S'il fallait chercher la logique inhérente à la techno minimale, il faudrait peut-être regarder du côté de l'ambient. Bien sûr c'est un paradoxe, puisque la minimale des origines (Robert Hood, Daniel Bell, Richie Hawtin, Thomas Brinkman) était principalement basée sur le rythme justement. Rythme qu'avait en grande partie abandonné l'ambient. En grande partie, mais pas complètement. Preuve en est des pièces ambient-dub de certaines formations des années 90 signées sur les labels Chain Reaction (Monolake, Vainqueur, Substance) ou Mille Plateaux (Gas, Reinhard Voigt, le frère du précédent). Pourtant, nous ne sommes pas étonnés de voir qu'au bout du long chemin emprunté par la techno minimale, un plateau, arrive un moment où le rythme s'assoupit et puis s'abstient. C'est en tout cas l'illustration qu'en donne les Suédois de Minilogue avec leur double album Animals.

A ce propos, ne chercheZ plus le chef-d'œuvre de l'electro cette année, c'est Animals. Double CD, "dance" d'un côté (enfin, "dance", narcotic groove plutôt) et ambient de l'autre. Un sommet d'ambient électronique, riche en paysages, en texture et en mélodies subliminales, comme le genre est capable d'en pondre tous les dix ans. De fait, la face ambient d'Animals malgré son humilité, vient enrichir la discothèque idéale aux côtés de, au hasard, Irrlicht de Klaus Schulze, A Huge Ever Growing Pulsating Brain That Rules From The Center Of The Ultraworld de The Orb, Chill Out de KLF et Microgravity de Biosphere. Rien que ça ! Quand aux tracks "dancefloor" du CD1, c'est à de petites perles ondulantes aux milles facettes que l'on a droit. Prenez le clignotant "Hitchhiker's Choice" (ici en vidéo), ou "33 000 Honeybees", le dubby "Cow, crickets and Clay" ou encore "Jamaica". Tous illustrent cette puissance de l'esprit incarné (ou plutôt désincarné) par les musiques électroniques, relançant l'idée de psychédélisme en plein 21ème siècle. Tout n'y est que mesure, élégance et poésie. Deux CD pour deux univers, qui partagent l'hypnose, l'allongement de la durée, la distorsion des sons, les rythmes répétitifs, les nappes synthétiques propices à la méditation et aux dérives de l'esprit... Qui a dit "psychédélique" ?!

http://www.myspace.com/minilogue

Quelle est pour vous la meilleure définition du terme "laidback" ?
Assez souvent, j'aime m'allonger sur l'herbe et regarder le ciel, la nuit ou le jour. Je plonge directement dans un état de pure relaxation et je ne peux être plus détendu que ça.


Quels sont vos meilleurs souvenirs de soirée estivale ?
Les picnic, les carillons, les légumes frais, les fraises.

Etes-vous des habitués du sud de la France ? Que vous évoque cette partie du monde ?
Je ne connais pas vraiment cette région, mais je suis sûr que c'est super. Presque tous les lieux sont intéressants.

La majorité du festival Les Siestes Electroniques se déroule en plein-air, dans des parcs ou des cours d'hôtels particuliers : jouer en plein-air représente pour vous un plaisir/une contrainte/vous est égal ?
Un plaisir si le temps est adéquat, une contrainte s'il fait trop chaud ou qu'il pleut, mais c'est en majorité un plaisir.

Citer votre top 5 des albums idéal pour l'été
1 Scritti Politti - Songs To Remember
2 John Martyn - One World
3 sun electric - Kitchen
4 Casino vs Japan - Goes Hawaii
5 Marine Girls - Lazy ways

A suivre, le reste de nos interviews "laidback in the Sun"

Site des Siestes Electroniques

Sous-titré "The seductive sounds of Tipsy ", le premier album de ce combo de San Fransisco drivé par Tim Digulla & David Gardner est certainement ce qui se fait de plus culte (et bizarre) dans le champ de la production post-lounge exotica. A l'instar de Quiet Village (voir notre papier exotica) ou de leur compatriote de Sorcerer, les membres de Tipsy font dans la nostalgie d'un certain âge d'or de la lounge music tout en se servant de se prétexte pour se moquer gentiment d'une époque souvent naïve où l'optimisme avait force de loi.

A ce propos, un titre comme "El Bombo Atomico", sa guitare qui balance doucement sur un rythme de calypso et ses riffs de saxo idiots accompagnant chaque mesure laisse entrevoir un certain (haut) degré d'ironie, évoquant autant la bande son d'un Walt Disney particulièrement allumé (au hasard Les Trois Caballeros) - ou une B.O. de dessins animés de Spike Jones (celui qui illustrait Tex Avery) - que celle d'un reportage de propagande de la dernière guerre sur les premiers essais nucléaires dans le Pacifique. On imagine aisément des GI's en quasi-coma éthyliques, dansant mollement sur la plage tandis qu'un magnifique champignon atomique se déploie en arrière-plan (pensez au fameux film Atomic Café !)

Entièrement instrumental, The seductive sounds of Tipsy fait le grand écart entre post-rock et collage. Pourtant, si l'album doit beaucoup au sampling (nous sommes dans les années 90), c'est un sampling discret, relevé d'effets analogiques dont les bribes sont de toute façon empruntées aux classiques de l'exotica de Martin Denny, Glenn Baxter ou Yma Sumac. Emprunts qui confèrent à l'ensemble un aspect vintage de trip psychédélique et surréaliste sur la lune. Le cosmos est, entre autre thème, très en vogue dans les années 40 et 50, âge d'or de la conquête de l'espace, ce qu'a très bien compris Tipsy (voir "Space Golf", "Nude On The Moon"). Sur "Cinnabar" par exemple, résonne une guitare hawaïenne et un ukulélé, tandis que "Mr. Excitement", "Tuatara", "Liquordelic", "Something Tropical", semblent déplacer les thèmes exotiques sur une autre planète. Une ambiance que l'on doit aussi à l'usage de bruitages rigolos. Les "chtouing !" et autres "plop !" crétins, qui animent des titres comme "Fuad Ramses" ou "Oops ! ", font irrémédiablement penser aux petits bijoux du Français Jean-Jacques Perrey (par ailleurs créateur de la musique de la Grande Parade de Disneyland dans les années 50).

Trip Tease, The seductive sounds of Tipsy est donc un nouvel ovni sonore qui a atterri on ne sait trop comment en pleine fièvre trip-hop sur la label san fransiscain Asphodel (celui-là même qui héberge également les pointures de la vague illbient des 90's, soit DJ Spooky, feu-Sub Dub, We, Byzar, mais aussi des personnalités de la musique expérimentale comme Thomas Dimuzio ou Taylor Deupree, des platinistes (Rob Swift, Christian Marclay & Otomo Yoshihide), ainsi que des œuvres de Zeitkratzer (voir notre chronique de Metal Machine Music) ou de John Cage.

Un ovni donc, mais posé sur une plage des tropiques en plastique, à l'ombre d'un parasol en papier, lui-même plongé dans un grand verre de martini. A déguster (complètement) frappé !

Tipsy - "Trip Tease, The seductive sounds of Tipsy " (Asphodel, 1996)

Trent Reznor de Nine Inch Nails est content : libéré de toute obligation contractuelle, il peut maintenant faire des quadruples albums instrumentaux d'ambient expérimentale inspiré par Brian Eno et Einstürzende Neubauten et les distribuer gratuitement, les uploader lui-même sur les sites de peer to peer et proposer toutes sortes de packages payants (pour l'album en FLAC, un Blu Ray et sans doute même une version cassette ou 78 tours si vous lui demandez gentiment).

Ca s'appelle "Ghosts I-IV" et seul le "I" est disponible pour l'instant mais les "II", "III" et "IV" ne sauraient tarder. Ca sonne un peu comme les boucles qui passent au fond, loin derrière les grosses guitares dans les vieux albums de NIN. On peut saluer la démarche de Reznor même si, il faut bien le dire, le potentiel commercial de cet album est tellement réduit que le sortir "traditionnellement" n'aurait probablement rapporté à Reznor que quelques dizaines de milliers de dollars que même son comptable n'aurait pas remarqué sur son compte en banque.

Vous pouvez théoriquement télécharger "Ghosts I-IV" sur ce site officiel mais celui-ci est complétement surchargé va beaucoup mieux, merci pour lui, aussi je vous recommande plutôt d'utiliser ce fichier Bit Torrent (allez-y, ne craignez rien, Trent est d'accord) ou si vous êtes technologiquement handicapé, de passer par Rapidshare.

Plutôt que de se demander, comme le font beaucoup de mes confrères aujourd'hui, s'il est encore pertinent d'écouter la musique de The Orb en 2008, il faudrait plutôt s'interroger sur la pertinence de la musique ambient, dans une société où la drogue de prédilection est la cocaïne. De fait, à une époque où la musique dominante est symbolisée par l'hystérie Justice, il est logique, si ce n'est "normal" que des amateurs de paysages planants comme Alex Paterson et Youth se voient reléguer au rang de sympathiques papy space cake. Ma théorie est la suivante : l'engouement pour l'ambient est inversement proportionnel à l'enthousiasme provoqué par la coke, et plus prosaïquement, le déficit d'intérêt de ce genre musical apaisant est à considérer au regard des fabuleux bénéfices que les dealers de cocaïnes ramassent actuellement. Mais laissons là ces considérations sociologiques et revenons à la musique de The Orb.

