Archives > Juillet 2008

Bien évidemment, le choix de cet album culte et éminemment bizarre prête à discussion, j'en conviens. Encore une fois, choisir un album parmi les sommets d'étrangeté proposés depuis plus de 30 ans par Throbbing Gristle (qui jouait encore, en juin dernier à Paris pour Villette Sonique) est une gageur. Pourtant, j'ai choisi de jeter mon dévolu sur 20 Jazz Funk Greats, parce que c'est mon préféré d'une part, le meilleur à mon sens également et celui qui permet d'ouvrir les portes de la perception de l'auditeur moyen à l'univers torturé de ce groupe/collectif britannique mythique.

Fondé en 1975 sur les cendres encore chaudes de la machine à performance COUM Transmissions, Throbbing Gristle est composé de Genesis P-Orridge, Cosey Fanni Tutti, Peter "Sleazy" Christopherson et Chris Carter. Jusque là, rien que wikipedia ne puisse vous apprendre. Reste que ces individualités sont importantes, pour ne pas dire incontournables, au sein de la musique de la seconde moitié des années 70 et de toutes les années 80, voiree 90. Qu'il s'agisse de P-Orridge avec son projet Psychic TV et son implication au sein de la scène acid house anglaise puis américaine, ou de Peter Christopherson et Coil, ou encore des expériences proto-techno et electro de Chris Carter et Cosey sous le nom de Chris & Cosey, tous les membres de Throbbing Gristle et leurs activités annexent eurent un impact considérable sur la création musicale de ces 30 dernières années (et je ne parle même pas de l'art contemporain, ou plus concrètement encore de la fondation de leur label Industrial Records qui accueillis des outsiders terroristes comme Cabaret Voltaire, Monte Cazazza ou William S. Burroughs et dont la devise "industrial music for industrial people" devait influencer et essaimer une bonne partie des musiques électroniquesf d'alors et à venir !)

Autant dire que nous n'avons pas affaire à de l'anecdotique ici. Et pourtant, 20 Jazz Funk Greats se prête bel et bien à l'anecdote. La légende veut en effet que ce soit pour faire plaisir à sa maman que le leader du groupe, Genesis P-Orridge, ait composé ces 11 vignettes électroniques tantôt rêveuses, tantôt malsaines, tantôt ondulantes comme de minuscules asticots qui danseraient sous votre peau. C'est vrai qu'à l'écoute de cet album, on s'étonne d'y entendre les mêmes personnnes qui balançaient les traumatiques Music From The Death Factory By Throbbing Gristle en 1976 (sur cassette uniquement) ou les reports de D.O.A. (non, ce n'est pas Dead Or Alive), soit The Second Annual Report Of Throbbing Gristle et D.o.A. The Third And Final Report entre 1977 et 1978. Qu'il s'agisse des cotonneux "Beachy Head" et "Exotica" (Boards of Canada aurait pu les composer), du fameux "Hot On The Heels Of Love" ou de l'hypnotique et pervers "Persuasion", rien ici ou presque ne vient rappeler les abominations bruitistes, les saturations et les performances post-fluxus et proto-actionnistes des origines, si ce n'est, les textes de P-Orridge. Cela ne veut pas dire pour autant que 20 Jazz Funk Greats est un album inoffensif. Au contraire. Et ceux qui pensent encore que 20 Jazz Funk Greats est l'album favori de ceux qui n'écoutent pas Throbbing Gristle, ont à la fois tort et raison. Raison car, oui en effet, cet opus est plus facile d'accès que les précédents (et les suivants), tort car s'il existe un disque auquel convient le terme de "venimeux", c'est bien celui-là.

Ecoutez bien les mélodies minimalistes, tristes et glaçantes de "Convincing People", "Walkabout", ces boucles étranges, ce beat squelettique. Ecoutez les paroles de "Convincing People" ou de "Persuasion", gigotez sur la danse macabre de l'éponyme morceau d'ouverture ou sur "Still Walking", vibrer sur "Tanith" ou le post-punk de "Six Six Sixties". Tout ici, par son apathie, frise l'angoisse, frôle l'hystérie avant l'explosion de rage démente. 20 Jazz Funk Greats est la petite musique qui tourne dans la tête du serial killer juste avant qu'il n'abatte sa hache sur la tête d'un innocent. C'est la mélodie morbide de l'enfant qui berce dans ses bras sa mère morte depuis une semaine. Froid, vicieux, annihilant toute résistance, 20 Jazz Funk Greats réussira sa mission. Aujourd'hui, pas un mix sans "Hot On The Heels Of Love", pas une rétrospective des années 80 sans "Convincing People", un blog renommé consacré au post-punk s'appel même 20 Jazz Funk Greats. Et le groupe continu sa croisade... ça fait peur non ?

Throbbing Gristle - 20 Jazz Funk Greats (Industrial Records, 1979)

http://www.myspace.com/throbbinggristle

Dans le civil, la frêle et jolie jeune femme est attendrissante comme, je ne sais pas moi, un petit moineau ébouriffé par la pluie ? Fragile, timide, vulnérable... des adjectifs qui réveillent immanquablement les mâles instincts protecteurs. Mais dès qu'elle s'installe derrière son piano, Anja Plaschg déploie - filons la (superbe) métaphore ailée - l'aigle majestueux qui plane en elle. Et brusquement, le proverbial Instinct Du Macho se mue en fascination, puis en tréssaillement : bref, on fait moins le malin.

Cette Viennoise d'à peine 18 ans compose sous le nom de Soap & Skin des chansons aussi sublimes que bouleversantes. D'une tristesse infinie, "Spiracle", "Mr gaunt PT1000" ou "Cynthia" révèlent chez cette étudiante en art la puissance émotionnelle d'une Chan Marshall des débuts (époque Moon Pix), le tact lacrymo-folk d'une Sybille Baier, l'esprit prématurément torturé d'une Fiona Apple mais avec une solennité intimidante, un aplomb ténébreux qui rappellent la froide Teutone Nico.

Les superlatifs ne manquent pas pour qualifier cette artiste ultra-précoce, également adepte d'expérimentations electro. Sensation indie en Autriche, elle devrait sortir un EP fin 2008, puis un album en janvier 2009. Warnung, la stupéfiante gamine risque d'ensorceler votre hiver avec sa magie noire.

Mouvement machiste par excellence, le Hip-Hop a toujours eu du mal à faire de la place aux filles. Ces dernières ont souvent dû se battre pour faire entendre leur voix. Playlist leur rend hommage dans cette série 100% ladies.

Quand on parle musique, le prénom Roxanne fait généralement référence à la célèbre chanson éponyme de The Police qui raconte l'histoire d'une prostituée du Sud de la France. Pour tout fan de Hip-Hop qui connaît ses classiques sur le bout du doigt, il évoque surtout une pionnière du rap au féminin, Roxanne Shanté, qui connut son heure de gloire dans les années 80 en bottant le cul de ses collègues masculins.


