir fanatiques de l'electro pointue, indie kids, fluo kids, vieilles barbes disco punk (ou vieilles folles disco tout court) et novices. Pensé du point de vue de Warhol, qui voyait dans l'objet marketing l'oeuvre d'art ultime, cela ne fait que prouver une fois encore l'immense talent de Murphy et son implication totale dans la génération des producteurs-musiciens-entertainer de l'ère post-moderne et numérique.

Ceci étant dit, DFA et sa clique ont beau multiplier les supports, à l'heure ou EMI réédite 45:33 en CD et double vinyles (tous ensemble : Wouéééé !) accompagné de bonus énormes comme les titres "Freak Out / Starry Eyes", "North American Scum", "Onastic Dub by James Murphy & Eric Broucek" et "Hippie Priest Bum-Out", trois morceaux préalablement édités sur des 12" uniquement commercialisés aux Etats-Unis, et au moment où Murphy et Mahoney nous offrent un volume 36 de la collection Fabriclive, force est de constater que les marchands du temple, pour une fois, ne se foutent pas du monde ! Prenons le très beau "Someone Great" pour exemple. Sous une pochette minimaliste digne du mouvement De Stij, c'est pas moins de 69 minutes de musiques pour 6 morceaux (+ une vidéo), que nous offre le combo new yorkais. Au programme deux excellents remixes, un "Sound of Silver" electro et grondant par Carl Craig et un "Get Innocuous" salement giflé par Soulwax. Une version clinquante et un peu bitch de "Time To Get Away" par Gucci Soundsystem assez excitante également. Légère déception par contre concernant la relecture molle du genou (pour ne pas dire d'autre chose) de "Us Vs Them" par Windsurf, rapidement rattrapée par la version live du même, enregistrée à la console sur KCRW dans l'emission "Morning Becomes Eclectic". Globalement toutes ces relectures, sauf une, décalottent sec et dépassent les 8 minutes, c'est l'extase !

A noter que ces titres n'étaient auparavant trouvables que sur A Bunch of Stuff, une compilation en édition digitale qui inclut la reprise de "All My Friends" par Franz Ferdinand. Au moment où vous lisez ces lignes le 7" LCD Soundsystem/Arcade Fire, est lui aussi dans les bacs, en ligne, bref, partout (!) avec côté LCD, une reprise du "No Love Lost" de Joy Division et côté Arcade, "Poupee De Cire" de Serge Gainsbourg. Aujourd'hui, on a beau dire, on peut aimer ou pas LCD Soundsystem, difficile de nier pourtant que le groupe est sur tous les fronts et qu'il aura largement marqué l'année 2007. Sound Of Silver est pour ma par en bonne place dans le palmarès des "disques de l'année."

Nous reviendrons très bientôt sur le mix Fabriclive 36 de James Murphy et Pat Mahoney (aka "DJ Tyrant et Disco Dad") dans nos pages, so stay tuned !

En attendant, comme un bonheur ne vient jamais seul, ne ratez pas la winter 2007 edition des DFA free mix !

LCD Soundsystem - Someone Great (EMI/Labels)

A 54 ans, John Zorn règne sur le jazz avant-gardiste et multiplie depuis quelques années les enregistrements, solo ou en groupes, les productions, les compositions, les projets sur un rythme qui ne permet plus au suiveur amateur de l'accompagner. Rien qu'en 2007 et avec ce From Silence to Sorcery, le pape du déconstructivisme a dû livrer 4 ou 5 disques qui auraient tous mérité un petit mot et qui, l'un chassant l'autre, ont rendu tout commentaire superflu. Bizarremment et alors qu'il aurait sans doute mieux valu parler du beau Astronome (2006) ou des Six Litanies for Heliogabalus (2007), c'est avec From Silence to Sorcery qu'on se remet à parler de Zorn.

Pour ceux qui n'auraient pas suivi les épisodes précédents, Zorn est un multi-instrumentiste (saxophoniste de prédilection) qui s'est attaqué dans sa longue carrière à à peu près tous les genres musicaux. Les seuls points de convergence dans son oeuvre sont à chercher autour de la notion de déconstruction qui lui permet de varier les travaux (jazz, punk, rock, compo de films) et les formes (voix qui tuent, orchestres qui pleurent, guitares saturées, objets en tous genres), sa fascination pour l'occulte (option kabbale) mais aussi une forte imprégnation juive (Zorn est le fondateur du label Tzadik records et son seul vrai directeur artistique). Au milieu de tout cela, trônent des projets comme Masada, cycle d'interprétation de la culture juive qui reste indépassable sur le plan musical, ou la série horrifique (pour les oreilles) des Painkiller, où l'avant-garde touche au supplice génial. From Silence to Sorcery consiste en une introduction en demie-teinte à l'univers incroyablement riche et varié mais peut consituer une porte d'entrée comme une autre vers une découverte plus approfondie de Zorn. Le disque qu'on peut découper en 3 sous-ensembles est entièrement dédié à l'occulte et plus spécialement à la kabbale qui semble obséder les productions solo de Zorn depuis 3 ans, et après l'album Magick notamment. Le premier ensemble appelé "Goetia" (numéroté de I à VIII) est une sorte de caisse de résonnance interprétée au violon solo pour des ensorcellements, des sorts et des formules magiques qui ne viendront pas. On entend sur ces séquences de quelques secondes à quelques minutes, la mise en place d'une ambiance lugubre, entre le vieux film d'horreur et les couloirs sordides traversés par des créatures mi-comiques, mi-effrayantes. Le rythme s'accélère de temps à autre ("Goetia III"), se fait plus solennel parfois ("Goetia IV") comme si une messe noire allait bientôt être célébrée. Rappelons, pour mémoire, que le violon est l'instrument du Diable par excellence et celui dont le cri de cordes est le plus susceptible de faire rappliquer le Malin. Les pièces restent assez en deça de ce qu'a l'habitude de servir Zorn mais ont le mérite d'amener rapidement aux deux plats de résistance que constituent les séquences suivantes. "Gris-Gris", inspirée (d'après ce qu'on peut en comprendre) par le vaudou africain ou d'Haïti, le chamanisme coréen et une scène du Port de l'Angoisse d'Howard Hawks, est une superbe composition interprétée uniquement par des percussions, soit une légion d'une douzaine de tambours. De longs passages quasi-silencieux viennent perturber l'organisation du morceau et créer une atmosphère à la fois envoûtante, confortable et inquiétante. Là encore, "Gris-Gris" est à inscrire dans la veine morne et expérimentale de Zorn et ne donne pas une juste image de son extrême dynamisme habituel. Le dernier ensemble, "Shibbolethis" est plus classique (clavecin, cordes et percussions) et rend hommage, sur fond de Shoah (récurrente chez Zorn) à la poésie de Paul Celan. Il faut évidemment pas mal d'imagination pour filer les liens entre Celan et ce qu'on écoute, mais l'influence biblico-poétique est opérante et suffit à nous projeter dans un Ailleurs qui est visé par ce nouvel opus.