Sur ce The Dream annoncé comme le retour du messie, The Orb perd Thomas Fehlmann, membre fondateur du projet qui va et vient depuis le précédent, Okie Dokie It's The Orb On Kompakt. L'album n'ayant pas trouvé son public, on ne peut pas vraiment dire que The Orb perde réellement au change. Il faut croire que les expériences minimales techno de ce dernier n'entraient pas dans la ligne surréaliste et foncièrement mouvante, insaisissable même, des cyber-hippies de The Orb. Trop rigide, la recette de Okie Dokie n'avait pas plus convaincue les critiques qu'elle n'avait séduite la fan base. C'est peut-être la raison pour laquelle, dès l'ouverture de The Dream, on se prend à rêver d'un vrai retour du duo phare de l'ambient tel que nous le connaissions il y a 20 ans. Dès l'intro de "The Dream", qui en rappelle une autre, le fameux "Little Fluffy Clouds" de The Orb Adventures Beyond the Ultraworld, on retrouve ce qui fit de ce duo d'extraterrestres la machine à rêver chill out que nous adorions. Les voix fantomatiques, les clochettes et autres gri-gri new age, les mélodies planantes portées par une rythmique imperturbable de pères tranquilles. Sur "Lost & Found" et "Katskills" Paterson et Youth reviennent aux racines de ce qui faisait leur son, les échos et la basse lourde du dub. Les somptueusement cool "High Noon" et "Something Special" les voient même renouer avec la magie des débuts, incluant guitare à la Robert Fripp et invocations psychédéliques et tribales ("Phantom Of Ukraine"), hélas tout n'est pas parfait loin de là "au pays des merveilles de The Orb". On regrette par exemple les vocaux féminins indigestes ("Vuja De", "A Beautifull Day" ou le détestable "The Truth is...") qui parsèment l'album en alourdissant les compositions. On est même déçu par "DDD ", un titre qui aurait pu être une expérience passionnante d'ambient disco dub et qui ne s'avère finalement qu'un mélange bâtard de rythme 4x4 et de circonvolutions boursouflées. Des faux pas qui, s'ils ne gâchent pas vraiment les bons moments, donnent l'impression que le duo se perd, ne sachant plus quelle piste exploiter. Malgré l'ambition affichée et quelques bons moments, il faut bien le reconnaître, The Dream n'est malheureusement pas le disque de The Orb dont nous rêvions. La prochaine fois peut-être...

En attendant, pour les nostalgiques, retour en vidéo sur le "Little Fluffy Clouds" quintessence de l'art de The Orb :

The Orb - The Dream (Stereo Deluxe/La Baleine)

http://www.myspace.com/orbisms

L'année 2008 commence bien. Une flopée de nouveautés alléchantes (Justus Köhncke, Hot Chip, Neon Neon, Zombie Zombie, etc.) et des rééditions croustillantes à la pelle, bref de quoi s'occuper durant les longs mois d'hiver. Commençons par les travaux du Suédois Geir Jenssen sous le nom de Biosphere. De 1991 à aujourd'hui Jenssen produit sous le nom de Biosphere des pièces si singulières que certaines n'ont pas pris une ride malgré les 13 ans qui nous séparent de leur création. Réédités aujourd'hui chez Beat Service, Microgravity, Patashnik et Insomnia sont d'ailleurs symboliques de toute une époque, celle des prémices de l'electronica, quand les compositions entièrement synthétiques d'artistes comme The Black Dog, Bola, Autechre ou B12 faisaient encore rêver. Initialement parus sur Apollo, sub-label ambient du mythique label belge R&S fondé par Renaat Vandepapeliere & Sabine Maes, Microgravity, Patashnik et Insomnia sont l'occasion de découvrir une nouvelle fois l'art de Jenssen, ses nébulosités (é)mouvantes, ses tempêtes au ralenti, son univers unique en constante expansion. Un art souvent imité (voir la série Pop Ambient de Kompakt dont nous parlerons bientôt) mais rarement égalé.

Au cours d'un long voyage immobile dans les grands espaces - espaces géographiques (l'arctique avec Cirque) ou espaces intérieurs (Insomnia), quand ce n'est pas l'espace profond (Microgravity aujourd'hui, Dropsond en 2006) - ce pionnier de l'ambient suédois déroule ses obsessions : Les terres désolées, le mythe de la conquête spatiale soviétique (Patashnik) et les interstices labyrinthiques de l'inconscient (Insomnia). Sur ces trois disques on retrouve ses mélodies ambients tellement belles et élémentaires (la plupart du temps de simples nappes) qu'elles donnent tout bonnement envie de pleurer (l'éponyme "Microgravity", "Cloudwalker II", "Cygnus-A" sur Microgravity, "Phantasm", "Startoucher", "Decryption" sur Patashnik). Notez qu'avec Jenssen, ambient ne veut jamais dire ennui; le producteur est aussi capable de morceaux plus enlevés flirtant avec une techno au ralenti (au hasard "Baby Satellite", "The Fairy Tale" sur Microgravity, la cavalcade dans le grand nord de "Novlety Waves" ou "Seti Project" sur Patashnik). L'ajout de voix sur la plupart de ses morceaux enregistrés entre 1992 et 1994 évoque l'influence qu'avait encore la musique industrielle sur l'électro du début des 90's. La rythmique downtempo quant à elle rappel les apports du dub, un courant omniprésent dans le vocabulaire musicale de l'époque (voir "The Shield" sur Patashnik, par exemple). Par la suite, ses travaux tendront vers l'épure, pour ne pas dire le minimalisme. Avec Insomnia, B.O. du film du même nom, sa musique sonne à la fois plus abstraite et apaisé.

La réédition de ses trois disques précieux est justement occasion de constater l'évolution des travaux au fil du temps, d'une techno éthérée (Microgravity) à la musique répétitive (Patashnik) puis à l'ambient immobile des moments en suspend d'Insomnia. Aujourd'hui, Geir Jenssen s'adonne sous son nom propre à la création de pièces electroacoustiques, voir concrètes, à base de field recordings (enregistrement de sons "naturels" in situ), généralement sur le très pointu label Touch, également responsable de la réédition du magnifique Cirque en 2006.

Biosphère - Microgravity, Patashnik et Insomnia (Beat Service/La Baleine)

"Le dubstep est né à Birmingham" disais-je donc il y a quelques jours sur ce blog. Alors que la plupart des critiques s'accordent pour signaler sa naissance dans le sud de Londres, je continue à prétendre que Mike Harris, fondateur de Scorn et ex-batteur de Napalm Death (décidément, le metal mène à tout) a inventé le genre bien avant tout le monde, sans pour autant lui donner un nom. On peut donc dire que, "si Mike Harris faisait tout simplement du Scorn, les acteurs actuels de Brixton, eux, font bel et bien du dubstep". De là à conclure que le dubstep, en temps que genre, sévit bel et bien à Londres, il n'y a qu'un "step" (hahaha) que vous franchirez... ou pas, cela reste personnel. Bref, la semaine futur dub et dubstep étant entamée hier avec la chronique de Untrue, le nouveau Burial, je continue pour vous mon exploration de la face sombre de la bass music.

Aujourd'hui parlons de Gyral, troisième opus de Scorn, qui est peut-être celui qui relie le plus Harris à la forme de drum'n'bass ralentie matinée de dub qui nous intéresse. Resituons d'abord ce monolithe dans le contexte. Nous sommes en 1995 et le dub est omniprésent. De Kingston, sa ville natale à Munich (Kruder & Dorfmeister), en passant par Washington (Thievery Corporation) ou Berlin (Pole, Mille Plateaux, Chain Reaction, Basic Channel) sans oublier Lyon (Jarring Effect et tout sa crew), les échos enfumés de cette musique fantômatique font vibrer tous les floors de la planète. Le drum'n'bass se porte également très bien, il a même pignon sur rue (ce qui n'est plus le cas aujourd'hui). Avec Scorn, Mike Harris se place en héritier de la fusion ambiant, musique électronique, dub et musique industrielle initiée par Bill Laswell, John Zorn ou Kevin Martin. Plus subtilement il fait directement partie de ces pionniers puisqu'il entame son projet Scornien avec Vea Solis aux côtés de Nic Bullen (fondateur de Napalm Death) en 1992. Mais c'est avec Colossus et Evanescence qu'il trouve réellement sa voie, abandonnant progressivement l'industrial music lourde et saturée pour une forme de trip hop ambiant sombre et pesant.

Avec Gyral, Harris passe une frontière. Il est attentif aux échos de la drum'n'bass en temps que genre dominant de l'époque (au milieu des années 90, qu'il s'agisse du post-rock, du trip hop, de l'electronica ou du jazz, tous font au moins une fois l'expérience de cette musique) et tente lui aussi l'hybridation avec le dub tout en gardant ses sons hypnotiques d'une profondeur inouïe. La lenteur de ses break beats et le ronronnement surpuissant de ses basses font de Gyral un album pionnier en matière de dubstep. C'est particulièrement évident sur des morceaux comme "Six Hours One Week", "Far in Out" ou la jungle au ralenti de "Hush", quand celui-ci s'accompagne de gazouillements électroniques et de notes de piano éparses ("Stairway") qui viennent animer ses rythmes tourbillonnants, répétitifs et syncopés. Enfin, comment ne pas penser à Memories of The Future des tenants du dubstep actuel, Kode 9 and Spaceape, à l'écoute du complexe et subtil "Trondheim - Gävle", un must d'hypnose qui relie d'un coup le Consumed de Plastikman et l'electrodub minimaliste des productions de Chain Reaction avec la drum'n'bass mécanique et futuriste du label Metalheadz de Goldie. Une fusion que Mike Harris continuera d'explorer avec Logghi Barogghi en 96 puis avec Zander, en 97. Assurément culte et bizarre dans sa volonté de mixer des cultures antagonistes (le dub et la musique industrielle, mais aussi le hip hop et la jungle/drum'n'bass) Gyral est de ces albums intense et novateur qui marque leur époque d'une manière indélébile.