Si les Lil' Kim et autres Missy Elliot jouaient les castratrices dans les 90's, une gamine de 14 ans faisait déjà la nique aux machistes Hip-Hop à l'époque où le mouvement n'en était encore qu'à ses balbutiements. C'est en effet à ce tendre âge que la petite Lolita Shanté Gooden a explosé à la face du rap en s'attaquant au groupe UTFO et son tube "Roxanne, Roxanne". Kangol Kid, Educated Rapper Doctor Ice y racontaient leurs vaines tentatives de séduire une jeune fille nommée Roxanne. Ce qu'ils n'avaient pas prévu, c'est qu'elle allait se personnifier pour les humilier en public.


Chaperonnée par le légendaire DJ Marley Marl et les membres du Juice Crew, la fly girl du Queens se paie donc la tête du trio sur "Roxanne's Revenge" (1984). Le succès est immédiat (250 000 copies écoulées à New York). Shanté se produit un peu partout dans le pays et une centaine d'autres réponses fusent dans les bacs signées par "The Real Roxanne", "Roxanne's Brother" ou "The Parents of Roxanne". Les "Roxanne Wars" sont le premier clash sur disque d'une telle ampleur et précèdent les fameuses "Bridge Wars" qui opposeront peu de temps après le Juice Crew au BDP de KRS-One.


A vrai dire, le culot et la verve de Roxanne n'avaient guère de limites. Epinglée par KRS dans "The Bridge Is Over" en tant que membre du Juice Crew ("Roxanne Shanté is only good for steady fucking"), elle n'hésitera pas à s'attaquer au Blastmaster en personne sur "Have A Nice Day" (1987), comparant même son nom (KRS-1) à ce lui d'une "station de radio pourrie", à une époque où Kris pouvait stopper une carrière en quelques rimes. Un peu plus tôt, elle avait même cité LL Cool J, Kurtis Blow ou Run DMC sur le titre "Bite This" (1985), s'imposant sans doute comme la première rappeuse féministe et un des talents les plus précoces de l'histoire du Hip-Hop. Même si, ironie du sort, bon nombre de ses textes ont été écrits ou co-écrits par des hommes.


Bien sûr, sa carrière s'écourta au tournant des années 90 et son dernier titre important, "Big Mama" où elle s'en prenait violemment à ses concurrentes (MC Lyte, Monie Love, Queen Latifah), était une attaque plus aigrie que subtile. Mais Roxanne Shanté reste donc la première référence des female MC's et un acteur respecté du mouvement encore actif malgré son diplôme de docteur en psychologie. Une reconversion qui lui a peut-être permis de comprendre pourquoi elle en voulait autant aux hommes...

Paul Westerberg était peut-être saoul quand il a eue l'idée de prendre une poignée des enregistrements qu'il accumule parait-il à un rythme effrenné dans son sous sol et de les mettre bout à bout dans un seul mp3 de quarante-neuf minutes. Il devait en tout cas sûrement être saoul au moment de faire le montage puisque les chansons se chevauchent ou sont coupées en plein milieu, signe certain que la main qui tenait les ciseaux tremblait et que celle qui était censée tenir la bande était déjà bien occupée avec un verre de scotch. Résultat, l'album/mp3 s'appelle "49:00... of your time life" et s'achète en ligne pour 49 cents de dollars (soit 33 cents d'euro) mais ne dure effectivement qu'un peu moins de quarante quatre minutes.

Peu importe, dans ce package tout sauf deluxe, on trouve quelques unes des meilleures compos récentes de l'ancien Replacements enregistrées à l'arrache, souvent juste en duo guitare/voix, ainsi qu'un pot pourri de reprises de classiques du rock.

Ironiquement, les distributeurs de musique en ligne qui pressent tout le monde pour baisser leurs prix, iTunes en tête, ont presque tous refusé de vendre un mp3 si peu cher. Il n'est donc disponible que sur le site Tunecore et celui d'Amazon (.com, même pas .fr). Vous ai-je déjà dit que qu'il y avait quelque chose de pourri au royaume du music biz ?

On savait que le leader conservateur britannique David Cameron était un fin connaisseur des musiques de son pays et plus généralement de rock pop. Ses déclarations d'amour envers plusieurs groupes et personnalités musicales avaient déjà été relayées par les médias, qu'il s'agisse de son affection pour les Smiths, son goût pour Bob Dylan, Johnny Cash ou d'autres plus au goût du jour comme Radiohead. En 2006, il avait néanmoins mené une sorte de mini-croisade assez affligeante contre la diffusion par la BBC de titres rap faisant la promotion de clichés et situations violents. Cameron l'amateur s'est offert un joli coup de pub ce weekend lorsqu'il a donné, "pour le plaisir", au candidat démocrate à la Présidence Barack Obama, un carton plein de CDs représentatifs, selon lui, de "ce qui se fait de meilleur dans son pays".

Au programme, une sorte de boîte à chaussures dans laquelle on trouvait des albums des Smiths, de Radiohead, Gorillaz et Lilly Allen. L'histoire ne dit pas si Obama a pris la boîte pour écouter ça dans l'avion du retour, s'il a refilé les CDs à l'un de ses conseillers en lui disant de les revendre sur ebay ou s'il a tout simplement rangé le cadeau à côté de la French Box offerte par son nouveau copain Sarkopop. Dans la boîte du Français, là aussi quelques CDs représentatifs de notre variété : Miss Dominhulk, Didier Barbelivien, Mireille Mathieu et Carla Bruni. On comprend mieux pourquoi Obama ne s'est pas éternisé à Paris... Mais que diable a pu lui offrir Frau Merkel pour qu'il reste aussi longtemps à Berlin ? Obama aimerait-il Tokio Hotel, Scorpions et Nena ?

http://www.sundayherald.com/news/heraldnews/display.var.2410435.0.0.php

On commence avec Reks, dont le deuxième album, Grey Hairs, parait le 22 juillet. Inspiré par KRS One, Gangstarr et Slick Rick, le rappeur de Boston possède un flow nerveux et magnétique, typiquement East Coast. Produit par DJ Premier, Large Professor et son fidèle partenaire Statik Selektah, Reks cultive un état d'esprit positif, sobre et efficace. Il fait partie de cette nouvelle vague de MC encore trop confidentiels, comme Saigon ou Termanology. Lyricistes hors pairs, sans doute un peu nostalgiques de l'esprit old school, mais croquant le rap à pleines dents, ces artistes carburent à l'authenticité, à l'attitude, au bon son. En un mot : anti-bling bling. Ecoutez plutôt ce tranchant "Say goodnight" du revenant Reks, sur un beat qui tue (au style reconnaissable à milles bornes) de Primo...Le N***, pardon "Untitled" de Nas parait bien pâlichon à côté.

