Allez, un bouquin pour changer. Un bouquin rock'n'roll. Et c'est bien de "bouquin" dont il s'agit, et pas de "livre" ici. De ceux qui s'empogne, s'empoche et se mettent dans la poche (mais ce n'est pas un poche). Au format CD ou mini-45 tours, il s'agit du nouveau polar rock des Editions Mare Nostrum, "Les portes du garages". Des portes qui évoquent autant celles "du pénitencier", rendues fameuses par l'évocation de notre "Jaunie" nationale que celles de la perception quand elles s'ouvrent brutalement sous le choc de la découverte du GARAGE ROCK 60's, du psychédélisme américain et de ses premiers émois ! Car, par delà l'histoire déjà bien plombée de Robby et de ses Velours Noirs, "Les portes du garages" résonne du son acid rock, violent et déjeté du 13th Floor Elevators, du Chocolate Watch Band, des riffs hypnotiques du "Pushin' Too Hard" des Seeds et du "Gloria" hurlé des Shadows of Knight. Lire la suite

A noter, la parution ce mois, de Feuque ! saga punk-rock non moins jouissive (et aussi touchante pour les amateurs de polars de série B) du maître Jean-Bernard Pouy au CV long comme le bras (auteur, créateur du Poulpe et de Pierre de Gondole, découvreur de talents - Dantec, c'est lui ! - etc.) sous une couverture de Franck Margerin. Collector !

Thierry Crifo - Les portes du garage(Ed. Mare Nostrum, coll. Polar Rock)

Mangrove, trio parisien inspiré, débarque avec un premier maxi impressionnant de maturité, Eyes Closed.

EP où l’on parcourt une jetée post-punk en hiver, belle à pleurer, traversée d’éclairs mélodiques hérités du shoegaze et sécouée par des coups de tonnerres soniques indus.

Passé un peu inaperçu, ce mini-album dévoile pourtant un talent de songwriting à tomber par terre, trop rare en nos contrées. On se rachète donc en publiant la chronique de l'album de Mangrove sur Flu.

Bluffant coup d’essai des Français, qui ce sont adjoint les services de Julien Trimoreau, qui produit aussi Nelson et a bossé avec les orfèvres folk-rock de The National.

Le résultat ressemble à un mélange de Joy Division, Radiohead et Ride. Que du bon! Un maxi à se procurer - sans mauvais jeu de mot - les yeux fermés.

The Cure est en pleine tournée européenne et s'est arrêté à Bercy hier soir pour un concert de plus de 3h. Compte-rendu de la soirée et dans la foulée dossier New Wave à lire de toute urgence pour revivre les "fabuleuses années New Wave".

Il faut finalement assez peu de temps, derrière la gigantesque et théâtrale machinerie d'un des groupes dinosaures des années 80 pour sentir le cœur battre et monter l'émotion. Qui peut tenir Bercy pendant 3h40 (vous avez bien lu), sans reprendre son souffle ? Qui peut aligner aujourd'hui 43 titres et quatre rappels sans jamais donner l'impression de prendre son public par surprise ? Les Cure ont un master plan et l'exécutent comme on fusillerait quelqu'un de sa propre famille, avec tendresse et sincérité. Qui peut chanter, jouer de la guitare, se prendre le visage à deux mains et poser pour un futur DVD devant des caméras-grues avec autant d'aisance et de naturel ?

Les clones ont disparu ou presque. Des résidus gothiques sont suspendus en étendard aux escaliers à 67 euros pièce. Les seniors (de 30 ou 35 ans) ont pris le pouvoir, mais Robert Smith invite à domicile et joue dans son théâtre d'ombre de 15000 places comme il jouerait dans son arrière-cour de Crawley. L'entame nous ramène quelques années en arrière, au temps où les Cure en rangs serrés ouvraient sur "PlainSong" et "Prayers for Rain". Smith prend position et place une note tenue monumentale qui met la barre très haut et fait frissonner les murs. Smith aime Disintegration et le fait savoir. L'album qui a 19 ans maintenant est le pont naturel entre ce que les Cure ont été hier et ce qu'ils sont devenus. Il sert souvent de fil conducteur au parcours, assez peu interactif, que le quatuor tisse dans sa propre discographie. Porl Thompson ressemble à un moine soldat qui s'oublie parfois dans des solos qui lui étaient étrangers hier mais tient la boutique à cordes. La basse de Simon Gallup, jouée bas et musclé comme à son habitude, n'a peut-être jamais été aussi lourde et expressive. Jason Cooper donne du fût à qui mieux mieux. Robert Smith est au sommet de son art : sa voix est à sa botte, sa guitare domptée comme un bon cheval, capable de remplacer le clavier sur "Lovecats" ou de tromper les bandes synthétiques sorties pour la première fois. La setlist ressemble à un Greatest Hits, ce qui ici n'est pas peu dire. Cure donne du vieux et du moderne. "Kyoto Song" a fière allure, "Push" est impressionnant de savoir-faire. La nostalgie fonctionne à plein régime et donne une assez bonne idée de ce que serait une Tournée des YésYés sans Richard Anthony, Sylvie Vartan et Rika Zaraï. On s'attend à voir débarquer d'autres légendes perdues mais Smith les a bouffées au petit déjeuner et est assez costaud pour jouer tout seul à la machine à remonter le temps.

Le concert s'organise en séquences dont on sort parfois lorsqu'elles sont trop légères (2ème rappel pour les filles : "Lovecats", "Lets Go To Bed", le nouveau "Freak Show", "Close To Me" et "Why Cant I Be You") avant de replonger dans l'imparable ("Shake Dog Shake", "Primary", "Never Enough", "100 Years", puis plus loin "At Night", "M", "Play For Today" et "A Forest"). Les Cure d'aujourd'hui n'ont plus la légèreté d'avant mais cela ne s'entend que lorsqu'ils composent. "A Boy I Never Knew" lancé après "Primary" donne le change. Qui peut aimer "Friday I'm In Love" ? La mer verte fonctionne toujours aussi bien. Comme tu es belle. "To Wish impossible Things" en invité surprise et son romantisme passe encore.