Scorn - Gyral (Scorn Recordings/Hearache)

http://www.mickharris.net/ & http://www.myspace.com/mjhscorn

Loveless est certainement l'album culte par excellence, et quel album bizarre ! Tant d'histoires, plus ou moins connues, tant de rumeurs plus ou moins véridiques aussi, ont couru sur la conception de ce disque. Il aurait "ruiné le label d'Alan McGee, Creation Records" (véridique). Il aurait nécessité une vingtaine de studios, plus de trois ans d'enregistrement et pas moins de 16 ingénieurs du son différents pour achever sa production (véridique). Le leader du groupe, Kevin Shields, "était sourd à cause du volume de leur musique bien avant l'enregistrement" et cela expliquerait la puissance du son, le brouillard des guitare saturées, la marmelade mélodique et surtout, les multiples tentatives de mixage différents (invérifiable, même si Kevin Shields était bel et bien sourd, et l'est encore, durant la tournée Loveless, il l'avouera dans plusieurs interviews de l'époque). "Les heures de studio interminables coûtèrent tellement chères au label que celui-ci fut obligé de signer Oasis que McGee n'aurait jamais pris sous son aile, si Loveless ne l'avait pas mis sur la paille..." (Invérifiable, même si on aimerait y croire). Bref, les légendes ne manquent pas concernant ce qui restera comme l'ultime opus de My Bloody Valentine. Peut-être parce qu'il s'agit du dernier disque d'un groupe symbolique justement. Le groupe shoegazer définitif des années 80/90. Pour beaucoup, Loveless figurera d'ailleurs la fin du genre, même si d'autres groupes lui succèderont (Boo Radleys, Catherine Wheel, Slowdive, Lush, Swervedriver). Pour d'autres, de part son extrême technicité, l'importance du travail de production en studio et l'usage intensif de samplers, qui accompagnèrent la création du disque, Loveless, annonce l'entrée de la brit-pop dans les années 90, sa décadence et l'annonce de la future domination des musiques électroniques.

Pourtant, par delà la légende, nul ne peut nier qu'il reste un pur chef-d'œuvre, une œuvre phare, d'une intensité unique, comme si ses auteurs en connaissaient déjà l'épilogue. Alors forcément, pour les fans de par le monde, cet album s'accompagne également d'un petit arrière goût d'amertume, incarné dans une question récurrente : Que nous aurait offert MBV si ses membres avaient su surpasser les épreuves et les affres de la création ? En ce sens, Loveless fait aussi un peu figure d'album maudit, malgré sa beauté formelle et l'incroyable actualité de ses ritournelles hypnotiques. Car on l'aura peu dit (enfin si, un peu), mais en 2007 peu d'albums sonnent aujourd'hui aussi actuel. Un bon signe d'ailleurs, celui du renouveau de la pop et du rock expérimental, celui d'un retour aux bonnes références, les Brian Eno, Phil Spector, Martin Hannett ou Joe Meek (qui ça ?), des producteurs qu'adorait (et adore certainement encore, il n'est pas mort !) Kevin Shields, visionnaire en chef de ce Loveless d'exception. Finalement, qu'est-ce qui fait de cet album monstrueux, un disque majeur et incontournable ? D'abord, c'est un condensé de ce qu'il s'est fait de meilleur dans la pop du 20ième siècle : intransigeance de ses créateurs, qualité de ses mélodies, originalité totale et paradoxalement, emprunts multiples (la batterie répétitive et monolithique de Colm O'Ciosoig doit beaucoup à Can, le mur de guitares à Spector, la production électronique et l'usage de samples, à Brian Eno (dont Kevin Shields explique régulièrement l'influence, particulièrement de l'album Here Come The Warm Jet). Ensuite, bien que parfaite incarnation de la pop britannique du début des années 90, Loveless incarne aussi son total dépassement. Ses mélodies entêtantes et hypnotiques préfigurent l'acid house (à ce titre le morceau "Soon" qui clôt l'album, remixé plus tard par Andrew Weatherhall, est imparable) et parlent tout autant aux amateurs de musiques de dance (de transe ?) qu'aux aficionados de rock expérimental et psychédélique. La production proprement stupéfiante de Shields, lui permet de plonger dans un même bain d'ondes vibrantes noyées d'échos et de réverbs, attaques de fuzz sauvage ("Only Shallow", "When You Sleep", "What you Want"), pop songs éthérées jusqu'à l'inaudible ("Loomer", "To Here Know When", "Blow a Wish"), ballade dub ("Come in Alone") où fleure toujours une profonde neurasthénie ("Sometimes") et sons inouïe, voir inaudibles, donnant à ces morceaux des teintes étranges dans lesquelles certains entendront des violoncelles ("I Only Said", "Touched"), des cuivres ("Blow a Wish") et d'autres instruments subliminaux. Il aura donc fallut trois ans à Shields et son groupe pour accoucher d'une production d'une rare cohérence, dans un album surpassant aisément tout ce que l'on a pu entendre à l'époque. Mais à quel prix ? Les fans de My Bloody Valentine ne s'en sont encore jamais remis... Et vous ?

My Bloody Valentine - Loveless (Creation, 1991)

Toutes les musiques psychédéliques dites "lysergiques" des 60's auraient pu être de l'ambient. Elle le sont d'ailleurs par le biais d'un vicieux retournement temporel que j'expliquais il y a peu (les pionniers de l'ambient électronique furent souvent des hippies férus de psychédélisme et de space rock, logique). Elles le sont aussi de toutes les façons possibles et imaginables dans l'esprit. Idem pour les grands compositeurs de kosmische music allemands des années 70, les Cluster, Harmonia, Tangerine Dream, Popol Vuh et autre Klaus Schulze, qui les premiers unirent les atmosphères envapées et les machines à grand coups de synthétiseurs, de beat box primitive et de motorik beat. Evidemment, il fallait quelqu'un pour unir ces deux hémisphères : la contre-culture hippie des 60's et la scolastique mécanique allemande des 70's. Il fallait aussi quelqu'un pour conceptualiser le truc, le rendre plausible, transformer ce qui aurait pu n'être que de la musique de supermarché en un art noble. Ce quelqu'un, par sa curiosité, son talent et ses qualités de visionnaire, c'est Brian Eno quand il inventa l'ambient. Ambient #1 / Music for Airports (1978), puis la même année Music for Films. Ambient #2 / The Plateaux of Mirror (avec Harold Budd) en 1980, l'ensemble se concluant sur Ambient #3 / Day of Radiance et On Land. Mais tout le monde connaît ça aujourd'hui...

Anthony Gonzales de M83 a toujours écouté ces musiques. Pour lui c'est même l'essence de l'art, ou, pour être plus précis, "l'essence de son art". Du coup, ce Digital Shades Vol. 1 composé de 10 plages de pure musique ambient minimaliste et dépouillée se présente en fait comme le plus vaste des continents. Un pays à visiter les yeux fermés. Mieux, Digital Shades Vol. 1 s'appréhende logiquement dans la lignée des précédents albums de M83. D'autant plus logiquement que ce travail, proposé comme une pause, une respiration, dans l'ensemble de la discographie et la carrière du groupe, porte en lui les germes (et les "gemmes" aussi, écoutez bien) des mélodies déjà présentes dans les murs de bruit blanc lumineux, l'electronica contemplative et les envolées vocales d'un Before The Dawn Heals Us, par exemple, même si l'album pouvait sembler foisonnant en comparaison. Pour en être sûr, il suffit de se laisser aller et de tendre l'oreille aux mini-symphonies synthétiques que viennent habiter de discrètes variations. Chaleureux, vivant, le son de Digital Shades Vol. 1 doit plus aux pionniers de l'ambient des 70's qu'aux travaux aseptisés expérimentaux des petits maîtres des 90's qui suivirent. En digne héritier d'un vaste continuum ambient analogique, Anthony Gonzales de M83 compose principalement sur de vieilles machines. Il se fit complètement à la magie de l'union synthétiseurs et guitares. Nous ne sommes pas loin du M83 que nous connaissons donc, toujours une histoire d'harmonie et de magie, l'ultime alliance. Et ça marche, la preuve, de 1967 à 2007, la Californie rêve toujours en allemand.