En parlant du "N-word", Mr.Jones a un sérieux concurrent dans le registre polémique. Le nom, c'est NYOIL, un membre des UMC's (duo sévissant depuis les 90's). L'esprit, c'est Public Enemy : politisé, rentre-dedans, sans concession. La chanson, c'est "Y'all Should All Get Lynched !", qui a beaucoup fait parler d'elle sur la toile. Une sorte de "J't'emmerde" à l'américaine, violent coup de latte asséné par un "ancien" dans la fourmillière du rap bling bling/nouveau riche. Le premier clip du brulôt, qui visait directement certains cadors du rap US (50 cent, Lil Wayne, Ja Rule, The Game, Lil Kim...), a été remplaçée par la (chouette) version animée que voici. NYOIL a aussi fait parler de lui avec le percutant "What up my wigga wigger" (le clip ici), un discours anti-raciste radical et pertinent. L'album du couillu bonhomme de Staten Island - le double HoodTREASON, the warm up - est disponible.

Assez de violence, on quitte le flow urbain de la côte Est pour se caler tranquille en Californie avec Shawn Jackson. Smooth, honnête, "conscient", posé, positif et souful, le son de Jackson respire la good vibe hip hop. Proche d'un Common ou d'un Talib Kweli, le MC n'a pas peur de prendre son temps, de coucher ses rimes sur un moelleux transat' midtempo, pour mieux faire mûrir son flow. A ce titre, le single "Feelin' Jack" porte parfaitement son nom. Signé sur un label indé, Tres Records, le rappeur vient de sortir son premier album, First of All...Idéal pour un été hip hop.

Hop, le voilà ! Pour une version en plus haute résolution, plus lisible et plus facile à imprimer, c'est par là. Vous trouverez aussi les mp3 premières versions enregistrées par des fans en attendant celle du groupe lui même qui devrait arriver sans doute avant Offend Maggie, le prochain album du groupe, en octobre prochain.

L'idée est véritablement excellente, en tout cas je le pense parce que je l'avais eue moi-même il y a quelques temps déjà et j'attendais de voir quel groupe l'aurait aussi. Je ne me vante pas, le concept, à l'époque du web 2.0, est évident, mais je suis fier que ce soit Deerhoof qui ait eu la même idée que moi plutôt que, disons, Coldplay. Du coup je vais peut-être apprendre à lire la partition et enregistrer une reprise au kazoo et à la cowbell. Je vous tiens au courant.

Si vous aussi vous avez peur des EMO (pour emotive ou emotional), de leurs attirails post-gothiques, de leurs grosses chaussures à semelle d'aluminium, de leurs clous dans le nez, le gland et le bout des doigts, si vous craignez les coupes de cheveux corbeaux, les moues boudeuses, le rouge à lèvres qui déborde, les mèches qui cachent les deux tiers du visage, les attitudes suicidaires, antiéconomiques, alors il n'y a qu'une destination pour cet été : la Russie. A la surprise générale, le NME qui suit cette affaire de très près a relayé l'information selon laquelle la Douma aurait dans ses tablettes un projet de loi anti-EMO susceptible d'être soutenu par une majorité de députés du peuple. Le dispositif prévoierait une régulation des sites EMO, ainsi qu'une interdiction des fringues gothiques dans les établissements scolaires. La loi s'appuierait sur un constat (déjà relayé maintes fois ici et qui a fait l'objet d'études plus ou moins fumeuses), selon lequel les attitudes EMO favoriseraient le suicide et la dépression chez les jeunes. Autant dire que les Russes avec leur taux maousse d'adultes en détresse picolo n'ont pas besoin de ça. Des manifestations pro-EMO sont prévues ce weekend et la résistance est en train de s'organiser un peu partout. Le leader du groupe russe MAIO (rien à voir avec la sauce) a déclaré que "manifester ses émotions ne pouvaient pas faire l'objet d'une interdiction" (non, mais), tandis que les membres du groupe My Chemical Romance, emblématique du genre, ont témoigné leur soutien aux jeunes Russes et répété pour la dernière fois que gothisme et suicide n'avaient rien à voir. Pour ceux qui débarquent, rappelons que le mouvement EMO est issu d'une dérivation du punk hardcore et a depuis évolué (en même temps qu'il ralliait des hordes d'ados) vers un mélange de rock gothique et de mouvement de mode générationnel, empreint d'affectation, de gros son et de sensiblerie. On a tout dit des EMO, qu'ils étaient chiquéS, toc, méchants, satanistes, sexistes, racistes, peu importe. En plus, ils se font des bisous dégueus et pensent que les derniers albums de Cure sont bons....

Ce disque fut pour moi une révélation (et pour qui ne le fut-il pas d'ailleurs ?) Il fut aussi pour beaucoup dans ce que je suis aujourd'hui : un auditeur éclectique. A la manière du ciel qui se déchire sur les premières mesures introduisant "Oh Yeah", Tago Mago est un satori, le disque de l'éveil. Il y en eu d'autre avant et il y en aura certainement d'autres après, mais celui-ci, par son mélange de rock, de psychédélisme, de transe, de musique électroacoustique et concrète, correspond à une étape, un moment clé de l'histoire de la musique et de ma vie d'auditeur. C'est celui de l'ouverture tous azimuts, non plus à la musique, mais "aux musiques", et ce, sur un seul et même album.

Can s'appelant initialement Inner Space puis The Can, patronyme sous lequel ils produirent les morceaux réédités en 1981 sur le titre Delay 1968 sous le nom simplifié de Can) Tago Mago est le second album du groupe après Monster Movie (Soundtracks paru un an avant, étant une compilation de scores et d'inédits). Double album mutant pour musiques hybrides, Tago Mago mêle habilement avec vingt ans d'avance, break insensés, ambiant, rythmes pré-techno et même chant proto-hip hop. A la manière d'un Miles Davis électrique sur les sessions de Bitches Brew (influence revendiquée par les Allemands), Holger Czukay (basse) Irmin Schmidt (synthétiseur), Michael Karoli (guitare et chant) et Jaki Liebezeit (batterie), le line-up originel, auquel il faut ajouter David Johnson à la flûte, l'Afro-Américain Malcom Mooney au chant, auquel succède le Japonais Damo Suzuki, poursuivent leur exploration d'une musique nouvelle, sortant du format rock-pop anglo-saxon. Un enthousiasme et une volonté qui seront l'occasion d'initier des méthodes d'enregistrement et de production révolutionnaires. Sur Tago Mago le groupe utilise le bruit (le souffle des bandes comme son environnemental), le cut-up, le collage ou le mixage de prises live et de sons électroniques. Extrêmement impressionnés par le surréalisme sauvage du "l Am The Walrus" des Beatles, ces quatre élèves de Karlheinz Stockhausen y explorent toutes les facettes de l'avant garde et de la pop.