Comme le concert est filmé (Cure in Paris, la revanche du fils de la fiancée de Robert Smith 2), le groupe aligne pour la galerie l'intégralité des titres joués au cours de cette tournée européenne. Le public parisien est verni. Il se tape toutes les fins alternatives jouées à Marseille, Barcelone ou Prague, et servies sur un plateau. La plongée en eaux profondes est sublime sur la dernière demi-heure et suffit sur son seul énoncé à suggérer le plaisir qu'on a à y être, encore, et toujours. "3 Imaginary Boys". "Fire In Cairo". "Boys Dont Cry". N'en jetez plus. "Jumpin", qu'on avait rarement entendu en vrai. "Grinding Halt". "10 :15". "Killing An Arab". J'ai toujours un faible pour "Play For Today", qui n'aurait pas fait tâche dans cette séquence finale. Et puis "Faith", en version un peu raccourcie. "I went alone, with nothing left but Faith". Tout est dit et pour le meilleur. Comme l'a dit Thierry Roland un soir de juillet, je veux bien mourir après ça.

Et voici revenue l'heure de se moquer de l'industrie du disque comme si nous étions nous-même sans aucun reproche ! Aujourd'hui nous avons avec nous un intervenant extérieur venu nous expliquer comment ça se passait dans le monde joyeux des majors à l'époque lointaine où tout le monde avait de l'argent à jeter par les fenêtres plutôt que des employés. Cette époque, c'était les années 1990 et John Niven travaillait encore chez London Records (label spécialisé dans la pop kleenex). Il explique aujourd'hui à Times Online ce qu'il y faisait, histoire de promouvoir son livre qui vient justement d'être publié Outre-Manche :

"J'ai vite appris un des fondamentaux de la survie en réunion : tout dire avec la plus absolue des certitudes, comme si votre vie en dépendait". J'ai vu une figure très respectée de l'industrie (quelqu'un qui, selon toute vraissemblance, a signé et développé des disques que vous possédez) balancer le premier album des White Stripes par la fenêtre du quatrième étage avec les mots "Personne n'avalera jamais - jamais - ces putains de conneries".

J'ai été plus loin. Alors que les derniers accords d'une démo un peu chaude résonnaient encore j'ai brisé le silence dans la salle de conférence en déclarant "Quelqu'un voudra-t-il encore vraiment une autre pelletée de bêtises sous-Radiohead ?" tuant ainsi dans l'oeuf l'intérêt de notre compagnie pour Coldplay.

Comme vous l'avez probablement compris, il y avait un problème avec ma carrière dans l'A&R. J'étais complétement nul. Mais tous les autres aussi."

Je crois que je saurais faire ça, tiens, je serais même plutôt doué. Dommage que les années 1990 soient passées. Niven explique ensuite comment sa vie était passée entre conventions (comme le MIDEM à Cannes) et fêtes chez des stars, les deux n'étant pas très différent : des prétextes à la consommation de cocaïne et de vodka et à des notes de frais faramineuses, tout ça financé par les marges énormes prises sur les ventes de CD.

Aujourd'hui monsieur Niven est "romancier" et se voit sans doute bien en Frédéric Beigbeder anglais. Bonne chance à lui.

Le hip hop, un vaste courant et mouvement artistique populaire (dans le bon sens du terme) dont l'impact sur notre culture et notre réalité sociale se mesure encore aujourd'hui. Théoriciens du sampling, DJ et producteurs actuels, beaucoup doivent leurs carrières, et l'existence même de leur art, à quelques figures majeures du mouvement hip hop. Sommes-nous bien conscients de l'importance du lègue qu'une poignée de Jamaïcains, d'abord, puis d'afro-américains, nous ont laissés ? Aujourd'hui le hip hop est une économie, il représente plus de quatre billions de dollars au sein de l'économie de loisirs mondiale et compte plus que sa part de railleries et de clichés, mais cela ne doit pas nous faire oublier la richesse de son histoire, la créativité de ses outsiders, ceux qui se sont éloignés du devant de la scène pour œuvrer dans l'ombre, ces peintres de rues, ses chantres et ses prophètes. Fluctuat se devait de revenir sur cette musique bien vivante, ses racines, son histoire, son influence et son futur, dans un dossier à la (dé)mesure de cette vaste nébuleuse artistique. *C'est parti !*

Lire le dossier Histoire du Hip Hop et profitez-en pour écouter notre radio hip hop.

Janvier 2003 - janvier 2008 : déjà 5 ans pour M&CD la revue des Musiques et Cultures Digitales ! L'occasion, pour le magazine, de vous offrir un parcours au cœur des musiques électroniques en commençant par les artistes qui, depuis 20 ans, nous ont fait découvrir de nouveaux territoires : qu'il s'agisse de Thomas Fehlmann, couv' du mois et alter ego d'Alex Paterson dans The Orb (qui sort sous peu un nouvel album), ou de Sun Electric, le duo formé par Tom Thiel et Max Loderbauer, inventeurs de l'ambient-house. Vous pourrez également vous aventurer avec David Lollia, webmestre de Dubstep.fr, dans les méandres de la bass music et du dubstep à la française ; et continuer le parcours en découvrant le nouvel electro-dub hexagonal avec Thierry Arnold, créateur du label Sounds Around. M&CD termine son circuit à Montréal, avec Guillaume & The Coutu Dumonts, qui sort son premier album solo, Face à l'Est, le coup de cœur de la rédaction.

D'autres réseaux, d'autres artistes sont également à découvrir pour les arts numériques, c'est le cas de Calvacréation, plate-forme de création multimédia créée par Fabrice Croizé et Sabrina Montiel-Soto et la compagnie PuceMuse qui revisite la MAO en démocratisant la pratique musicale numérique.