Retrouvez notre interview d'Anthony Gonzales de M83 sur Flu' le mag, ainsi que le site Eyeka (la plateforme communautaire ouverte à tous les passionnés d'images numériques et partenaire du concours organisé autour de l'album)

M83 - Digital Shades Vol.1 (Gooon/EMI/Labels)

S'il est un genre qui unit très tôt électroniques et rock c'est bien l'ambient. Deux styles musicaux que l'on pourrait croire totalement antagonistes mais qui allaient se découvrir contre toutes attentes de nombreux points communs grâce au psychédélisme, au pouvoir du trip et de l'imagination. Les connaisseurs le savent, c'est Steve Hillage de Gong (entre autre) et le minimaliste planant Terry Riley qui furent les premiers à comprendre à quel point la techno et particulièrement sa face Chill Out, celle qui permettait de se reposer après s'être donné à fond sur les rythmes robotiques, offrait de possibilité et de liberté créative pour peu que l'on dispose des substances adéquates. Le sampling et ses nouvelles machines permettaient également de jouer aisément avec les sons de notre environnement pour créer les paysages sonores que les pionniers psychédéliques rêvaient de réaliser depuis toujours. A l'instar des théories new age et de la réalité virtuelle qui allaient largement fusionner au milieu des années 90, la musique électronique et les babas allaient se rencontrer à la fin des années 80.

Sur The Art of Chill #4, c'est donc à une large rétrospective de l'ambient que vous aurez droit. Alex Paterson retrace pour nous la saga de The Orb, à une époque où les salles de repos dites "Chill Out" (les salles de "refroidissement" comme on disait à l'époque à cause de la surchauffe MDMesque, on ne parlait pas encore d'ambient) éclosaient comme des fleurs de lotus au soleil de l'aurore après de longues nuits passées à danser. Ce double CD est aussi un hommage au Land of Oz, la salle du DJ Paul Oakenfold qui fut l'un des premiers à importer la house d'Ibiza et ses sons inouïs en Grande-Bretagne. Dans le livret, Paterson raconte même comment Jimmy Cauty de KLF et lui-même, jouaient parfois durant sept heures d'affilée sans s'arrêter avec juste un "pot" de thé corsé à l'anglaise (ne pas confondre avec le "pot" correspondant à cette herbe merveilleuse offert par mère nature) et bien sûr quelques spliffs, quand même, pour faire bonne mesure. Clairement pédagogique The Art of Chill # 4 est scindé en deux parties distinctes. Le CD 1 regroupe les pionniers de l'ambient selon Paterson et sa bande, et le second CD présente la nouvelle école, celle qui est apparue dans les années 90. Signalons qu'en bons spécialistes, les membres de The Orb ont une vision "élargie" du genre. Le premier CD présente par exemple le fabuleux "Warszawa" de Bowie et Eno, pièce fondatrice tirée de la face deux de LOW et "Taking Tiger Mountain" de l'album éponyme de Brian Eno. On retrouve aussi le pendant dub de l'ambient avec "Dub Power" de Mad Professor. Plus classiquement, The Orb propose "Garden of Paradise" de leur ami Steve Hillage ou "Narcissist" une pièce de leur complice de longue date, Nina Walsh. Mais ce CD contient aussi des surprises comme le fameux "Duck You Sucker" d'Ennio Morricone que Paterson avoue être le morceau favori de sa mère. Et pourquoi pas ? Quant il s'agit de "chiller" Alex Paterson et Jimmy Cauty savent de quoi ils parlent. Preuve en est sur le second CD qui propose l'ambient nouveau de "Gas 1" de Gas (aka l'Allemand Wolfgang Voigt) à Kaito, en passant par Thomas Fehlmann (autre compagnon de route de The Orb), Ulf Lohmann, Schneider tm ou Andrew Thomas. Ce CD 2 fait la part belle à Kompakt bien sûr, The Orb ayant rejoins le label depuis 4 ans.

Au final ce volume 4 de The Art of Chill qui succède au mythique System 7 (soit Steve Hillage et sa femme Miquette Giraudy), possède toutes les qualités d'une excellente introduction à l'univers de l'ambient, des origines à aujourd'hui, tout en participant au plaisir de l'auditeur averti qui retrouvera quelques-uns des titres emblématiques du genre réunis dans un même album.

The Art of Chill # 4 Mixed by The Orb (Platipus/La Baleine, septembre 2007)

En cette fin d'été maussade, il me semblait raisonnable de réunir chez nous pour qui il ne s'est jamais levé, Gutevolk et Piana, deux archétypes de divas electronica du pays du soleil levant. Attendez, ne partez pas ! Je sais ce que vous vous dites, "diva electronica, au secours !" Hé bien non, pas forcément ! Si Eternal Castle de Piana est parfois aussi chargé qu'une haleine de diabétique, Tiny People Swinging over The Rainbow, de Gutvolk, est juste un magnifique album de pop-folk ambient électronique, idéal pour petits matins apaisés.

Penchons-nous donc tout d'abord sur le cas Gutevolk, aka Hirono Nishiyama, une demoiselle que nous avions croisée il y a quelques temps sur Happy, le label que Taylor Deupree dédie à la pop japonaise contemporaine. Son électronique luxuriante et rêveuse réunit avec bonheur ritournelles pop, complaintes folk, electronica gracile, bossa languide ou jazz mélancolique, tout en donnant à l'ensemble un moelleux inégalable que l'on doit, comme souvent dans les productions de l'archipel, à la perfection de la production. Heureusement pour Gutevolk, c'est le compositeur et producteur Kazumasa Hashimoto qui a chapeauté l'enregistrement de cet album hors du temps, et a veillé à ce que l'ensemble trouve son équilibre entre électronique et acoustique sans sonner trop "évaporé". Sur Tiny People Swinging over The Rainbow les comptines laptop succèdent aux hymnes légers comme des bulles de savon et c'est bon. Hirono Nishiyama, semble s'inspirer des petits bonheurs simples : un rayon de soleil au milieu d'un jardin d'enfants, quelques souvenirs privilégiés, une atmosphère d'intimité partagée. Mais ne vous y trompez pas, sous cette fausse candeur on retrouve également le plaisir de l'exploration ludique et la complexité qui caractérisent souvent l'exercice du folk, et surtout de l'electronica cérébrale.

De son côté, Naoko Sasaki, alias Piana, échafaude avec Eternal Castle un monument de sucre candi qui succède à Snow Bird, lui aussi paru chez Happy en 2003. Là encore, la voix et l'instrumentation redoublent de fragilité et de légèreté. A l'image de Gutevolk, sa compagne de label, Piana ne se contente pas des quelques notes de piano timides qui soutenaient son précédent "oiseau des neiges". La Japonaise invite violoncelle, guitare, violon et machines à collaborer pour élaborer ses comptines ambiant electronica. Avec timidité et sensibilité, elle lance ces trilles vers le ciel à la manière d'une toute petite Björk essoufflée (ce qui nous va plutôt bien), sans pour autant manquer de coffre. Pour autant ne nous voilons pas la face, si l'on reproche souvent à cette école de la dream pop japonaise d'être trop maniérée, c'est certainement à ce type d'album qu'on le doit. En effet, quand Piana pose sa douce voix sur les arrangements ultra sophistiqués et souvent affectés d'Eternal Castle, elle menace carrément son album d'obésité. Cela n'empêche rien à la qualité de compositeur de la jeune femme, mais l'ensemble sonne tout de même un poil trop douceureux et on lui préfèrera l'équilibre quasi-parfait des productions de Gutevolk.

Piana - Eternal Castle

Gutevolk - Tiny People Swinging over The Rainbow
(Tous les deux chez Noble/La Baleine)

S'il existe de nombreux disques cultes dans le domaine du hip hop underground, il en existe peu en revanche aussi bizarre que ce premier LP de cLOUDDEAD. Signalons qu'il s'agit d'une compilation plutôt que d'un véritable album d'ailleurs, puisque cette galette réunit en fait six EP's, tous cultes bien sûr (et quasiment introuvables aujourd'hui) produits sur une période allant de 1999 à 2001. Au-delà de ces considérations techniques, insolites et au moins triplement cultes, ce disque l'est pour maintes raisons que je m'en vais vous expliquer.

Ce qu'il y a de bien avec un projet comme ce Cendre célébrant une nouvelle fois la rencontre de Ryuichi Sakamoto et Christian Fennesz, c'est que l'on peut s'attendre à tout. Un album conceptuel et totalement ennuyeux, ou un chef-d'œuvre indépassable en passe de devenir aussi culte que Hotel Paral.lel ou Endless Summer de l'un, ou le Discord de l'autre (où le Japonais était déjà accompagné de DJ Spooky). D'un côté leur premier essai commun, le EP Sala Santa Cecilia aussi majestueux soit-il, ne nous avait pas laissé un souvenir impérissable, de l'autre ce Cendre lumineux et apaisé se présente d'office comme la collaboration que l'on attendait entre ces deux génies de la musique contemporaine (au sens large). Bonne pioche donc !

