Archives > Janvier 2008

Dans une longue interview donnée à Fluctuat l'an passé, Romain Turzi de Turzi (le groupe) déclarait à propos de Pan European Recording son label : Nous nous proposons de contrer l'hégémonie anglo-saxonne en arborant les couleurs d'un certain psychédélisme. L'idée est de mettre en valeur les groupes talentueux qui nous entourent et nous inspirent (Aqua Nebula Oscillator, One Switch to Collision, Total Peace, etc.). (...) le marché français vomit une musique standardisée, sans saveur et malheureusement sans discours. L'idée est de redorer humblement le blason de la France. En tout cas, dans notre catégorie. Ce qui est surprenant dans tout ça, c'est que les Français attendent cela depuis quelque temps, nous sommes très bien accueillis et notre première sortie "Voyage : Facing the History of French Modern Psychedelia" est américaine !!! Je vous rassure, nous la sortirons en France dans un deuxième temps... On dirait bien que le temps est venu et ce n'est pas sans appréhension, avouons-le, que nous tentons le Voyage à bord de ce vaisseau fantôme mené de main de maître par le krautrocker mystique français, Romain Turzi.

Et puisque l'on parle de mystique, parlons phénomènes de hantise. Certains le savent, le psychédélisme est un gaz, un élément délétère et incontrôlable venu du passé qui souffle de manière diffuse dans notre présent et continue de hanter la musique actuelle avec la constance de celui qui revient constamment d'entre les morts, inconscient de sa disparition. On dira alors que que la plupart des artistes présents sur Voyage : Facing the History of French Modern Psychedelia sont possédés. Ils revivent la grande époque du psychédélisme, en y ajoutant les fruits de leurs expériences et en adaptant cette musique de l'esprit, cette musique transcendante, aux expériences contemporaines et à l'époque dans laquelle ils vivent. Car tous ces artistes ou presque (15 au total) sont liés à d'autres projets et d'autre scènes. Wolf Rayet (le folk d'outre-tombe "I Was Down") pose des sons sur des installations d'art contemporain, Etienne Jaumet est la moitié du duo italo-kraut-post-punk Zombie Zombie, Ulysse, fan de Neu! et de LA Dusseldörf, est le fils du cinéaste Nicolas Klotz, One Switch to Collision et Juan Trip enfin, sont d'anciens acteurs de la French Touch. Tous furent contaminés à un moment de leur existence par cette musique rampante et quasi-religieuse, kidnappés par le trip psychédélique en somme. Parmi les titres les plus prometteurs de ces apprentis sorciers on notera l'ascensionnel "Smokes" de One Switch to Collision et l'hypnotique cavalcade de "The Dog" par Service, l'étrange et poétique "The Countess's Smile" d'Ulysse, Etienne Jaumet et son "Doudouk" dadaïste, Turzi bien sûr (une valeur sûre), ou encore Chicros et Mogadishow. Pris séparément les artistes de cette sélection ne sont peut-être pas tous exceptionnels (même si beaucoup le sont) mais il faut avouer que pris dans son ensemble, Voyage, en est vraiment un. De ceux que l'on fait les yeux fermés allongé sur la moquette dans un appartement surchauffé. Normal puisque dans le langage psychédélique, un voyage est un "trip", au sens propre, comme au figuré.

L'autre grosse actu du label Pan European Recording c'est l'album d'ANO, aka Aqua Nebula Oscillator. Formé en 1999 autour de David Spher'Os, les membres d'ANO captent les ondes qui émanent du cosmos pour lancer leur musique spatiale à la face du monde. Du rituel spasmodique et chamanique de "Ka" au collage surréaliste de "The Beauty and The Beast", les Français élaborent une musique des sphères, lyrique, emplie d'électricité statique, obéissant aux fluctuations incontrôlables et chaotique de l'espace et du temps. En ce sens ils rejoignent les expérimentations des grandes formations de freak rock que furent Hawkwind ou Ash Ra Temple ainsi que les anthems électroniques et prophétiques de Sun Ra, Silver Apples ou Experimental Audio Research (E.A.R.). Un autre voyage donc, dont le sommet est certainement l'emblématique "Ready To Fly". Cosmic !

Voyage : Facing the History of French Modern Psychedelia
Aqua Nebula Oscillator - S/t
Tous les deux chez Pan European Recording (dist. PIAS)

http://www.myspace.com/paneuropeanrecording
http://www.myspace.com/aquanebulaoscillator

Qui a tiré le rayon qui passe dans le prisme de Dark Side of the Moon ? A qui appartiennent les fesses de la pochette de Is this it ? Pourquoi le White Album est-il blanc ? Si vous vous êtes déjà posés ces questions, vous ne trouverez pas la réponse dans ce concours photoshop "extended album art". Vous feriez mieux d'arrêter de vous les poser. Vous prenez tout ça beaucoup trop au sérieux. Vous devriez voir un médecin.

La parution d'un nouvel album d'Autechre en mars prochain est l'occasion rêvée de se pencher sur ce projet culte et bizarre emblématique de la musique électronique des 90's. Si Chiastic slide n'est pas forcément mon favori dans la passionnante et ardue discographie d'Autechre (le must restera pour moi éternellement Tri Repetae), c'est sans conteste un album charnière, un moment phare, dans la carrière du duo de Manchester émigré à Sheffield. Le moment où Rob Brown et Sean Booth décident de quitter complètement les sentiers balisés par la techno d'hier, de larguer les amarres pour s'enfoncer au cœur des territoires inexplorés de la musique expérimentale, et pour tout dire à l'époque, de l'inconnu le plus total. Nous sommes en 1997 et en neuf titres pour un peu plus de soixante minutes, Autechre écrit un nouveau chapitre de l'histoire des musiques électroniques, ni plus ni moins ! En matière de comparaison disons que le duo ose plus et va plus loin qu'Aphex Twin, pourtant grand amateur de déconstructions transgressives. A ce niveau d'abstraction, on ne voit d'ailleurs que les Allemands d'Oval pour rivaliser. Afin d'illustrer le son de cet album, je me permettrais cette métaphore : si Tri Repetae était un minéral, ce serait un galet posé sur le rivage près d'un port industriel, Chiastic Slide, quant à lui, serait plutôt du verre finement pilé sur le plan de travail d'une cuisine immaculée, entre l'aluminium et la pierre à aiguiser. Alors que la froideur et l'aspect légèrement rugueux des compositions profondément mélancoliques de Tri Repetae ne reflètent pas, ou peu, la lumière, elles rassurent cependant par la surface lisse et plus ou moins prévisible des sons numériques utilisés. De son côté, Chiastic Slide aurait tendance à briller très fort, mais aussi à déchiqueter les mains trop curieuses, où les oreilles trop sages tout en laissant un goût de métal dans la bouche. Et pourtant, cet album est un trésor de complexité, une mine d'idées à ciel ouvert recouvert d'un voile étincelant de mélodies subliminales et subtilement contrariées.

On n'a pas fini de s'émerveiller devant le paradoxe que représente Chiastic Slide. Un disque sur lequel Brown et Booth semblent avancer en terrain accidenté, donnant l'impression de trébucher à chaque pas, labourant les mélodies naissantes tout en faisant naître d'autre images plus saisissantes encore. Des visions de territoires désolés sur lesquels règne en apparence le plus profond chaos. En apparence seulement car en vérité, le duo sait très bien où il va. Fini les clins d'œil à Detroit généralement utilisés par les inventeurs de ce que l'on appelait alors "l'intelligent techno", exit les gimmicks electro trop faciles, il ne reste ici que les visions post-apocalyptiques et futuristes de la musique industrielle du début des années 80, mais ce n'est pas tout. En créant cette musique à la fois puissante et fragile, basses lourdes et nappes éphémères sur cliquetis cristallins et craquements microscopiques, Autechre s'approche de la musique contemporaine, oblitérant les répétitions de rigueur dans la musique électronique de la seconde moitié des années 90, cassant la structure des morceaux en utilisant les breaks pour créer de nouveaux passages et lancer des passerelles inédites. Sur Chiastic Slide, Autechre est en chantier. Le duo agit un peu comme un rouleau compresseur doublé d'une foreuse, il aplanit et fore dans un même élan, tout en construisant des ponts. Pas de doute, on est à Sheffield, ville post-industrielle en ruine, et rarement environnement aura eu une telle influence sur la musique. Pourtant l'auditeur attentif et courageux finira par repèrer les mélodies minimalistes rapidement démontées de "Cipater" ou "Hub", les éclats brisés de boîte à musique sur "Nuane", les réminiscences hip hop, la passion originelle des deux Anglais, qui s'imposent malgré tout dans le martèlement de grosse caisse de "Recury". Et que dire de "Cichli", une presque pop song à la ritournelle electro pop tournoyante et optimiste qui semble vouloir éclairer le chemin de l'auditeur au milieu d'un album ? Ce n'est plus de la musique, c'est de l'architecture.

Avec Chiastic Slide, Autechre donnera ses lettres de noblesse à la musique électronique. Nul ne pourra plus accuser le genre de légèreté, et pourtant, grâce à ses structures minérales en expansion, sa finesse et sa complexité, la musique d'Autechre ne se contente pas d'abstraction, au contraire, rares sont les albums electro aussi organiques et vivaces.

Autechre - Chiastic Slide (Warp, 1997)

Un peu comme avec la vidéo de Céline Dion la semaine dernière, celle-ci ne peut vous ammener qu'a deux conclusions : soit Tool est le meilleur groupe de l'histoire du monde de l'univers (mais ça vous en êtiez déjà persuadés) soit, oh mon dieu, ils sont pires que ce que vous avez toujours cru.

Composer en suivant des formules mathématiques, ça s'appelle le sérialisme, ce n'est pas nouveau du tout, ce n'est plus exceptionnel (des milliers d'élèves apprennent ça en école de musique tous les ans) et ça ne justifie en rien de jouer du mauvais métal, d'écrire des paroles stupides ou de se coiffer comme ça, tout comme ce n'est pas parce que vous avez eu la moyenne en maths au bac que vous devez jouer à World Of Warcraft, écouter du prog-rock et r3mpl4c3r l3s l3ttr3s par des chiffres quand vous tapez.

Petite revue des maxis aujourd'hui, histoire de changer un peu de format. Commençons par notre chouchou de l'an passée, auteur d'un de ses meilleurs albums même s'il n'apparaît quasiment sur aucun top, j'ai nommé Apparat. Sur ce CD quatre titres, l'Allemand Sasha Ring nous offre l'occasion de revisiter "Arcadia", l'un des plus beaux morceaux electro et pop présent sur Walls. Parmi les remixes proposés ici, c'est étonnamment celui de Boys Noize que nous préférons, son beat alerte et soutenu sans l'être trop, ses nappes romantiques qui relèvent la voix de Ring, tout est ici parfait. Les deux versions de Telefon Tel Aviv aussi douillettes et mélodieuses soient-elles semblent un peu ternes après celle-ci, même si la quatrième rebondit agréablement entre deux breaks plutôt bienvenus. On va dire 3/5.

Du côté de chez DC Recording, c'est toujours l'extase il faut bien le dire, avec ce nouveau double maxi de The Emperor Machine. Moitié du duo Chicken Lips, Andrew Meecham nous charme depuis plus de 4 ans avec son projet solo. Enfin, "nous charme", ce n'est pas vraiment le mot. Avec son electro vintage clignotante bourrée de clins d'œil krautrock et de gimmick disco, il nous prend plutôt carrément par derrière, tout debout contre le mur ! Et on en redemande ! Avec "Slap On", il s'agit encore de riff, de synthés répétitifs et hypnotiques, bordés de mélodies cosmic qui s'évasent comme l'espace temps autour de nous, dans une orgie de bleep analogiques dignes d'un épisode de Cosmos 1999. Si j'osais un jeu de mot foireux je dirais, quel "épique soundtrack" ! "Gang Bang" parle de lui-même : du funk spatial en veux-tu, en voilà, qui sort tout bourdonnant et tout mouillé d'on ne sait quel orifice de la machine de l'empereur. Il va encore falloir remuer les fesses, et mieux que ça s'il vous plaît mesdemoiselles ! Pour finir (pour "nous finir" plus vraisemblablement), la bête conclut sur un "No Sale No I.D.", revu et corrigé, sévère, par Simian Disco Mobile. Tout bêtement excellent ! Allez 6/5 !!

Reprenons nos esprits et revenons sur terre, et pour tout dire, dans la cuisine d'Amon Tobin, qui revient lui aussi, aux fourneaux de son Foley Room originel avec quelques amis de longue date, parmi lesquels Sixtoo, Clark, Noisia et Boxcutter. Quatre versions de "Kitchen Sink" donc, un des morceaux les plus abstraits de l'album. La relecture de Clark est tout bonnement magnifique, basses énormes et cliquetis de boîte à musique, le tout dans une atmosphère enfumée de cuisine vaudou. Sixtoo propose quant à lui de la profondeur, beaucoup de profondeur dans un exercice de simili-hip hop taré dont il a le secret, electro en diable et aussi inquiétant que peu l'être cette B.O. pour film de science-fiction virtuel. Bâtit autour de micro-sons, le remixe de Noisia reprend le morceau dans son abstraction, en mêlant le tout avec des sons de morceaux emblématiques des précédents albums d'Amon. Passionnant pour qui sait écouter. Pour finir, Boxcutter joue sur l'espace, écho et roulement de batterie inversé, entre ambiant et dubstep. Disons 3/5.

Concluons cette rubrique avec le nouveau maxi du Québécois Ghislain Poirier, Blazin. "Radio globale", tel est le nouveau leitmotiv de Poirier qui annonce ainsi son prochain album oscillant entre booty bass, ragga, crunk et dubstep. Quatre versions de Blazin ici, originalement un ragga massif scandé par Face-T. On apprécie ou pas, ce genre, pourtant, la version riddim instrumentale du track ne manque ni d'efficacité, ni d'allant (c'est le moins que l'on demande à ce type de musique), avec ses bip et ses grosses basses "bounce". Avec sa version, The Bug aka Kevin Martin, forge les bases d'un grime mondial à la fois lourd et complexe, détournant les sons et s'abandonnant en toute fin sur une boucle mélancolique et froide comme la mort d'un dealer sur un parking de Montréal en plein hiver. Le tout se conclut sur l'excellente relecture de DJ C, avec ses basses à faire trembler les murs et ses riddim saccadés. "Bounce le gros, bounce" ! 3/5 aussi. C'est tout pour aujourd'hui, mais on reparlera bientôt de Poirier promis !

Apparat - Arcadia remixes (InFiné/Discograph)
The Emperor Machine - Slap On (DC Recording/La Baleine)
Amon Tobin - Kitchen Sink remixes (Ninja Tune/PIAS)
Ghislain Poirier - Blazin (Ninja Tune/PIAS)

Le web et même les médias traditionnels en parlent comme d'une révolution. Alors que la pauvre industrie du disque si mal en point se réunit pour une luxueuse célébration de tout ce qui ne va pas dans le business à Cannes, les annonces fusent en tout sens (on notera d'ailleurs une attitude un tout petit peu mieux avisée des majors face à leur situation actuelle mais on reste bien dans le "trop peu, trop tard" qui prévaut depuis longtemps). L'annonce soit disant révolutionnaire qui fait de l'ombre à toutes les autres donc, c'est celle de Qtrax, inventeur du slogan P2P2A : Peer To Peer To Artist.

En clair il s'agirait du téléchargement légal financé par la pub qui nous est promis depuis belle lurette par SpiralFrog. Qtrax promet rien moins que 25 millions de titres, plus qu'iTunes, Amazon ou n'importe qui, grâce à des accords passés avec toutes les majors. Il suffirait en effet à Qtrax de tenir à jour une liste de titres, puisqu'en se basant sur la technologie du peer-to-peer Qtrax n'a pas à se soucier de problèmes d'hébergement, de bande passante ou de simplement trouver et numériser les enregistrements.

Le premier problème, c'est que les mp3 offerts seraient bourrés de DRM Microsoft, les rendant impossible à lire sur un iPod (entre autres lecteurs). Le second problème, c'est que la version beta qui devait être mise en service hier se fait toujours attendre. Le troisième problème, surtout, c'est que Warner, EMI et Universal ont nié avoir signé avec Qtrax comme ceux-ci l'ont annoncé et que Sony n'a encore rien confirmé.