Concernant les pistes, virtuelles cette fois, le magazine vous donne rendez-vous sur Second Life pour les soirées régulières "An Electronic Space", et dans la Maison des Métallos reconstruite à l'identique sur l'île Cultures Digitales, les 3 et 10 janvier, à 22h, pour Secousses Internes de Marie Menges.

Pour connaître les points de distribution et de consultation nationaux de M&CD (Musiques & Cultures Digitales), suivez ce lien et cliquez sur l'onglet "Distribution".

Loin d'être la décennie morose et superficielle que certains tentent de nous dépeindre parfois, les années 80 furent aussi le laboratoire de notre modernité. Avant son décès en 2007, Jean-François Bizot a eu le temps, au sein d'un ouvrage, de rendre hommage à ces années à travers le mouvement culturel qu'est la New Wave.

Extrait : Outre de nombreuses formes artistiques innovantes et foncièrement originales, l'époque a en effet vu naître une véritable philosophie (passée largement inaperçue du grand public, il faut bien le dire) : la subversion par la norme. A l'échec patent du punk et contre la léthargie baba, la new wave prêchait pour un ultra conformisme provocateur et ironique. "Conform to Deform" disait Stevo, boss du label Some Bizarre, un slogan qui disait tout. Entrer dans la norme et le conformisme pour mieux le détruire de l'intérieur, parfois en le singeant à outrance. Jamais les principes situationnistes ne furent aussi près d'être appliqués à la lettre. Alors que le punk se targuait de nihilisme en crachant par terre, la new wave célébrait l'énergie atomique et le progrès technologique, tout en fêtant joyeusement l'apocalypse nucléaire et la fin de la civilisation humaine. Quand les babas prêchaient le retour à la terre et les valeurs authentiques, la new wave oeuvrait pour un avenir urbain déshumanisé et concentrationnaire afin de hâter sa fin prochaine et bannissait tout ce qui était "authentique" au profit de ce qui apparaissait comme superficiel et clinquant, moderne et innovant, futuriste et provocant. Pour tout cela, les années new wave furent sans aucun doute les années de l'outrance et du paradoxe, mais aussi des années expérimentales par excellence. (Lire la suite)

Notre collègue Philippe Robert est un veinard. Journaliste et critique (les Inrockuptibles, Vibration, Coda, Jazz Magazine...), infatigable explorateur des marges, le bonhomme sait pourtant prendre le temps. Le temps d'écrire (Rock - Pop, un itinéraire bis en 140 albums essentiels en 2006, bientôt une histoire de la black music, chez le même éditeur très bientôt...), le temps d'écouter (sa discothèque est exceptionnelle), le temps de jouer (il enregistre avec les Sonic Youth ou une bande de copains, des albums freeform freak out sous le nom de Magic Band Of Gypsys), bref, le temps de vivre. Praticien de l'anthologie musicale comme certains pratiquent l'entomologie (sa culture lui permet d'aborder sans peur les plus improbables bêbêtes de l'histoire de la musique), il nous offre aujourd'hui Musiques expérimentales, une anthologie transversale d'enregistrements emblématiques. Un livre présenté comme le précédent, sous forme de fiches richement détaillées des artistes abordés et de leurs œuvres majeures, superbement préfacé par Noël Akchoté. A elle seule, la préface et la quatrième de couv' du musicien vaut l'achat de ce livre ! C'est bien simple, cette introduction du fameux guitariste français, chantre de l'improvisation, est un des meilleurs textes jamais écrit dans ce domaine. Par delà la présentation du "genre" expérimental, qui par essence n'en est pas un bien sûr, puisque l'existence même de ces musiques est due à "d'indomptables réfractaires à toute forme d'académisme", Akchoté fait la part belle à la contradiction qui réside dans le fait même de parler de musiques expérimentales dans le cadre d'écoles ou de "styles". L'expérience étant par son fait même, totalement libre, et l'approche de l'auditeur, comme il l'écrit si bien, totalement subjective, contextuelle, historiographique et même biographique.

"Une anthologie comme celle-ci c'est un peu comme une cour de récréation. On n'est pas là pour faire ami-ami avec tout le monde. C'est le moment de vérité, en tête à tête avec l'autre. Au pire, on pourra toujours se faire son album perso des douloureuses, des impossibles et des mochetés. Au mieux, on se sera fait des petites listes et des notes de disques à trouver, que personne n'a chez soi." écrit-il en quatrième de couverture. Et c'est cette simplicité, cette sincérité qui séduit dans la démarche de Philipe Robert, loin de toute prétention et de d'académisme (forcément !), l'auteur échafaude sa petite histoire, tout en en respectant la nécessaire chronologie. D'où, certainement, le choix de présenter ces artistes hors-normes (au sens propre comme au figuré) dans l'ordre chronologique sans parti pris de genres artificiels. De fait, ce livre très complet, reprend où le Experimental music, Cage et au-delà de Michael Nyman, s'étaient arrêtés, puisque Philipe Robert, en plus de recenser les grands "classiques" de l'expérimentale (Russolo, Schaeffer, Isou, Varèse, Scott, Stockhausen, Lucier, etc), fait appel à ses plus "actuels" défenseurs. Citons par exemple Merzbow, Keiji Hano, Phill Niblock, Charlemagne Palestine, Loren Mazzacane Connors, DJ Spooky, Mimeo, Jim O'Rourke, Dean Roberts, Dominique Petitgand, Nurse With Wound, sans oublier l'aspect historique : du psychédélisme pré-ambiant (La Monte Young) à la no wave (DNA), en passant par le krautrock (Damo Suzuki), le post-punk (Throbbing Gristle, Public Image Ltd), les platinistes (Otomo Yoshihide, Martin Trétreault), l'improvisation (Derek Bailey, Joëlle Léandre) et les inclassables (Alan Licht, AMM, Musica Elettronica Viva, Taku Sugimoto). Une bible donc, une somme, allègrement écrite, dans un style fluide et plein de vie par un auteur tout à sa passion, la musique et rien que la musique. On a envie de dire, "exemplaire" ! C'est les fêtes il n'y a pas longtemps, offrez-le !