Si l'on peut généralement faire confiance à Fennesz pour nous ravir, on remarque également combien les goûts de Sakamoto s'affinent et perdent de leur clinquant avec l'âge. Ses multiples collaborations incarnées depuis plus de 10 ans par la production de fabuleux albums en compagnie de DJ Spooky, Amon Tobin, David Sylvian, Christian Fennesz, culminant avec Insen, album difficile mais passionnant réalisé avec Alva Noto dont on parle beaucoup, ont-ils eu une telle influence sur le compositeur japonais ? Il faut le croire et c'est plutôt une bonne nouvelle. Le fait est que ce Cendre ne mérite que des superlatifs. De "Oto" qui ouvre l'album, à "Abyss" qui le clôt (avec mention spéciale au psychédélique "Kokoro" où les distorsions hendrixiennes sous tranxene de l'Autrichien se nappent lentement d'un glacis de piano givré), tout n'est que calme, luxe et volupté. On a peine à croire que pareil album a réellement pu être réalisé par correspondance à des kilomètre de distance, tant les deux musiciens s'accordent parfaitement. Fennesz et Sakamoto se passent mutuellement la main, s'accompagnent ou jouent les contrepoints selon l'inspiration. Quand le guitariste dilue sa poussière de guitare aux effets sablés et moirés, les notes du Japonais quant à elles, semblent apparaître, ça et là, comme des trous de lumière à travers les nuages. C'est cliché de le dire, mais avec un tel album, on se prend à rêver à un Eric Satie de retour parmi les vivants. Le petit homme jouissant enfin de la reconnaissance de ses pairs et des plaisirs de cette terre dans de périlleux exercices de somnambulisme sonore, ou encore d'un Arold Budd débarrassé de ses oripeaux ambient new age, et rien, vraiment, ne vient gâcher notre bonheur, si ce n'est l'inévitable retour à la réalité en fin d'album bien sûr.

Cendre s'avère donc un parfait exercice de combustion artistique. Un moment intense pendant lequel deux musiciens s'embrasent et incinèrent littéralement leurs ego au seul profit de la musique. Il s'avère aussi l'album idéal pour en finir avec cet été maussade au goût de cendres justement (on pense à nos voisins Grecs). "Incontournable", comme on dit.

Fennesz - Sakamoto - Cendre (Touch/La Baleine, juin 2007)

Les amateurs d'electronica fine parmi vous se souviennent peut-être de Future 3, le groupe de Anders Remmer, Thomas Knak et Jesper Skaaning, grâce à qui on doit également System (les trois mêmes), Dub Tractor (Anders Remmer), Acustic (Jesper Skaaning) et Opiate (Thomas Knak). Vous l'avez compris nous sommes dans le domaine de l'electronica post-rock de Morr Music et City Center Office. Une musique usant des ficelles de l'électronique millésimée IDM 92-96, pour accoucher de ritournelles un brin nostalgiques, souvent planantes et répétitives, avec plus ou moins de bonheur selon les moments et l'inspiration des artistes en question. Sur "Future 3" l'éponyme et sa pop immatérielle, c'est splendide, sur Dub Tractor, idem, même si parfois un brin ennuyeux, sur System, ça fonctionne parfaitement et sur People Press Play le nouveau projet des trois Scandinaves accompagnés de la chanteuse Sara Savery, et bien, c'est selon.

Car ces artistes ont tous été bercés dans leur jeunesse par les échos de la dream pop de Cocteau Twins et du shoegazing de Slowdive, Whirlpool ou autre My Bloody Valentine. D'ailleurs, c'est bien à My Bloody Valentine, joué au ralenti, auquel on pense en écoutant "Girl", le morceau d'ouverture, mais c'est surtout à un autre groupe, oublié celui-là, de la vague post-shoegaze-post rock qui revient à notre mémoire dès que les basses arrivent. Il s'agit des Américains de Bowery Electric. Même rythme downtempo, mêmes lyrics noyées dans la reverbe, même tendance electro-dubby & glitch. Mais ce portrait de famille serait incomplet sans une petite référence à Seefeel, parrain underground de tout ce que la pop planante d'aujourd'hui compte d'adeptes de la chambre d'écho, des loops et des mélodies. La filiation est particulièrement évidente sur "Before Me", "Everything", "Stop", le tiercé gagnant qui conclut l'album. On y retrouve les mêmes distorsions électroniques apparemment infinies, les mêmes spirales bienheureuses et langoureuses bordées de la voix douce de Savery.

Malgré toute cette sérénité et ce bonheur affiché, on reprochera tout de même à People Press Play, sa facilité à jouer dans le registre facile de la "popounette", vous savez, cette pop gentillette et parfois insipide ("Always Wrong", "Frail") qui évoque encore, à quarante ans passé, les démons et les émotions de l'adolescence, affichant ainsi une fâcheuse tendance à cultiver la persistance du syndrome de Peter Pan dans le milieu pop international (celui dont souffre certainement Stephen Pastel, Stuart Murdoch de Belle and Sebastian et bien des amis à moi). Heureusement des morceaux quasi-instrumentaux comme "Studio", répétitif et Reichien sans pour autant exclure la mélodie, ou encore "These Days", frôlent la perfection en matière de bande son pour journées indolentes. Comme quoi l'ennui peut aussi avoir du bon.

People Press Play - st (Morr Music/La Baleine)

Avant de commencer cette chronique, j'aimerais préciser combien le jazz électro me sort généralement par les oreilles. Je veux dire, il entre d'un côté et sort de l'autre. Pourtant, impossible de rester indifférent à l'écoute d'un disque comme ce We Are Together de Kuniyuki Takahashi, artiste de l'archipel nippon, dont je l'avoue, j'ignorais totalement l'existence avant novembre dernier (oui, bon ça va, comme dirait 2goldfish, "ça ne vous arrive jamais vous d'avoir du retard ?"). Sous une pochette magnifique se présente donc une musique qui ne l'est pas moins. Je sais je n'ai aucune excuse pour ne pas vous en avoir parlé plus tôt, si ce n'est celle d'une actualité 2007 particulièrement bien fournie en coups d'éclat, coups de foudre et coups commerciaux aussi. Du coup (c'est le cas de le dire) We Are Together n'a été écouté qu'une fois, et rapidement placé sur la pile "à chroniquer" pour se voir non mois rapidement - et inconsciemment - relégué au bas de cette même pile. La faute au hasard des sorties, etc. qui privilégie rarement les albums subtils nécessitant de nombreuses écoutes.

Je ne comprends donc pas pourquoi je n'y suis pas revenu plus tôt. Pourtant, ce n'est pas faute d'être resté scotché dès la première écoute (au casque) sur les morceaux de ce disque hors du temps, des modes et des futilités du quotidien. Car derrière son titre en forme de slogan naïf se cache réellement les plus belles combinaisons de musique électronique, de jazz, de dub et de musique afro que j'ai jamais entendues. Dès "People", "Sleepers", "Moonlight" et "Earth Beats", l'auditeur initié retrouvera les ambiances afro-jazz de pointures comme Ornette Coleman ou Pharoah Sanders (dont je conseille à tous l'écoute du formidable Tauhid, un classique de free jazz psychédélique de 1966 qui inspirera autant les amateurs de Liars ou Sonic Youth - pour les prestations du monstrueux guitariste Sonny Sharrock - que ceux de Coltrane, Davis ou Hancock période Headhunter), ambiances ponctuées des trames répétitives de vagues électroniques planantes et des percussions tribales africaines, convergeant dans un crescendo orgasmique totalement hypnotique. Simplement imparable, surtout si vous avez une bonne sono. A partir de "Precious Hall", Kuniyuki Takahashi nous explique à sa manière, c'est-à-dire avec la même expressivité que Jacqueline Caux dans son immense film sur la techno de Detroit, pourquoi house, techno et Afrique sont intimement liées. Ses tracks, à la fois ambient et bondissants dégagent une telle sérénité, et ont un tel impact aussi, que l'on fait évidemment le lien entre les options orientales de la pochette et la musique de Takahashi. Comme Pharoah Sanders en son temps, le jazz electro du Japonais est forcément (racines obligent) imprégné de zenitude. Une philosophie qui transparaît encore mieux sur l'ambient "The Guitar Song", beau à pleurer, avec sons de cloche et field recordings. L'ensemble se conclut sur une ballade croisant Eno et Prince, "Cascades of Colour". Sans commentaire, c'est beau, c'est tout.

Pour finir, signalons que We Are Together n'est qu'une compilation (et profitons en pour remercier en même temps le label Mule Musiq pour cette découverte), cela donne une idée de l'ensemble de l'œuvre du Japonais. Donc, si vous avez un minimum de sensibilité, vous ferez comme moi, et commencerez à chercher ses albums antérieurs (un tour sur son myspace serait bienvenu). Bonne chasse !

Kuniyuki Takahashi - We Are Together (Mule Musiq/La Baleine)

Pas besoin de faire le malin et d'inventer un titre pour cette chronique, Lowlights from the past and future aurait suffit puisque c'est celui déjà somptueusement évocateur de cette compilation, mais ce disque mérite mieux que d'être taxé de "lowlight", et "highlight" lui convient beaucoup mieux. Pour la petite histoire, et afin de poser l'ambiance, signalons que Peter M. Kersten, alias Lawrence, est le co-fondateur du label Dial aux côtés de Carsten Jost (alias David Lieske). Or, certains d'entre vous se souviennent peut-être de Carsten Jost, l'auteur de l'acclamé You Don't Need A Weatherman to Know Which Way The Wind Blows, ce joyau de techno sombrement atmosphérique sous influence anti-libérale et alter-mondialiste (la pochette montrait en effet les excès de zèle de la police durant les manifestations du G8 de Gènes en 2001) ? A l'époque le maxi "You dont need a weatherman" était joué par tout ce que la planète compte de DJ et producteurs brillants, de Michael Mayer à Superpitcher ou Ellen Allien, imposant le label Dial comme le héraut d'une musique électronique, certes dansante, mais non dénuée de message, d'idéalisme et de romantisme. Une techno faite de climats en demi-teintes, dont le dernier représentant à ce jour est le magnifique This Bliss de Pantha du Prince.