Aujourd'hui pourtant, à la machine à café, votre collègue vous expliquera qu'il a entendu "je sais plus où" que le téléchargement de musique était devenu gratuit et légal, que "il sait plus trop comment" ça sera financé mais que ça y est, ce soir il se met à Napster.

"Electro", "psychédélique", "pop", voilà, tout est dit dans les tags ci-dessus. Mais il serait également dommage de ne pas développer un peu, d'autant que Yacht est l'un des derniers symptômes en date d'une épidémie de folie dansante qui semble toucher la pop depuis quelques mois. En un sens, Jona Bechtolt et son projet Yatch sont les dignes représentants d'un petit monde de la pop indé qui explose et ressemble décidement de moins en moins à ce qu'il était hier. Difficile de l'ignorer en effet, avec le retour du synthé triomphant et depuis la reconnaissance générale de LCD Soundsystem et, disons, Chk chk chk (!!!) au hasard, exit les références trop balisées - et souvent frelatées - du type Beach Boys ou Velvet Underground. Grâce à James Murphy et quelques autres, la pop lorgne aujourd'hui sans vergogne et sans honte vers le funk le plus débridé, l'expérience électronique et mon dieu, même le disco !

Mais laissez-moi vous en dire plus sur ce nouvel ovni tout droit débarqué des Etats-Unis. Si son nom ne vous dit rien, sachez déjà que Jona Bechtolt n'est pas un inconnu. Avec son side-project The Blow il a même bénéficié d'un mini-buzz dans les sphères pitchforkiennes. Il joue également de la batterie derrière Devendra Banhart (ce dont à la limite on se contrefout) et I Believe in You, Your Magic is Real est déjà son troisième album sous le nom de Yacht ! Beau palmarès pour un quasi-inconnu. C'est malheureusement le cas de bien des artistes, mais passons... Révélé en première partie de la tournée nord-américaine (scum ! héhéhé) de LCD Soundsystem, Yacht signe avec I Believe in You, your Magic is Real un bijou de pop baroque et échevelée, relevée là où il faut de beat "fou fou dans le vent" de type post-punk, ou carrément techno. Certains évoquent The Flaming Lips croisant le fer avec LCD Soundsystem, ce n'est pas bête. Personnellement je trouve de faux airs de High Llamas à ses mélodies catchy (c'est particulièrement vrai sur "So Post All' Em" qui ouvre l'album, ses bizarreries hawaïennes, sa guitare aigrelette et ses cœurs de sirènes), mais tout cela n'est que détails. Comme dans tout bon disque pop psychédélique, il est difficile d'échapper aux turbulences magnétiques des rythmes répétitifs et des harmonies spiralées générées par Jona Bechtolt. Qu'il s'agisse de rock enfumé ("If Music Could Cure All That Ails You", "It's Coming to Get You"), de ballades étranges ("Drawning in The Dark"), d'electro vocodée ("Don't Stay in Bed"), de proto-RnB dérangé ("The Magic Beat") ou carrément de ce que nous appellerons post-grunge ("Women of The World", "Your Magic is Real"), Bechtolt brouille les repères et se moque des écoles, mélangeant allègrement acoustique et électronique dans des morceaux transgenres qui, comme l'auditeur, ne savent plus où donner de la tête, ni des jambes. Parmi les meilleurs moments de ce disque particulièrement décomplexé, on trouve le disco ralenti de "See A Penny (Pick it Up)", la techno vrillée de "It's All The Same Price", ou encore "Platinium" dont les bourdonnements de synthé sont quasiment pompés ondes pour ondes sur le "Too Much Love" de vous savez qui. Bref, si malgré ses qualités I Believe in You, your Magic is Real n'est certes pas l'album de l'année, il reste néanmoins un bon exemple de ce dont la pop est capable quand elle ouvre les cuisses et fraye sans retenue avec les musiques électroniques.

Yacht - I Believe In You, Your Magic Is Real (ERR/La Baleine)

http://www.myspace.com/yacht

Alors que Last FM vient d'annoncer son "révolutionnaire" streaming gratuit, Deezer en est déjà à lancer une seconde version de son widget qui permet non seulement de jouer les morceaux disponibles sur le site mais aussi ceux que vous y uploadez vous-même. Deezer est en fait une évolution de Radio Blog Club Blogmusik, un site communautaire pour écouter, créer et partager des playlists. Comme un peu partout, vous pouvez devenir fan d'un groupe, amis d'autres auditeurs ou juste autiste profiteur (au passage, je vous invite tous à devenir mon ami sur Deezer, mon pseudo est le même qu'ici et j'ai des playlists désolantes à vous faire écouter !).

Deux widgets sont disponibles pour votre blog/site : le premier que vous pouvez voir à l'oeuvre ici même vous permet de streamer une simple chanson -ici l'excellent chaos joyeux et altermondialiste de Yeasayer- le second a remplacé celui que Maxence vous présentait en Novembre et permet de partager des playlists entières... à cette exception près que les morceaux sont coupés avant la fin, ils sont financés par la pub après tout et si vous voulez écouter tout le mix de Maxence vous devrez maintenant vous rendre sur le site Deezer et être exposé à la pub. C'est logique, en fait.

Deezer en sait beaucoup moins long sur vous que Last FM et ses pubs sont moins ciblées. Last FM, rappelons le, c'est l'inventeur du scrobbler, en pratique un spyware que vous installez volontairement sur votre machine et qui alimente une base de donnée gigantesque en information sur vous. Oh, pas des informations vitales, certes, mais à partir de la musique que vous écoutez Last FM prétend déterminer votre catégorie socio-professionelle et vos habitudes de consommation. Ils le font sans trop se tromper, je parie. Pour l'instant on est beaucoup à se préter au jeu mais est-ce bien prudent ? Deezer fait figure de David face à Goliath ici mais a de bons arguments pour lui : malgré un catalogue de titres plus réduits, Deezer permet pour l'instant de les écouter autant de fois que vous le voulez, d'uploader vous-même les titres manquants et surtout, le streaming sur Deezer est déjà fonctionnel.

Avions nous réellement besoin d'une nouvelle preuve de la vitalité Scandinave concernant la production de musiques novatrices et vivantes, pour ne pas dire transgenres ou franchement déjantées (voir notre chronique de Kasper Bjorke) ? C'est avec l'arrogance de la jeunesse et l'insouciance de ceux qui se savent descendants des géants blonds nordiques qui envahirent nos cotes durant la seconde moitié du 9ème siècle, que les Danois d'Oh No Ono nous balance un "Yes" sonore et conquérant à la figure. Il faut dire que ces cinq-là sont malins. Comment se méfier en effet, d'un album qui débute par une comptine aussi mélodieuse et apaisée que "The Strawberry Festival", croisement béni des flottaisons instrumentales d'un Robert Wyatt amoureux et des grandioses envolées cosmic de la musique synthétique de la fin des années 70 ? Impossible, d'autant que ces jeunes Danois, vingt ans de moyenne d'âge, ne se privent pas pour étaler des talents de compositeurs hors pairs. Talent que peu auront vraiment pris la peine de jauger finalement, bloqués le nez dans le guidon, ne retenant que les accélérations cartoonesques, il est vrai très présentes et l'usage récurent d'un falsetto à faire frémir, Brian Wilson ou Freddy Mercury (au choix) sur un album qui mérite pourtant bien mieux que ça.

A priori, les Oh No Ono seraient donc victimes d'un impitoyable malentendu, enfin, dans notre pays du moins. Bien sûr, leur passion pour les effets de synthés 80 ferait frémir n'importe lecteurs de Rock'n'Folk, et leur goût pour la pop de la même année, les éloignent à jamais de la cohorte de popeux qui ne jurent que par les Beach Boys. Et pourtant, quelle erreur ! Plus Sneetches que Fancy contrairement à ce que laissent entendre certains, Yes est avant tout un grand disque de pop ! Un album électrique et débordant d'énergie positive. Un disque bourré de clin d'œil (Yoko Ono bien sûr, mais aussi B 52's, Abba, Talking Heads, David Bowie, Devo) et débordant d'hymnes imparables ("Only Undead", "Victim of The Modern Age"), de morceaux post-punk aux titres débiles pourtant non dénués de finesse (voir "Ba Ba Baba Ba Ba Well Anyway" avec ses harmonies vocales diaboliques oscillant entre punk et pop avec la perversité de l'ado testant sa séduction), d'adorables mélodies idiotes et pourtant totalement addictives (le punchy "Am I Right"), de simili-disco pour boum du mercredi après-midi ("Practical Money Skills For Life") et de ballades à faire pleurer Kevin Ayers lui-même ("Talking Lynndie England", "Tanks no Thanks"). Que dire de plus pour vous convaincre de la nécessité de ce groupe effervescent ? Que leur recette "Ramones meets Blondie" (voir "Keeping Warm In Cold Country"), fonctionne à 200%, et que leur évidente naïveté ne traduit finalement qu'une volonté très saine de faire simple, d'écrire des mélodies à chanter le nez en l'air dans la rue, le sourire aux lèvres et des étoiles dans les yeux.

Pour finir, sachez que les envahisseurs danois (que nous accueillons pour le coup les bras ouverts) débarquent ce soir dans la capitale, pour un concert au Point Ephémère, entrée 10 euros, horaires 20 h 30 (première partie : Curry and Coco), ne les ratez pas !

Oh no Ono - Yes (Third Side Records/Discograph, jan 2008)

http://www.myspace.com/ohnoono

Où se cache la pulsion primitive aujourd'hui ? Est-il encore possible de créer une musique de manière simple et instinctive, à la fois authentique et sincère, puissante et prenante, au milieu de toute la technologie, du confort (et du conformisme) qui nous entourent ? Pour Mahjongg, la réponse est claire : Oui ! C'est même vital semble-t-il. Mystérieux collectif originaire de Columbia, récemment émigré à Chicago, les membres de Mahjongg assument leur obsession pour une certaine idée primitive de la musique, le rythme, la répétition, la transe, fusse-t-elle moderne. "Tropical industrial", telle est l'étiquette un rien provocate dont s'affublent ces quatre résidents de l'Illinois, cela n'empêche, Mahjongg cultive un respect évident pour l'afro-beat et plus généralement pour tout ce que l'Afrique des 70's a produit comme musique libre et funky depuis 30 ans. Signé pour un second album sur K Records, le fameux label de Calvin Johnson, Mahjongg nous offre ici un album qui réunit dans un même élan libérateur post-punk et funk blanc.

Sur Kontpab, ce collectif de multi-instrumentistes nord-américains se la joue donc sauvages urbains, noyant basse, guitare, batterie et casio keybords maltraités sous un déluge de percussions et de polyrythmies indigènes. Le quatuor accouche ainsi de pièces répétitives et obsédantes qui incarnent le pendant rachitique, mais tout aussi convaincant, des tambours du Burundi ou des gamelan balinais, joués dans une cave de la banlieue de Chicago (voir le prenant "Pontiac" qui ouvre l'album). Avec un naturel de ceux qui savent où ils vont, Mahjongg mélange musique post-industrielle (le mélancolique "Problems"), new wave afro ("Mercury"), jeu de guitare highlife (style original, principalement rythmique, prenant sa source au Ghana), pop arty ("Teardrops") et punk ("Tell The Police The Truth", "Those Birds are Bats" visiblement composé sous l'emprise de quelque stupéfiante substance), le tout dans l'improvisation la plus sauvage. On pense parfois à Liars unplugged, à Battles sans les maths, à Excepter en version acoustique, ou à certain "Collectif d'Animaux" de Brooklyn qui préfèrerait le béton aux sous-bois, si vous voyez ce que je veux dire. Au sommet de leur art ("Kottbusser"), Mahjongg va jusqu'à évoquer Talking Heads dans ce qu'ils ont de meilleur, la complexité des mélodies et des instruments qui s'entrechoquent en rythme dans un funk blanc joué à l'os, aussi exubérant que mélancolique. Le sommet de l'album étant "Rice Rise", une cavalcade post-rock de plus de 8 minutes qui plonge aussi bien ses racines dans l'Afrique ancestrale et tribale, que dans tout ce que la musique occidentale a fait de bon ses trente dernières années. Après les éloquents albums de C.O.C.O. et Dub Narcotic Sound System, Kontpab est donc une excellente surprise. C'est aussi une nouvelle preuve de la vitalité de K Records, l'un des fleurons de la musique indé des 90's, qui poursuit ici brillamment sa route.

Mahjongg - Kontpab (K Records/Differ-Ant, janv 2008)

A noter que tout l'album est en écoute sur la page dédiée au groupe sur le site de K Records, ainsi que quelques uns de leurs meilleurs morceaux, sur leur profil myspace.

Frog Eyes n'avait jamais fait de clip avant celui-ci, peut-être parce qu'ils attendaient la parfaite métaphore visuelle pour leur musique. Ils l'ont trouvé pour le morceau "Idle Songs" ici illustré par des clochards qui souffrent, qui peinent mais qui, grâce à l'arrivée d'un homme en costume qui s'ennuie avec son saxophone, finissent par faire la fête et jouer les guitar heroes. Si Frog Eyes était un groupe de super héros, ce serait là l'origine de leurs super pouvoirs. De la souffrance et de l'ennui naissent l'art. En plus j'ai été vérifie, c'est exactement ce que racontent les paroles incompréhensibles que chante James Mercer. Je suis content de moi, je l'avoue.

Une longue enquête des stupéfiants de New York aurait selon le site AllHipHop.com révélé un secret de polichinelle : de nombreuses personnalités du hip hop parmi lesquelles Timbaland, 50 Cent, Wyclef Jean et Mary J.Blige feraient usage de stéroïdes. Ils ne devraient pas être inquiétés, les enquêteurs étant plus intéressés par les fournisseurs que les clients.

Ce qui est drôle dans l'histoire c'est de constater qu'un mec comme 50 Cent n'a pas peur de parler de coke dans ses raps mais a toujours passé sous silence les stéroïdes. L'un le fait passer pour un type qui n'a peur de rien et qui aime faire la fête, l'autre, craint-il sûrement, évoque un "tricheur" avec des biscottos guère plus vrais que les seins des filles dans ses clips et qui finira bientôt, si ça ne lui est pas déjà arrivé, avec de minuscules testicules toutes flétries et bleues et un grand besoin des services d'une pompe à pénis suédoise.

C'est aussi d'autant plus problématique pour fifty, qu'il tire une grosse part de ses revenus d'une eau vitaminée. Malheureusement cette eau ne contient pas de stéroïdes et le rêve d'avoir les beaux muscles de 50 Cent en la buvant après le jogging chaque matin risque de s'envoler pour des milliers d'enfants dans le monde si cette affaire s'ébruite. Ce serait dommage, hein ?

Last FM vient d'annoncer une nouvelle plutôt bonne qui suscite une réaction chez nous quelque part entre une excitation modérée et un baillement dubitatif. Comment devrions nous réagir, vraiment ? Difficile à dire. Au cours d'une conférence de presse mercredi, les dirigeants de Last FM et CBS (propriétaires de la web radio 2.0 depuis mai dernier) ont annoncé avoir signé des accords avec tous les plus gros labels et 150.000 indépendants pour développer une offre de streaming financée par la pub. En clair les morceaux dont vous ne pouvez pour l'instant entendre que des clips de 30 secondes seront bientôt écoutables en integralité à la demande... trois fois, après quoi on vous orientera gentillement vers Amazon, iTunes et consorts. Last FM propose déjà plusieurs millions de chansons et compte continuer d'en ajouter tant qu'il restera un morceau de musique qui leur échappera.

Un bandeau de pub ciblé (last FM en sait un paquet sur vous, rappelons-le) financera ces trois premiers streaming en redistribuant une part des revenus aux ayant-droits... du moins à quelqu'un, puisqu'on ne connait pas le contenu des accords passés, différents pour chaque label nous dit-on, et ce n'est pas comme si les majors du disque avaient l'habitude de rémunérer équitablement leurs artistes, en particulier dès qu'il s'agit des revenus du numérique. Et puis Last FM lance cette annonce après que Deezer et Imeem aient fait à peu près la même et que SpiralFrog perd des sommes astronomiques en streamant du Universal qui devrait être payé par la pub depuis longtemps déjà. En tout cas, ça montre un changement d'attitude de la part des majors qui ont abandonné le vieux réflexe de taper à gros coup d'avocat sur tout ce qui bouge sur le net. Reste à voir si Last FM parviendra à tirer suffisamment d'argent de la pub pour satisfaire leur appétit ou si les majors vont juste sucer le sang de Last FM avant de l'abandonner dans le caniveau.