Philipe Robert - Musiques expérimentales, une anthologie transversale d'enregistrements emblématiques, éditions Le Mot et le Reste, avec le concours du GRIM.

Il doit bien rester quelques personnes qui se demandent encore ce qu'est devenu Devo. Pour ceux-là : Devo est devenu Mutato. Il y a justement dans le L.A. Weekly un long portrait de Mark Mothersbaugh, fondateur de Devo et de Mutato et vous feriez bien de le lire. Devo était un groupe satirique qui exposait l'absurdité de la société de consommation. Selon eux, elle nous entraine sur le chemin de la dévolution, une régression à l'état de singe, en gros. Mutato, c'est une société qui produit de la musique pour la télévision, le cinéma et surtout la publicité. Leur spécialité, c'est de produire une musique "quirky" : légèrement excentrique, amusante et étonnante mais pas trop. Il faut attirer le téléspectateur en étant original mais ne pas l'être trop pour ne pas le faire fuir.

Mothersbaugh explique aujourd'hui volontiers Devo (le concept était assez transparent de toute façon) mais comment réconcilie-t-il son passé de rockeur subversif avec le fait d'être aujourd'hui à la solde du grand capital ? D'une part il y a le fait que l'argent récolté lui permet de financer ses autres projets (un livre de montage photo "mutato", la fabrication de tapis bizarres et de nombreuses collections ésotériques). D'autre part, on sait que Devo n'a jamais cru au concept de contre-culture. Ils célébraient la dévolution de l'intérieur : en jouant du rock sur MTV. On peut se demander où est la subversion dans une petite musique à peine audible dans le fond d'une pub Apple. Comment est-on subversif sans mots, d'abord ?

Peut-être est-ce à nous d'aller chercher le message. Après tout, on nous dit depuis toujours que la société moderne nous abrutit, ça ne nous a jamais fait faire demi-tour. La musique de Mutato est bizarre... légèrement bizarre. Celle de Devo l'était aussi, ils ont pourtant, pendant un temps, été très populaires. Aujourd'hui, le genre de new wave que le groupe jouait il y a vingt-cinq ans est devenu le mode par défaut du groupe de rock faussement alternatif qui rêve d'être le nouveau Bloc Party. La musique de Mutato est bizarre, elle est aussi infantile. Plutôt, elle est dévolué. Oui, elle est fun, elle est stupide, c'est de la pop music. C'est ça que nous voulons. C'est ça que de riches industriels demandent à Mutato. Mutato nous le met dans les oreilles et la question qui se pose, silencieusement, c'est... "veut-on vraiment en arriver là ?". Si la réponse est oui -et à en juger par le succès de Fergie, c'est le cas- qui est Mothersbaugh pour nous le refuser ?

Le Gibus a 40 ans ! 40 années de festivités, ce n'est pas rien, surtout si l'on tient compte de l'éclectisme des scènes et des styles accueillis ainsi que de l'ouverture musicale de ce lieu emblématique de la nuit parisienne qui, de 1967 à aujourd'hui a véritablement accompagné l'histoire de la musique populaire dans notre pays. En effet, quel autre club parisien peut se vanter d'avoir fait jouer des figures aussi emblématiques et variées que Sun Ra, James Brown ou Chuck Berry, Johnny Thunder, les Sex Pistols, Iggy Pop ou Nina Hagen, les Rita Mitsouko, Taxi Girl, les Négresses Vertes ou la Mano Negra et pour finir le meilleurs des producteurs électros des années 90, de DJ Pierre à Daft Punk en passant par LTJ Buken pour la jungle ou The Hacker pour l'electro ? Ce qui n'était au départ qu'une pizzeria un peu plus branchée musique que les autres, deviendra rapidement au cours des années 60 un lieu polyvalent, véritable repère des acteurs de l'underground, qui de tout temps animèrent la capitale.

Du twist au rythm'n'blues, du rock au hip hop, de la house à la jungle, de la techno au RnB, cette salle mythique, drivée de mains de maîtres par les frères Taïeb, sera le temple de la musique, quel que soit son style ou son école. Il faut le dire, peu de gens eurent assez de flaire et de talent pour surfer sur l'avant-garde comme le fit ce clan familial issu de Tunisie. Une équipe à qui l'on doit les premières soirées punk rock en 1977 mais aussi les premières soirées electro. Le Gibus fut pour beaucoup dans l'émergence de la French Touch et l'arrivée des rois de l'electro de Chicago, Detroit ou Berlin, à Paris. A la fin des années 90, c'est au Gibus que naissent les soirées dédiées aux Baby Rockeurs avec les festivals "Passe ton bac d'abord"... C'est ce que racontent Philippe Manoeuvre, Damien Almira, Busty et l'ex-manager de Bijou Jean-William Thoury dans ce très beau livre commandé pour l'anniversaire du club. En 192 pages et plus de 300 photos couleurs et noir et blanc, de nombreux documents d'archives et de témoignages plus nombreux encore, 40 ans de musiques au Gibus (notez le pluriel) retrace l'histoire d'un lieu unique sans lequel l'impact de ce que l'on nomme communément les "musiques actuelles" ne serait certainement pas le même. Un beau livre et un beau cadeau pour Noël d'un coup d'un seul. Chapeau !

40 ans de musiques au Gibus par Damien Almira, Busty et Jean-William Thoury sous la direction de Philippe Manœuvre (éditions Hugo Image)

http://www.gibus.fr

http://www.myspace.com/bigjourvil

Mardi dernier les patrons de toutes les grosses radios privées françaises ont tenu une conférence de presse pour expliquer leur opposition à l'augmentation des barêmes des rémunérations qu'elles versent aux artistes et producteurs de musique. Cette augmentation décidée par une commission paritaire présidée par un représentant de la Cour des Comptes serait une sorte de compensation accordée à une industrie du disque en crise. Les représentants de cette dernière rappellent eux que les radios françaises paient beaucoup moins que leurs voisines européennes et qu'elles sont pleines de frics. Les radios elles disent que ces augmentations sont scandaleuses et risquent de gravement gréver leurs maigres profit.