Tago Mago s'ouvre sur le narcotique "Paperhouse", une balade chamanique et spatiale de presque 8 minutes qui quitte rapidement le sentier hippie pour emprunter des chemins moins prévisibles, ceux d'une transe analogique qui deviendra la marque de fabrique du groupe. Une chevauchée krautrock tourbillonnante menée tambour battant par la batterie polyrythmique d'un Liebezeit au sommet de son art et la guitare d'un Karoli en transe tandis que le chant de Suzuki prend des intonations magiques et chuchotées. Une recette que reprennent les scotchants "Oh Yeah" et "Halleluhwah", après l'étrange et arythmique "Mushroom" qui inspirera la scène punk comme, plus tard, la new wave. "Oh Yeah", morceau phare de Tago Mago, hypnotique et répétitif, est introduit par l'orage. Une électricité rendue folle et libre par l'anti-conformisme de ce groupe hors normes qui semble à ce moment clé de l'histoire de la musique, parfaitement conscient du bon en avant qu'il impose au rock d'alors. Le chant joué à l'envers de Suzuki n'est pas sans évoquer le kobaïen, langue imaginaire inventée par le leader des Français de Magma, Christian Vander. La musique elle, oscille entre répétition krautrock, improvisation jazz et influence asiatique, le tout est bien évidemment fortement psychédélique, tout comme son successeur "Halleluhwah", un brin plus posé et plus jazzy malgré son final acid rock.

Puis viennent les aspects les plus difficiles de ce diable d'album. C'est la longue dérives ambiant électroacoustique de "Aumgn". Presque vingt minutes dans l'espace infini des sons, entre improvisation, musique ethnique, musique contemporaine et dérives psychédéliques hantées. Tago Mago se clôt enfin sur "Peking O", la suite de  "Aumgn" sur lequel la voix du Japonais Damo Suzuki vient ajouter une touche de magie primitive inquiétante et "Bring Me Coffee or Tea", morceau du retour sur terre. Une ballade imaginaire tout à fait folk et pourtant littéralement transformée par le voyage entrepris par le groupe. L'auditeur, quand à lui, s'il est un temps soit peu sensible, revient également transformé. Things 'll Never be the Same Again.

Can - Tago Mago (Spoon, 1971)

Le week end dernier au festival Summercase, Kele Okereke aurait été victime d'une agression raciste par John Lydon et son entourage. Le leader de Bloc Party aurait approché celui des Sex Pistols pour lui demander, avec tout le respect d'un fan devant son idole "quand est-ce qu'il reformait PIL". Lydon aurait répondu qu'il s'agissait d'une "question de noir" et à partir de là la tension aurait monté jusqu'à ce que Lydon ordonne à son entourage de frapper Okereke. Il aurait été sauvé par Ricky Wilson de Kaiser Chiefs et Yannis Philippakis de Foals, qui confirment tous les deux la version d'Okereke (celle que je viens de vous donner, évidemment) tout comme Gruff Rhys de Super Furry Animals et Neon Neon ainsi que, semble-t-il, toutes les personnes présentes.

Toutes ? Non, j'oubliais bien sûr Lydon qui envers et contre tout résiste aux accusations de racisme et de connerie en général, attribuant ce qu'il qualifie d'accusations mensongères à la jalousie supposée d'Okereke. Ce dernier a déclaré, par contre, avoir été moins choqué par les coups que par la découverte que son héros serait raciste.

Résumons les deux "scoops" dans cette affaire : John Lydon se comporte comme un connard, dit quelque chose de choquant. Bon, ça n'est pas comme s'il avait chanté l'amour fraternel toute sa vie ou qu'il était jamais apparu comme quelqu'un de sympathique. La nouveauté, c'est que d'une, il prononce des propos racistes et donc brise LE tabou qu'il lui restait à briser et deux qu'il nie, sans doute parce qu'il se rend compte qu'il a fait une bêtise, alors qu'à la grande époque il aurait assumé fièrement sa provocation et prétendu qu'il voulait nous faire réfléchir à une chose ou une autre.

Avec sa pitoyable reformation des Pistols et des années de ridicule derrière lui, Lydon doit bien savoir qu'il n'a plus la légitimité pour nous demander de réfléchir à quoi que ce soit, et s'il a si mal pris la question d'Okereke, c'est peut-être non pas à cause de la couleur de la peau de celui-ci mais plus parce qu'en évoquant PIL, Okereke lui a rappelé une époque de sa vie dont il peut être fier, bien plus en tout cas que celle qu'il vit maintenant.

Je vous avais déjà parlé des tests de Jake Mandell pour savoir si vous êtes musicalement handicapé ou pas. Il en a pondu un nouveau récemment qui vous permet de tester votre niveau d'intelligence musicale visuelle, c'est à dire votre capacité à associer image et son... C'est difficile à expliquer en fait et sur les premières questions du test, j'étais complétement perdu, me demandant comment j'étais censé savoir quel est le son d'un carré ou d'un triangle. Ce n'est pas ça la question qu'on vous pose, en fait, mais je vous laisse essayer tout seul, c'est à vous de trouver la bonne question, la réponse allant presque de soi par la suite.

Pour ma part, j'ai eu un score correct de 85% et un ami musicien à qui j'ai fait essayer le test a eu 100%... la logique semble respectée. Quand à la valeur réelle du test, c'est une autre question : un bon score indique-t-il qu'on est "intelligent" ou juste que notre cerveau fonctionne de la même manière que celui du créateur du test ? Et qu'est-ce que ça veut dire, l'intelligence musicale visuelle. La synesthésie, c'est-à-dire la capacité de notre cerveau d'associer les sens entre eux (et faire ainsi par exemple que tel son nous évoque une couleur ou une texture) c'est une belle idée mais à moins d'utiliser des éléctro-encéphalogrammes et de trouver une expérience valide à faire faire à un grand nombre de cobayes, ça reste un concept assez vague.

Enfin j'ai eu 85%, c'est pas mal. De quoi je me plains ?

La musique payée par la pub, c'est ue super chouette révolution, n'est-ce pas ? C'est en tout cas un bon radeau pour l'industrie du disque en pleine tempête (une tempête passagère d'ailleurs si on regarde les tendances : la hausse des ventes numériques aura probablement compensé la diminutions des ventes physiques dans moins d'une décénnie). C'est super, sauf que c'est un sacré gros bordel pour l'instant.

Selon Wired qui a suivi toute l'histoire, le manager d'Avril Lavigne aurait déclaré que puisque la vidéo de "Girlfriend" est la plus vue de l'histoire de Youtube avec au moment où j'écris 93 millions de spectateurs au compteur, Youtube devrait deux millions de dollars à la punkette bubblegum. Mais comment cette vidéo a-t-elle pu être vue plus de fois que celle des deux "scientifiques" qui faisaient une chorégraphie à base de Coca et de Mentos, que celle de OK Go qui dansaient sur des tapis roulant et celle de Tay Zonday qui chantait "Chocolate Rain" ? C'est totalement improbable et en vérité totalement faux : il s'agit juste d'une opération montée par les fans d'Avril Lavigne qui ont décidé de faire dépasser les cent millions de vues au compteur de "Girlfriend" sur Youtube. Pour ce faire ils auraient même créé un site qui si vous vous y connectez se rafraichit automatiquement toutes les quinze secondes et crée un visionnage "fantôme" du clip.