Même si cette fois, Lowlights from the past and future est signé chez le japonais Mule, c'est bel et bien dans cette catégorie qu'il faut placer Lawrence, producteur allemand élevé à l'electro pop de New Order, et plus tard, à l'hédonisme des premiers clubs gay de Hambourg, ville pourtant peu réputée pour sa douceur et sa mélancolie (Hambourg, la ville de Digitalism !!) dans lequel il joua ses premiers sets. Malgré sa légendaire discrétion, Lawrence fait partie des producteurs les plus talentueux de sa génération. Un type dont Thomas Fehlmann dit : "Avec Lawrence, vous êtes entre de bonnes mains. Tous les rythmes, les lignes de basse, les chorus sont choisis pour les bonnes raisons, sans ajouts ou colorants intempestifs. Il n'y a rien à jeter dans sa musique, il s'agit juste de pure émotion et celles-ci vous donne un accès direct à la vision du monde de Lawrence." Producteur et trainspotter hyperactif qui se cache sous des airs d'éternel jeune homme, Lawrence développe sous le nom de "Sten" une musique plus précisément tournée vers le dancefloor et sous celui de "Lawrence", des ambiances mi-technoïdes, mi-electronica, parfaitement illustrées par le premier morceau de Lowlights, "Friday's Child", avec son introduction tintinnabulante et frissonnante suivie d'une longue plainte ambiante à peine parcourue des battements de cœur d'une rythmique transie et de vagues de synthé légères comme des bulles de savon. Sur Lowlights from the past and future, Lawrence réunit d'ailleurs ses meilleurs morceaux : le fameux "Spark" que l'on retrouve sur de nombreux mix actuels, le remix trancey-planant de "My Aeroplane Mania" de son ami Turner, ou celui carrément pop du "Happiness" de Superpitcher. Sur ses propres morceaux, Lawrence semble toujours hésiter entre electronica et techno. "If you can't understand" par exemple, c'est un peu Boards of Canada signé chez Kompakt. Ou Metamatics version club. Idem pour le bleepé "Further" ou "Swap", une lente déambulation dans une ville imaginaire. Quant à "Aranda" sa relecture d'Egoexpress, elle s'articule autour d'une ritournelle à la guitare sèche et finie en apothéose "acid minimal house" virtuose. Sans oublier le sublime et tempéré "Untitled" qui mériterait pourtant un titre, une track dans l'esprit de son précédent album l'ultra-mélancolique The night will last forever. Finalement de son goût originel pour l'electro-pop, Lawrence a su garder le meilleur : les envolées lyriques de la première et les mélodies de la seconde, histoire d'arrondir les angles d'un certain minimalisme. Pour caricaturer, on pourrait dire de Lawrence qu'il produit de la techno pour ceux qui n'aiment pas la techno. Mais ce serait manquer de respect au genre. Répétons plutôt qu'il s'agit d'un des tous meilleurs producteurs de sa génération. A ranger aux côtés des Pantha Du Prince, Gui Boratto, Trentemoller et dans la digne lignée de géants comme Thomas Fehlmann ou Maurizio.

Lawrence - Lowlights from the past and future (Mule/Nocturne, juin 2007)

Ca y est, le Festival des Siestes Electroniques a commencé ! Supersticieusement muni d’une vingtaine de tubes de crème solaire pour faire venir le soleil dans le Sud, éèëê a enfilé son pass press et son bermuda à fleur pour bien coller à l’indolence de la Ville Rose.

Il m’aura fallu réapprendre la conduite. Les jurons automobilistes. Et aussi les rues étroites, les créneaux. A pied, même changement, Toulouse se traverse en moins de trois quarts d’heure. C’est bien la première fois que je suis dépaysé dans ma ville d’adoption ; suis-je devenu un titi parisien ? Argh !

Le festival des Siestes Electroniques aussi a changé. Changé d’endroit, puisqu’il investit cette année le bel Hotel de Cocagne de la DRAC. Mais sa musique, toujours aussi pointue et alléchante, attire un peu les mêmes marioles que les éditions passées (pour ce qui est des concerts payants) : des trentenaires avec ou sans piercing, prêts à passer 2 heures assoupis dans une chaise de jardin inconfortable ou assis en tailleur à même le gravier blanc.

L'ouverture de la session 2007 est tout particulièrement siesteuse : bières à la cerise ou à la noix de coco accompagnées d’une musique ambient/noise, étirée et planante. Le super-groupe Angel ouvre le bal des endormis : Ilpo Vaisanen (moitié de Pan Sonic), Hildur Gudnadottir (violoncelliste de Mùm, qui a aussi maltraité une autoharp avec des lunettes de soleil, une brosse à cheveux et un tube de crème auto bronzante), et Dirk (monsieur Schneider TM) triturent leurs bruyants drones pour créer trois mixtures soniques au final un peu convenues et moins impressionnantes que ce que la réunion des cerveaux aurait pu laisser penser. Mais dans cette cour intérieure, les murs ont tremblé, et la diffusion, de très bonne qualité, a mis en valeur les basses vrombissantes des vikings venus du froid (Islande, Finlande, Allemagne).

Crânement, les derniers rayons de soleil retiennent encore un peu la tombée de la nuit au moment où Robert Henke, alias Monolake, s’escrime avec l’équipe technique pour faire sortir en six canaux son mix. La partie comique dure bien 10 minutes, et les auditeurs, bons joueurs, applaudissent la performance (Console Yamaha : 1 / Siestes : 0). Disposés en cercle autour du gourou Henke, les deux centaines de personnes présentes s’immergent avec lui dans une longue plage synthétique parsemée de bruissements d’insectes et de bouillonnements aquatiques. Le froid nous gagne progressivement, transformant la méditation apaisée en calvaire monacal ; au moment où les lèvres ont bleuies, le chaman central a sorti de son Mac portable un beat primitif et torturé, emballant par surprise la fin de son set dans une forêt de sons percussifs. Nous, disciples de Techno devant l’éternel, avons apprécié, applaudi, vénéré.

 Voir notre série Les Interviews Crapuleuses Siestes Electroniques ou comment allier musique et sommeil.

Dans le domaine des musiques électroniques il est des producteurs dont toute la carrière est indéniablement marquée du sceau de l'élégance et du talent, sans parler d'un certain génie. Thomas Fehlmann est de ceux-là. Ce qui n'empêche pas ce Suisse allemand de 50 ans, de garder toute son humilité et de cultiver la gloire avec discrétion. Mes collaborateurs parlaient dans leur dossier sur les "vieilles gloires des années 90", des "nouveaux vieux". C'est un qualificatif tendrement irrévérencieux qui conviendrait parfaitement à Fehlmann s'il avait jamais été vieux. Toujours dans l'air du temps sans jamais faire partie d'une hype forcément passagère le producteur étale un CV orné de références plus qu'honorables. Membre du groupe new wave allemand Palais Schaumburg aux côtés d'Holger Hiller dans les années 80, il crée rapidement Sun Electric, un projet techno largement influencé par les minimalistes psychédéliques anglo-saxons, puis prend part à The Orb en 1990. Avec la fondatrice du label Monika Ent., Gudrun Gut, il anime l'excellente émission de radio Ocean Club Berlin, tout en s'investissant dans la diffusion de la techno de Detroit avec Juan Atkins et Moritz Von Oswald au sein du projet 3MB. Membre du crew Kompakt, Thomas Fehlmann a également produit de nombreux albums sur des labels voisins (Tresor, Monika) ou éloignés (Plug Research, R&S Records)

Avec Honigpumpe, son nouvel album, c'est un peu tout ce qui fait la légendaire techno "made in Berlin" qui se rappelle à notre bon souvenir : la profondeur de champ, le rotondité des rythmes, la lourdeur de ses basses jamais loin du dub, ses harmoniques à la fois chuintantes et bondissantes ("Schaum", "T.R.N.T.T.F." ) et ce que j'appelle "l'effet vent glacé sur poussière de sable jamaïcain" parfaitement illustré par le track "Bienenkönigin". En bon "nouveau vieux", Thomas Fehlmann entretien l'héritage d'une techno aussi agréable à écouter dans son salon qu'en club (cosy, le club), à la manière des mythiques Basic Channel et autres Chain Reaction. Si l'on devait décrire plus précisément la musique de ce pape de la techno rêveuse et introspective, il serait indispensable de signaler à quel point elle est fondamentalement éloignée de son homologue des stades (le privilège de la maturité sans doute), même si non dénuée de groove et même parfois franchement club (voir "Little Big Horn" ou "Dusted With Powder" sur Honigpumpe). Sa légèreté, mais aussi sa force en font un irremplaçable point de repère pour toute une génération de producteurs allemands actuels, de Superpitcher à Michael Mayer en passant par Justus Koehncke, Pantha du Prince ou Lawrence. Moins hétérogène que Vision Of Blah, son précédent album, Honigpumpe se présente comme une suite logique de morceaux ambiant-techno classieux et romantiques (voir l'épique "With Oil"), à l'image de la ville qui l'accueille aujourd'hui et de sa mythologie trans-européenne. On pourrait continuer et développer comme ça, track by track, mais il suffirait d'un mot, un seul, pour résumer Honigpumpe : "somptueux". Tout simplement. Et il suffira certainement d'un petit tour sur le profil myspace du bonhomme pour vous en persuader.