D'un autre côté un artiste sans label pourrait tout aussi bien profiter du streaming de ses titres directement, comme Rien, par exemple, excellent groupe français qui marche plutôt bien sur Last FM ou encore nos chers Ask The Dust qui vont peut-être enfin être contents que je les ai poussé à s'inscrire. Les modalités de rémunération sont encore inconnues pour l'instant.

D'un autre côté encore, il n'y aurait selon Wired pas besoin d'être inscrit sur le site pour profiter du streaming, le décompte des trois streams seraient donc logé dans vos cookies et il suffirait de les effacer (ctrl+shift+suppr sous firefox) pour remettre le compteur à zéro et réécouter les chansons autant que vous voulez. Mais ça serait de la triche, évidemment.

Parlons funk ! Le cœur de l'hiver est la meilleure période pour aborder l'anti-house déglinguée et exubérante de Luke Solomon. Quand on dit, Solomon on pense "Freaks" bien sûr. Tout le monde, ou presque, devrait se souvenir du projet housey et punky qu'il menait avec son compère Justin Harris. Hé bien non, tout le monde ne s'en souvient pas, justement ! Malgré un succès d'estime le dernier album du duo ne s'est malheureusement pas vendu, ce qui a fortement découragé notre producteur. Qu'à cela ne tienne, grâce au soutien inconditionnel de Damian Lazarus et de Matt Edwards, aka Radio Slave, l'Anglais s'est remis sérieusement au travail et accouche ces jours-ci de l'épatant The Difference Engine. Freak out !

The Difference Engine tout d'abord c'est le titre d'un fameux roman steampunk (pour faire court, "du cyberpunk à l'époque des machines à vapeur", ou de la "science-fiction victorienne", si vous préférez) écrit à quatre mains par deux maîtres de la SF contemporaine, Bruce Sterling et William Gibson. Luke Solomon avoue s'être livré à une lecture assidue de l'œuvre, y piochant d'édifiantes leçons pour un premier album solo qui restera comme l'un des trucs les plus dingo qu'il nous ait été donné d'entendre dans le champ de la "house music". Attention, ce projet ne manque pas pour autant de cohérence, au contraire. Solomon se livre ici à une exploration en règle de plus de 30 années, de patrimoine électronique, saluant la fin des 70's, surfant sur les 80's et appliquant ça et là les idées retenues durant les 90's. On y retrouve donc des clins d'œil à l'acid house made in Chicago ("Skins"), des accents disco et italo bien sûr, de l'electro funk très moite également, sans oublier des hybrides inclassables, fruits de divers d'expériences inavouables. C'est en quelque sorte le lègue panoramique électro global de Mr. Solomon aux futures générations. "This record is a message to young people, to people under the age of 25", annonce-t-il d'ailleurs sur "The Beat Goes". Entièrement mixé, l'album s'aborde comme un vaste continuum électro house baroque et déjanté. Pour le coup c'est vraiment "A Weird and Wonderful Trip into the Mind of Mr. Solomon" !

Solomon ne présente malheureusement presque aucun des morceaux de The Different Engine sur son profil myspace.

Le principal attrait du punk dans les années 1970 c'était l'idée que n'importe qui, même vous, pouvait prendre une guitare, une basse, une batterie et deux potes et jouer sa première chanson une heure plus tard. C'était révolutionnaire à l'époque mais franchement, dans ce nouveau siècle qui est le nôtre où un groupe ne peut jamais être qu'un des nombreux onglets ouverts dans l'explorateur de notre vie et où on fait passer notre speed du petit déj' avec du Red Bull importé illégalement juste pour pouvoir tenir le rythme de productivité minimal requis sans perdre la trace de ce que font nos deux cent potes sur Facebook, qui de toute façon habitent tous très très loin et n'ont pas plus de temps à y consacrer que vous, qui peut encore consacrer une heure à la formation de son groupe punk ?

Punk-O-Matic et heureusement là pour combler vos envies d'accords simples, d'arrangements minimalistes et de plans usés jusqu'à la corde, tout ça sans quitter votre bureau. Les "vrais" groupes punk encore en activité ne sont pour la pluaprt pas meilleurs que ce petit jeu flash.

Il sera encore question d'electronica, ici. A ce propos, relisez la chronique du Lazare, des Français Principles of Geometry si vous avez le temps. J'y constatais la quasi-disparition du genre dans la presse musicale et les médias. Les raisons sont multiples à mon sens, en voici quelques-unes : défection du public pour qui la laptop music et sa cohorte de logiciels est souvent synonymes d'expériences fastidieuses et de live ennuyeux. Engouement actuel pour les musiques de danse et de pur divertissement, l'electro-pop, l'electro-rock, la nu disco. Avènement d'une vague de revival sans précédent, rééditions à l'appui. Bref, la musique (ou plutôt "les musiques") électroniques d'aujourd'hui explorent des territoires assez vastes et riches pour satisfaire à elles seules toute une vie de mélomane. C'est un fait, l'electronica, avec ses expériences acoustiques, son abstraction et son pouvoir sur l'imaginaire, résonne peut-être un peu moins qu'hier dans nos esprits saturés d'information. Musique profondément futuriste, elle renvoie paradoxalement aux années d'avant 2000, quand nous scrutions encore l'avenir incertain à l'aune des récits de science-fiction cyberpunk et autres fantaisies numériques. Plus généralement, il faut croire que cette scène fait désormais partie de l'underground électronique, au même titre que l'ambiant ou le dub électronique. Pour autant le genre n'est pas mort, il a juste changé de stratégie, évoluant sur l'infinie table des éléments des sons. S'alliant avec la pop ici, avec le hip hop là. Explorant toujours et encore de nouveaux territoires, ceux de l'analogique, du live, de l'instrument retrouvé. Se faisant plus organique enfin, à l'image de cet album de Kel Mckeown alias Kelpe chez DC Recording.

A vrai dire Mckeown n'en est pas à son premier album et certains d'entre vous connaissent certainement déjà ses travaux sous le nom de Kelpe. En 2004, il nous gratifiait de Sea Inside Body, un album au titre révélateur, qui affichait déjà une obsession latente pour le lent balancement du flux et reflux du monde aquatique. En 2005, il récidivait avec Sunburnt Eyelids, un album remarquable sur lequel on comprenait que cet artiste discret risquait d'acquérir une réelle importance à l'avenir. On ne s'était pas trompé. Retour "à la source" pourrait-on dire, puisque l'élément liquide semble encore une fois le thème de cet Ex-Aquarium touchant. Oscillant constamment entre electro analogique, folk synthétique, psychédélisme et néo-Krautrock (parfois dans un même morceau), l'album reste profondément fidèle au dogme electronica, tout en ouvrant de nouvelles perspectives et en proposant d'autres pistes. Sur le poétique "Yippee Space Ghost", que l'on avait déjà pu découvrir sur la compilation de l'été 2006, Death Before Distemper (chroniqué dans nos pages), "Whirlwound", "Bread Machine Bred", "Skylla" ou "Shipwreck Glue", Kelpe insuffle un peu de funk et de folie dans des pièces hybrides par le biais d'éléments décalés, break hip hop, cow bells, ambiances capturées live. Comme chez beaucoup d'artistes signés chez DC Recordings, la musique de Kelpe doit beaucoup aux vieilles machines, oscillateurs et autres synthés vintage. Le résultat c'est une musique mouvante et émouvante, souvent joyeuse et en un mot vivante, parée d'une touche organique inimitable, encore accentuée par son passage derrière la batterie et la présence de nombreux musiciens invités. Avec Ex-Aquarium, Kelpe confirme donc tous nos espoirs et s'impose tranquillement comme le digne héritier d'une génération de producteurs electronica aventureux, assez humbles cependant pour ne pas oublier de rester accessible.

Kelpe - Ex-Aquarium (DC Recording/La Baleine,fév 2008)

Découvrez Kelpe et la galaxie DC Recordings sur myspace.

Commençons cette notule avec une pensée émue pour Appalousa, première partie de Cat Power qui a du interrompre son concert après une demi-heure de "bugs" techniques successifs. Ce sympathique duo electro-toy-pop (oui c'est de moi) méritait mieux (comme on pourra en juger ici).

Ceux (dont nous sommes) qui n'ont jamais vu un concert approximatif de Cat Power - voix de teigne fragile, mélodies rêches et fesses vissées sur une chaise - doivent se faire une raison : ça ne leur arrivera jamais.
La Chan Marshall 2008 est une professionnelle sûre de son talent.
Sur la scène du Bataclan, elle a donné un concert millimétré accompagnée de quatre musiciens aussi doués que banals.
La Chan Marshall 2008 peut sautiller (plutôt bien), s'adresser à la régie et dans la seconde reprendre son chant sans baisser d'une octave, ou encore prendre des poses parfaites pour les téléphones portables.

Cat Power a probablement gagné en puissance ce qu'elle a perdu en spontanéité maladroite, moyennant quoi son concert fut parfaitement carré et abouti.
Malheureusement, côté musique, si les accents "soul" ne nous avaient pas toujours convaincus sur album (c'est notre faute), on s'est pris à les regretter pendant ce set "blues-rock" composé essentiellement de reprises issues de Jukebox : "Aretha, Sing for me Aretha", "New York", "Lost someone"...Autant l'album permet à Chan de glisser les morceaux dans son propre univers esthétique, autant en live, tout finit par se confondre.

A de rares exceptions près, comme le cover magistral de son propre "Metal heart", la réussite des morceaux ne tient qu'à la voix soufflée d'une fille qui nous séduirait même en chantant le bottin accompagnée de bluesmen sourds. (A ce stade de l'article il convient peut-être de préciser qu'on a beaucoup aimé ce concert).
Quand cette voix s'arrête, tout menace de basculer à nouveau, dans la réalité prosaïque des solos longs et des blues piétons. Heureusement le chant reprend toujours.

Après une quinzaine de morceaux et un rappel stonien ingénieux ("Satisfaction") Chan quitte la scène les bras chargés de cadeaux et des fleurs qu'elle n'a pas jetées au public acclamée par des fans qui suivraient cette voix n'importe où.

Sur le mag, la chronique de Jukebox

Photos via Photosandgiggs

Le meilleur groupe de trip-hop de.. Douvres est de retour avec une flopée de nouvelles nouvelles voix qui ne parviennent toujours pas à faire oublier les belles heures de Skye Edwards et l'époque Who Can You Trust?, Big Calm. En ces temps éloignés (en 1997-1998), les Morcheeba avaient failli devenir le groupe le plus cool et le plus zen du monde : Skye chantait comme une déesse de la sensualité des titres comme "The Sea", "Friction" ou "Bullet Proof". Morcheeba donnait des frissons et pas que ça. Puis Skye Edwards est partie ou a été virée par les têtes pensantes du groupe, les frères Paul et Ross Godfrey, manitous du son du groupe, alors trip-hop et pionnier, tourné en 2002 (album Charango, qui précipita le départ de Skye) vers la soul, la soupe planante et la bobomusique. Après un The Antidote qu'on a à peine écouté (c'est mal) et une série de compilations best-of, le duo a rempilé avec un nouveau système à la Zero 7 ou à la Death In Vegas, sans chanteur fixe mais en adoptant la bonne vieille technique du roulement des langues.

Du coup, Dive Deep, ce 7ème album, ressemble à tout sauf à un album homogène. Les guest stars ont des voix si singulières et différentes qu'il devient impossible de trouver une unité d'émotion ou un ton à l'ensemble. La voix sublime de Judie Tzuke, présente sur 2 ou 3 titres, assure le relais avec le passé du groupe du haut de ses 51 ans. Chanteuse révélée en 1977 par Elton John, Tzuke a une voix qui ne fait pas son âge et qui fait du single "Enjoy The Ride" une petite bombinette cool et érotique mainstream. "Blue Chair", sa deuxième tentative, est moins élégante et un peu molle du genou mais ne casse pas l'harmonie. A l'inverse, les morceaux assurés par le Norvégien (qu'on aime moyennement) Thomas Dybdahl sont un peu plus résistants à l'oreille. Présent sur 3 titres, le chanteur a un grain de voix pop folk qui ne se marie pas (c'est un avis personnel) au fond électro-soul qui lui est proposé. Son "Sleep On it" est un titre valeureux mais qui ne laisse pas de traces. "Riverbed" surprend en bien, tandis que "Washed Away" parvient enfin, après quelques minutes, à suggérer la mélancolie et la peine que les frères Godfrey auraient pu tirer plus tôt de son appendice nordique. Un peu plus loin intervient aussi une affreuse petite Française, Manada, dénichée sur Internet, qui nous ferait presque regretter Vanessa Paradis. "Gained the World" est oubliable mais l'original "Au Delà" (chanté en français comme il se doit) fait frémir. Les véritables bonnes surprises des chefs reposent, d'une part, sur le titre assuré par le rappeur Cool Calm Pete, pas si cool sur un "One Love Karma" impeccable et effrayant (une rythmique lourde comme la fonte - Prodigy sort de ce corps) et une série d'instrumentaux tout à fait intéressants. Le morceau de quasi clôture "The Edge Beyond the Ledge" est à cet égard une belle réussite de composition où les instruments traditionnels et les synthétiseurs se mêlent en toute quiétude. Dans ses meilleurs moments, le son Morcheeba, downtempo, réussit à reproduire les ambiances de bords de mer tristes et gais à la fois qui font le charme des rivages britanniques. Dans ses pires instants, il rappelle un trip halluciné et de mauvais goût au Buddha Bar ou un Archive pris en otage par une diva soul sous LSD.

Dive Deep est un album de "mood-music" (comme on appelle ça aujourd'hui) qui a ses bons moments et ne manque pas d'originalité et d'esprit d'exploration. Sans parvenir à refaire de Morcheeba un acteur incontournable des musiques électroniques ou du trip-hop, il les rend de nouveau fréquentables. L'enjeu de ce Dive Deep était de savoir si le groupe allait continuer de s'enfoncer dans le marketing souladelic ou relever la tête indie. Ni l'un, ni l'autre, à vrai dire, mais l'intention y est.

http://www.morcheeba.co.uk

http://www.myspace.com/morcheeba

Morcheeba - Dive Deep (Pias, fév 2008)

En ces temps de néo-disco, de nostalgie électro et de minimal techno (sans compter le retour de la deep house), qu'advient-il de l'electronica pure et dure ? Cette musique pour boite à musique digitale qui nous aura bercé durant toutes les années 90 ? A notre époque entièrement tournée vers le dancefloor et la fête, on aurait tendance aujourd'hui à oublier son importance au cœur de la scène électro. Depuis son acte de naissance en 1992 avec Artificial Intelligence, l'electronica aura été le laboratoire des musiques déviantes, celle qui émancipa la techno de son beat trop rigoriste, celle qui éloigna le post-rock des guitares et électrocuta, un temps, le jazz. La domination sans partage des musiques dansantes actuelles ne doit pas nous faire oublier qu'il ne s'agit que d'un moment dans l'histoire des musiques contemporaines. Que des artistes œuvrent encore dans l'ombre et veille à la paternité du genre. Autechre par exemple, revient en mars avec un nouvel album. On réédite Biosphere, Gescom, Black Dog et Bola. Boards of Canada doit bien nous préparer quelque chose pas loin. Et des petits nouveaux secouent la scène electro laptop de leur énergie juvénile. C'est le cas de Paralell ou de Principles of Geometry.