C'est bien le talent de Zorn, quels que soient les moyens qu'il emploie pour y parvenir, de nous projeter chaque fois dans un univers sonore nouveau et presque tout le temps déconcertant. Si From Silence to Sorcery n'est (et de loin) pas son travail le plus intéressant, il constitue un jalon supplémentaire dans une oeuvre cohérente, qui vise à établir des liens logiques entre ce qui s'écrit (textes, musiques) et ce qui s'entend. Zorn, en bon kabbaliste, donne à entendre une totalité qui s'adresse à tous les sens et qui, de fait, ne peut pas s'apprécier comme de la seule musique.

http://www.tzadik.com

La victime oubliée des mutations de la distribution et la consommation de la musique, c'est le top 50. Le top des ventes, même quand il inclue les téléchargements légaux, ne reflète plus qu'une part de ce qui est effectivement écouté (sans compter qu'il ne nous a jamais rien dit sur les vieux disques qu'on écoutait encore ou pas). Il y a bien le top de Last FM, mais celui ci ne reflète qu'une partie de ce qu'écoute une fraction probablement pas représentative de tout le public. Apple via l'ITunes music player possède des chiffres certainement plus complets mais ne les a jamais révélés au public. L'une des sources les plus sûres et complètes est peut-être bien Google Trends, mais son interface n'est pas vraiment faite pour ça.

Les statistiques de Gracenote ne sont pas plus complètes que d'autres. Gracenote, c'est une de ces bases de données que votre ordinateur contacte sans souvent que vous vous en rendiez compte pour identifier un CD audio lorsque vous l'insérez dans votre ordinateur pour qu'il puisse vous dire que vous n'écoutez pas "Track 1" de "Unknown Artist" mais bien "96 Tears" de "? and The Mysterians". L'avantage du top de Grace Note par rapport à d'autres, c'est qu'il est présenté pays par pays sur une mappemonde en flash et qu'il donne envie de savoir ce qu'on écoute sur les Iles Caïman ou en Birmanie. Quelqu'un de plus intelligent que moi pourrait y ajouter les données pondérées de Last FM, Mediatraffic, Billboard, iTunes, Amazon et quelques sites de torrent pour produire un top 50 vraiment fiable, céer un petit site autour et devenir riche. Je serais très heureux d'aller sur son site toutes les semaines, moi.

1994 est vraiment l'année du post-rock. C'est au cours de la seconde moitié des années 90 en effet, alors que la scène punk hardcore nord américaine s'essouffle et que son petit frère débraillé, le grunge, cède aux sirènes du marketing, qu'une nouvelle conscience artistique émerge à Chicago. Des musiciens indépendants, imprégnés de jazz, de dub, de krautrock et de musiques ethniques, feront sortir le rock de son carcan en lui offrant la possibilité de se frotter aux technologies numériques et aux musiques du monde. Principalement instrumental, ce genre musical flirte avec l'electronica, voire la techno et avec des musiques qui cultivent un intérêt commun pour la déconstruction, l'improvisation, les textures et l'aspect polyrythmique. Le journaliste anglais Simon Reynolds baptisera "post-rock" ce vaste ensemble d'initiatives et d'intentions. L'époque étant sous domination électro (techno, electronica, drum'n bass, dub et hip hop), il était temps pour le rock de passer à autre chose. 1994 est justement l'année de la parution du premier album éponyme de Tortoise drivé (entre autre) par John McEntire ; Tortoise deviendra le combo phare de cette scène. 1994. C'est aussi l'année de Frosh, le premier EP de Mouse On Mars, qui lorgne alors vers un néo-krautrock électronique, succédant à Quique, le premier album de Seefeel qui proposait déjà un mélange de mélodies pop et d'ambiant electronica. Pour autant, Tortoise et consorts ne sont pas les premiers à oser ce décentrage audacieux du rock. Bastro, qui comptait déjà en son sein David Grubbs et John McEntire, fut certainement l'une des premières tentatives d'affranchissement des canons institutionnels du rock au tout début des 90's. Mais Grubbs quitte rapidement le groupe pour créer Gastr Del Sol avec Jim O'Rourke (autre figure mythique du genre), emportant ses idées avec lui pour les adapter au folk.