On savait déjà que certaines compagnies vendent aux artistes, qui veulent se faire signer, des inflations artificielles et automatiques de compteur Myspace et Youtube et que les compteurs des deux sites ne sont pas très fiables. En réponse aux déclarations du manager de Lavigne, un porte parole de Youtube a fait savoir que le site avait connaissance de ce genre de pratiques frauduleuses et avait les moyens de débusquer les tricheurs. Bien sûr, ces moyens n'ont pas été révélés et si on peut imaginer un moyen de repérer les bots (=robots) qui visionnent les vidéos automatiquement, dans le cas de gamines qui par millions cliquent sur "play" toutes les trois minutes, c'est plus difficile. Et puis ce n'est pas vraiment dans l'intérêt à court terme de Youtube de pourchasser trop férocement les pirates : Youtube aussi touche sa part de l'argent de la pub.

Les fans d'Avril Lavigne, qui ont mis en place le site de visionnage fantôme? déclarent maintenant que ce site ne fonctionnait pas mais servait juste à créer un buzz autour du projet "faisaons de Girlfriend la vidéo la plus vue de Youtube" et que les 93 millions n'ont été atteints qu'à la force de l'index des fans. Si c'est bien le cas (et on ne doute pas de toute façon que ce genre d'opération est mené "en vrai" par des fans d'autres artistes tous les jours), Youtube ne peut nier le fait que ces fans ont été exposés à la pub et donc qu'Avril Lavigne mérite ses deux millions. On en vient donc à un système où ce ne sont pas les artistes les plus populaires qui gagneraient de l'argent mais ceux dont les fans sont les plus dévoués : une différence notable qui pourrait mettre Nine Inch Nails et Tool loin devant, disons, Norah Jones. Un artiste pourrait faire fortune en se concentrant sur l'idée de plaire au fan plutôt qu'au grand public. Pas sûr que la musique soit meilleure pour autant.

S'il est un spot réellement bluffant dans l'Aude par exemple, je dois dire que c'est Philippe Gash, restaurateur Catalan et amateur de bonne musique qui en tient la palme. Situé à Leucate, juste après le village, son restaurant sur pilotis (comme son nom l'indique) fait face à la mer, pas la flaque huileuse que beaucoup connaissent généralement, une mer encore vive, sauvage et houleuse (qui ronge son quota de terre chaque année d'ailleurs ! Changement climatique oblige). Là, vous pourrez déguster les petits vins de la région, le muscat bien sûr, mais aussi les pareillades de poissons et crustacés, les grillades maisons, les encornés et les gambas à la plancha, accompagnés de fruit et de légumes frais. Quand le poisson arrive frais dans les caisses quasiment sous votre nez, et que vous savez que Port Leucate est un des plus actifs de la région, vous mangez de bon cœur, sans vous poser de question. L'accueil est sympa, et surtout, Philippe, ancien disquaire renommé de Perpignan, vous fera une petite sélection musicale dont vous vous souviendrez. Ce n'est pas souvent que l'on peu déjeuner face à la mer, en écoutant Chromatics, Glass Candy, Laïka, Burial, Portishead et autres. A noter que le soir, le patron invite des groupes de la région, mais aussi des pointures internationales. Certains restent pour manger. On attend par exemple les Sonic Youth, qui joueront à Port Leucate (à 100 mètre du restaurant), le 04 août par exemple.

Les Pilotis - Plage des Pillotis 11370 Leucate - 06.26.35.17.86.

Avec ses 20 centimètres de haut, sa capacité de lire des vinyles et son look terrifiant, le Juke Bot est un iPod Killer. Il a été conçu par DJ Shadow et Cut Chemist qui apparement n'aiment pas les baladeurs numériques. Il n'a été produit qu'a cinq cent exemplaires numérotés et disponibles uniquement sur le site de DJ Shadow. Le site ne le dit pas mais je crois que ses yeux ne tirent pas rééllement de rayons. Ses bras et ses jambes sont flexibles, par contre, et ses 92,99$ ne représentent plus tellement d'argent une fois convertis en euro (une soixantaine, plus ou moins, selon le jour où vous me lisez). J'ai cassé mon lecteur de mp3 et je cherche une excuse pour me mettre au vinyle depuis belle lurette. Edit : Ce qui n'a rien à voir avec rien. Le rédacteur de ce post comprend beaucoup moins bien l'anglais qu'il ne le croit, apparement..

Regardez plutôt ces deux clips, l'hilarant "Hustle Mode" (ci-dessous) qui pastiche les poses macho de certains rappeurs, avec un classe internationale, ou le "Monkey" ci-dessus, ébouriffant grime crunky. Yo Majesty est du genre à vous prendre par la peau des fesses pour vous jeter sur le dance floor à coup d'infra-basses coriaces et salaces. "Prêt à oublier tout ce que vous connaissiez ? C'est le moment, dit le Myspace des deux rappeuses. "Désormais, levez-vous et n'ayez pas peur !" M.I.A et Santogold peuvent se faire du souci, les Yo Majesty investissent les clubs, les garages et les block parties... En force et en même temps. Leur album (Futuristically Speaking… Never Be Afraid) est attendu en septembre. Alors, dude, prêt à faire exploser ton ghettoblaster ?

Venu du jazz expérimental et de l'école minimaliste américaine, il était de ceux que les musiques électroniques, et en particulier la techno la plus rigoureuse, n'effrayait pas malgré le fossé générationnel. Daniel Caux, défricheur, découvreur et passeur, s'est éteint samedi 12 juillet dernier à 10 heures 30 à Paris. Directeur artistique du fameux label Shandar, journaliste et critique, animateur radio, essayiste, commissaire d'exposition, il découvrit la musique concrète en 1959 avec Pierre Schaeffer, Pierre Henry et Luc Ferrari. Explorateur de tous les sons, il fut le premier à inviter Sun Ra en France. Ami intime de Terry Riley et de La Monte Young, Daniel connaissait son John Cage, Steve Reich et Philip Glass sur le bout des doigts, mais pas seulement. Lui qui avouait avoir vécu l'avènement des musiques électroniques et de la techno au début des années 90 comme une épiphanie, se lia avec les plus grands du genre : Carl Craig, Kevin Saunderson, Jeff Mills, Juan Atkins, mais aussi, bien sûr, Richie Hawtin.