Les patrons des radios ont déclaré que cette augmentation des tarifs les pousserait à diffuser moins de musique. Axel Duroux de RTL a menacé de remplacer l'émission musicale de la nuit de George Lang par des rediffusions des Grosses Têtes. Pierre Bélanger, patron de Skyrock, déclare : "Les radios portent le risque, la diversité et la découverte. Vouloir les taxer est donc ahurissant et sucidaire". Là on commence à rigoler. Il suffit d'écouter un petit peu ces radios pour savoir que leur direction se fout bien de nous faire découvrir de la musique. Les mêmes morceaux des mêmes artistes sont diffusés en rotation ultra-lourde sur toutes les plus grosses radios et il y a fort à parier qu'une réduction du temps d'antenne consacré à la musique ne se traduirait pas par moins du dernier Pascal Obispo mais plutôt encore moins d'artistes et de morceaux différents. Le pire ? C'est peut-être bien ce que les maisons de disque souhaitent.

C'est ce qu'on apprend en tout cas à la lecture de cet article du New York Times sur les nouveaux "contrats 360" proposés aux artistes. 360 non pas comme dans "cinq jours de congés par ans, coco" (encore que...) mais "360 degrés" ou "vous êtes cernés". Ces contrats impliquent les maisons de disques dans l'organisation et les revenus non plus seulement des enregistrements d'un artiste mais aussi des concerts et des produits dérivés. En échange l'artiste reçoit un peu plus de royalties et la promesse d'être considéré comme un investissement à long terme qu'on aidera à acquérir une audience fidèle plutôt que comme une machine à produire des tubes qu'on abandonnera au premier raté. Cette promesse, évidemment, ne vaut que ce que la patience des actionnaires permettra et ces contrats sont avant tout une tentative désespérée des majors d'aller chercher le fric des artistes là où il est maintenant (c'est à dire hors des studios).

Ces contrats ont deux conséquences négatives prévisibles. La première c'est que les maisons de disques, puisqu'elles investiront plus dans chaque artiste, devront nécessairement réduire le nombre d'artistes signés. Je veux dire : les réduire encore plus qu'elle ne l'ont déjà fait ces dernières années. La seconde, c'est qu'elles pourraient mettre en oeuvre un système de bakchich similaire à celui qui leur permet de vérrouiller l'accès aux radios FM pour vérrouiller de même l'accès aux salles de concerts (comme si la situation n'était pas déjà suffisamment sombre comme ça).

On ne pourra en tout cas plus dire que la seule réaction des majors aux nouvelles technologies, c'est de faire des procès à ses clients. Youpi.

Sasha Frere-Jones, membre de Ui et contributeur régulier de la rubrique musique du new-yorker vient à nouveau de lancer une polémique bancale sur le net, dont Playlist est fier d'être le dernier à parler. Dans son papier titré "A Whiter Shade Of Pale", Frere-Jones se lamentait d'une dérive ségrégationiste de la musique et en particulier du rejet de ses origines noires par l'indie-rock depuis les années 1990. Initialement je me suis dit qu'il s'agissait encore d'un cas de "le rock était tellement mieux quand j'étais jeune" ou de "je joue du funk dans un groupe, pourquoi les autres groupes ne jouent-ils pas tous du funk ?" habillé d'un vieil argument racial pour se donner des airs de justicier. Ensuite je me suis dit que j'avais raison, et j'aurais pu m'arrêter là, j'aime le sentiment d'avoir raison. Frere Jones ressemble beaucoup à un troll comme on en voit partout sur le net, y compris dans les commentaires de ce blog et, d'ailleurs, il nous avait déjà fait à peu près le même coup l'an dernier. Il s'agit cependant d'un vieux débat qui refuse de disparaître et ça vaut le coup de se pencher un peu dessus pour lui tordre le coup ou au moins lui placer quelques bons coups dans les parties.

L'article de Frere-Jones commence très mal en prenant l'exemple d'Arcade Fire. Certes, la musique des Canadiens ne comporte que très peu des signifiants traditionellement associés à la musique "noire". On pourrait s'arrêter là et dire "et alors ?". Y-a-t-il beaucoup d'artistes blacks qui prennent la peine d'essayer de sonner comme Arcade Fire ? Ce n'est pas pour faire mon Jean-Pierre Pernaud mais pour qu'il y ait la "fusion" à laquelle Frere-Jones aspire, il faut bien tout d'abord des courants musicaux distincts, un terroir qu'on doit entretenir et laisser évoluer indépendament. On pourrait aussi remarquer qu'Arcade Fire est largement influencé par les Talking Heads et Bruce Springsteen, et que même si en dehors du saxophoniste du E Street Band tous ces gens sont blancs comme neige, ils s'inspiraient du rythm & blues, du funk et des polyrythmies africaines. Et puis Frere Jones n'a pas du entendre Haïti.

Au delà de l'exemple particulier d'Arcade Fire, il est vrai que toute une branche de l'indie-rock a plus à voir avec Brian Wilson qu'avec Robert Johnson. Et pour toute une autre partie, c'est le contraire, ce qu'oublie volontairement Sasha Frere Jones pour concentrer sa paranoïa politiquement correcte sur Sufjan Stevens au mépris de TV On The Radio, de LCD Soundsystem ou de tous ces artistes "indie" d'aujourd'hui qui contredisent sa théorie. C'est ce qu'explique brillamment le blog de Playboy (via Stereogum). Dans un billet très intéressant (Playboy a depuis sa création, mine de rien, une tradition d'articles de qualité) raconte aussi et surtout une histoire de l'appropriation de la musique noire par les rockeurs blancs totalement différente de celle de l'article de Frere Jones. Les Rolling Stones et Led Zeppelin auraient été des racistes et se seraient appropriés la musique de ceux qu'ils considéraient comme des demi-sauvages pour donner libre cours à leurs propres impulsions primaires et misogynes. L'indie rock, né du rejet de ce type de rock bestial serait donc beaucoup moins raciste. On tombe un peu dans l'excès inverse et l'auteur finit par traiter celui qui le contredit de raciste (rarement une bonne façon de mener un débat) mais, quoi qu'il en soit, on en est nettement à Playboy 1, le New Yorker 0.