C'est donc en 1994 que paraît Crookt, Crackt, or Fly, un incroyable album de folk urbain qui doit autant à l'art unique de John Fahey, qu'aux ambiances spectrales de Pere Ubu, voire aux dérives enfumées de l'ambiant électronique et du free rock psychédélique des années 60. Sur Crookt, Crackt, or Fly, David Grubbs et Jim O'Rourke sont seuls, à peine accompagnés d'un clarinettiste (Gene Coleman tout de même) et de deux discrets percussionnistes (Steve Butters et McEntire himself), pour la forme. Aujourd'hui on peine à s'en souvenir, mais la découverte d'une telle musique en pleine vague grunge fut pour beaucoup une révélation. Oui ! Alors que des musiciens s'époumonaient en jeans déchirés et en chemises de bûcherons au milieu d'un déluge de fuzz et de saturations, il était encore possible de produire une musique d'avant-garde, pourtant intimiste et accessible, qui touchait l'âme et le cœur. Au sein de cet univers dépouillé, résonne le fingerpicking (ou technique des cordes pincées) inimitable du guitariste David Grubbs, tandis que les interventions mutiques de Jim O'Rourke, articulées d'une voix blanche et monotone évoquent une ballade à travers les friches industrielles d'un pays en ruine. Une atmosphère auquel fait écho la back cover de l'album, exposant docks abandonnés, cargos rouillés et cheminées d'usines. Le silence omniprésent sur le disque, laisse de la place aux réverbérations du son, un peu comme si l'album lui-même avait été enregistré dans un entrepôt à l'abandon. Chaque note semblent pesée et s'épanche comme au compte goutte, tandis que l'auditeur capte en fond sonore le souffle distant des machines encore actives. Pourtant, Crookt, Crackt, or Fly, n'est pas dénué de moments lumineux, comme sur l'introductif "Wedding In The Park", avec ces chants de grillons, sur lequel la voix habituellement terne d'O'Rourke évoque ce qui semble être des souvenirs joyeux, des heures heureuses. Mais le présent reprend rapidement ses droits et le duo nous abandonne au milieu de la fumée ("Work From Smoke"), nous laisse un peu perdu au milieu de la violence de certains échanges ("The Wrong Sounding" et son final oscillant entre krautrock et hardcore à la Fugazi) dialoguant toujours en contrepoint ("Every Five Miles") sans jamais oublier de tisser d'effarantes et bizarres mélodies ("The C in Cake"). C'est totalement séduit que nous revenons du voyage. Les paysages aussi déroutants soient-ils nous donnent immanquablement envie de revenir et d'en savoir plus. Qu'il s'agisse du grandiose Mirror Repair, le mini-album qui paraîtra un an plus tard ou d'Upgrade & Afterlife (1996) et de Camoufleur (1998), c'est dit, nous ne nous quitterons plus !

Gastr Del Sol - Crookt, Crackt, Or Fly (Drag City, 1994)

Mieux vaut tard que jamais. J'ai beau passer après le NME, Rolling Stone et quelques autres dizaines de webzines US, dire quelques mots de la nouvelle coqueluche du rock indie ne fera de tort à personne, d'autant plus que le succès critique de Great Northern et de son premier album sorti en juin 2007 Trading Twilight For Daylight n'a pas encore franchi massivement l'Atlantique. Le groupe est annoncé comme la relève du rock indépendant et vendu (contre son gré) comme un Arcade Fire plus rock, moins poli, une sorte de combo sophistiqué qui réussit à inspirer le respect aux amateurs de fanfares modernes (souvenez-vous de l'époque où vous aimiez The Divine Comedy) et de rock rythmé. Sur le papier, le groupe est structuré autour d'un duo de chanteurs/compositeurs qui est le noyau dur de Great Northern (Solon Bixler chante et joue de la guitare, Rachel Stolte chante et assure au clavier) et d'une section rythmique rapportée sur le tard (Ashley Dzerigian à la basse et Davey Latter, ami de longue date, à la batterie). A l'écoute de ce premier album, le moins que l'on puisse dire est qu'on n'est pas bouleversé par la démonstration du groupe dont l'attelage-duo évoque un croisement incertain entre The Dresden Dolls (pour le couple et la prééminence du clavier, les voix emmêlées), le Belly de Tanya Donelly (pour les inspirations rock), Arcade Fire évidemment (pour la capacité à habiller un peu trop chaudement des chansons qui n'en valent pas la peine) mais aussi pêle-mêle The Sundays, Black Box Recorder ou mieux encore The Boo Radleys et quelques autres groupes brit pop à leur meilleure époque.

La véritable faiblesse de Great Northern réside dans la production assurée par le producteur Mathias Schneeberger (qui avait travaillé sur QOSTA) et qui donne à l'ensemble déjà assez précieux, une sophistication agaçante et un son FM désagréable. L'ouverture "Our Bleeding Hearts" donne le (mauvais) ton avec voix de femme acidulée (on préfère la voix de Bixler à celle de Stolte, disons-le), clavier-cordes intello à la Lisa Loeb et romantisme sans surprise. Les chansons ont beau être solides et dégager une certaine classe et une grande mélancolie, une bonne partie des titres de cet album sent le maniérisme et l'artisanat pour bobos plus que l'odeur du rock ("Just A Dream", morceau ampoulé de 6 minutes, "Telling Lies", passe-partout horripilant, le joli "A Sun A Sound"). "City of Sleep" évoque par son charme la poésie des Sundays, tandis que des titres ultramélodiques comme "Babies", qui ferme le bal, laisse à penser que les Great Northern auraient un meilleur impact s'ils déshabillaient leurs compositions ou les rendaient plus incisives. Dans le même genre (et pour des raisons qu'on explique mal), on préférera toujours les mornes plaines cultivées par des groupes comme Hood (avant l'électronique) ou même Dakota Suite plutôt que ce type de pleurnichards symphoniques. Malgré tout ça, les Great Northern réussissent à installer un climat dépressif et confortable qui peut séduire sur quelques morceaux. "Home" fonctionne à merveille autour de sa voix masculine et de sa rythmique efficace, rappelant le son des premiers Teenage Fan Club. "Low is A Height" (autre single fort) enrichit la formule de base de beats synthétiques et de reverbs très aboutis. L'économie de moyens dope les effets tristes et met les larmes aux yeux, sur l'un des meilleurs textes de l'album. Rebelote sur "Into the Sun", titre électrifié assez basique mais efficace, qui tombe sur le meilleur titre en plage 9 : le très bon "The Middle", où 3 minutes de satisfaction et de vraie complexité mélodique, autour d'un refrain qui ressemble comme 2 gouttes à une vieille compo de Luke Haines. Great Northern alourdit son son, le décortique et parvient à cet instant à trouver enfin la juste adéquation entre ses fins et ses moyens. Relevée par ces quelques titres réussis, l'impression générale reste bonne, même si on ne peut pas s'empêcher de trouver les Arcade Fire un rien plus inspirés et ce nouveau genre musical assez peu exaltant comparé à d'anciennes tentatives beaucoup plus amusantes comme celles de Jake Skillingford et My Life Story, ou de Neil Hannon de la grande époque. La veine mélancolique lorsqu'elle se chante en formule duo a tendance à fonctionner sur un single ou deux, puis à lasser assez vite, à moins d'être habillée d'autres intentions (Sonic Youth) ou d'être rythmée par une vraie alternance. A suivre donc, mais pas d'aussi près qu'on aurait voulu.