Un grand monsieur à la générosité sans pareil et à l'ouverture d'esprit hors du commun nous a quitté. Daniel était aussi un raconteur d'histoire exceptionnel, et ces récits resteront. Témoignage :

Il faut être conscient des filiations existantes entre la disco, le dub,  le funk et la techno. Mais concernant la techno pure et dure, celle de Detroit, je pense qu'il faut prendre en considération l'apport incroyable de l'émission d'Electrifying Mojo. Ce Dj était un véritable génie de l'expression radiophonique dont les émissions étaient écoutées tous les soirs par les pionniers du genre, Derrick May, Juan Atkins, Kevin Saunderson, Jeff Mills et Carl Craig, quand ils avaient entre 10 et 15 ans. Dans ses émissions Mojo passait aussi bien aussi bien le funk de Georges Clinton que la rock allemand bien électronique de Can ou Kraftwerk. Des musiciens allemands, qui eux-même, ont été, à leurs débuts, largement influencés par les grandes messes répétitives et psychédéliques de Terry Riley sur son orgue électrique. Alors, ce que Mojo a apporté aux futurs DJs et producteurs de Detroit à travers ce rock allemand étrange, c'est l'idée d'une musique qui abandonne la notion de chanson avec couplet-refrain au profit d'une nouvelle forme mutante qui n'en finit pas de se répéter et se répéter, en se transformant peu à peu, comme le minimalisme américain. Selon moi, c'est le psychédélisme qui unit la musique minimaliste et la techno. Pour autant, je ne confond pas les deux genres : je trouve par exemple que le mixage dans la techno permet un plus grand mélange des genres que la musique minimaliste et aussi un travail plus développé sur le timbre. Ce qu'elles ont en commun, en revanche, c'est leur caractère hypnotique. (propos recueillis pour le magazine Coda en 2003)

Parlons un peu de "guitares acérées"... Une métaphore facile, souvent utilisée par les critiques fatigués. J'ose le dire ici et maintenant, ce terme va pourtant comme un gant aux guitares qui occupent (presque) tout l'espace de ce fabuleux album des Wolfhounds, groupe culte et bizarre s'il en est ! Des guitares coupantes au tranchant de lame de rasoir effectuant des figures dignes du plus virtuose film de sabres chinois ou japonais, c'est ce à quoi s'expose l'auditeur innocent quand il pose ses deux oreilles (comptez les bien à la fin du disque, on ne sait jamais) sur Blown Away, avant dernier album de ce groupe injustement ignoré des années 80.

On parle souvent de Mark E. Smith, le fulminant leader de The Fall, comme l'un des pires caractères que l'Angleterre ait connu, pourtant, s'il est un autre atrabilaire intraitable de la brit-pop et du rock anglais des années C86 (du nom de la fameuse compilation offerte cette année-là par le NME), c'est bien Dave Callahan, leader des Wolfhounds. Fondé, justement, en 1986, The Wolfhounds traverseront bien des orages, des changements de line-up et des mésaventures diverses, au milieu de l'indifférence quasi générale du public jusqu'en 1990, date de la séparation, malheureusement annoncée, du groupe. Annoncée, parce que leur leader trop sensible, trop intelligent et trop aventureux, ne su jamais se plier aux canons de la brit-pop d'alors, refusant tout formatage pour accoucher d'une œuvre multiforme, comportant pourtant des pics fait de ballades nauséeuses ("Another Hazy Day on The Lazy A", "Restless Spell"), de brûlots enragés ("L.A. Juice", "Rent Act"), de pop songs venimeuses ("Happy Shopper", "Torture"), qui toutes, pourtant, dépassaient le simple cadre de ce que la pop s'imposait masochistement à elle-même. C'est un fait, les Wolfhounds devaient plus aux Sonic Youth d'Evol, aux expériences de PiL sur Metal Box ou à la mélancolie toute britannique d'un Nick Drake, ainsi que celle, bercé d'embruns californiens, du Lorca de Tim Buckley qu'aux têtes de charts de l'époque. Ce n'est d'ailleurs pas un hasard si, dégoûté du music business, Callahan partira fonder Moonshake, autre exemple d'intransigeance musicale avérée, qui subira le même sort que son prédécesseur.

Reste qu'entre 1986 donc, et 1990, The Wolfhounds, les "chiens-loups" de la brit pop, veillent au grain, et veillent bien. Sur ce Blown Away emblématique, mini-album d'une densité hallucinante, Callahan crache sa haine du conformisme culturel et social avec une classe d'autant plus britannique qu'elle est purement et simplement dirigée contre son pays. Emaillant ses compositions de samples colériques (le fameux : "You Children, with your goddamn Brooks & Brothers suit, you sons of a bitch" à la fin du morceau éponyme de l'album), l'anglais bâtit des échafaudages de verre coupant (on aurait pu dire des cathédrales, mais les cathédrales sont appelées à perdurer alors que les édifices de The Wolfhounds sont irrémédiablement voués à la destruction par leur propre créateur) s'envolant vers le ciel pour rivaliser avec les anges et défier leur "Divin Patron". Là-haut, les Wolfhounds engagent des combats de guitares minimalistes dignes du Marquee Moon de Television ou du Pink Flag de Wire. Sur "Rite Of Passage", ou "Tropic Of Cancer", les Wolfhounds découpent leurs compositions proprement, et à sec, à coup de riffs étincelants, éblouissants même, tant la clarté des guitares est violente, jusqu'à l'incandescence. Et on le sent bien, Callahan brûle tout sur son passage, conscient de la faillite du groupe. Plus loin ("Living Fossil"), il se lamente d'une manière poignante sur l'état de la planète, à la fois aux mains de fossiles vivants (les dirigeants) et bientôt réduite à l'état de fossile tout court. Cela n'empêche pas le groupe de rebondir sur les morceaux sans concessions que sont "Dead Sea Burning", le cinglant "Blown Away" et "Skycrapers", épique morceau de punk rock porté sur trois minutes par la voix étonnement lyrique cette fois, de Callahan. L'ensemble se clôt sur "Personal", une étrange ballade électronique minimaliste, qui annonce avec quelques années d'avance les expériences proto-dub et free-rock de Moonshake.

The Wolfhounds - Blown Away (Midnight Music, 1989)

Et n'oubliez pas de visiter cet excellent site posthume dédié au groupe 
http://www.thewolfhounds.com/index2.htm

Michel Drucker. Le fils du patron de l'Olympia. Dany Boon. Les Plastiscines. Des guitares. Vivement Dimanche. La mine de son crayon. Nous sommes en 2008 et franchement, je n'ai plus les mots. Oh, the humanity...

Ils s'appellent BP Zoom, ils sont célèbres parce qu'ils ont ouvert pour Tokio Hotel au Parc des Princes et parce qu'on les invite à la télévision pour leur grand talent. Ils ont le mérite de nous rappeler que parfois le bien et le mal existent. Tout n'est pas relatif. J'ai envie de leur planter une fourchette dans l'oeil.

Wouééé, cooool, en fait je ne vous ai pas tout dis la dernière fois les amis. Les astres (et l'herbe qui fait rire que papy met dans sa pipe) sont formels encore une fois, l'été ne sera pas seulement COSMIC, il sera LENT aussi ! Tous les signes sont là, nul ne peut se tromper : il fait chaud, le vent pousse tranquillement les nuages dans le ciel, l'herbe et les cheveux poussent de concert, ainsi que la mousse qui s'accumule entre les doigts de pieds de ceux qui se trimballent en tongues tout l'été.