Thomas Fehlmann - Honigpumpe (Kompakt/Nocturne, juin 2007)

Encore une fois un titre trompeur ! Grails, en effet, n'a rien à voir avec le courant du metal lent et lourd nommé doom (quoique...), mais "doom", c'est aussi une expression anglo-saxonne riche en symboles. Une atmosphère si vous préférez, lourde de menace et souvent claustrophobe, plombée quoi. Des adjectifs qui conviennent parfaitement à la musique de Grails, groupe de Portland, Oregon. Digne héritier de la génération psychédélique et du heavy rock de Blue Cheer et de Black Sabbath, Grails pourrait aussi revendiquer une parenté avec l'émo-core assourdie de Slint et les envolées à la fois trippées et flippantes des anglais d'Hawkind ou des Allemands d'Ash Rah Tempel. Nous sommes donc de plein pied dans cette musique progressive des 70's, entre prémices metal et krautrock, tout juste assaisonnée d'une pointe de modernité. Chaque morceau de Grails durent entre cinq et plus de huit minutes, ce qui donne également un indice quant aux choix esthétiques des bonshommes : psychédélisme sombre, country-western halluciné, folk caverneux, bref, la musique pleine d'émotion du parfait caveman, et n'y voyez nulle ironie, la musique de Grails est magnifique et pleine d'émotion en effet.

Puissante, sans concession, Burning Off Impurities (c'est son titre et quel titre !) relie les expériences néo-doom d'Isis, Boris, KTL et Sunn O))) et les divagations folk-rock spatiales de Om (on pense forcément au Conference Of The Bird) ou du Kammerfliemmer Kollektief dont nous vous parlions la semaine dernière. Vous l'avez compris, il n'est point question d'électronique ici, seulement des mecs et leurs guitares, jammant chez eux par une nuit noire et interprétant le blues de l'homme blanc, le "black snake moan" du white trash. Nul besoin ici de décrire l'album track by track, c'est sensiblement la même chose tout du long et ma chronique depuis le début s'évertue à en donner une idée fidèle. Ajoutons juste que de "Soft Temple" à l'éponyme "Burning Of Impurities", la musique de Grails révèle bien des surprises et même des moments d'extase. Quand le mur de guitares et de drones se fissure, apparaît alors à travers la brèche une lumière éblouissante, quasi-divine, comme une révélation. La purification incandescente. La moindre des choses pour un album se proposant de "laver" ou du moins "d'incinérer" (chez Grails on ne fait pas dans la demi-mesure) nos impuretés. L'épiphanie dans la douleur en quelque sorte, une philosophie tout ce qu'il y a de doom. Amen.

Grails - Burning Off Impurities (Temporary Residence/Differ-ant, avril 2007)

http://www.myspace.com/grailsongs

Ceux parmi vous qui suivent l'actualité de Kompakt se souviennent peut-être de Smallville et Für Dich (moins réussi) dans lequel le pape de l'ambient techno Tobias Thomas nous déroulait déjà le tapis rouge avec une sélection aussi somptueuse que pointue, oscillant entre downtempo, electronica, ambient et minimal, ses choix allant d'Anders Ilar à Jan Jelinek (dans un mix, il faut osez), Superpitcher, Forever Sweet, Kaito ou Dntel. Les autres, ceux qui découvriront Thomas avec Please, Please, Please (et je les envie) resteront certainement scotchés devant l'audace du bonhomme, son talent et sa sensibilité. Outre une sélection impeccable affichant Pantha du Prince, Ricardo Villalobos, Vulva String Quartet (en fait Hanno Leichmann), Stella ou Reinhard Voigt, Thomas fait preuve d'une élégance naturelle et d'une grâce qui habite son mix de bout en bout. Un mix qui en plus d'être parfait, recèle bien des surprises, mais on y reviendra.

Réalisé à l'ancienne, sans fioritures, avec deux platines et une platée de vinyls (qui craquent et crachouillent parfois, quel bonheur !) au studio 672 à Cologne, haut lieu du son Kompakt, Please, please, please, est le troisième volume de la trilogie entamée avec Für Dich en 99. Rivé au concept d'ambient techno et d'atmospheric house, Thomas s'élève très haut dans les sphères du groove planant. Dès les dix premières minutes ("Butterfly Girl, Pantha Lost The Beat Version" de Pantha Du Prince, et "Was Ist Zuviel Zeit ? Dub" d'Adolf Noise) l'auditeur attentif (écoute au casque ou bonne hi-fi conseillée) est emporté dans une autre dimension. Les clochettes de Pantha, les borgnonymes en allemand d'Adolf Noise, les cliquetis, les nappes, l'espace sonore qui s'ouvre autour de vous et se referme dans une pulsation infinie : tout est mis en place pour accueillir le lent mouvement giratoire qui va progressivement habiter ce mix. Et Thomas sait y faire quand il s'agit de poser une ambiance. Langoureuse et nonchalante, mais aussi inquiétante (Krause Duo, Johannes Heil), les ambiances s'enroulent les unes dans les autres à la manière d'un trip psychédélique (Ricardo Villalobos), pour finir sur la pop électronique de Brant ("Last Night Dreamt That Somebody Loved Me", Ada mix) et Stella ("Dreams"). Et si vous y regardez d'un peu plus près, vous constaterez que le premier est en fait l'incarnation de Johnny Marr des Smiths et que les seconds nous gratifient d'une reprise de Stevie Nick de Fleetwood Mac. Je vous avais bien dit qu'il y aurait des surprises. Au final Please, Please, Please se révèle addictif et totalement hypnotique. La grande classe !

Tobias Thomas - Please, please, please (Kompakt/Nocturne, mai 2007)

www.myspace.com/tobiasthomas
www.myspace.com/kompakt

On reproche souvent à l'electronica de ne pas être assez visuelle en live. A contrario, on peut aussi regretter de ne pas voir certaines œuvres interprétées in vivo, sur scène, plutôt que d'uniquement en profiter sur support audio chez soi. C'est le cas de cet intrigant album de WoO, Mobi Rock, que l'on aimerait vraiment voir interprété live. Artiste serbe issu de la foisonnante scène noise-electronic de Belgrade et fondateur de la Belgrade Noise Society, WoO improvise généralement à partir de deux guitares et de pédales d'effets couplées à des objets de communication du quotidien : téléphone mobile, télécommandes, radio, télévision, aimants. Mais WoO ne se contente pas de jouer avec les signaux sonores émis par ces objets et ses guitares, ce serait trop simple. L'aspect véritablement expérimental de son travail vient du fait qu'il amplifie le champ magnétique ou les flux émis malgré eux par ces outils technologiques à échange d'information de hautes densités. De fait, WoO fait véritablement "chanter l'air que nous respirons", l'éther ampli de signaux sonores inaudibles produit par nos modems, bornes adsl, portable, etc. devient musique.

On pourrait rapprocher cela des travaux de Scanner alias Robin Rimbaud, cet artiste anglais hors normes, qui utilise la captation de signaux radio comme matière première pour ses compositions ambient electronica. Pour cela, Scanner capture et détourne des conversations au téléphone, des émissions radiophoniques, ou les fréquences interdites de la police ou des pompiers sur un "scanner" digital. La différence cependant, c'est que WoO n'enregistre pas d'émissions, il n'enregistre que le grésillement, le bruissement de l'air traversé par les interférences de nos gadgets communicants. Le résultat ? N'allez pas croire que c'est inaudible, au contraire. Etonnement, ces champs d'informations, de bits et de données voyageant sous formes d'ondes et sont étrangement mélodieux. Apaisant même. Mobi Rock est ainsi parcouru de vagues de sons rassurantes, micro-mélodies, glitch-noise et séquences electroacoustiques harmonieuses. Le chant de la ionosphère en quelque sorte. Plus concrètement, Mobi Rock pourrait être rapproché d'Apparat, de Tarwater ou d'Oval & Microstoria, voir même de Jim O'Rourke dans ses oeuvres les plus abstraites. Pour résumer, on pourrait dire de Mobi Rock que c'est un peu "From Belgrade with noise" mais tout en douceur. A écouter la nuit, près d'une grande baie vitrée en regardant les lumières de la ville. Et comme tout ça est un peu théorique, allez donc faire un tour sur le passionnant profil myspace du bonhomme.

WoO - Mobi Rock (RX:TX/Chic-a-Chic, mars 2007)

http://www.rx-tx.org/
http://www.belgradenoise.com/

Profitons de la réédition d'un grand classique de la musique électronique des années 90 pour oser une audacieuse comparaison. D'un côté nous avons Cirque de Biosphere, et de l'autre From Here We Go To Sublime, premier album de The Field. Un point commun pour commencer, Geir Jenssen aka Biosphere et Axel Willner aka The Field sont tous les deux suédois. Autre point commun, ils ont tous les deux œuvré dans le domaine de l'ambient. Maintenant, les différences. Si Geir Jenssen peut facilement faire figure de pionnier de l'ambient music, Axel Willner lui, se place plutôt parmi les cadets, ou les "petits nouveaux" puisqu'il est non seulement plus jeune, mais fait également partie de cette nouvelle école de producteurs electro aussi gavés de techno mais également de rock et de pop shoegazz des 90's. Pourtant, ces deux albums que presque huit ans séparent, partagent de nombreux points communs. On pourrait même aller jusqu'à dire qu'il existe une unité de ton, de sons et de compositions entre Cirque et From Here We Go To Sublime.