Great Nothern - Trading Twilight For Daylight (Eenie Meenie Records, 2007)

http://www.greatnorthernmusic.com

http://www.myspace.com/greatnorthern (Pour une fois, ce ne sont pas les plus mauvais titres qui sont sur myspace.)

Beaucoup de Chiliens, quelques Argentins et maintenant un Brésilien : la scène électronique internationale n'a pas fini d'être jet-laggée ! Surtout que le dernier arrivé n'est pas le moins doué : la finesse des tracks de Gui Boratto, volontiers progressive et trancey (dont les hits underground "Arquipelago" ou "Like You" sont remixés et joués par Supermayer et tout bon DJ qui se respecte) est comparée à celle de James Holden, Fairmont ou Trentemoller ! Ce que confirme le très accrocheur premier album du Brésilien, Chromophobia. Son premier passage au Studio88 il y a un peu plus d'un an a révélé un DJ au mix minimal très accessible, dans la lignée de son boss du label Kompakt Michael Mayer. De quoi faire de ce natif de Sao Paulo une des signatures qui comptent !

Gui Boratto au Studio 88 (Aix en Provence) + Résident : Pika & Jack Ollins, vendredi 9 novembre.
Ticket 13€ avec conso avant 1h, 16 € avec conso après, entrée offerte aux groupes de 3 filles avant 1h

http://www.myspace.com/guiboratto

Trent Reznor avait été le premier à annoncer son intention d'imiter Radiohead et de publier les prochains albums de Nine Inch Nails directement sur le site du groupe. Ma première pensée fut : "super, on aura un autre album vendu à la In Rainbows en 2012, alors". On n'aura peut-être pas de nouveau NIN avant ça, mais à peine quelque jours après, était annoncée la sortie de The Inevitable Rise & Liberation Of Niggy Tardust, nouvel album de Saul Williams sur lequel Reznor aurait, nous a-t-on dit, beaucoup, beaucoup bossé.

Depuis Halloween l'album est disponible au téléchargement sur Niggytardust.com et nulle part ailleurs (a priori, il n'y aura pas de sortie "classique" comme pour In Rainbows). Vous pouvez choisir de payer cinq dollars (soit 3,45 euros à l'heure où je vous parle. Une misère, quoi.) pour le télécharger soit en mp3 d'une qualité supérieure à ceux de Radiohead soit en FLAC (fichiers compressés de qualité CD) ou bien choisir de ne rien payer et n'avoir "que" le choix des mp3. Dans les deux cas vous aurez aussi un PDF contenant l'artwork de l'album. La démarche semble un peu mieux pensée que celle de Radiohead (qui essuyait les plâtres, évidemment).

Ce qui saute aux oreilles à la première écoute, c'est le degré d'implication de Reznor. Il chante sur de nombreux morceaux, des guitares estampillées NIN s'entendent presque sur tout l'album, ainsi que des nappes de synthés et même quelques samples de vieux morceaux de The Fragile. Passé le choc de la première écoute on se rend compte que Williams a bien du faire quelques trucs sur son album mais le fait est que Niggy Tardust sonne comme du NIN jusque dans l'allusion à Bowie de son titre. La bonne nouvelle c'est que le résultat est beaucoup plus satisfaisant que Year Zero ou presque tous les disques que Reznor a jamais touché. Celui-ci n'a jamais réussi à dépasser les obsessions masochistes de ses débuts alors que depuis sa transformation en rock star en 1994, elles avaient de moins en moins d'objet. Sur son dernier album il en était à inventer un futur cyberpunk pour y trouver l'oppression qui lui manquait. En s'associant à Williams, il s'associe à des siècles de persécutions des noirs américain. Tant de souffrance semble lui avoir donné des ailes et Niggy Tardust est une merveille sonore. L'espace dans ces morceaux est utilisé avec un talent à faire rougir Philippe Demougeot et la richesse des textures employées ferait ramer une Playstation 3.

Saul Williams n'est ni un très bon chanteur, ni un très bon rappeur mais avec l'assistance de Reznor au chant, il est enfin parvenu à faire rentrer ses slams dans un contexte musical en alternant les trois disciplines (quatre même, si on compte le peu de beatbowing qu'il pratique en plus du slam, du rap et du chant). On a toujours l'impression qu'il nous frappe la tête de ses mots mais il ne le fait que par doses suffisament réduites pour être digestes. Williams se pose en sauveur des âmes des jeunes noirs américains. Il pourrait être une caricature de "rappeur conscient" et il est certainement suffisamment paternaliste pour ça mais sa maîtrise du langage est telle qu'on accepterait n'importe quoi de sa part. Avec mes habitudes de radin, j'ai téléchargé l'album gratuitement. Deux jours après, j'ai téléchargés les FLAC pour cinq dollars et, si on m'avait demandé mon avis, j'aurais donné plus.