Tu devrais me faire confiance petit homme. D'ailleurs, l'actualité musicale le confirme. En témoigne le deuxième volume doucettement funky de la collection Elaste, qui nous avait déjà régalé l'an dernier des élucubrations cosmic et low disco de DJ Mooner, digne descendant du fondateur du genre Daniele Baldelli, DJ résident du fameux club Cosmic ("Cosmic Discoteca" en V.O. transalpine). Drivé par Tom Wieland, cette année, Elaste vol.2 fait la part belle au côté obscur du disco des année 80, electro-funk et italo. On y retrouve Zodiac (l'enjoué "The Other Side of Heaven"), le bien nommé "Take Time" de Jagg, le fameux "Que Tal America" de Two Man Sound, le vibrant "Feeling Love" de LEB Harmony (inspiré du "I Feel Love" de Moroder), l'alien "Glückskugel" de Panoptikum ou encore le "Star Trek" des hilarants Vulcans. Tous ça plein de bonnes vibes estivales et globalement nettement supérieur au premier volume.

Dans un genre beaucoup plus spacey et encore plus slow, les amateurs de disco trek apprécieront certainement Where you Go, I Go Too de Hans-Peter Lindstrom à paraître le 18 août 2008. Trois morceaux pour un total d'un peu plus de 55 minutes ! Le pape du nu-disco norvégien s'est fait (et nous fait) plaisir. Particulièrement inspiré sur le titre éponyme à l'album, une saga cosmic disco synthétique de 28 minutes et 58 secondes, véritable odyssée au court de laquelle le viking nous emmène loin, très loin, balançant montée d'arpeggios sur montée de basses, avalanche de percussions et riffs de synthés planants, et ne lâche rien, le salopard ! Non ! Il préfère slalomer sur les chemins de traverse de son inspiration, croisant krautrock (Manuel Göttsching, Michael Rother, êtes vous là !?) et italo (Giorgio, on demande Giorgio Moroder au standard !). Clairement, Where you Go, I Go Too c'est un peu son Eté indien à Hans-Peter ! Une performance à capter chez soi sur son canapé mais aussi recommandée en live où Lindstrom se donne comme personne, grande araignée extraterrestre et discoïde courbé derrière son laptop (les spectateurs des Siestes Electroniques du 28 juin dernier à Toulouse, peuvent en témoigner).

Pour finir, annonçons la parution le 21 juillet, d'une double compilation de Prins Thomas (première partie mixée, l'autre non), qui profite de l'été pour montrer ses Greatest Tits à tout le monde ! Une honte. Reste que ce compère de Lindstrom n'a pas son pareil pour poser une ambiance à la fois torride et décontractée, mixant eurodance revue et corrigée par la folie norvégienne (Todd Terje "Italian Stallion") ou sa version sous acide (Blackbelt Andersen "Sandoz"), nouvelle kosmische musik (Blackbelt Andersen - "Sirup" (Prins Thomas Diskomiks), Ytre Rymden Dansskola - "Haratak"), néo-balearic cotonneuse (Marius Väreid - "Skumle Planer"), scéance d'hypnose collective (Magnus International - "Kosmetisk"), krautfunk (Magnus International - "Onkel Reisende Mac"), italo tarée (Diskjokke - "Gadgets") et discotronica (Mental Overdrive - "Original Material") sur une double galette bourrée jusqu'à la gueule de préciosités electro-funk et növo-space-machin-disco... Vous reprendrez-bien du space cake ?

Elaste vol.3 (Compost/Nocturne)
Lindstrom - Where You Go I Go Too (Smalltown Supersound/Differ-ant)
Prins Thomas - The Greatest Hits (Full Pupp/La baleine)

Fleet Foxes joue avec le temps et les apparences. Pour leur Ep Sun Giant et leur album, les gars de Seattle affiche peintures du peintre flamand Brugel et adoptent sur scène comme à la vie d'ailleurs un look approchant plutôt du grunge que de la pop spirituelle et harmonieuse qu'ils livrent. Des gaillards de Seattle qui subliment les choeurs sur ce "White Winter Hymnal", titre le plus étourdissant de leur album épnonyme.

Et un clip qui colle parfaitement (ou presque) au clip imaginaire qui défilait dans ma tête à l'écoute de ce titre. Réalisé en pâte à modeler par Sean Pecknold, frère de Robin Pecknold (leader du groupe), la vidéo met en scène des personnages (les Fleet ?) vieux, fatigués et à la merci du temps qui passe, symbolisé ici par une roue. Une roue de la fortune qui tourne et tourne avec pour seul lot de consolation la mort. Un cycle sans fin inversé par un tour de manivelle. On remonte le temps, on redonne vie aux personnages, refait fleurir la terre et on se passe ce titre en boucle.

On dit ça en passant mais il y a cette année une vraie alternative au défilé militaire (dont l'invité principal est le président syrien Bachar El-Hassad) : une journée en béton montée tout exprès pour la fête nationale de la musique (le 21 juin) par Arte, la chaîne franco-allemande qui fait du service public comme on doit faire du service public. Le programme est centré sur la Route du Rock de Saint-Malo 2005 et plutôt alléchant : 9H50, concert d'Art Brut, le groupe post-punk londonien qui monte, de Metric, groupe canadien qu'on connaît mal, enchaîné à 10h50 par une captation de la prestation des Cure, enregistrée sur la Grande Scène du festival devant 12 000 personnes, dixit le programme télé. On se souvient que la prestation avait été particulièrement appréciée par les fans parce que les Cure y avaient joué serrés serrés et avaient semblé retrouver une cohésion et une lourdeur de son perdues depuis pas mal d'années. On trouve du reste sur le site d'Arte Tv (http://www.arte.tv/fr/art-musique/Journee-Speciale-Rock/2114282.html) une intéressante version soundcheck d'At Night qui permet d'apprécier le gros Robert en civil, chemise noire déboutonnée sur le poitrail et pantalon de toile gris très élégant.

Après ça, Arte a la bonne idée de présenter une compilation des meilleures prestations live de Top of The Pops, pas la parodie française présentée par Ness avec Benabar et Francis Cabrel, mais la vraie émission de la BBC, sur laquelle on s'attend à revoir quelques moments d'anthologie, Oasis, les Smiths et quelques autres légendes de l'indie rock. Après ça, parce que ce n'est pas fini (quitte à se la jouer Télé 7-jours, j'y vais jusqu'au bout), retransmission du Festival Rock monté par la chaîne au Grand Rex avec entre autres The Kills, Archive, dEUS, Patti Smith, Maximo Park, etc. On enchaîne ensuite sur un concert en péniche, par une nouvelle séquence Top of The Pops, avant une clôture en beauté en compagnie du Kid de Minneapolis et de son "Purple Rain". Le film a beau être daté (je l'ai revu il y a pas si longtemps sur le câble), Prince a une allure folle et aligne les riffs de guitare qui tuent sur "When Doves Cry", "Purple Rain" (sniff, mon corps grassouillet qui se baigne dans la pluie pourpre) ou le sexy "Darling Niki". 24 ans après, Apollonia Kotero est toujours aussi sexy et son groupe aussi sauvage.