Après la regrettable disparition d'Oink, c'est au tour du site de critique musicale (et cinématographique aussi, un peu) Stylus Magazine de fermer ses portes aujourd'hui. Tout mon système s'effondre, je vais finir par écouter les CD promos qu'on m'envoit (sauf qu'en fait on m'envoit des URL avec un nombre de logins limités maintenant). Cette fermeture n'est pas le fait d'Interpol ce coup-ci mais juste la conséquence de la lassitude de Todd Burns, éditeur en chef du magazine.

J'ai déjà écrit tout le bien que je pense de Stylus il n'y a pas si longtemps. Stylus était en quelque sorte un fantasme de journaliste, bourré d'articles aussi longs qu'ils le voualient sur des sujets aussi ésotériques ou aussi obscurs qu'ils le voulaient, de chroniques de singles à la chaîne, de listes et tops improbables, de papiers-confessionaux, de podcasts et de tout un tas d'autres choses qui n'intéressent que les gens qui aiment autant écrire sur la musique que l'écouter. On dit que plusieurs contributeurs de Stylus vont probablement être accueillis par Pitchfork (un certain nombre travaillait déjà pour les deux) mais la perte de Stylus est la perte d'un espace unique et il convient de verser une petite larme.

Avant de s'en aller, le site offre une orgie de listes de fin d'année/de décade prématurées. A l'heure où j'écris ces lignes nous sommes hier et les listes musicales "importantes" n'ont pas encore été publiées et tout ce vers quoi je peux vous diriger c'est une liste des meilleures rééditions de l'année, des meilleurs films du millenium (ce qui sonne beaucoup que "des sept dernières années") et surtout un best-of de Stylus Magazine lui même, plein de liens vers des articles essentiels sur Mariah Carey, des listes des plus définitives aux plus inconséquentes et puis, côté inédit, les ultimes critiques en haïku, une idée à voler au plus vite.

Il y a un article sur Stylus qui tente de réintroduire la notion de technique dans la critique musicale après sa réinsertion façon ours dans les Pyrénnées par toute une série d'artistes tels que Battles et Marnie Stern. C'est intelligent et intéressant aussi certainement beaucoup trop pour que la plupart d'entre nous le lise, aussi je vais vous le résumer de façon honteusement grossière :

1- Nous ne sommes plus dans les années 1970 et les charts ne sont plus dominés par des super-musiciens et il n'y a plus a priori de raison de les détester. Et on devrait parler de la technique des groupes qui n'en font pas forcément la démonstration.

2- Stylus continue à produire du porno pour critiques (ce qui est trop pas con au niveau marketing quand tout le monde se croit critique, même moi).

Bref, c'est promis je me souviendrais dans ma prochaine chropnique d'album que derrière les instruments il y a des hommes et des femmes qui travaillent et je ne dirais plus que le prog rock c'est nul par principe, juste par expérience. Et puis j'expierais mes péchés passés en m'entraînant tous les jours à jouer de l'instrument impossible, la véritable raison d'être de ce billet est le joujou le plus geek du monde dans un monde qui en est déjà rempli : le séquenceur rubik's cube.

Via MusicThing, bien sûr.

Le Washington Post, auquel on ne connaissait pas une telle propension à la déconne, vient de créer le Quotient Moby, soit le résultat d'une équation complexe qui nous permet de déterminer avec précision à quel point on doit être scandalisé de l'usage d'une chanson dans une pub. Le quotient est bien sûr nommé d'après Moby, l'homme qui refuse de porter des chaussures cuir mais qui vend sa musique au premier fabriquant de voitures venu. Vous aussi, calculez le quotient Moby du Velvet Underground dans une pub pour Renault ou de KT Tunstall pour Alice Télécom et découvrez lequel est le plus grave ! Vous pouvez même vous en servir pour estimer le rapport coût en crédibilité, gain en chèque géant avant d'accepter cette offre d'un marchand d'arme pour votre chanson de Death Metal.

L'hagiographie de Rick Rubin publiée par le New York Times est l'article à lire absolument du moment si vous vous intéressez au moins un peu à la face business de la musique. On y apprend que Rubin est un mec super, avec une oreille infaillible, que c'est un gourou new age génial et qu'il va sauver l'industrie de la musique depuis qu'il est devenu co-directeur de Columbia Records. Il est même capable de faire croire au Times qu'il fait un super boulot alors qu'il a juste ouvert le NME, puisqu'on nous révèle qu'il aurait "découvert" des inconnus comme Gossip et Paul Potts (pas le dictateur mais la star de la télé britannique).

On nous rappelle les faits de gloire passés de Rubin, quand il passait sans ciller de l'invention du hip-hop "commercial" avec LL Cool J à la production du mythique Reign In Blood de Slayer, et puis ces trucs un peu surestimés qu'il a fait avec Johnny Cash. Rubin n'a sans doute pour nous plus la même classe qu'il y a vingt-ans (il produit toujours les Red Hot Chili Peppers !) mais une major comme Columbia a sans doute plus besoin d'un type comme lui que d'un mec hyper pointu qui écoute des trucs bizarres.