Il m'aura finalement fallu deux albums et la participation de Sébastien Tellier pour que je me mette à Principles of Geometry. Leur premier album éponyme, aussi bon soit-il m'avait laissé sur ma faim. Trop influencé par les susdits Boards of Canada pour réellement me plaire. Quitte à utiliser les mêmes machines, les mêmes sons, autant ne pas composer les mêmes ritournelles psychédéliques que ses prédécesseurs, n'est-ce pas ? Pourtant, sur ce nouvel album titré Lazare, le duo se détache progressivement de ses influences IDM analogiques (même si les veilles machines sont toujours là). Plus krautrock, tout de machines bourdonnante Lazare est une invitation à un périple nocturne ("Interstate Highway System") dont le sommet est le magique et mélodique "A Mountain For President" avec Sebastien Tellier au chant suave et vocodé (je dirais bien, "A Tellier for President", mais bon, c'est les municipales, et comme maire, il m'irait très bien aussi). Toujours est-il que Principles of Geometry évolue doucettement donc. Sur "Titan" ils lâchent des bordées de synthétiseur saturées au point qu'on les imagine bien transformer tout ça en noise electronique psychédélique et libre. Ça grésille, ça frotte, mais ça glisse aussi et puis quand ça décolle on s'extasie quand même de ses harmonies spatiales et spartiates en même temps ("Golem"). Ils nous surprennent aussi avec "Napoleon" sur lequel on retrouve Vast Aire, le MC des ex-Cannibal Ox et ça encore une fois, ce n'est pas rien ! On leur reprochera tout de même des morceaux comme "Colfax" sublime d'accord, mais qui sonne comme une reprise de Boards Of Canada, au point qu'une visite sur Discogs est nécessaire pour se rassurer, non, ce morceau en apesanteur est bien des Français. La suite est à l'avenant, douces comptines post-electronica (les machines sonnent tout de même plus vintage qu'à l'époque de Warp) mais tout ça reste un peu trop inspiré par l'école 90's pour vraiment nous coller au plafond. Reste un bon album qui aurait mérité un peu plus d'énergie et de résolution et un grand merci à deux artistes qui vraisemblablement veillent sur le genre pour nous.

Principles of Geometry - Lazare (Tigersushi/Discograph)

A écouter sur leur profil myspace, le remarquable "A Mountain For President".

Le même youtubeur qui avait réalisé les montages de "The Ten Most Ridiculous Things About The Beyonce Experience" et "Justin Timberlake is A Douchebag", deux analyses très documentés du jeu de scène de ces popstars et des points de vues solidement argumentés, "Céline Dion is Amazing" verse pour une fois dans la positivité. Ca peut pas être du sarcasme : elle EST VRAIMENT expressive, non ?

Nouveau single des géants du bizarre Excepter, groupe free dub jazz funk électronique de Brooklyn, "Burger" est une ôde à ce que l'Amérique produit de plus répugnant, la junk food, le bon vieux burger. Pas vraiment une ôde d'ailleurs puisque le groupe de John Fell Ryan se dit profondément engagé contre la voracité muette et aveugle du capitalisme américain dont l'ignoble sandwich serait selon lui l'emblême. Le morceau quant à lui est sorti chez Paw Tracks, label de Panda Bear, d'Animal Collective et c'est encore un grand moment de kraut-dub, moins funky que l'incroyable "The Rockstepper" mais non moins prenant. Le genre de truc hypnotique dont on voudrait qu'il ne s'arrête jamais. Alors, Excepter, bientôt chez DFA ? On va dire qu'on ne préfèrerait pas. Laissons les délirer - et se déliter - dans leur coin, ils ont franchement l'air d'y être très à l'aise et ça nous convient.

Allez savoir pourquoi, quand j'écoute Vultures de David Gilmour Girls, je pense immédiatement à "Owner of a Lonely Heart" de Yes, un de mes morceaux favoris honteux. J'avais 13 ans quand ce titre est sorti, et j'adorais le clip paranoïaque et gore, il faut bien le dire, de l'ex-groupe phare du rock progressif anglais qui s'essayait là à un mélange de rock FM et de synth-pop. Depuis, Diplo a joué le titre sur le fameux mix Fabric de Spank Rock et je n'ai plus honte ! ... enfin si, encore un peu... Mais là n'est pas le sujet ! Quand j'écoute David Gilmour Girls, je pense à Yes donc. En fait, je me marre aussi, et pour de bonnes raisons. La première tient au fait que j'imagine la tête de ceux qui ont eu le courage de me suivre jusque là (je les remercie d'ailleurs en passant pour leur patience, le moins qu'on puisse dire, c'est que cette chronique se fait désirer n'est-ce pas ?). La seconde vient du fait que malgré cette introduction oiseuse et sa comparaison foireuse, David Gilmour Girls est un excellent groupe. Bizarre, certes, mais réellement excitant. Signé sur Relish, vous savez la structure de Robi Insinna aka Headman, aka Manhead, dont nous ne disions que du bien il y a un an, le duo Jasper Uhl et Robin Van Der Kaa y signait le single "Heavy Metal Music Magazine" (hahahaha ! Rmmmh... désolé), qui valait déjà le détour. Bref, au-delà de l'humour et du second degré évident que cultivent nos deux compères (ils vont jusqu'à taxer leur musique de "chimie odieuse") David Gilmour Girls réalise une musique prenante, puissante même, que vous n'aurez certainement pas honte à écouter chez vous ou à passer en club.

Prenez la tuerie "Crimson As Murder" par exemple, également présente sur la compilation Relish, son rythme pulsé, ses basses synthétiques et sa mélodie tournoyante qui doit autant à Amon Düül qu'à Giorgio Moroder, c'est immense ! On pense immédiatement à Landcruising, le chef-d'œuvre de Carl Craig, entrant en collision frontale avec le Sound Of Silver de LCD Soundsystem, c'est dire la hauteur du propos ! Quant à "Young Rats" le hit pop de l'album, il évoque plutôt un mariage contre nature entre italo disco et les susdits membres de Yes, sans l'emphase ridicule de ces derniers. Le reste n'est que disco psychédélique (cosmic !) saturé de riffs de synthés déchirant la nuit, guitares overdubées et motorik sound ("Tune in Your Aura", "Tar & Feather", le fantastique voyage de "Skelter Skelter"), ballade vrillée ("The Vultures") sans oublier les morceaux de bravoure que sont "Like A Kiss From Mr Jesus" (le plus gras, un peu comme Kiss jouant du disco - ce qu'ils ont fait, ne l'oublions pas) et bien sûr, le grandiose "Heavy Metal Music Magazine", ses riffs de guitare synthé bourdonnant et sa basse hypnotique ! Une pure musique de machines métalliques assoiffées de gasoil, ou Metal Machine Music pour autobahn désertes et landcruising dans un paysage post-apocalyptique. Enorme !

Si Robin et Jasper ont bien retenu une leçon de l'union casse gueule du synthé et de la guitare du rock progressif, ils n'ont finalement gardé que le meilleur. Décidément, le bon mauvais goût n'est plus ce qu'il était. Pour vous en convaincre allez jeter une oreille sur leur profil myspace.

David Gilmour Girls - Vultures (Relish/Nocturne)

http://www.myspace.com/davidgilmourgirls

Soundtoys, c'est un jeu musical en flash complétement lo-fi et barré. L'interface est cheap et un peu mystérieuse : vous avez deux fenêtres (W1 et W2) et vous choisissez un instrument pour chacune d'entre elles : séquenceur, platine, clavier, cloche, noix, poulet... A partir de là, il y a un menu d'aide mais vous allez de toute façon devoir tatonner et c'est ça qui est marrant. Difficile de produire quelque chose d'écoutable mais c'est secondaire. Soundtoys, c'est un peu l'équivalent musical du jeu vidéo Wario Ware : un gros n'importe quoi très distrayant et inventif qui part dans tous les sens. En plus je suis persuadé que l'album de Yacht a été fait avec.

A l'occasion de la la sortie de la compilation Voyage, Facing The History of French Modern Psychedelic Music, Pan European Recording présente sa deuxieme Psyche Night au Point Ephémère vendredi 18 janvier 2008 !

Après le succès de sa soirée d'inauguration, et à l'occasion de la sortie de la compilation, Pan European Recording vous invite à la seconde édition de ses nuits psychédéliques. Autour de Tim Blake (Hawkwind, Gong, Crystal Machine...) accompagné de Turzi pour un concert unique, vous retrouverez les piliers fondateurs du label : les grandiloquents Aqua Nebula Oscillator, les cataclysmiques One Switch to Collision et les golden boys de Service. Lisa li Lund nous honorera elle aussi de sa presence. C'est donc toute la nouvelle et très active scène psychédélique française qui se trouvera réunie le vendredi 18 au Point Ephémère.

Ouverture des portes à 20h30
entrée 10 euros

Line up:

20h45 : Service
21h30 : One Switch to Collision
22h30 : Lisa Li Lund
23h15 : Aqua Nebula Oscillator
00h15 : Tim Blake with Turzi

Voyage, Facing The History of French Modern Psychedelic Music (Pan European Recording, distribution Pias) on en reparle bientôt !

http://www.myspace.com/paneuropeanrecording

"The Overdub Tampering Committe" qu'on traduira grossièrement par "Le Comité de doublage factice", c'est le nom d'un prétendu groupe de musiciens anonyme qui auraient depuis trois ans joué à télécharger les albums "leakés" sur le net dès les premières heures de leur apparition pour enrgistrer par dessus leurs propres instruments, rajoutant un solo par ici, une harmonie par là avant de diffuser leur version de ces albums le plus largement possible à peine quelques heures plus tard sans que personne ne s'en rende compte. A les croire il est fort probable que vous est moi ayons leur travail sur notre disque dur sans le savoir. Ils n'ont malheureusement fourni aucune preuve et leur affirmation est quelque peu difficile à croire. De toute façon, si c'est vrai, ces types sont très drôles et très malins et si ça ne l'est pas... quelle différence ? L'idée est libre et d'autres s'arrangeront bien pour que ce soit vrai bientôt.

On dirait une idée de Bill Drummond de KLF et il semble que nous soyons sensés en tirer une réflection ou un débat sur la musique, les téléchargements et toutes ces choses. Moi franchement je ne vois pas et la lecture du manifeste du comité ne m'aide pas beaucoup : ils écrivent beaucoup pour ne dire finalement que ça leur semblait un truc cool à faire. Vrai ou pas, donc, nous n'avons à faire qu'à une blague de potache. Dommage que quelqu'un de plus malin qui aurait pu broder une philosophie pour habiller sa démarche n'a pas eu l'idée en premier. Au moins quand KLF avait brulé un million de livre sterling sans savoir pourquoi, ils avaient eu la décence de partir en quête d'une raison à leurs actes ensuite. Les jeunes d'aujourd'hui ne respectent plus rien.

Réalisé en 1989 après (déjà) une floppée d'albums perturbants (au hasard, Locus Solus en 83), Naked City explose au sein de la scène jazz, free et rock de l'époque avec la soudaineté vicieuse d'une grenade à main lancée dans une basse cour de volailles transgéniques. Sa pochette déjà montrait une scène de violence urbaine somme toute banale à l'époque où Weegee, photographe freelance, traquait le sordide dans les rues de New York (les années 30 et 40). Un homme abattu dans la rue, mais est-ce encore un homme ? Un corps en tout cas, une enveloppe désormais vide. Le décor est posé. Au saxophone alto, John Zorn c'est un peu Fred Madison, le joueur de jazz atteint de jalousie paranoïaque de Lost Highway de David Lynch. Animé d'une rage qui ne dit pas son nom, Zorn défigure le Batman Theme et celui de James Bond (originalement écrit par John Barry), s'en prend au score du Clan des Siciliens d'Ennio Morricone (d'une façon presque respectueuse), attaque celui de Chinatown (un des meilleurs morceaux de l'album, quasiment zen) et s'inspire du Reanimator de Brian Yuzna, film gore culte des années 80. Bénéficiant du soutient logistique de Fred Frith à la basse, Bill Frisell à la guitare, Wayne Horvitz aux claviers et surtout de l'exubérant Yamatsuka Eye* au "chant" (hurlements conviendrait mieux), ce commando de choc s'inspire de tout ce que la culture américaine peu offrir de mauvais (violence, bruit, fureur) comme de meilleur (audace, créativité, liberté), en un mot, on assiste là, à une réhabilitation du jazz mais également à un hommage au roman noir.

Bien sûr une bonne partie de l'album tient plus du hardcore école Fugazi/Cop Shoot Cop (même si ces groupes n'existent pas encore à sa parution) que de ce qu'il reste du cadavre jazz réanimé de force sans respect aucun par ces suppôts de satan. Les âmes sensibles zapperont certainement l'album de "Reanimator" à "Speedball" le bien nommé, mais ce serait dommage de passer sur ces chef-d'œuvres bruitistes de quelques secondes, des titres comme l'incroyablement funky "Snagglepuss", "You Will Be Shot" rock'n'roll en diable, "Igneous Ejaculation" qui vous ramone les oreilles jusqu'au cervelet ou "A Shot in The Dark", d'Henry Mancini en version cartoon de Tex Avery. Tout ce bruit ne vient pas de nul part et Zorn contrairement à ce que laisse penser son disque a encore du respect pour le jazz, il le montre en reprenant l'incontournable "Lonely Woman" d'Ornette Coleman, son maître à penser. Finalement, ce qu'on retient de ce disque, après le plaisir, c'est son incroyable virtuosité, c'est l'aisance avec laquelle Zorn et sa bande passent de la noise music la plus impitoyable aux mélodies les plus divines comme sur ce "Saigon Pickup", beau à pleurer qui passe du piano solo à la country, au rock et au dub dans le même morceau, ou encore "Den of Sins" convoquant ambiant et free jazz hystérique, "Contempt" la reprise poignante de George Delerue, ou le metal bouillonnant mêlé de jazz saignant de "Graveyard Shift". Une succession de chaud et de froid, de douceur et de brutalité qui sied si bien à John Zorn, adepte des jeux sadomasochistes, en musique comme dans le privé. Et on finit par se demander si par delà l'impertinence, Naked City n'est pas aussi un hommage transversal d'un des plus grands saxophonistes de l'histoire du rock à la culture américaine. Ancêtre du fameux The Director's Cut de Fantômas (un autre grand disque de score cinématographique torturé) et album culte et bizarre indispensable, Naked City remet tout simplement le jazz à sa place dans la grande histoire des musiques populaires, l'imposant à nouveau comme une musique libre, urbaine et sauvage, profondément subversive et enfin, excitante !

*Eye, qui s'exprime aujourd'hui dans l'univers du neo disco en signant des édits stupéfiants sur le label Smalltown Supersound

John Zorn - Naked City (Nonsuch, 1989)

Plus d'infos sur Weegee, le photographe du sordide des rues new yorkaises, ici.

Formé en 1989 autour du guitariste chanteur leader Andy Cairns et du bon batteur Fyfe Ewing, les Therapy? méritent un peu mieux (mais juste un peu mieux) que le désamour dans lequel ils sont tombés aujourd'hui et qui vaut à leurs dernières sorties - Never Apologize Never Explain en 2004 et le bon One Cure Fits All de 2006 - une indifférence quasi-totale en dehors des cercles alternatifs. A réécouter Troublegum aujourd'hui, on se rend compte qu'il y avait un brin de subtilité dans ce quasi-metal là, comme la puissante reprise du "Isolation" de Joy Division, les astuces de production sur "Stop It You're Killing Me" et l'humour du "Knives" inaugural. On se rend compte qu'un album qui s'achevait sur une reprise en boucle et presque scratchée façon vynil de You're My Sunshine :"please dont take my sunshine away", ne pouvait être complètement mauvais. Surtout explose sur chaque titre le phénoménal travail de Fyfe Ewing qui donne l'impression d'avoir une demi-douzaine de paires de bras et de batailler ses fûts avec un impact de plusieurs tonnes au kilomètre carré. On peut imaginer que c'est la dissolution de cette force brute et primale dans un travail plus élaboré qui causa la perte de Therapy?, dès son album suivant, le pourtant estimable Infernal Love, produit à l'époque par le DJ, lui aussi irlandais, David Holmes et habilleur ambiant en chef de l'époque. "Loose", le single, et "Diane", une reprise de Hüsker Dü justement, sont des titres épatants et d'un impact étonnant. Therapy? absorbe littéralement les sonorités électroniques pour défoncer tout ce qui bouge, au point qu'on en arrive à trouver normal qu'Andy Cairns chante aussi mal. Le "Semi-detached" qui suit m'est inconnu, je l'avoue, et coïncide, ce n'est pas un hasard, avec le départ de Fyfe Ewing (officiellement parce qu'il en avait marre des tournées et des contraintes de la vie de pop star).