Saul Williams - Niggy Tardust (nov 2007)

Rassurez-vous, sous ce titre un rien provocateur initialement inspiré d'une phrase de John Tye, également boss du label Lo Recording et initiateur de ce projet, pas de musique bruitiste, de "power electronic" ou de "microscopic noise" abscons, non, simplement une belle musique électronique non formatée, qui ne perd pourtant jamais le dancefloor de vue à sa manière étrange et alanguie. Milky Globe donc, c'est d'abord le tout dernier pseudonyme de l'activiste John Tye, parton d'un des derniers labels de ce que l'on pourrait appeler de l'incredible strange music futuriste (en référence à la collection de livres explorant les musiques étranges des américains de Re/Search). Sur Magic Waves , ce Britannique à la culture aiguisée s'accompagne d'une bande de potes et de collaborateurs de longue date pour nous offrir une sélection de morceaux aussi hétérogènes - les participants venant parfois d'horizons très différents - que plaisants. Pour tout dire, c'est même carrément tout le gratin de la musique électronique contemporaine qui s'invite sur ce disque puisque l'on retrouve avec bonheur, James Holden, Nathan Fake, Luke Vibert, Isan, Aeroplane ou Secondo, pour ne citer que les plus connus, tous réunis autour d'une série de collaborations electros, psychédéliques et dansantes, mais également jubilatoires et fascinantes.

Après Milky Disco, magnifique sélection de nu disco chatoyant et envapé dont nous nous faisions l'écho le mois dernier, c'est donc au tour de ce Milky Globe & Friends, de nous présenter une douzaine de paysages electros analogiques surfant du krautrock cosmique de "Velvet Space" (avec Isan), au trip progressif de "Sun Spots" (avec James Holden), de l'exotica bâtarde de "Cosmic Rider" (avec Andrea's Kit) à la trance electronica de "Magic Waves" (avec Aeroplane) en passant par les ballades downtempo de "Star Fungus" (avec DNCN) ou les breaks sautillants de "Mad As Hell" (avec Luke Vibert) et les moogeries de Secondo sur "Secondo Moogs". Parfois pures comme du cristal ("Moon Milk" avec Walltapper) ou lumineuses et enjouées ("Vortex" toujours avec Walltapper), parfois plus granuleuses et fracturées ("Lava Flow" avec Nathan Fake), ces collaborations exploitent toutes une forme de psychédélisme baroque remis au goût du jour par la modernité des machines (c'est particulièrement le cas de "Fade Away" d'Isan/Milky Globe). Une compilation en forme de friandise et beau cadeau de fin d'année pour les amateurs de musiques électroniques mélodiques et expérimentales.

Et, une fois n'est pas coutume (pour ceux qui ne l'auraient pas encore remarqué), Playlist et le label, vous proposent d'écouter l'intégralité de cette compilation en streaming sur la page d'accueil de Lo Recording.

Milky Globe & Friends - Magic Waves (Lo Recording/La Baleine)

En dehors de TV On The Radio, David Sitek a produit un tas de choses pour des gens comme Liars ou les Yeah Yeah Yeahs et s'est forgé une petite réputation d'avant-gardiste light, innataquable dans sa branchitude mais jamais assez radical dans ses expérimentations trop de monde, même quand il a travaillé sur l'abstrait et abscons Drum's Not Dead. Il avait aussi produit le premier album de Celebration mais on en a beaucoup moins parlé.

Celebration est en fait un énième projet de Katrina Ford et Sean Antanaitis, couple à la ville et à la scène depuis le début des années quatre-vingt-dix. Ils furent d'abord membres de Jaks où ils jouaient un punk rock noisy et intello (je dis ça, mais je n'ai pas réussi à trouver un seul morceau à écouter en ligne, RIP Oink), puis ils formèrent Love Life, groupe tout aussi agressif mais qui permit à madame de donner libre cours à son chant théâtral façon Siouxsie Sioux et à monsieur de jouer avec toutes sortes de claviers pour un résultat qui donnait envie de se peindre les ongles en noir et d'hanter les cimetières.

Celebration est donc le dernier nom pour le duo, adopté sur un premier album en 2005. Le batteur David Bergander faisait d'eux un trio et Sitek, convié comme producteur, avait ramené des potes de TVOTR pour combler les espaces vides. Modern Tribe, leur nouvel album, a été produit avec le même personnel (plus quelques apparitions de Nick Zinner des Yeah Yeah Yeahs) et sonne, globalement, comme une version plus aboutie de leur premier album.

Ford est une chanteuse exceptionnelle, capable de passer du mode cabaret berlinois à la girl-pop sixties et diva gothique dans une même chanson sans que jamais ses choix ne paraisssent artificiels ou aléatoires. Sean Atanatis enveloppe les chansons sous des couches de claviers subversifs, transformant tout ce qu'ils touchent en pop élégante et psyché avant d'invariablement virer vers des territoires plus expérimentaux à force d'insistance répétitive ou d'inflexions subtiles. Davis Bergander à la batterie évite soigneusement toute évidence, empruntant des voies rythmiques toujours originales et intelligentes pour souligner et soulever le travail mélodique des deux autres.

Avec ces trois-là, on pourrait avoir le disque de l'année et, effectivement, sur quelques morceaux pop comme "Evergreen" ou "Our Hearts Don't Change" et sur les frénétiques pièces tribales, purement rythmiques que sont "Hands Off My Gold" et "Pressure", Modern Tribe est carrément merveilleux. Malheureusement le mix et les arrangements sont surchargés et le disque est usant. Il se passe toujours au moins trois choses en même temps dans ces morceaux sans que le bordel ne soit déterminant en lui-même comme dans beaucoup d'autres groupes d'indie rock ou qu'une direction n'émerge de ce mur du son spectorien. Celebration, sans les nombreux invités, ce sont trois musiciens qui ne demandent qu'a briller mais qui doivent encore apprendre à s'accorder l'espace pour le faire.