Pour les autres, il y aura des parachutistes place de la Concorde. Ca peut valoir le coup aussi...

Journée Spéciale Rock sur Arte

On s'interroge un peu partout sur le net (et à Fluctuat aussi) pour savoir ce qu'il faut penser du retour de My Bloody Valentine. Opération commerciale uniquement ou volonté de se rassembler autour d'un vieux pot (bruyant) avant de reprendre la route hypothétique des studios. Les prestations du groupe sur scène divisent entre ceux qui n'entendent là qu'un amas de bruit informe, difforme et difficilement supportable et ceux qui, les oreilles en lambeaux, prétendent avoir vu la lumière blanche du Grand Son Qui Tue, dans un process un rien surjoué, d'autointoxication chamanique.

Pour avoir été comme quelques autres de la tournée 1991, il faut avouer que la reconstruction (ou la sublimation comme on l'appelle parfois) a joué à plein depuis 17 ans : avoir été du concert 1991 (on doit être 100 000 à prétendre aujourd'hui avoir vu le groupe ce jour-là) et faire mourir les autres de jalousie n'est pas le moindre des plaisirs qu'on peut se payer quand on a vieilli et qu'on pose à l'ancien combattant indie. Si j'essaie de me restituer dans le contexte de l'époque, la réalité est plus prosaïque : quelques silhouettes taillées dans l'ombre, des aliens à guitares détachés en contre-nuit sur des spots incandescents, des voix angéliques qui semblent venir de l'intérieur du crâne plutôt que du dehors et ce bourdonnement affolant, qu'à l'époque on ne connaissait pas encore par coeur. L'expérience MBV tient sûrement tant du plaisir masochiste que de la mélomanie. Depuis, un certain nombre de groupes sont passés par là et ont offert, en matière de conjonction de pop et d'hyperbruit, des shows qui paraissaient mieux taillés pour la scène : les Boo Radleys du début ne perdaient pas la mélodie, les Ride, dans la tornade sonique, réussissaient toujours à faire surnager le chant, tandis que les Ecossais de Mogwai, en évacuant la question des voix, offraient à leurs instrumentaux une lisibilité que Kevin Shields et les siens ne parvenaient pas à proposer systématiquement (sans doute). Jesus and Mary Chain n'étaient pas si loin de la vérité du genre lorsqu'ils soufflaient le chaud et le grésil. La modulation fait loi.

Ceux qui comme moi ont essayé de sonder le net pour télécharger des enregistrements live de My Bloody Valentine savent qu'il est quasiment impossible, en dehors de quelques échantillons digestes, de réécouter un concert du groupe auquel on n'a pas assisté. L'expérience MBV tient de la Near (-Ear) Death Experience, l'une de ces tortures qu'on peut s'infliger en espérant y trouver une once de plaisir. "Chacun sa came", serait-on tenté de dire, mais l'affaire n'est pas si simple. Dans un concert de ce type, l'auditeur alterne les phases de concentration extrême, les phases d'absorption profonde par le flux sonore, les phases de communion et les phases de rejet. Le mouvement est inévitable et les instants de bonheur (rares) se pêchent au coeur de la vague (la vibe). Lorsque certains prétendent s'ennuyer ou sortir de leur corps, être éjectés du monde environnant, lorsqu'ils contemplent la foule, hagards, hagarde, c'est qu'ils expérimentent le mouvement de transe in/out que connaissent les amateurs de fête techno. Tout est vrai. Ils plongent, cessent de respirer, manquent s'évanouir et reviennent. Les débats rock sur MBV ont toujours amusé les milieux ravers. On en trouve la trace de-ci de-là sur le net. La polémique en soi n'existe pas si l'on considère qu'il ne s'agit que de rock. Pour s'en amuser, il suffit de zieuter en poussant sa sono à fond quelques tentatives de captation prises au hasard sur le net : entre le mélodique (un "I Only Said" d'ouverture somptueux à Paris), l'innommable, l'inécoutable et le mélodieux, c'est le souvenir qui tranche ou alors la qualité du téléphone portable, le positionnement (aléatoire) face, contre, sous, ou devant le mur du son. Chez MBV, plus qu'ailleurs, on n'est (on ne naît) pas égaux devant l'espace, pas égaux devant la mémoire, devant la souffrance ou le thrill, pas égaux devant la jouissance. En cela, cette musique nous rend plus humains qu'humains, fragiles comme l'épaisseur d'un tympan et d'un pavillon qui vibre. Amusant, non ?

http://musique.fluctuat.net/blog/31936-my-bloody-valentine-au-zenith-les-boules-quies-.html

http://www.fluctuat.net/6380-My-Bloody-Valentine-sur-le-retour

http://www.fluctuat.net/6421-Histoire-du-Shoegaze

Aimer Ce Que Nous Sommes c'est le challenge que nous propose Christophe en 2008. Un vrai défi en cette époque mal aimée, époque de crise, de doute et de remise en question pour nous, mais aussi pour lui, cow-boy solitaire de la chanson française, auteur d'albums - et morceaux - cultes et bizarres, à la carrière comportant autant de pics de kitsch mainstream assumés ("Aline", "Les Mots Bleus", "La Dolce Vita", "Senorita") que de nombreux moments brillamment expérimentaux (le glaçant Le Beau Bizarre, l'album Bevilacqua en compagnie d'Alan Vega de Suicide, la scène avec le même accompagné par une Harley au moteur tournant à plein régime, sa collaboration avec le Mexicain electronica Murcof sur son dernier disque, etc.)

Et pourtant, il ne sera pas difficile d'aimer ce qu'est Christophe aujourd'hui, un grand artiste tout simplement, hors des modes, hors du temps et hors des normes. En témoigne notre entretien avec le chanteur décalé ainsi que "Mal Comme", morceau phare et première vidéo offerte au public par le bonhomme.

En novembre dernier, il y a une éternité, donc, un fan serrait Billy Corgan des Smashing Pumpkins à la fin d'un concert et lui arrachait quelques mots plein de bile qui viennent de faire surface sur Youtube. Morceaux choisis (pour plus de réalisme, mettez-vous une pince à linge sur le nez et lisez à voix haute) :

"Nous jouons les chansons d'un album sorti il y a six ou sept mois mais la plupart des gens ne connaissent pas les chansons. Les gens n'écoutent plus les disques. Ouais, quand Siamese Dream Machina / the Machines Of God en 2000, 50% du public connaissait l'album. Aujourd'hui tu joues, c'est genre 10% du public qui connait les chansons parce que les gens n'écoutent plus d'albums. C'est que des playlists sur des iPods et des trucs. Radiohead va découvrir très vite en donnant leur musique comme ça. Grand Funk Railroad et Cheap Trick et tous les jours pour aller à l'école je faisais cinquante kilomètres à genoux en short sur du gravier.