On raconte que c'est un album qui tient la route et qu'il marque là aussi une évolution du groupe vers plus de respectabilité (lisez "on y joue moins vite et moins fort"). Therapy? se casse alors la gueule commercialement et échoue sans maison de disques. Le groupe devient alors une version dure de Luke Haines et ses atrabilaires et produit un intéressant brûlot Suicide Pact - You First qui tape sur tout ce qui bouge. "He's not that kind of Girl" est un titre mémorable, comme l'évident et programmatique "Hate Kill Destroy". Puisqu'on n'a pas l'intention de les suivre pas à pas, on conseillera (très sincèrement) à ceux qui en ont envie, de se procurer la collection sortie en début d'année 2007 des BBC Sessions enregistrées entre 1994 et 1998 et intitulée Music Through A Cheap Transitor. En 28 titres, ce double CD permet de redécouvrir la machine de guerre à la fois affreusement vulgaire et limite insupportable mais aussi époustouflante qu'a été le groupe à cette époque. Sorte de best-of agrémenté de raretés, le double CD vous donnera notamment l'occasion de vous exploser les tympans sur l'exceptionnel "Innocent X" / "Meat Abstract" (morceau qui témoigne que les métaleux peuvent tutoyer l'expérimental) ou de vous fendre la pêche (et son noyau) sur le génial "Accelerator", l'histoire d'un camionneur qui n'a pas d'amis et s'en bat les couilles. L'univers sombre (dark, comme on disait alors) de Therapy? n'est pas quelque chose qu'on a fréquenté intimement mais qui, pour des titres comme... "Auto Surgery", "PrisonBreaker" ou encore "Teethgrinder", mérite de laisser une petite trace dans l'histoire du rock.

PS : juste au cas où vous vous poseriez la question, la présence insolite du "?" à la fin du nom du groupe a toujours suscité la curiosité. Parmi les dizaines d'explications possibles (des trucs sataniques, sexuels, métaphysiques et j'en passe), la plus crédible reste une stupide histoire de mise en place graphique sur le premier single autoproduit du groupe. Cairns aurait mal collé deux pièces composant la pochette et se serait retrouvé avec un espace idiot qu'il aurait comblé par un "?". Trouvant ça cool, il l'aurait gardé par la suite. Enfin je crois....

http://www.therapyquestionmark.co.uk

George Demure ne manque pas d'humour, sur son site on peut le voir, entouré de ses Demurettes. George porte des chemises western noires ornées de têtes de mort et aime "danser comme un fou", moi aussi (même les chemises, si si). George Demure se fait également appeler George Thompson, G. Thomson, George T. ou Plastic Avengers, c'est selon. Enfin George Demure est le fils de Richard Thompson, le fameux chanteur écossais, dont il a hérité des talents évidents de vocalistes et il ne s'en cache pas. Tout ça pour dire que ce George Demure est un personnage étrange et ambigu qui oscille dangereusement entre les mondes, l'electro, le rock, la pop et bien davantage encore. Déjà remarqué sur Tirk 01, la compilation du label du même nom, Demure sort enfin son premier album sur August Day, sous division "chansons" de la structure londonienne. Avant cela on avait pu suivre ses aventures sur Output Recordings, le label de Trevor Jackson. Tirk, Output, des références logiques pour ce fan de new wave (il remixe Soft Cell en 2001), mais aussi de funk, de rockabilly, de dub et de musique industrielle.

"I Think I'm In Love With Lauren Bacall", l'instrumental qui ouvre le bal de ce Boomtown Medallion au parfum de souffre, impose immédiatement une ambiance décalée, "A Rebours" oserais-je dire pour plagier le titre du fameux roman d'un autre dandy décadent, Joris-Karl Huysmans, des tendances actuelles. Sur les deux meilleurs morceaux de l'album, "Paperclip Millionnaire" - son rythme saccadé énergique et sa guitare fuzz - et "Heavy Traffic" - une cavalcade electro-rock échevelée - son phrasé précieux, sa voix chaude de crooner de retour d'after nous fait irrémédiablement penser, dans un genre plus rock'n'roll, à notre bon ami James Murphy de LCD Soundsystem. Ou un mélange du même Murphy et de Barry Adamson, pour les sonorités moites, l'amour de la soul et du funk blacksploitation, même si son groove est blanc. Il est clair que Demure a le don pour marier les contraires. Capable de perles d'electro pop mélancolique ("New Confrontation"), comme de tracks disco tordus pour diva poilue ("Dancing Like a Fool", "Check"), il signe avec la même aisance des reggae dub décomplexés sur lesquels il affiche toute sa nonchalance ("Sorrow"), comme de fascinants titres au style inclassable tels "Send Him To Memphis", sa boucle acide crade et sa contrebasse jazzy ou encore "My Baby's Gone", le titre rigolard, la pochade rockabilly du disque, dont Playlist vous offre gracieusement la vidéo (vous pourrez ainsi vérifier pour les chemises western).

James Murphy peut se rassurer, on ne sait pas ce qu'il sortira quand il aura 55 ans comme le disait un chroniqueur de Pitchfork, mais la relève, elle, est déjà là.

George Demure - Boomtown Medallion (Tirk/La Baleine, janv 2008)

http://www.georgedemure.com
http://www.myspace.com/demurettes

Nick Cave c'est un peu comme -et j'écris avec toute l'autorité de quelqu'un qui le connait mal- c'est un peu donc comme Edouard Balladur ou Raymond Barre sur la fin. Il a semble-t-il fait une croix sur son ambition d'être l'égal de Bob Dylan/Neil Young/Tom Waits. Oh, les critiques l'aiment bien mais, peut-être parce qu'il lui manque UN album définitif, il semble condamné à occuper un rang un peu inférieur à celui de ces trois-là. Comme Edouard qui ne sera jamais président, donc, il se lâche. Bon, Edouard Balladur qui se lâche, c'est pas génial non plus et c'est surtout très limité mais il est quand même beaucoup plus marrant depuis une dizaine d'années qu'à l'époque de "Je vous demande de vous arrêter". Nick Cave qui se lâche, par contre, ça nous a donné l'excellent Grinderman l'an dernier et maintenant ce clip "Dig, Lazarus, Dig", premier extrait de l'album du même nom sur lequel il retrouve les Bad Seeds. C'est drôle, c'est cool, c'est bon.

Il y a quelques semaines, l'ami Traske et moi-même nous demandions à quoi correspondait le terme "minimal" aujourd'hui ? Galvaudé, vidé de son sens, conspué même, depuis quelques mois, le genre phare du début des années 2000 cherche de toute évidence un deuxième souffle. Personnellement, j'ai toujours pensé que son avenir résidait dans la mélodie, comme Kompakt a si bien su le montrer l'an dernier. Histoire de me donner raison, Donnacha Costello sort providentiellement une compilation regroupant le meilleur de ses fameuses Colorseries, paru en maxi tout au long de l'année 2004. Donnacha Costello, que certains connaissent déjà pour ses productions sur des labels comme Mille Plateaux, Force Inc, Minimise, Kompakt, Raster Noton et bien d'autres. Autant dire, malgré une relative discrétion, que le bonhomme est loin d'être un novice.

A l'écoute de ces 10 titres impeccables, on a envie de dire : voilà la minimale qui fait mentir les oiseaux de mauvaise augure qui annoncent la fin du genre, celle qui cloue le bec aux râleurs et remet les choses à leur place. Rarement série aura aussi bien mérité son nom. Colorés, ses morceaux le sont. Le producteur irlandais qui débuta sa carrière en 1989 a d'ailleurs toujours su nous proposer une techno à la fois rigoureuse et chaleureuse, réellement dansante et toujours harmonieuse. Pourtant avouons qu'il n'est pas toujours été aussi convaincant sur le long cours d'un album, qu'ici, au milieu de sa collection de dégradés funky et j'ose le dire, carrément chatoyants. Bourré d'énergie positive, chaque morceau de Colorseries donne envie de lever les bras en l'air, de bouger la tête et de remuer gentiment les hanches. Même les titres les plus répétitifs comme "Pistachio A" ou "Grape B", se parent de mille couleurs, quant aux autres, les "Orange A", "Grape A", "Rubin Red B", ils oscillent doucement entre ritournelles minimales et electronica scintillante. Ajoutez un poil de progressive aux reflets trancey sur "Opal Sessions" (un inédit) avec ses nappes obsédantes, deux belles plages ambiantes sur "Cocoa B" et sa session cousine (encore un inédit) de la même chaude couleur chocolat, pour finir sur une note épicée avec l'electro naïve et cosmique de "Mustard B" et vous aurez de quoi vous faire monter le rouge aux joues. Costello réalise même un "Blue B" qu'on ne peut que concevoir comme un clin d'œil à Plastikman (période Consumed), magique !

Donnacha Costello - Colorseries (Minimise/Nocturne, déc 2007)

http://www.myspace.com/donnachacostello

Pardonnez-moi ce titre un rien racoleur, ce n'est pas très professionnel je l'avoue, mais bon, faute avouée, ... etc. (vous connaissez la suite). Impossible pourtant de vous cacher le ricanement incontrôlé qui m'a échappé à l'annonce du refus par le club Fabric, du mix album de Justice. Commandé par le prestigieux club pour son label du même nom, ce qui aurait dû être l'un des rares mix drivé par des Français (aux côtés de celui d'Ivan Smagghe) s'est vu émettre un avis de non-recevoir par Cameron Leslie, le patron du label. La raison ? Un mix trop court et surtout, deux titres qui vraisemblablement ne passaient pas, "Quand je joue" de Julien et "Vivre ou Survivre" par Daniel . Manquait que Michel Delpech (ne riez pas, je suis sûr qu'ils y ont pensé) et Didier Barbelivien, mais bon, il faut croire que "French Touch" ou pas, il y a semble-t-il tout de même des limites que la vieille garde francophone ne franchira pas, outre-manche.

Alors que pensez de ce refus ? A l'aune de l'intérêt que je porte au duo français chouchou des fluokids, je dirais, l'electro ne s'en portera pas plus mal, pourtant, on ne peut pas vraiment reprocher aux Français d'avoir essayé. Le reste de leur sélection n'ayant pas à rougir de celles d'autres label companions et on peut dire qu'elle est un poil plus originale que celle de leur compatriote Ivan Smagghe, qui au-delà d'un très bon mix, se contentait d'aligner les titres du moment sans se prendre la tête. Evidemment, alors que les podcast inondent la planète et que Ricardo Villalobos sort un mix Fabric qui est en fait un album, le format mix sur disque en prend un vieux coup derrière les oreilles. L'idée n'était peut-être pas si mauvaise. Reste que si comme moi vous écoutez par curiosité (ou par passion, n'ayez pas honte) ce qui est devenu par défaut le Justice Xmas Mix, diffusé gratuitement sur le net et aussi connu comme "the rejected Fabriclive 37", je vous conseille tout de même de zapper la plage 14 et 15, sous peine de rejet des tympans, saignement des oreilles et crise d'urticaire aggravée.

Une bonne nouvelle pour finir (quoi ? ce n'était pas ça la bonne nouvelle ?) : Après un tel refus, on est enfin rassuré, Teki Latex ne signera jamais un mix chez Fabric... Ouf !

Justic Xmas Gift tracklist :

01 Sparks - Tryouts For The Human Race - Virgin
02 Rondo Veneziano - La Serenissima - Universal
03 Goblin - Tenebrae - Cinevox
04 Daft Punk - Ouverture - Virgin
05 Surkin - Next Of Kin - Institubes
06 SymbolOne - Love Juice - SymbolOne
07 Korgis - Everybodys Gotta Learn Sometimes - Angel Air
08 Midnight Juggernauts - Ending Of An Era - Mindight Juggernauts
09 The Paradise Ft Romauld - In Love With You - Vulture
10 Justice - TTHHEE PPAARRTTYY (Acapella) - Ed Banger
11 Chic - Everybody Dance - Atlantic
12 Frankie Valli - Who Loves You - Warners
13 Das Pop - Underground - Das Pop
14 Julien Clerc - Quand Je Joue - EMI
15 Daniel Balavoine - Vivre Ou Survivre - Barclay
16 Richard Sanderson - Reality - Barclay
17 Zoot Woman - Grey Day - Wall Of Sound
18 Fucking Champs - Thor Is Like Immortal - Drag City
19 The Rave - Mother - The Rave
20 Fancy - You Never Know - Fancy
21 Frank Stallone - Far From Over - Universal
22 Sheila - Misery - Warners
23 Todd Rundgren - International Feel - Warners

Ce n'est pas que j'y attache une importance particulière mais plutôt que sa disparition est entourée pour moi d'un de ces mystéres insondables qui font aujourd'hui la civilisation. Star d'une saison, d'un jour ou d'un mois, les disparitions musicales pour le meilleur (Magali Vaé, les L5, Lionel Jaioubliésonnom de famille,...) ou pour le pire (la Saga Day One, l'excellent groupe trip-hop Earthling et d'autres) rythment l'actualité et d'une certaine façon notre rapport à la musique. Faut-il y voir l'encensement un peu trop rapide de personnages ou groupes qui n'en valaient pas la peine, n'en avaient pas sous la semelle, ou les effets pernicieux d'un système qui ne laisse pas le temps au temps, qui broie et malaxe les "créatifs" au point de les soulever un jour suffisamment haut pour qu'on les ait en ligne de mire et de les écrabouiller, ensuite, dans un rouleau tumultueux ? Faut-il y voir cette preuve cruelle que la malédiction warholienne des 5 minutes de célébrité n'est pas une connerie statistique ? Parmi ces (regrettés) disparus, Yannick est la figure emblématique d'une "étoile" qui a vu la lumière du jour avant d'être soufflée pour une probable éternité aux portes de l'an 2000. Son titre était assez mauvais, décalqué d'après Claude François évidemment, mais chanté avec suffisamment d'allégresse et de cool attitude (on se serait cru parfois chez les Was et leur "Walk Like A Dinosaur"), pour que même les plus rétifs à ce genre de hits industriels aient fait le pas de danse avec le jeune homme. Yannick était le visage même du bonheur lorsqu'il dansait sur les plateaux de télé. Se doutait-il ? Sur le net ou ailleurs, il apparaît quasi impossible de trouver autre chose que mille fois le texte de son unique hit, une vingtaine de vidéos où l'on peut essayer de revivre ce qui se passait autour de lui. Au présent (je ne parle pas même du futur), rien. Aucun signe. Aucune trace. Il est faux de croire que l'Internet dit tout sur tout. On y laisse des sillons sanglants mais ce n'est pas un instrument pour prédire le présent à tous les coups. A rebours, les paroles de "Ces soirées là" sont quasi prophétiques et mélancoliques. C'était il y a 7 ans et Yannick cherche toujours la lumière. Snif.

Ces soirées la!
Avant meme qu'elles aies commencées
On est déja dans l'ambiance et...
A peine entré sur la piste
On lance le dernier pas
Avec beaucoup plus de style
Que Travolta
Par contre soufflé dans la foule on part en r'connaissance
Et la seule chose a laquelle on pense
Chacun fait son numero
Pour en avoir un vite rentré sans rien , pas moyen.

Ces soirées là.

Janvier 2003 - janvier 2008 : déjà 5 ans pour M&CD la revue des Musiques et Cultures Digitales ! L'occasion, pour le magazine, de vous offrir un parcours au cœur des musiques électroniques en commençant par les artistes qui, depuis 20 ans, nous ont fait découvrir de nouveaux territoires : qu'il s'agisse de Thomas Fehlmann, couv' du mois et alter ego d'Alex Paterson dans The Orb (qui sort sous peu un nouvel album), ou de Sun Electric, le duo formé par Tom Thiel et Max Loderbauer, inventeurs de l'ambient-house. Vous pourrez également vous aventurer avec David Lollia, webmestre de Dubstep.fr, dans les méandres de la bass music et du dubstep à la française ; et continuer le parcours en découvrant le nouvel electro-dub hexagonal avec Thierry Arnold, créateur du label Sounds Around. M&CD termine son circuit à Montréal, avec Guillaume & The Coutu Dumonts, qui sort son premier album solo, Face à l'Est, le coup de cœur de la rédaction.

D'autres réseaux, d'autres artistes sont également à découvrir pour les arts numériques, c'est le cas de Calvacréation, plate-forme de création multimédia créée par Fabrice Croizé et Sabrina Montiel-Soto et la compagnie PuceMuse qui revisite la MAO en démocratisant la pratique musicale numérique.

Concernant les pistes, virtuelles cette fois, le magazine vous donne rendez-vous sur Second Life pour les soirées régulières "An Electronic Space", et dans la Maison des Métallos reconstruite à l'identique sur l'île Cultures Digitales, les 3 et 10 janvier, à 22h, pour Secousses Internes de Marie Menges.

Pour connaître les points de distribution et de consultation nationaux de M&CD (Musiques & Cultures Digitales), suivez ce lien et cliquez sur l'onglet "Distribution".