Celebration - The Modern Tribe (4AD, Novembre 2007)

Myspace ; Ilovecelebrationmusic.com

Déjà le troisième album pour notre "Jenifer nationale" depuis son premier essai éponyme enregistré à la sortie du château (en 2002) et l'élève Bartoli a compris qu'il serait décisif pour le reste de sa carrière. Après je lambine au soleil en croquant des poivrons, la révolution omega 3 dans mon arrière-boutique et mon bébé c'est cool c'est pas un mongolien, c'est à une révolution de studio et à une tentative subtile de repositionnement entre Vanessa ParaBirkin et Olivia Ruiz qu'on assiste ici, histoire d'assurer la longévité et la légitimité de l'inspiration artistique et de dépasser une nouvelle fois la barre des 500 000 albums. Lunatique est un très beau disque de variété française, presque un modèle du genre à ce stade d'élaboration, mais aussi un disque très courageux qui témoigne d'une tentative réelle de s'extraire du carcan de la hit-variété pour s'offrir pieds, poings (et seins, hum) liés au monde de la pop. Bien sûr, on pourra dire que Lunatique souffre des maux qu'on avait diagnostiqués sur la misérable Divinidylle : petit manque d'identité musicale, textes surécrits et volonté de faire sens trop appuyé, mais Jenifer, à qui on doit déjà quelques standards (dont le phénoménal "Au Soleil") réussit à imposer son style de femme amoureuse et sensuelle avec une étrange facilité. Lunatique est un album qui, dans l'univers des mégaventes, devrait passer pour difficile, exigeant et osé : peu ou pas de tubes, des tempos ralentis et une place énorme faite aux arrangements à la Burt Bacharach (du pauvre), à Sandie Shaw (hé, oui) et à la variétoche anglaise des 70s. Pas la peine d'ailleurs de s'étendre sur les collaborations qui ont renforcé le team Bartoli : un studio londonien, son propre keum, l'incontournable M (le Berléand de la chanson française - pas un album sans qu'il pointe sa guitare), Guillaume Canet et l'ancien producteur de... Bruce Springsteen et Bowie en relecture finale.

L'album démarre sur deux chansons plutôt bizarres mais qui fonctionnent asez bien. "Touche moi" impose une Jenifer sensuelle et mutine sur un son pop vintage. "Touche moi, ici là, avec tes mots. Couche moi sur le papier." La métaphore vaut bien du Gainsbarre et nous rappelle quand la petite joufflue faisait du gringue à Jean-Pascal en agitant ses rondeurs accueillantes. Bon boulot de définition ambigue, à peine gâché par un solo à l'ancienne en fin de morceau, qui s'ouvre sur un single en demie-teinte agrémenté de cuivres reggae. "Pas trop le temps de faire l'amour à l'envers (...) Quand l'amour est là, il n'est jamais acquis. Quand il est parti, il nous laisse des pourquoi, pourquoi." Ca reste très chaud, voire bouillant mais ça redescend assez vite avec un "Comme un hic" pensé comme addictif (un gimmick répétitif au premier abord) mais qui tombe assez vite dans le passe-partout. Jenifer évoque ici après l'amour le deuxième thème fort de cet album : le cours de la vie, son passage, et les mirages qui vous font croire au bonheur. Le thème est sublimé dans "Nos futurs" au titre formidable (No Future, évidemment) et qui distille une belle mélancolie, au point qu'on pourrait carrément craquer et crier à l'imposture quand on nous parle de sexy Britney. La plus belle c'est Jenifer, pour sûr. Malheureusement, l'abus de métaphores vient plomber de verbosité un titre surécrit. Reste quelques beaux moments et surtout l'émerveillement devant la technicité du travail de production. "Comment s'écrit nos futurs ? Tu peux l'écrire comme le temps file... à l'anglaise." La classe. Les mots sont omniprésents ici, presque trop, comme si la composition de l'album avait consisté en un atelier d'écriture tantrique sur un canapé en velours. "Le parfum", en titre 5, est l'un des grands moments de Lunatique : balade orientale qui vire au reggae et évoque les musiques de films de John Barry par la qualité de ses cordes. Jenifer se casse la voix dans un sussurrement orgasmique et développe un contenu narratif des plus sûrs sur les faux semblants amoureux. "Même si tu es un mirage au loin, laisse la force de dissiper." Si elle était un homme, on appelerait ça un slow mouille-culotte. "Attention Douleur Fraîche" maintient le standard qualité au top pour un second sommet. Le piano et la rythmique tissent une atmosphère intéressante tandis que le morceau vire finalement au jazzy. La voix limitée de Jenifer assure par son phrasé étonnamment clair et précis et revient sur cette question des mots :"même les histoires d'amour s'écrivent en râture; ça nous laisse toujours des mots" Bien dit. La suite passe un peu plus vite : un titre plus rock à la Niagara (vous vous souvenez de Niagara), "Si c'est une île" (bof, bof), un troublant et très bon "Quitte à se Quitter" qui sonne comme du Bacharach coquin ("On ne sait rien d'aimer, mais quitte à se quitter, autant le faire au lit" (pfff)), le pas bon du tout "Portrait d'une femme heureuse" (on s'en serait douté rien que sur le titre) et quelques titres décevants : l'éponyme "Lunatique" et ses paroles dignes du berger des fruits "mon fruit cache un pépin, je suis mi-figue, mi-raisin", ou le gnan-gnan "Le bonheur me va au teint".