Originalement paru en 1999, Cirque fait partie de ces disques mythiques que tout passionné de musiques électroniques se doit d'avoir chez soi. Et le label Touch ne s'est pas trompé en choisissant de le rééditer quelques mois après un autre disque symbolique, le Endless Summer de Fennesz. Loin d'être une "emmerdante œuvre chill-out de plus", ce cinquième album de Geir Jenssen sous le nom de Biosphere est même souvent considéré comme son chef d'œuvre. Un classique indémodable. Et c'est vrai qu'en illustrant l'épopée de l'Américain Chris McCandless à travers le désert d'Alaska, Jenssen a su capturer la dimension inaltérable de ce genre d'aventure humaine mais également le caractère hors du temps de toute bonne musique électronique. Sur Cirque l'auditeur ne s'ennuie pas. Il s'agit d'ambiant bien sûr, en ce sens que le rythme y est soit inexistant, soit extrêmement ralenti et hypnotique. Les nappes synthétiques sont omniprésentes tout comme l'usage d'arpèges de guitare lentement répétés, d'instruments classiques, de field recordings (des enregistrements de voix ou d'éléments naturels capturés live) ou de bande-son documentaire. L'ensemble génère un véritable paysage de sons et d'ambiances. Une véritable aventure sonore ou tout évolue doucement autour de l'auditeur. Au contraire de beaucoup d'œuvres ambiantes, Cirque ne nécessite pas forcément une attention soutenue. Les mélodies et les changements y sont évidents. A la manière des grands disques pop, Cirque capture son auditoire et offre une vision immédiate de l'ensemble. Complexe mais immédiatement accessible, on ne s'y ennuie jamais.

Avec ses titres cryptiques faisant référence à l'arctique, à la glace et au climat nordique ("Over The Ice", "Sun&Ice", "Silent"), il serait aisé de rapprocher From Here We Go To Sublime, premier album d'Axel Willner sous le nom de The Field, de Biopshere. Les deux producteurs partagent le même goût pour les ambiances. The Field apparaît d'ailleurs sur Pop Ambiant 2007 de Kompakt pour un très beau titre inédit. Les nordiques partagent aussi une égale passion pour les nappes envoûtantes et les compostions se rapprochant de la pop par leur immédiateté. Les seules véritables différences viennent peut-être des générations. Willner et ses vingt ans et quelques, privilégie les clins d'œil au shoegazzing des 90's, à l'electronica de Boards of Canada (qui doit déjà beaucoup à Biosphere), ou aux derniers albums de Cocteau Twins (difficile en effet de ne pas penser à Heaven Or Las Vegas en écoutant "Good Things End" ou "The Deal"), saturées d'échos et de distorsions, les compositions de The Field sonnent plus "noisy". Composées de couches de sons plus denses, elles sont moins fluides tout en restant chantantes et très pop. L'autre différence vient de l'orientation purement techno de certaines tracks de The Field ("The Little Heart Beats So Fast" par exemple qui revendique clairement son héritage acid house, ou "Everyday" qui arrive malgré un rythme 4x4 soutenu à garder son caractère ambient, tout de nappes et d'échos enveloppant). The Field finalement, ce pourrait être Biosphere avec du rythme, encore que Geir Jenssen montre qu'il est aussi capable d'accélérer les tempos sur Cirque comme le prouve "Algae & Fungi part. 1 et 11" qui s'emparent de break beat (genre plus courant à l'époque, alors que The Field leur préfèrera bien évidemment la dominante minimale actuelle). Reste que ces deux très beaux albums, tout droit venus du continent arctique, illustrent bien la vitalité d'une musique électronique qui ne vieillit pas et se passe le flambeau de génération en génération, intemporelle, indémodable, en un mot éternelle. Et c'est clairement ce qui fait sa force.

Biosphere - Cirque (Touch/La Baleine)
The Field - From Here We Go To Sublime (Kompakt/Nocturne)

A la manière des animaux marins hantant les abysses, poulpes ou calamars, méduses, hydres, Vladislav Delay partage sa vie et ses travaux entre plusieurs formes d'existences plus ou moins terrestres, plusieurs identités plus ou moins solides. Son univers de sons flottants (floating sound), même s'il tend à devenir de plus en plus terrien et éternellement voué au flux et au reflux. De disque en disque Vladislav Delay semble être définitivement devenu extra-terrestre. Ou du moins, extra-humain. House organique, chuchotements, frôlements, seins, fesses et ventres, pour Luomo, techno insectoïde, bruissement d'élytres, cliquetis de mandibules, stridulation de cigales pour Uusitalo et ambiant sub-aquatique pour ses projets sous le pseudonyme de Vladislav Delay.

En cela Whistleblower, produit sur son propre label Huume, ne départ pas de ses précédents travaux sur les labels Mille Plateaux et Chain Reaction. Mouvant, en constante évolution, tendant vers des formes de vies imprévisibles et généralement inconnues, l'éponyme "Whistleblower" qui ouvre l'album, comme "Wanted To (Kill)", "I Saw a Polysexual", "Lumi" et les autres morceaux (particulièrement le révélateur "He Live Deeply", comment en effet, mieux représenter le travail de Delay, lui qui vit décidément "dans les profondeurs" ?), les compositions du Finlandais sont des messages venus du fond d'un océan primordial de la création, qui remontent lentement à la surface. Ce faisant ils prennent forme. Le rythme arrive par vague, d'abord aléatoire, en utilisant tout l'espace. L'écho d'un dub ancien affleure doucement dans ce ressac de sons. L'ensemble, sons indéterminés et rythmes, s'associent. Ils deviennent de plus en plus précis et s'accouplant tant bien que mal dans ce chaos évanescent, parviennent finalement à une étrange symbiose. Partagés entre mouvement et immobilisme. L'essence de l'ambiant serait-on tenter de dire. Même si la musique d'avant-garde de Delay, forme de vie mutante par excellence, accepte difficilement ces critères purement terrestres. La musique de Delay développe un étrange pouvoir d'attraction. On aimerait y vivre. On y revient. Mais on sait qu'à l'instar des lointaines planètes inhospitalières ou des abysses, les conditions y sont beaucoup trop étranges pour nous.

Pourtant, avec Whistleblower, Delay se fait plus concret. Ses toms et roulements de batteries, ses appels de caisses claires hérités de sa formation initiale de batteur de jazz, ses gargouillis synthétiques teintés d'humeurs électriques, ancrent subtilement sa musique dans la réalité. D'aquatique elle devient chtonienne. Volcanique. De la terre, mais brûlante et liquide. Un peu plus réel peut-être. Avec Whistleblower on dirait bien que Delay se prépare à quitter ses branchies pour regagner la terre ferme. Qui sait si nous ne le regretterons pas. Il était le seul après tout, à encore oser s'aventurer si loin.

Vladislav Delay - Whistleblower (Huume/La Baleine, mai 2007)

Musique électroacoustique et art du drone (technique musicale visant à tenir la même note pendant à peu près deux heures, ou moins ou plus... cf : John Cale) au programme de ces deux très beaux albums de Rosy Parlane et Oren Ambarchi sur le label expert des musiques d'avant-garde, Touch. Pour la première, on retiendra surtout "Part One - 13:08" très belle suite ambiante pour guitare acoustique, field recording et brouillage (brouillard ?) électronique et "Part Three - 19:06", composition lyrique et symphonique tournant toujours autour des manipulations d'instruments (melodica, accordéon, violon, guitare) et d'objets (micros, radios, pièces métalliques, etc.) qui se conclut dans une grandiose envolée noise ou John Cage rencontre Fennesz. Parlanne oeuvre dans l'hypnose, la drone music pure ; les amateurs apprécieront ses morceaux spacieux et profonds dont les vibrations font immanquablement penser aux travaux de Steve Reich, La Monte Young, Tony Conrad ou Angus Mc Lise. Pour finir, vous pouvez vous infliger l'électrochoc de "Part Two - 16:28" plus pénible, mais qui révèle une artiste funambule, jonglant entre sons aériens et ondes suraiguës abruptes, dans un morceau énervé.

L'ambiant est décidément un genre qui prédomine actuellement, que ce soit dans la sphère pop, folk ou expérimentale. Pour preuve, après l'album spatial de Donato Warthon, celui de Lucky Pierre et de Christina Carter, voici le très beau Suspension du guitariste australien Oren Ambarchi. Si Ambarchi est pour vous un parfait inconnu, sachez qu'il oeuvre depuis plusieurs années déjà dans le même registre que Fennesz ou Robert Hampson de Main. C'est à dire dans l'exploration de la guitare, avec ou sans apports électroniques. Certains connaissent peut-être ses travaux post-punk, à tendance freestyle, au sein de Phlegm (chez Tzadik) et Insulation son précédent album sur Touch, livré en 2002, ainsi que Sun (avec Chris Townend) paru en 2004. Avec Suspension, Ambarchi s'enfonce dans l'intériorité de la guitare et propose une suite d'oeuvres purement introspectives, "isolationnistes" diraient les grands-bretons. Ces compositions "en suspension", c'est le cas de le dire, invitent à entrer dans un monde de granulations scintillantes et de micros fréquences répétées à l'infini, elles aussi inspirées par les travaux des minimalistes américains cités plus haut.

Attention, "musiques exigeantes", ces deux albums nécessitent de l'auditeur un degré d'attention élevé, mais quel bonheur quand toutes les conditions sont réunies !

Rosy Parlane - Jessamine (Touch/La Baleine, décembre 2006)
Oren Ambarchi - Suspension (Touch/La Baleine, janvier 2007)