S'il est un groupe culte et oublié de la pop indé des années 80, c'est bien The Feelies. Originaire d'Hoboken dans le New Jersey, The Feelies se compose de Bill Million, Glenn Mercer, Keith Clayton et Anton Fier, batteur mythique qui accompagnera ensuite les fabuleux Lounge Lizard avant de fonder son propre groupe, The Golden Palominos. Cultes d'accord, mais qu'ont-ils de bizarre ces sympathiques garçons ? C'est très simple. A la manière des Talking Heads du début, ils incarnent une normalité en tout point opposée aux valeurs de la scène post-punk. Car Crazy Rythmns, leur premier album, a beau paraître en 1980, leur carrière elle, débute dès 78 ! Quand The Ramones pose en vestes trop petites et jeans déchirés et que Television s'habille dans les fripes, les Feelies eux, se contentent de prendre leurs guitares, de monter sur scène et de jouer. Pour visualiser ce quatuor, il faut imaginer l'anti-groupe absolu : quatre parfaits nerds au look de premier de la classe, blafards, lunettes, col en V et baskets de supermarché, à côté desquels les membres de Weezer passeraient pour une bande de motards dégénérés fans de Motorhead. Il y a bien une raison à cela, mais nulle stratégie. Pour Bill Million et Glenn Mercer cette normalité n'est pas une pose, la musique compte plus que tout, et le look "on s'en fout !" Alors que leur contemporains déconstruisent - ou détruisent - allègrement les fondations du rock, The Feelies, profondément inspiré par The Velvet Underground, mêle psychédélisme, pop et punk. Au premier courant, ils empruntent les circonvolutions volontiers labyrinthiques en donnant la première place aux instrumentaux, du second ils ont retenu les leçons d'harmonies, et pour ce qui est du dernier, ils ont gardé la vitesse.

Crazy Rythmns ! Le titre dit tout. Ici c'est guitares véloces et priorité au rythme, hymnes lyriques échevelés et accélérations impromptues qui, dès qu'elles commencent, semblent ne plus devoir s'arrêter. Sans oublier les percussions (3 musiciens sur 4 en plus du batteur). Côté lyrics c'est clairement l'économie de moyen, comme sur tous les albums qui suivront. En ce qui concerne les textes, comme en matière d'apparence les Feelies sont loin d'être expansifs et c'est principalement pour ça qu'on les aime. Car malgré ce mutisme, il est difficile, voire impossible, de rester indifférent à leur musique. Sur "The Boy With The Perpetual Nervousness", le morceau d'ouverture, un cliquetis de baguettes avance désarmé, préparant le terrain aux guitares énervées tandis que résonne l'écho lointain d'une tondeuse à gazon, reflet apaisé d'une adolescence ennuyeuse et lénifiante dans une banlieue plutôt aisée du New Jersey. On imagine aisément ces quatre garçons trop intelligents trépignant dans leur garage en composant "Fa Cé-La" qui restera certainement leur titre le plus punky. Il en fallait du talent et de l'imagination pour pondre ces chef-d'œuvres d'harmonie dans cette ambiance acculturée. Prenez les poignants "Loveless Love" ou "Moscow Nights", ou comment faire éprouver des émotions sans prononcer un mot ou presque. L'hypnotique "Forces at Work", avec ses guitares entremêlées jouant en constant contrepoint l'une de l'autre (un grand moment de psychédélique punk), ou les brillants "Raised Eyebrows" et "Crazy Rhythms" qui ferait passer Talking Heads pour un groupe de grabataires. Respectueux des grands anciens, tout en étant assez talentueux pour les adapter sans complexe, The Feelies reprennent aussi "Everybody's Got Something To Hide Except Me And My Monkey", extrait du double blanc des Beatles. Une version échevelée qui transcende largement l'original. Pour faire bonne mesure l'album se clôt sur une autre reprise, des Stones cette fois, en l'occurrence un "Paint in Black" éminemment respectueux (bien qu'encore une fois accéléré). Album magique de bout en bout, Crazy Rythmns est vraiment une perle oubliée des années 80. Leurs trois albums suivants seront plus classiques, mais tout aussi indispensables. S'il faut chercher des héritiers aujourd'hui, allez voir du côté de Weeding Present, ou plus près de nous Franz Ferdinand, mais soyez prévenus, aucun des deux ne leur arrivent à la cheville.

The Feelies - Crary Rythmns (A&M 1980)

PS : Incroyable, des fanatiques ont crée un profil myspace pour ce groupe oublié. Les morceaux présentés ne sont pas sur Crazy Rythmns, mais ils valent tout antant le coup d'être écoutés.

Et voilà un argument tout cuit pour les nostalgiques du vinyl et ennemi du CD : quand le vinyl sera définitivement mort, il n'y aura plus moyen de jouer à "tête de pochette", une distraction qui fait fureur à voir le nombre de commentaires sur ce site américain : http://community.livejournal.com/ohnotheydidnt/18729528.html.

L'activité consiste d'après la définition officielle donnée par l'inventeur de ce jeu à ce qu'"une ou plusieurs personnes cachent ou augmentent une partie de leur ou leurs corps avec une ou plusieurs pochettes de disques afin de créer une mystification." Si les résultats sont inégaux, l'idée est excellente et un bon moyen d'avoir des photos de ses stars préférés dans sa chambre (plus honorable que de participer à Fan 2 ou Rêve d'un jour, en tout cas).

Loin d'être la décennie morose et superficielle que certains tentent de nous dépeindre parfois, les années 80 furent aussi le laboratoire de notre modernité. Avant son décès en 2007, Jean-François Bizot a eu le temps, au sein d'un ouvrage, de rendre hommage à ces années à travers le mouvement culturel qu'est la New Wave.

Extrait : Outre de nombreuses formes artistiques innovantes et foncièrement originales, l'époque a en effet vu naître une véritable philosophie (passée largement inaperçue du grand public, il faut bien le dire) : la subversion par la norme. A l'échec patent du punk et contre la léthargie baba, la new wave prêchait pour un ultra conformisme provocateur et ironique. "Conform to Deform" disait Stevo, boss du label Some Bizarre, un slogan qui disait tout. Entrer dans la norme et le conformisme pour mieux le détruire de l'intérieur, parfois en le singeant à outrance. Jamais les principes situationnistes ne furent aussi près d'être appliqués à la lettre. Alors que le punk se targuait de nihilisme en crachant par terre, la new wave célébrait l'énergie atomique et le progrès technologique, tout en fêtant joyeusement l'apocalypse nucléaire et la fin de la civilisation humaine. Quand les babas prêchaient le retour à la terre et les valeurs authentiques, la new wave oeuvrait pour un avenir urbain déshumanisé et concentrationnaire afin de hâter sa fin prochaine et bannissait tout ce qui était "authentique" au profit de ce qui apparaissait comme superficiel et clinquant, moderne et innovant, futuriste et provocant. Pour tout cela, les années new wave furent sans aucun doute les années de l'outrance et du paradoxe, mais aussi des années expérimentales par excellence. (Lire la suite)

Que se passe t'il en Scandinavie depuis quelques années ? Les talents se cachaient-ils dans les caves et les discothèques underground, ou étions nous simplement trop aveugles (ou trop indifférents) pour voir ce qui était évident depuis toujours ? Passé Gus Gus, Björk ou Röyksopp, comment se fait-il que la Norvège, la Finlande, la Suède et l'Islande semblent se réveiller aujourd'hui, affichant une forme étonnante dans des domaines musicaux aussi divers et variés ? Le fait est que, de la pop au néo disco (je passe sur la scène doom et black metal des plus... hum, "vivante") ces pays regorgent de talents et d'artistes des plus ébouriffants. Ahurissant aussi le nombre de formations excentriques aux œuvres dignes d'alimenter pour 10 ans notre rubrique culte et bizarre. Je vous épargnerai la liste complète, mais impossible de faire l'impasse sur Lindstrom, Rune Lindbæk, Prins Thomas, Oh No Ono, Studio, Mari Boine Persen, Bjorn Tørske, 120 Days, Skatebaard ou Todd Terje (et j'en oublie volontairement). Comme je l'écrivais il y a quelques mois, est-ce le soleil de minuit qui leur tape sur la tête ? Les nuits trop longues qui les rendent tous dingues ? Toujours est-il qu'encore une fois, c'est l'extrême nord de l'Europe qui nous offre une belle tranche de funk electro mâtiné d'italo disco et de pop déviante en la personne, très étrange et totalement inconnu dans nos contrées, de Kasper Bjorke.

In Gumbo a tout de l'ovni. Sorti de nulle part sous une pochette réellement intrigante, ce premier album solo de Kasper Bjørke (il est également membre du groupe Filure. Qui ça ? Ok, oubliez...) est la carte de visite plutôt salement emballante d'un artiste polymorphe au charisme certain. Je sais, ça sent la formule, mais croyez-moi, c'est totalement sincère. Ce Danois filiforme d'une trentaine d'années que l'on imagine raisonnablement aussi fan de Prince que d'electro classique, accouche avec du genre d'album jouissif que l'on garde par devers soi. Pas par égoïsme, mais avec un peu de honte, de peur de se heurter à l'incompréhension de ses amis. Il faut dire que cette grande bringue frisée ne nous mâche pas le travail. Comme beaucoup de ses compatriotes (au hasard, Oh no Ono), Bjørke flirte constamment avec les limites du mauvais bon goût et pourtant, on se plonge dans cet album d'electro voodoo music avec un enthousiasme sans limite. Riffs de guitare 80 et synthés viriloïdes sur l'exubérante power pop de "Back & Spine" et son refrain entêtant (le hit de l'album), moiteur de backroom musquée sur l'incroyable "Humming Song" qui célèbre le croisement du funk le plus torride et des gargarismes traditionnels eskimos (la naissance du funk lapon ?), electro romantique et sensibilité new wave sur "Thunderstorm", cavalcade de percussions néo-disco et chœur gospel sur "Liquid Propagnosia", electronica primitive en mode Atari sur "Wombats" et "Lost Signal", punk-funk sur "Ctrl", italo sur "Igo Ugo" (autre sommet de ce disque hors normes), soul glaciale sur "Doesn't Matter", magnifique pour peu que vous n'ayez pas d'allergie à la new wave commerciale des années 80 et enfin pop psychédélique sur le mélancolique "Man My machine (The Requiem)". Sur le papier cela peut vous sembler disparate. Ne vous y fiez pas, In Gumbo est l'œuvre d'un type qui sait où il va. Il y a une logique, une unité de ton dans tous ses morceaux. Une patte, un style, une âme quoi.

Si vous aimez le gumbo, cette soupe de la Nouvelle-Orléans dans lequel marine un peu de tout, vous y serez ici à votre aise. C'est chaud, épicé, varié, il y a plein de truc bizarre dedans et on ne s'ennuie jamais.

Kasper Bjørke - In Gumbo (Plant Music/Discograph, oct 2007)

http://www.myspace.com/kasperbjorke

Découverts et lancés par The Cure (Lol Tolhurst notamment) au tout début des années 80, les And Also The Trees font partie (avec Wire, The Only Ones, entre autres) des quelques grands groupes mésestimés des 30 dernières années. Influencés par les sonorités post-punk (rural en ce qui les concerne) dans un premier temps, les And Also The Trees amorcent une belle mutation musicale en 1986 lorsqu'ils sortent l'album Virus Meadow. La texture de leurs chansons s'enrichit alors pour aboutir à une sorte de punk atmosphérique, tendu, lugubre et en même temps branché. La voix de Simon Huw Jones, leur leader et parolier, fait merveille dans un registre pas si éloigné de celle de Ian Curtis, grave et hanté, mais qui évoque parfois par ses déraillements la puissance de Nick Cave. Le lyrisme d'And Also The Trees est renforcé un peu plus tard par l'arrivée d'un clavier qui vient aérer un dispositif certes moins cohérent que celui des Mancuniens, mais tout aussi anxiogène. Inventeurs de la coldwave rurale ou du bucolic post-rock (courant auquel on rattachera plus tard nos chouchous de Hood), les And Also The Trees connaissent une carrière qui va crescendo jusqu'à la fin des années 80 marquée par la sortie du beau (mais un peu intello) Farewell to Shade. Les Trees se taillent alors un beau succès en reprenant à leur sauce le "Lady D'Arbanville" de Cat Stevens. Les années 90 marquent ce qu'on peut considérer (tout le monde n'est pas de cet avis) une dégringolade artistique. Comme les Cure, les Trees se laissent embobiner par des claviers, des orgues et autres trompettes envahissants qui cassent l'ambiance pour laquelle on les aimait. Après une pause de quelques années, les Trees sont revenus aux affaires avec un agréable Further From The Truth, en 2003, et un (dixième?) album enfin aussi bon que leurs anciens chefs d'oeuvre.

(Listen for) The Rag and Bone Man est un album précieux qu'il est plus facile d'écouter que de commenter. Enregistré (selon ce qui se dit) principalement dans un manoir (hanté) du XIème siècle en pleine campagne anglaise, puis terminé dans une église victorienne de l'East End, l'album bénéficie de la présence (vade retro synthetizer) d'instruments véritables. Une double basse a été appelée en renfort et donne une profondeur de champ aux harmonies du groupe. C'est d'ailleurs cette épaisseur et cette facilité à fixer les ambiances qui caractérisent cet album envoûtant. "Domed", "Beautiful Silence" et "Rive Droite" constituent un tryptique d'entrée tout bonnement sublime et qui nous projette d'emblée dans une campagne lugubre et hantée par des vents spectraux. La voix de Huw Jones donne le sentiment de se plaindre et de saigner vivant, comme on entendrait en se baladant dans la lande la voix d'un Heath Cliff en train de lâcher les chiens. "Mary of The Woods" est une très belle chanson d'amour qui s'ouvre sur le crépusculaire et plus dynamique "The Way The Land Lies". And Also The Trees maîtrise parfaitement les quelques montées d'adrénaline distillées ça et là et nous balade à sa guise entre des évocations de légendes romantiques ("The Saracen's Head") et des titres un peu plus légers (le moyen "Stay Away from the Accordeon Girl"). "Candace" évoque la fille sacrifiée et vénéneuse des romans de Faulkner tandis que la "Legend of Mucklow", titre très travaillé et carrément déstructuré, semble évoquer la vie d'un étrangleur (je ne suis pas sûr d'avoir tout compris). Le final "Man with a Drum" et "Under the Stars" vient de nous convaincre de l'excellence de cette musique, à la fois intouchable et parfaitement organique. La musique d'And Also The trees n'est jamais plombante et ne ressemble en aucune façon à ces conneries de groupes à vampires qu'on entendait il y a quelques décennies. Le son est riche et incorpore des textures jazz et des harmonies qui ne sont pas sans rappeler parfois les expérimentations de Sonic Youth. La voix du leader est à elle seule un instrument qui réussit à contourner sa relative faiblesse par une palette de modulations capable d'emmener les morceaux dans des genres différents.

(Listen for) the Rag and Bone Man, si on ne considère pas cette musique dépassée par l'époque (c'est notre cas), est un album post-gothique tout à fait recommandé, voire indispensable. Il a, en outre, le mérite de démontrer qu'on peut encore fait de bons albums dans des vieux groupes (ou de vieux albums dans des grands groupes), ce qui en ces temps de reformation à outrance, nous laisse pas mal d'espoir.

PS : pour info, le rag and bone man était un type qui passait dans les campagnes au siècle précédent en rachetant aux habitants les vieux vêtements et tout ce qu'ils avaient à lui abandonner.

http://www.andalsothetrees.co.uk

L'année 2008 commence bien. Une flopée de nouveautés alléchantes (Justus Köhncke, Hot Chip, Neon Neon, Zombie Zombie, etc.) et des rééditions croustillantes à la pelle, bref de quoi s'occuper durant les longs mois d'hiver. Commençons par les travaux du Suédois Geir Jenssen sous le nom de Biosphere. De 1991 à aujourd'hui Jenssen produit sous le nom de Biosphere des pièces si singulières que certaines n'ont pas pris une ride malgré les 13 ans qui nous séparent de leur création. Réédités aujourd'hui chez Beat Service, Microgravity, Patashnik et Insomnia sont d'ailleurs symboliques de toute une époque, celle des prémices de l'electronica, quand les compositions entièrement synthétiques d'artistes comme The Black Dog, Bola, Autechre ou B12 faisaient encore rêver. Initialement parus sur Apollo, sub-label ambient du mythique label belge R&S fondé par Renaat Vandepapeliere & Sabine Maes, Microgravity, Patashnik et Insomnia sont l'occasion de découvrir une nouvelle fois l'art de Jenssen, ses nébulosités (é)mouvantes, ses tempêtes au ralenti, son univers unique en constante expansion. Un art souvent imité (voir la série Pop Ambient de Kompakt dont nous parlerons bientôt) mais rarement égalé.