Avec 7 titres qui émergent sur 12 dont 3 ou 4 morceaux très très solides, Lunatique n'est pas loin d'être un chef d'oeuvre mainstream et d'imposer Jenifer comme le seul vrai espoir de la pop française. Vanessa est dans les cordes (faudrait pas qu'elle s'y prenne le cou), et Olivia Ruiz n'a plus qu'à aller brailler ses chansons de la France de Pompidou sous les lampions de Ménilmontant. Plus femme qu'Alizée, plus sensuelle que Birkin ou Noguerra, plus jolie que Nolween Leroy et moins plouc qu'Eve Angeli, Jenifer est la nouvelle bombina des coeurs, la seule qui peut s'appuyer sur un staff de cette qualité et emballer les pervers pépères du rock indie sur un malentendu par la grâce de ses compositions. En assumant encore plus de simplicité dans son écriture (STOP METAPHORES et tout sera pour le mieux), Jenifer peut espérer passer sa carrière au soleil et remuer son corps pendant plusieurs décennies.

http://jenifer-lepassage.artistes.universalmusic.fr

Une silhouette sombre comme un trou dans la trame de la réalité. Une absence qui nous hante. Un(e) cher(e) disparu(e) qui est là, même quand il (elle) n'y est plus... On va dire que c'est la toussaint vu par LCD Soudsystem sur ce nouveau clip réalisé pour "Someone Great" et distribué avec la version "enhanced" du nouveau CD des new yorkais. On reviendra par ailleurs rapidement sur l'actualité de la bande à Murphy puisque, en plus de ce single débordant de bonnes surprises (un remixe de Soulwax, une autre de Carl Craig (excellent par ailleurs), un de Gucci Soundsystem, un autre encore, baléaric celui-là, de Windsurf ainsi qu'un extrait live), les mois d'octobre et novembre voient la sorti simultanée en vinyle et en CD du 45:33 de LCD et du Fabriclive 36 de James Murphy (accompagné de Pat Mahoney) ! En attendant degusté cette vidéo, illustrant ce qui est certainement l'un des meilleurs morceau de Sound of Silver.

LCD Soundsystem - Someone Great (enhanced CD, remixes + video) DFA/EMI/Labels

Joie ! Les cultissimes labels Touch et Mego (aujourd'hui Editions Mego) semblent vouloir rééditer tout leur catalogue ! Après Cirque de Biosphere et Endless Summer de Fennesz, chez les premiers, c'est au tour des seconds qui honorent Hotel Parale.l, le premier album de l'Autrichien, d'une réédition de luxe avec deux bonus tracks et vidéo ! Avec Hotel Parale.l, Christian Fennesz a su capturer comme peu avant lui, l'âme de la machine. Il a su ausculter ses disfonctionnements intimes, ses processus invisibles et son inaudible dialogue intérieur. Depuis ses débuts, on peu dire de Fennesz qu'il explore avec brio "l'acoustique de l'électronique". Sa musique a une âme, celle du fantôme dans la machine, et le fait que cette mécanique soit une simple guitare (doublée d'un PC ou d'un ordinateur portable également) prouve bien que cette relation fusionnelle homme-machine ne date pas d'hier, qu'elle n'est pas apparue avec les musiques électroniques, et/oui expérimentales du 20ième siècle, mais qu'elle remonte bien plus loin que cela, même si dans notre amnésie collective, nous l'avons (volontairement ?) oublié, ou occulté.

Hotel Parale.l donne immanquablement envie de se laisser bercer par le doux murmure mécanique des robots laborieux et aimants qui nous entourent. Un sommeil que l'on voudrait paisible, seulement troublé par quelques sourds mugissements cycliques, des vibrations, le souffle des ventilateurs, le chuintement des processeurs, le claquement des fusibles et contacteurs. Tel un impossible voyage en profondeur au cœur des ténèbres électroniques et machiniques, Hotel Parale.l est un chef d'œuvre absolu marquant encore un point en faveur de la musique contemporaine germanique de la fin du XXième siècle (l'album date de 1997 !). Edité à l'origine par l'excellent label autrichien Mego, la réédition remastérisée propose une suite de quatorze morceaux, plus deux, savamment démembrés, construits et auscultés avec ferveur et finesse. La quintessence de la guitare passée à la moulinette du laptop. Peu d'albums électroniques peuvent à ce point émouvoir l'auditeur dix ans après. Un étonnant constat toujours vivace dix ans après, surtout quand on est attentif à l'aridité du ton. Paradoxe donc, que cette musique crissante comme des ongles sur du silicium et pourtant émouvante comme un cyborg en mal d'amour. L'explication vient certainement de la façon dont Christian Fennesz aime ses machines et donne envie de leur faire confiance. L'effet est encore augmenté par une magnifique vidéo de Tina Frank. Troublante électronique... "Do Androids Dream of Electric Sheep ?"

Christian Fennesz - Hotel Parallel Edition Mego/La Baleine)

http://www.fennesz.com/
http://www.myspace.com/fennesz

Fink ! Quand on évoque cet imprévisible artiste anglais, impossible de ne pas parler de N-Tone, la fameuse sous-division expérimentale des Anglais de Ninja Tune, au catalogue duquel apparaissaient Flanger, Journeyman, Animal on Wheel ou Neotropic. Hélas, l'aventure pris fin en 2001 avec La Prochaine Fois, l'album de l'étrange Riz Maslen à l'origine du projet Neotropic justement. A l'époque, un jeune DJ originaire de Brighton connu sous le nom de Fink figurait déjà comme jeune espoir abstract electrofunk sur ce même label N-Tone. C'est aussi ce même Fink qui réalise, il y a un an, Biscuits For Breakfast, un surprenant premier album sur lequel l'artiste opte pour un folk moderniste et un blues urbain élégamment assisté de machines et d'électro discrètes (ce qui semblait logique sur un label comme Ninja Tune). Or, si la technologie est encore présente sur Biscuits For Breakfast, Distance and Time le nouvel album de Fink, se contente pour sa part d'une production brute de décoffrage, à l'os même, ce qui n'en exclut ni la profondeur, ni la subtilité, au contraire. Une profondeur entièrement revendiquée et inscrite à la fois dans les textes et dans la musique de l'ancien DJ que le passé de musicien électro ne semblait pas satisfaire entièrement.