L'idée en faisant venir Rubin à la tête de Columbia, c'était d'avoir un type qui connait la musique pour diriger une maison de disques et de tenter de sortir de la crise actuelle non pas avec des root-kits, des procès ou des nouveaux formats farfelus mais en produisant de la bonne musique. A priori, ce n'est pas une mauvaise idée. A la lecture de l'article du Times, Rubin apparait pourtant surtout comme un producteur de luxe avec une grande marge de manoeuvre et un visage un peu célèbre à afficher aux actionnaires et au public pendant que le business est toujours géré par les mêmes gens avec toujours les même vieilles idées faussement neuves et faussement bonnes ("un département en charge du bouche à oreille", franchement).

Bien que ressemblant fort à une pure opération de communication de la part de Columbia à laquelle le Times a bien voulu se prêter, l'article est très intéressant et dégage un parfum de "trop peu, trop tard" qui n'augure pas du meilleur pour l'industrie du disque.

Attention, rendez-vous à ne pas manquer à partir de ce soir sur France Culture ! Alexandre Laumonier, directeur et éditeur des éditions Kargo à qui l'on doit feu la revue Nomad's Land et nombre de traductions de passionnants bouquins sur la, ou plutôt, "les", musique(s) (DJ Culture d'Ulf Poschardt, The New Beats de S.H. Fernando Jr., Ocean Of Sound de David Toop, le fameux Krautrocksampler de Julian Cope et Raisin Cain, le Blackface de Jim Crow à Michael Jackson, pour n'en citer que quelques-uns), Alexandre Laumonier donc, lance une série de 5 émissions sur France Culture du 20 au 24 août de 23h10 à 23h50.

Make Some Noise, c'est le titre de cette série en 5 volets, traitera de manière extrêmement vivante et avisée de l'histoire du son dans les musiques populaires du XXe siècle, du phonographe au son surround 5.1, en passant par le hip-hop, le rock, la pop', la techno, les musiques électroniques, l'ambient, etc. L'emission s'attachera donc à expliquer et décrypter "comment la technique crée des mondes sonores". Avec les voix de David Toop, Brian Eno, DJ Shadow, Juan Atkins, Michel Geiss, (ingénieur du son, spécialiste de l'enregistrement sonore) Richie Hawtin, Bruno Heuzé, (journaliste, spécialiste averti des mondes sonores) et Tony Herrington, (directeur du magazine The Wire) ! Inutile de vous dire qu'il ne faut pas rater ça. Playlistien, à vos agendas !

Émission 1. Lundi 20 août.
Le son au XXe siècle avec des musiques de Alexis Korner, The Outcasts, Nine Inch Nails, Johnny Cash...

Émission 2. Mardi 21 août.
La production sonore avec des musiques de Phil Spector/Tina Turner, The Beatles/St. Peppers, David Bowie/Brian Eno...

Émission 3. Mercredi 22 août.
Techniques & ingénieries sonores avec des musiques de DJ Premier, Dr Dre & ice Cube, Maxime Dangles, Maurizio...

Émission 4. Jeudi 23 août.
Communautés, mondes imaginaires, fictions soniques avec des musiques de Reverend Kelsey, DJ Shadow, Red Planet, Dokaka, The Chi-Lites...

Émission 5. Vendredi 24 août.
Le pouvoir de la machine avec des musiques de Mike Patton, Aphex Twin, Autechre, Richie Hawtin, Plastikman...

Pour plus d'infos sur le programme, les sujets traités et ses invités, rendez-vous également sur le profile myspace de l'émission.

Cosmic again ! Cette fois c'est d'un vrai polaroïd historique qu'il s'agit. Un cliché pris sur le vif de l'ambiance qui régnait dans le club qui a vu la naissance du "cosmic sound" entre 1977 et 1979 : la Discoteca Cosmic. Comme nous l'expliquions il y a une semaine, le cosmic disco est une congruence de styles parfois disparates, mixés de façon extrêmement créative par un fameux DJ italien, Daniele Baldelli. Le club lui-même devait son nom à sa décoration futuriste inspiré de la science-fiction des années 70. La cabine du DJ était par exemple incrustée dans une structure de type casque de spationaute, etc. C'est cette atmosphère que veux nous faire revivre le label Compost et DJ Mooner avec cette fabuleuse compilation Elaste Vol.1. Sous-titré "Slow Motion Disco", ce premier volume d'Elaste propose des classiques instantanés joués par Baldelli et les DJ du Cosmic Club, comme The Rah Band, Clive Steven's & Brainchild, Love International, Logic System, Chris & Cosey ou Peru. Comme l'indique son sous-titre, cette version "cosmic" du disco d'origine était fortement lymphatique, plus baignée de psychédélisme qu'investit de beat, même si celui-ci comme dans toute musique de "dance" constituait bien sûr la structure de base autour duquel tournaient percussions tribales, effets synthétiques et bruitages étranges. 95 et 100 bpm était alors un maximum.

Cette prédisposition à l'évasion et à la transcendance, son côté cérébral et "trippé" devait bien entendu attirer les freaks et les dealers de tout poil. Le cosmic sound a rapidement gagné la réputation de musique "de drogués", qui en fit un peu la bête noir de la musique électronique de l'époque (ça, et la tendance affichée par les médias, pratiquant l'amalgame entre "disco des origines" avec ses excès, tant artistiques que commerciaux et sa version cosmic plus underground). Evidemment, l'usage de stupéfiants et en particulier d'héroïne joua donc un grand rôle dans la saga cosmic mais c'est malheureusement aussi ce qui causa la perte du club et provoqua sa fermeture en 1984. Cette musique et ses DJ emblématiques n'eurent pas le temps de s'exporter et l'art du "cosmic mix" tomba dans l'oubli... jusqu'à aujourd'hui, puisque, comme vous le savez si vous lisez régulièrement Playlist et sa rubrique "Disco", ainsi que la bonne presse musicale ou les blogs avertis (ici, ici ou ici), cette école fait de nouveau la une. En Allemagne (Compost), en Norvege (Lindstrom & Prins Thomas, Rune Lindbæk, Todd Terje, etc.), en Angleterre (DC Recordings) en Belgique (Eskimo records, le mail order Flexx) et en France (Dirty Crew, Tigersushi, Black Devil Disco Club, etc.), on ne compte plus les labels et artistes rééditant perles cosmic, mais aussi Italo, un proche parent plus kitsch 80, et "mutant disco", encore une variation plus rock, parfois même punk venant de New York. Même Robert Wyatt s'y met (merci David F), en compagnie de Bertrand Burgalat de Tricatel avec le single "This summer night" (en écoute sur la page d'accueil du label). Gageons que cette musique n'a pas fini de nous passionner.