Au cours d'un long voyage immobile dans les grands espaces - espaces géographiques (l'arctique avec Cirque) ou espaces intérieurs (Insomnia), quand ce n'est pas l'espace profond (Microgravity aujourd'hui, Dropsond en 2006) - ce pionnier de l'ambient suédois déroule ses obsessions : Les terres désolées, le mythe de la conquête spatiale soviétique (Patashnik) et les interstices labyrinthiques de l'inconscient (Insomnia). Sur ces trois disques on retrouve ses mélodies ambients tellement belles et élémentaires (la plupart du temps de simples nappes) qu'elles donnent tout bonnement envie de pleurer (l'éponyme "Microgravity", "Cloudwalker II", "Cygnus-A" sur Microgravity, "Phantasm", "Startoucher", "Decryption" sur Patashnik). Notez qu'avec Jenssen, ambient ne veut jamais dire ennui; le producteur est aussi capable de morceaux plus enlevés flirtant avec une techno au ralenti (au hasard "Baby Satellite", "The Fairy Tale" sur Microgravity, la cavalcade dans le grand nord de "Novlety Waves" ou "Seti Project" sur Patashnik). L'ajout de voix sur la plupart de ses morceaux enregistrés entre 1992 et 1994 évoque l'influence qu'avait encore la musique industrielle sur l'électro du début des 90's. La rythmique downtempo quant à elle rappel les apports du dub, un courant omniprésent dans le vocabulaire musicale de l'époque (voir "The Shield" sur Patashnik, par exemple). Par la suite, ses travaux tendront vers l'épure, pour ne pas dire le minimalisme. Avec Insomnia, B.O. du film du même nom, sa musique sonne à la fois plus abstraite et apaisé.

La réédition de ses trois disques précieux est justement occasion de constater l'évolution des travaux au fil du temps, d'une techno éthérée (Microgravity) à la musique répétitive (Patashnik) puis à l'ambient immobile des moments en suspend d'Insomnia. Aujourd'hui, Geir Jenssen s'adonne sous son nom propre à la création de pièces electroacoustiques, voir concrètes, à base de field recordings (enregistrement de sons "naturels" in situ), généralement sur le très pointu label Touch, également responsable de la réédition du magnifique Cirque en 2006.

Biosphère - Microgravity, Patashnik et Insomnia (Beat Service/La Baleine)

La générosité du chanteur Morrissey est légendaire. Dur en affaires, paranoïaque et exigeant au point d'être resté de nombreuses années sans maison de disques avant son retour (commercialement) triomphal en 2004, Morrissey qui devrait sortir un nouvel album en septembre 2008 chez Decca/Polydor, avec l'affreux Jerry Finn à la production, s'est offert un soupçon de publicité-image en offrant 20 000 livres au Salford Lads Club dont il avait contribué à faire un monument historique mancunien en s'y affichant avec ses Smiths à la belle époque de The Queen Is Dead. Le club qui a regroupé jusqu'à 200 membres est en faillite et compte sur un plan de restauration à hauteur de 300 000 livres qui permettrait de sauver son bâtiment edwardien, dont le toit en plomb a fait l'objet très récemment d'un pillage en règle. Bien que les Smiths n'y aient jamais vraiment mis les pieds, le club avait ouvert il y a quelques années une pièce dédiée au groupe pop qui servait à la fois de mausolée et de pièce d'accueil pour les fans en villégiature.

Dans le même temps, et en attendant une tournée française en février (il reste toujours des places pour Clermont-Ferrand), Morrissey continue son bras de fer avec le NME, fournissant ses arguments avant un éventuel procès en diffamation qui pourrait lui rapporter pas mal d'argent et de capitaliser sur son succès en sortant en février un énième best-of. La nouvelle collection de chansons qui suit le World of Morrissey de 1995 épatant, le Suedehead Best Of de 1997 et le... Best-of de 2001 regroupe en grande majorité des titres récents et qui n'ont de best que le nom. Le Greatest Hits sortira en plusieures versions dont l'une agrémentée, semble-t-il, de titres live et sans organisation apparente. La tracklist principale a été dévoilée récemment et est des plus hasardeuses, incluant des reprises mineures comme "Redondo Beach" (Patti Smith), un inédit excellent "That's How People Grow Up", qui sort ces jours-ci en single, ainsi que des titres anciens et présents partout ailleurs comme "Suedehead", l'International Playboys ou le classique "Everyday is Like Sunday" ou plus récents comme "You Have Killed Me" ou l'affreux "I Want To See The Boy Happy". En bref, ce disque ne ressemble pas à grand chose et est servi par une iconographie surprise : une photo d'il y a 10 ou 15 ans d'un Morrissey jeune et fringant à des années-lumière de la beefy attitude actuelle. Le divorce n'est pas encore prononcé mais le long compagnonnage entre les fans que nous sommes et le King of Mopes a du plomb dans l'aile. Prochain rendez-vous en février à l'Olympia.

Tracklist du best of

1. FIRST OF THE GANG TO DIE
2. IN THE FUTURE WHEN ALL'S WELL
3. I JUST WANT TO SEE THE BOY HAPPY
4. IRISH BLOOD, ENGLISH HEART
5. YOU HAVE KILLED ME
6. THAT'S HOW PEOPLE GROW UP
7. EVERYDAY IS LIKE SUNDAY
8. REDONDO BEACH
9. SUEDEHEAD
10. THE YOUNGEST WAS THE MOST LOVED
11. THE LAST OF THE FAMOUS INTERNATIONAL PLAYBOYS
12. THE MORE YOU IGNORE ME, THE CLOSER I GET
13. ALL YOU NEED IS ME
14. LET ME KISS YOU
15. I HAVE FORGIVEN JESUS

Oui oui oui ! C'est le début d'une année et donc la fin d'une autre ; il fait froid, les terres gèlent et du coup les Taupes sortent de partout dans les jardins givrés. Depuis mon appartement riquiqui, je peux entr'apercevoir le carré d'herbe qui moquette la place de la Nation, et voici les Taupes que j'ai vu gambader en 2007.

Les Taupes globales :

Cocorico ! J'ai réussi sans me forcer à caser trois groupes/artistes français dans les dix taupes que j'ai plébiscité en 2007 (Rien, Thee Stranded Horse, Mendelson). Je suis aussi pour l'heure le seul membre du Flu Krew à avoir osé aimer le dernier Radiohead. Oui, ça ne va pas casser trois pattes à une taupe, mais je le trouve au final réussi ce disque. Sinon, rien de très surprenant, me direz-vous. Et vous avez raison.

01. Of Montreal – Hissing Fauna, Are You The Destroyer?
02. Saul Williams – The Inevitable Raise and Fall of Niggy Tardust
03. Rien – Il Ne Peut Y Avoir de Prédiction Sans Avenir
04. Thee, Stranded Horse – Churning Strides
05. LCD Soundsystem – Sound Of Silver
06. Do Make Say Think – You, You’re a History In The Rust
07. Vic Chesnutt – North Star Deserter
08. Radiohead – In Rainbows
09. Modest Mouse – We Were Dead Before The Ship Even Sank
10. Mendelson – Personne Ne Le Fera Pour Nous
11. Animal Collective - Strawberry Jam
12. Joanna Newsom – Ys Street Band E.P.
13. Pan Sonic – Katodivaihe
14. Devendra Banhart – Smokey rolls down thunder canyon
15. Panda Bear – Person Pitch
16. Fink – Distance And Time
17. The Bad Plus – Prog
18. Liars – Liars



Les Taupes s'en vont guincher :

Etant provincial depuis 24 ans au moins, je mets un point d'honneur à m'intégrer à la vie parisienne. Deux concerts seulement n'ont pas été vu à Paname. Pour faire croire à l'objectivité (hahaha) de ce classement, je n'ai pas listé la venue de Silver Mt Zion : ça fait depuis belle lurette que je ne devrais plus les classer tellement je suis fanatique.

01. Poni (Villette Sonique) (un collectif obscur qui fait des concerts performances incroyables !)
02. Young Blood Brass Band (La Maroquinerie)
03. John Zorn's Bar Kokhba + Acoustic Masada (Jazz In Marciac)
04. Do Make Say Think (La Maroquinerie)
05. Vic Chesnutt (Cigale)
06. The Eternals (Tryptique)
07. Mùm (Cabaret Sauvage)
08. Architecture In Helsinki (La Flèche d'Or)
09. Joakim (Les Siestes Electroniques, Toulouse)
10. Pan Sonic (Le Nouveau Casino)

Les Taupes le disent avec des fleurs

J'ai jamais pu faire de classement de chansons, je trouve ça con. Mais bon, avec le temps on devient moins crouton, et voici une tentative de classement de chansons d'amour qui m'auront fait voltiger les mirettes en 2007.

01. Peacebone d'Animal Collective (le meilleur clip d’amour de tous les temps !)
02. 1983 (Barbara) de Mendelson (la nostalgie ça a du bon…)
03. The Dull Flame Of Desire de Björk (n'en déplaise à Myosotis)
04. The Past Is A Grotesque Animal de Of Montréal (le type qui évite les lampes et les légumes lancés par sa copine ne peut être qu’un amant formidable)
05. Snow Bird, Majesty de Sufjan Stevens (c’est 2006, mais qu’importe ?)
06. All I Need de Radiohead (un excellent morceau de Sigur Ros !)
07. Se Repulen de Rien
08. Protection de Liars

SoundsCool n'est pas le premier blind test en ligne que je vous présente mais c'est jusqu'ici le plus addictif grâce à un petit détail qui fait toute la différence : vous concourrez en direct contre d'autres internautes et vous pouvez voir votre classement en direct. Le connard en moi apprécie beaucoup, même s'il n'a pas encore réussi à dépasser la dix-neuvième place. Il faut dire que le blind test est particulièrement difficile pour les gens de bon goût comme vous et moi puisque non seulement il vous sera demandé de reconnaître Kyo, Zazie (facile) ou Sean Kingston ("qui ça ?" me direz vous) mais en plus de nommer leur chanson. Etes vous capable de reconnaître un titre de Placebo d'un autre titre de Placebo ? C'est vraiment vicieux de nous demander ça. Vous l'aurez compris, la playlist ressemble à celle de NRJ et c'est ça qui rend le jeu si difficile et donc cool. A moins que vous n'écoutiez NRJ, bien sûr, auquel cas je ne peux rien pour vous.

Huit CD rien que ça, c'est ce qu'il a fallu à Universal pour monter cette intégrale splendide des sessions parisiennes de 1955 de Chet Baker et son quartet. Déjà en partie connues par un assez récent disque sélectif (qu'on conseille à ceux qui n'ont pas les 100 euros à investir dans l'intégrale), les sessions Barclay présentent un Chet jeune, fraîchement débarqué des Etats-Unis qui n'a évidemment encore rien à voir avec l'homme fantôme qui hantera le vieux continent 20 ans plus tard. Chet jeune comme Chet vieux parcourt pourtant l'Europe à un rythme de possédé, écume les salles et les bars pour jouer sa musique miellée, démontrant à l'Europe entière qu'il n'est pas que le nouveau James Dean mais possiblement le nouveau Bix Beiderbecke, le cornettiste maudit qui aura été le seul à opposer au jeu enfiévré d'Armstrong un jeu ralenti et aux notes flottantes. Invité par Barclay en étape parisienne, Chet s'associe tout au long de ces enregistrements à des jazzmen relativement peu connus et en devenir, français ou belges, (Jean-Pierre Chautemps, Pierre Michelot ou Bobby Jaspar) mais aussi au pianiste bostonien prodige Dick Twardzick qui décédera d'ailleurs entre deux sessions d'une overdose. Les collaborations incroyables entre les 2 hommes sont reprises en CD depuis longtemps et un titre hommage composé par Baker, In Memory of Dick, est repris ici.

Les morceaux rassemblés valent autant par leurs qualités musicales que par leur enveloppe : le coffret est tout bonnement superbe, agrémenté de textes et commentaires en anglais et français qui nous racontent cette époque bénie où l'esprit de Paris pouvait changer un artiste en or. Quelques photographies (jamais vues jusqu'ici ?) relèvent le tout et soulignent la grâce et la poésie du jeune Chet jusqu'à en faire un peu trop. N'oublions pas qu'en bon Dorian Gray, Baker a presque toujours dissimulé sous ses airs d'angelot un personnage assez peu recommandable, certes ultrasensible mais surtout très autocentré et capable de sacrifier à peu près n'importe qui (famille ou amour) à ses intérêts du moment. Toujours est-il que la musique n'en dit rien et est ici d'une luminosité et d'une fluidité étonnantes, quelles que soient les configurations. "Sad Walk" reste un grand morceau, "Cheryl" d'un romantisme à se tailler les veines au couteau à huitres et "These Foolish Things" un sommet de l'oeuvre du trompettiste. On regrettera toutefois, et comme souvent dans ce genre de coffrets "complets", que certains CD soient gorgés de versions alternatives ou cuts qui n'amènent pas grand chose à l'affaire : le CD 6 est à cet égard caricatural qui nous met "Dear Old Stockholm" à 5 versions d'Exitus et à 6 prises du moyen "Chik-Eta". Rebelote en CD 7 où on doit se farcir pas moins de 8 prises de "Anticipated Blues" et autant de "Cheryl". Il faut aimer beaucoup Chet Baker ou être un vrai spécialiste de son travail pour apprécier les nuances, les fautes de doigt qui émaillent ces enregistrements et ne pas regretter (infamie) que ce bel ensemble ait été ramassé sur 3 ou 4 CD et son prix diminué d'autant.

Reste que ces sessions Barclay sont un bel objet et un bel objet musical et méritent tout à fait de se faire acheter sur ebay ou sur ces nouveaux sites de revente de cadeaux de Noël. Il faudrait être un bon blaireau pour vendre ce coffret mais impossible n'est pas français.

Le principe de The SixtyOne est le suivant : à votre inscription sur le site, vous disposez de cent points que vous distribuez par cinq aux chansons que vous voulez parmi celles qui sont en écoute sur le site. Plus une chanson reçoit de points, plus elle est mise en avant sur le site et plus vous recevez de nouveaux points à distribuer si vous avez voté pour elle.

Au premier abord on croit avoir à faire au millionième site qui propose de nous faire découvrir de la musique à travers le consensus des auditeurs. Un concours de popularité, en somme. Sauf qu'en pratique, thesixtyone est avant tout un jeu : on est là pour gagner des points, si on découvre de la musique c'est juste un bonus. On se prend donc à investir ses points non pas dans nos morceaux favoris (désolé Menomena, j'ai bien fini par comprendre que moi seul vous aimais) mais dans les titres dont on présume du fort potentiel de popularité. Peu importe que la chanson soit bonne : au moment ou j'écris, la reprise de "Mr Blue Sky" d'ELO par Lily Allen réalisée pour la pub pour les machin-choses, est parvenue jusque sur la page d'accueil. Personne n'écoute vraiment ça mais ça cartonne parce que tout le monde croit que les autres le font. On appelle ça une bulle spéculative et même si ça a mauvaise réputation, si vous vous y prenez bien vous pouvez faire fortune. Mon conseil d'investissement : pariez toujours sur la médiocrité.

Notre collègue Philippe Robert est un veinard. Journaliste et critique (les Inrockuptibles, Vibration, Coda, Jazz Magazine...), infatigable explorateur des marges, le bonhomme sait pourtant prendre le temps. Le temps d'écrire (Rock - Pop, un itinéraire bis en 140 albums essentiels en 2006, bientôt une histoire de la black music, chez le même éditeur très bientôt...), le temps d'écouter (sa discothèque est exceptionnelle), le temps de jouer (il enregistre avec les Sonic Youth ou une bande de copains, des albums freeform freak out sous le nom de Magic Band Of Gypsys), bref, le temps de vivre. Praticien de l'anthologie musicale comme certains pratiquent l'entomologie (sa culture lui permet d'aborder sans peur les plus improbables bêbêtes de l'histoire de la musique), il nous offre aujourd'hui Musiques expérimentales, une anthologie transversale d'enregistrements emblématiques. Un livre présenté comme le précédent, sous forme de fiches richement détaillées des artistes abordés et de leurs œuvres majeures, superbement préfacé par Noël Akchoté. A elle seule, la préface et la quatrième de couv' du musicien vaut l'achat de ce livre ! C'est bien simple, cette introduction du fameux guitariste français, chantre de l'improvisation, est un des meilleurs textes jamais écrit dans ce domaine. Par delà la présentation du "genre" expérimental, qui par essence n'en est pas un bien sûr, puisque l'existence même de ces musiques est due à "d'indomptables réfractaires à toute forme d'académisme", Akchoté fait la part belle à la contradiction qui réside dans le fait même de parler de musiques expérimentales dans le cadre d'écoles ou de "styles". L'expérience étant par son fait même, totalement libre, et l'approche de l'auditeur, comme il l'écrit si bien, totalement subjective, contextuelle, historiographique et même biographique.