De "Trouble's What You're In" à "Little Blue Mailbox", chaque morceau de Distance and Time évoque la passion sincère et la tension intérieure d'un artiste souhaitant dépasser la superficialité d'une musique moderne peut-être un peu trop formatée. Fink semble avoir trouvé dans les racines du folk et du blues, revisitées par ses soins, les véritables vecteurs d'expression qui lui conviendraient enfin. Aussi dépouillé soit-il, le folk rock sombre de Fink résonne à nos oreilles d'une manière unique. On y retrouve par ailleurs ce rythme répétitif, hypnotique et posé, typique du blues ("If Only", "Blueberry Pancakes"), une aisance rythmique qui pourrait bien être le dernier lien formel entretenu par l'Anglais avec son passé électro. Des arrangements et un son à la fois primitif et sophistiqué donc, que l'on doit à Andy Barlow moitié du duo drum'n'bass/trip-hop, Lamb. Pas de mélodies sylvestres ici, pas de ballades hippies, ni de références passéistes, non. A la manière de Gravenhurst, qui sera l'unique comparaison de cette chronique, le folk de Fink est sourd au chant des sirènes du revival barbu, il préfère les rues sombres dans lesquelles se délitent des histoires d'amours condamnées d'avance ("This is The Thing"). Si Fink entretient la flamme du blues et du folk originel, c'est plutôt dans des textes souvent mélancoliques, soutenues par des arrangements aussi minimalistes que puissants. Nul besoin d'artifice en effet quand on bénéficie d'un tel songwriting et d'un don hors du commun pour poser les ambiances. Car vous l'avez compris, Distance and Time est avant tout un album d'atmosphères. A la fois fantomatique et chaleureux, il est un peu comme une vieille maison hantée par des souvenirs familiers et sentimentaux. Un lieu de recueillement dans une époque qui va trop vite... A essayer avant de passer à côté.

A noter, que (comme d'habitude) de nombreux morceaux (dont "This is The Think", "Little Blue Mailbox" et le single "Make it Good", sont disponible à l'écoute sur le profil myspace de l'artiste.

Fink - Distance And Time (Ninja Tune/PIAS)

Sasha Frere-Jones, membre de Ui et contributeur régulier de la rubrique musique du new-yorker vient à nouveau de lancer une polémique bancale sur le net, dont Playlist est fier d'être le dernier à parler. Dans son papier titré "A Whiter Shade Of Pale", Frere-Jones se lamentait d'une dérive ségrégationiste de la musique et en particulier du rejet de ses origines noires par l'indie-rock depuis les années 1990. Initialement je me suis dit qu'il s'agissait encore d'un cas de "le rock était tellement mieux quand j'étais jeune" ou de "je joue du funk dans un groupe, pourquoi les autres groupes ne jouent-ils pas tous du funk ?" habillé d'un vieil argument racial pour se donner des airs de justicier. Ensuite je me suis dit que j'avais raison, et j'aurais pu m'arrêter là, j'aime le sentiment d'avoir raison. Frere Jones ressemble beaucoup à un troll comme on en voit partout sur le net, y compris dans les commentaires de ce blog et, d'ailleurs, il nous avait déjà fait à peu près le même coup l'an dernier. Il s'agit cependant d'un vieux débat qui refuse de disparaître et ça vaut le coup de se pencher un peu dessus pour lui tordre le coup ou au moins lui placer quelques bons coups dans les parties.

L'article de Frere-Jones commence très mal en prenant l'exemple d'Arcade Fire. Certes, la musique des Canadiens ne comporte que très peu des signifiants traditionellement associés à la musique "noire". On pourrait s'arrêter là et dire "et alors ?". Y-a-t-il beaucoup d'artistes blacks qui prennent la peine d'essayer de sonner comme Arcade Fire ? Ce n'est pas pour faire mon Jean-Pierre Pernaud mais pour qu'il y ait la "fusion" à laquelle Frere-Jones aspire, il faut bien tout d'abord des courants musicaux distincts, un terroir qu'on doit entretenir et laisser évoluer indépendament. On pourrait aussi remarquer qu'Arcade Fire est largement influencé par les Talking Heads et Bruce Springsteen, et que même si en dehors du saxophoniste du E Street Band tous ces gens sont blancs comme neige, ils s'inspiraient du rythm & blues, du funk et des polyrythmies africaines. Et puis Frere Jones n'a pas du entendre Haïti.

Au delà de l'exemple particulier d'Arcade Fire, il est vrai que toute une branche de l'indie-rock a plus à voir avec Brian Wilson qu'avec Robert Johnson. Et pour toute une autre partie, c'est le contraire, ce qu'oublie volontairement Sasha Frere Jones pour concentrer sa paranoïa politiquement correcte sur Sufjan Stevens au mépris de TV On The Radio, de LCD Soundsystem ou de tous ces artistes "indie" d'aujourd'hui qui contredisent sa théorie. C'est ce qu'explique brillamment le blog de Playboy (via Stereogum). Dans un billet très intéressant (Playboy a depuis sa création, mine de rien, une tradition d'articles de qualité) raconte aussi et surtout une histoire de l'appropriation de la musique noire par les rockeurs blancs totalement différente de celle de l'article de Frere Jones. Les Rolling Stones et Led Zeppelin auraient été des racistes et se seraient appropriés la musique de ceux qu'ils considéraient comme des demi-sauvages pour donner libre cours à leurs propres impulsions primaires et misogynes. L'indie rock, né du rejet de ce type de rock bestial serait donc beaucoup moins raciste. On tombe un peu dans l'excès inverse et l'auteur finit par traiter celui qui le contredit de raciste (rarement une bonne façon de mener un débat) mais, quoi qu'il en soit, on en est nettement à Playboy 1, le New Yorker 0.