Nous parlerons d'ailleurs prochainement de l'excellente compilation du tout jeune label américain Italian do it Better, qui réactive le genre italo en nous offrant une nouvelle compilation digne de I-F Mixed Up In The Hague Vol. 1 ou du Unclassic de Morgan Geist, et qui nous viens cette fois du New Jersey ! En attendant n'hésitez pas à vous rendre sur le profil myspace d'Elaste où pour une fois, vous trouverez du contenu avec toute l'histoire du Cosmic Club. Idem pour le fameux magazine Discopia proposant interviews et chroniques des cadors de la constellation nu-disco et des autres, et last but not least, checkez cette page en italien proposant des photos unique des abords et l'intérieur de la Discoteca Cosmic. Pour finir ruez vous également sur ce très bon mix de Trakse, ambiance space disco garantie, qui s'accordera très bien avec les images (merci à lui) !

Compost présente Elaste Vol. 1 - Slow Motion Disco (Compost/Nocturne)

A l'exact inverse de la liste du Guardian dont je vous parlais l'autre jour, Blender vient d'ajouter à son incroyablement imposant amas de listes débiles une liste qui n'est pas si stupide que ça, à y regarder de plus près : les mauvais albums préférés de leurs artistes préférés. Si on veut bien passer outre le fait que beaucoup des artistes en question ne sont sûrement pas les artistes préférés de qui que ce soit (le Guardian avait un casting bien plus impressionant) et qu'ils ne parlent pas d'albums qu'eux considèrent mauvais, juste le reste du monde. Ca donne des membres de The Hold Steady, The Narrator ou Justice qui défendent les Carpenters, le Self Portrait de Dylan ou la B.O. de Staying Alive.

Il se trouve que je suis en vacances, ce qui veut dire que je n'aurais pas à craindre vos regards soucieux, attérrés ou carrément hostiles quand je vous ferais l'aveu de l'horrible disque que moi même j'aime. Pourtant ce courage qui me manque je vous invite à le trouver pour avouer vous aussi dans les commentaires quel disque terriblement pas cool vous chérissez en secret. Je suis certain qu'une thérapie collective nous fera à tous le plus grand bien sur le long terme. Hmm, bon, bref, faut que je me lance.

Je prends un pied monstre chaque fois que j'écoute One Hot Minute des Red Hot Chili Peppers. Oui, il y a Anthony Kiedis qui rappe dessus et qui chante aussi et je ne sais toujours pas lequel est le pire et Flea slappe sa basse comme s'il n'existait pas d'autre façon d'en jouer et quand le guitariste intérimaire Dave Navarro joue on peut entendre qu'il a les tétons percés. Il y a des ballades saccharinées, tentatives éhontées de capitaliser sur le succès innatendu d'Under The Bridge sur l'album précédent et l'une d'elles s'appelle même "Tearjerker" ("tire larmes") au cas où on aurait pas compris et même sur celles-là Navarro balance des plans hard rock seventies savamment calculés pour tirer toute la couverture à lui et l'établir comme guitar hero ultime des années 90. La section rythmique était sans doute trop défoncée pour se rendre compte que le guitariste avait changé et laisse le pilote automatique sur "funky" comme si de rien n'était et Kiedis utilise à plusieurs reprises un filtre "effet je chante sous l'eau" sur sa voix pour faire psychédélique et peut-être donner un semblant de justification au grand n'importe quoi qu'ont toujours été ses paroles.

Le fait que cet album fonctionne reste pour moi un mystère mais il n'en est pas moins indéniable. Une part de mon attraction pour ce disque tient sans doute au fait que j'étais trop jeune pour savoir que tous ces trucs qu'on y entend sont officiellement reconnus par les plus hautes autorités comme étant de très mauvais goût. Une autre part est liée au fait que le groupe lui n'en avait rien a faire du bon goût et surtout de la bonne mesure. Quand John Frusciante est revenu parmi eux pour Californication, il a apporté avec lui l'idée que, peut-être, il ne fallait pas être à fond tout le temps. Aujourd'hui le seul risque qu'on imagine en écoutant les Red Hot Chili Peppers, c'est celui du cancer de la peau après une vie passée sous le soleil californien et un léger abrutissement lié à une consommation de drogue passée. A l'époque, on avait l'impression en les écoutant d'être à deux doigts de devenir complètement dingue comme eux et de ne plus se vêtir que d'une chaussette et de se percer les tétons.

Et toi, donc, cher lecteur, quel disque pas cool aimes-tu ?

Un fond d'écran en dit beaucoup sur son propriétaire. La façon dont on décore et organise son ordinateur personnel serait donc révélateur de la psychologie de celui qui en dispose ? C'est du moins ce que pensait Pierre Belouin, artiste contemporain et label manager d'Optical Sound & Fine Arts quand il lançait son projet Desktop en 1998 . Et pourquoi pas ? Ainsi, pendant que presque tous mes collègues sont en vacances je profite lâchement du vide laissé derrière eux (snif) pour me faire mousser : voici mon fond d'écran de l'été ! Syd Barrett période The Madcap Laugh, une image symbole qui accompagne à merveille notre feuilleton de l'été sur les albums cultes des géants du bizarre. Et vous, quel est votre fond d'écran estival ? Postez le dans la rubrique "Desktops d'été" sur le forum de Fluctuat.net !