"Une anthologie comme celle-ci c'est un peu comme une cour de récréation. On n'est pas là pour faire ami-ami avec tout le monde. C'est le moment de vérité, en tête à tête avec l'autre. Au pire, on pourra toujours se faire son album perso des douloureuses, des impossibles et des mochetés. Au mieux, on se sera fait des petites listes et des notes de disques à trouver, que personne n'a chez soi." écrit-il en quatrième de couverture. Et c'est cette simplicité, cette sincérité qui séduit dans la démarche de Philipe Robert, loin de toute prétention et de d'académisme (forcément !), l'auteur échafaude sa petite histoire, tout en en respectant la nécessaire chronologie. D'où, certainement, le choix de présenter ces artistes hors-normes (au sens propre comme au figuré) dans l'ordre chronologique sans parti pris de genres artificiels. De fait, ce livre très complet, reprend où le Experimental music, Cage et au-delà de Michael Nyman, s'étaient arrêtés, puisque Philipe Robert, en plus de recenser les grands "classiques" de l'expérimentale (Russolo, Schaeffer, Isou, Varèse, Scott, Stockhausen, Lucier, etc), fait appel à ses plus "actuels" défenseurs. Citons par exemple Merzbow, Keiji Hano, Phill Niblock, Charlemagne Palestine, Loren Mazzacane Connors, DJ Spooky, Mimeo, Jim O'Rourke, Dean Roberts, Dominique Petitgand, Nurse With Wound, sans oublier l'aspect historique : du psychédélisme pré-ambiant (La Monte Young) à la no wave (DNA), en passant par le krautrock (Damo Suzuki), le post-punk (Throbbing Gristle, Public Image Ltd), les platinistes (Otomo Yoshihide, Martin Trétreault), l'improvisation (Derek Bailey, Joëlle Léandre) et les inclassables (Alan Licht, AMM, Musica Elettronica Viva, Taku Sugimoto). Une bible donc, une somme, allègrement écrite, dans un style fluide et plein de vie par un auteur tout à sa passion, la musique et rien que la musique. On a envie de dire, "exemplaire" ! C'est les fêtes il n'y a pas longtemps, offrez-le !

Philipe Robert - Musiques expérimentales, une anthologie transversale d'enregistrements emblématiques, éditions Le Mot et le Reste, avec le concours du GRIM.

Bo Diddley joue... "Hey Bo Diddley" et "Bo Diddley". A côté de ça, les Ramones sont des maximalistes.

C'est quand même moins chiant que Radiohead, non ?

Les gars de De La Soul n'étaient pas du tout "normaux" dans le hip hop de la fin des années 1980 et sorti aujourd'hui, leur premier album resterait certainement dans la marge mais, pendant une courte période, ces garçons ont cartonné et semblaient partis pour changer le cour de l'histoire du hip hop. Ce qu'ils ont fait, bien sûr, mais pas vraiment dans le mainstream. En 1989 si vous faisiez du hip hop vous étiez soit un Public Enemy, "conscient", aggressif, soit un Nigger With Attitude : inconscient, aggressif. De La Soul était "conscient" mais ni moralisateur ni trop sérieux et surtout n'aurait pas fait de mal à une mouche.

On les a souvent taxé de hippies à leur corps défendant et c'est vrai que ce premier album sent beaucoup l'herbe qui fait rire. Posdnuos, Trugoy et le DJ Pasemaster Mase ont truffé l'album de petits sketches absurdes et leurs raps parlent d'amour, de paix, des conseils de Mr Crocodile et Mr Ecureuil, du besoin d'utiliser du savon et de trous dans la pelouse. Même quand ils parlent du ghetto et des ravages du crack, ils gardent un ton léger, ludique et poli qui laisse les idiots croire qu'ils ne peuvent pas être sérieux. Pire que tout ça, ces mecs sont positifs : ils ne peuvent qu'être complétement défoncés, non ?

Au moins aussi iconoclaste, la production de Prince Paul et Mase a tout simplement révolutionné le sampling. Là où les autres n'utilisaient encore les samples que pour poser un beat ou un hook, 3 Feet... est parsemé de mini-samples de quelques secondes, très souvent utilisés pour une simple blague. Ces samples viennent véritablement de partout : Kraftwerk, Johnny Cash, Bill Cosby, Funkadelic... Le résultat est un véritable collage psychédélique, surréaliste, post-moderne et tout ce que vous voulez d'autre. Sur "Potholes In My Lawn" le hook est un mix de yodel et de guimbarde, tandis que "Transmiting Live From Mars" réunit de vieilles leçons de français et "You Showed Me" des Turtles.

Ce dernier sample causera malheureusement beaucoup d'ennuis au groupe et la fin de l'âge d'or du sampling : suite à un procès fait par les Turtles à De La Soul, il est désormais nécessaire aux USA comme en France de demander l'autorisation d'un artiste avant de le sampler. Les licenses Creative Commons étaient encore loin. Ces problèmes judiciaires et les accusations de "hippie" ont mené à la sortie plus de deux ans plus tard de De La Soul Is Dead, un album qui riait très jaune, un autre chef d'oeuvre, sans aucun doute, mais plus un chef d'oeuvre du bizarre.

L'electro ! Un gros morceau ! On a tendance en effet à oublier qu'il s'agit bel et bien d'un genre à part entière avant d'être une étiquette fourre-tout pour "musiques électroniques" (comme le fut "techno", un temps), ou un tag pour notre blog Playlist. L'electro en effet, c'est cette musique rythmique à la syncope si particulière, à la fois mécanique et groovy, dont certains diront qu'elle descend des Allemands de Kraftwerk, d'autres de l'electro-funk d'Arthur Baker et Africa Bambaataa, d'autres encore l'affilient à l'EBM de Belgique et de Hollande, ou de la new wave et de la musique industrielle. Et en fait, l'electro, c'est un peu tout ça, et plus encore depuis la fin des années 80. Ses pionniers et fondateurs se nomment The Human League (première période), Marc Almond (Soft Cell), The Normal, Chris & Cosey, Man Parrish, Cybotron (Juan Atkins et Rick Davis), Mantronix, Cabaret Voltaire (pour n'en citer que quelques uns). Parmi les tenants actuels du genre, on peut citer (liste exhaustive) Patrick Pulsinger, Gerhard Potuznik, David Carretta, The Paralax Corporation, I-F, Bangkok Impact, Legowelt, Solvent, The Hacker, Anthony Rother, DMX Krew, Dopplereffekt, feu-Drexciya, ainsi que les labels Clone, Bunker, Good Life, Psi49Net, Viewlexx, Flexx, Radius et j'en oublie. Le genre a connu de multiples évolutions et croisements. De l'electro-indus à l'electro-pop, voire certaines formes de techno, l'electronica, et plus près de nous, l'electro-clash du début des années 2000 et l'electro rock actuel.

A sa manière, The Kings of Electro communie donc avec l'esprit electro tel qu'on l'entendait il y a presque 20 ans tout en nous conduisant logiquement à la découverte de ses développements contemporains. En réunissant deux des meilleurs producteurs actuels autour du genre, cette compilation s'impose également comme un excellent moyen de (re)découvrir une musique extrêmement riche et variée au travers de classiques ou d'inédits. Mais en plus d'être un excellent panorama de ce qui fait, ceux qui ont fait, et font, l'electro, cette double compilation marque aussi le grand retour d'un personnage qui s'était fait discret ces dernières années, j'ai nommé, Trevor Jackson, alias Playgroup. Si ce n'est son remix imparable du "Standing In The Way Of Control" de Gossip, ce producteur incontournable des années 2000, remixeur ultra sollicité et fan de Depeche Mode (certains se souviennent peut-être de son edit pour "Behind The Wheel" en 2003), s'est fait plutôt discret dernièrement. Il n'a cependant pas perdu son talent de sélectionneur et nous offre avec The History, le CD 1 de The Kings of Electro, d'impeccables retrouvailles avec l'electro des origines synthétique et vintage (Chris & Cosey, Tilt, Visage), funky (Just Ice, Whodini, Deee Lite) hip hop (Hashim, Dynamix 2), techno (Model 500) ou carrément expérimentale et inédite (les pionniers d'Original Concept, 1986 ! Energise Report...).

Sur le CD 2 (The present), Roman Fluegel et Joern Elling Wuttke d'Alter Ego explorent l'actualité et offrent une sélection plus rentre dedans en exposant les liens entretenus par la techno et l'electro. On retrouve donc des classiques de Maurizio, Daniel Bell, Dopplereffekt, Kenny Larkin, Robert Hood, Plastikman ou Acid Jesus (autre alias de Fluegel et Elling Wuttke). Autant dire qu'en la matière, hormis Grand Pubahs, Mu ou Low Res, nous sommes toujours plongés dans l'histoire, mais cela importe peu puisqu'au final le CD 1 comme le CD 2, excellemment mixés et pointus, sont deux bonnes raisons de se plonger sans compter dans l'univers foisonnant de l'electro.

The Kings of Electro compiled and mixed by Playgroup and Alter Ego (Rapster. Rec./ Pias, oct 2007)

Il y a des disques qui ont mis à peu près tout le monde d'accord en 2007 : ceux de LCD Soundsystem, M.I.A., Feist, Burial, Radiohead, Animal Collective, Panda Bear... Comme chaque année, si on a observé la musique par le plus large bout de la lorgnette on ne peut pas dire que l'année fut mauvaise. Elle ne l'est jamais. Quand on pense le contraire, c'est qu'on a pas assez bien écouté. On serait par contre bien en peine de dégager une tendance générale, un mouvement. James Murphy a bien tout un label derrière lui, M.I.A. a Diplo et Switch avec elle et Santogold aux basques, Animal Collective forme sa propre constellation de side projects, Burial, c'est le David Martinon du dubstep... Bref, on a des niches mais pas de tendances globales faciles à discerner.

La réponse facile à ce problème, c'est de parler du net et du téléchargement qui facilitent le communautarisme et le cloisonnement. Mouais, c'est peut-être un peu vrai pour ceux qui font la musique, qu'en sais-je ? Ceux qui l'écoutent par contre n'ont aucun problème à mélanger tous ces types dans leur top de fin d'année. On va dire que 2007 était l'année de l'éclectisme ou du "paraître éclectique" parce que vraiment, faire un top ten avec que des groupes à guitare, ça serait mais trop la méga-teuhon, quoi.

Mon Top Ten Album :

1. Menomena : Friend And Foe
2. Of Montreal : Hissing Fauna, Are You The Destroyer?
3. LCD Soundsystem : Sound Of Silver
4. Spoon : Ga Ga Ga Ga Ga
   
5. Saul Williams : The Inevitable Rise and Fall of Niggy Tardust
6. M.I.A. : Kala
7. Deerhoof : Friend Opportunity
8. Deerhunter : Cryptograms
9. Animal Collective : Strawberry Jam
10. Burial : Untrue

Mon Top Chanson dans le désordre (présenté par le nouveau widget de Hype Machine ! ) :

Je le reconnais, je n'ai mis ni "All My Friends", ni "Paper Planes", ni "Umbrella" rien que pour faire mon intéressant.

Mon Top des morts (sans classement, un peu de respect que diable) :

Karlheinz Stockhausen
Lee Hazlewood
Alice Coltrane
Oink
Fred Chichin
Tony Wilson
Ike Turner

Mon Top des albums dont je me demande ce qu'ils peuvent bien faire dans les tops des autres :

1. The National - Boxer
2. Wilco - Sky Blue Sky
3. Radiohead - In Rainbows
4. Band Of Horses - Cease To Begin
5. Justice -

Top des news :

Le truc chiant avec les palmarès de fin d'année, c'est qu'on a beau se croire indépendants, jeunes et rebelles, on a beau croire qu'on est des découvreurs de talent, des pionniers de la déniche et des éclaireurs de l'inéclairé, on revient vite à la réalité en alignant un palmarès qui ressemble à 2 gouttes d'eau près (Saul Williams et Von Südenfed, disons) à ceux que tous les webzines, mag-zines, blogs et autres sites indie-bobo-techno-rigolo de la planète ont pu aligner ces derniers jours. Pire que ça, nos goûts sont tellement mondialisés qu'on a même pas placé (qui en écoute?), un seul truc français, histoire de dire d'où on vient et depuis quelle tête d'épingle cosmoplanétaire, on communique. Ceci dit et alors ? S'il y a quelque chose de bien con, c'est le palmarès de fin d'année, le truc qui permet de se "retourner sur 12 mois d'émotions" et de réaliser qu'à force d'écouter de la musique on ne souvient plus des trucs qui étaient trop nuls pour qu'on s'en souvienne et que les trucs dont on se souvient ne dataient pas de 2007 (merde) mais de la toute fin de l'année précédente, voire encore de l'année d'avant.

Les 5 disques pop rock de l'année :

1. Plastic Operator - Different Places

2. Day One - Probably Art

3. Just Jack - Overtones

4. Editors - An End Has A Start

5. Babyshambles - Shotters Nation

6. Interpol - Our Love to Admire

7. And Also the Trees - (Listen to) The Rag and Bone Man

8. Prince - Planet Earth

9. Happy Mondays - Unkle Dysfunktional

10. Great Lake Swimmers - Ongiara

Les 5 disques que je n'aurais pas dû écouter et chroniquer (si j'étais pas payé pour le faire et n'aimais pas me faire insulter) :

1. Vanessa Paradis - Divinydille

2. Kylie Minogue X

3. Lorie et Alizée - 2Lor en moi ; Psychédélices

4. Duran Duran Red Carpet Massacre

5. Sheryfa Luna et Florent Pagny chante Brel (ces deux-là sont sur mes tablettes de début 2008, je vous aurai prévenu)

Mes 5 concerts préférés en 2007 (où je fais le snob qui va à l'étranger voir des concerts, avec mes s'miles gratos)

1. The Only Ones au London Shepherd Bush

2. Interpol au Forest National de Bruxelles

3. Frank Black à Paris en juin 2007

4. Prince au Koko de Londres en mai 2007 (oh, le mytho !). J'y suis pas allé mais c'est tout comme puisque j'ai récupéré le pirate sur Internet.

5. Dominique A l'Aéronef de Lille en novembre 2007 (parce que Miss Dominique elle a pas voulu de moi et que mes parents habitent tout près).

6. Les Happy Mondays à Paris au festival des Inrocks.

Soit une assez bonne année de ce côté là.

Les 3 trucs que j'ai toujours pas compris pourquoi c'était bien en 2007

1. Burial : Untrue (désolé, j'y arrive toujours pas)

2. Radiohead : In Rainbows

3. Teki Latex - Party de plaisir (si,si, certains ont écrit que ça valait le coup)

4. Katerine et son Studiolive.

5. Amy Winehouse la nouvelle voix de la soul

Les 4 événéments historiques de l'année 2007

1. La reformation des Only Ones;

2. Pete Doherty qui réveillonne le 31 décembre 2007 en buvant du thé vert et sans krach;

3. Jean-Michel Jarre réenregistre l'album Oxygène avec des instruments plus modernes et tout le monde s'en tamponne ou presque;

4. Kevin Shields annonce en novembre que My Bloody Valentine est réuni et que le nouvel album du groupe est près aux 3/4. (bah oui...)

Le meilleur pire site internet et de la semaine ! Devinez la date de la mort d'Amy Winehouse et gagnez un iPod ! Franchement, et c'est pas juste parce que je suis plus préoccupé par le 1er de l'an en ce moment, je ne vois vraiment pas ce que je pourrais ajouter. Ah si, mon estimation à moi : le vendredi vingt-et-un Décembre 2012, comme nous tous. Bonne année !