On continue sur la lancée des annonces de festivals avec l'éclectique et partisan Jazz Nomades. Rebaptisé en 2005 "La Voix est Libre", cet événement se veut avant tout un "(mani)festival", ce qui est bien la preuve de l'amour des jeux de mots engagement des organisateurs. Mêlant d'un même élan slams, musique, théâtre et littérature, les organisateurs placent l'humain au coeur de la musique et revendiquent clairement la différence entre le statut d'artiste et les industries culturelles.

Ainsi le programme mélange musiciens et penseurs dans les mêmes soirées. Le 12 mai, par exemple, Albert Jacquard viendra présenter Terre d'écueil (lui aussi aime les bons mots la nature) avant que Taoufiq Izeddiou ne se laisse "prendre à l'âme-son" de Ballaké Cissoko. Le 14 mai, Christophe Monniot viendra, lui, interpréter Les Quatres Saisons à l'heure du réchauffement climatique, inspiré par le concerto de Vivaldi, tandis qu'Arthur H fera résonner le Théatre des Bouffes du Nord de son groove grave.

Chaque soirée est basée sur une thématique précise qui donne une cohérence aux artistes bigarrés qui se succéderont sur scène (slam, chant, danse, orchestre instrumental, etc.). Cela donne une soirée "Odyssées" le mardi 12 mai, "Jets d'Encre" le mercredi 13 mai et "Élément-Terre" le jeudi 14 Mai. Des appellations ouvertement symboliques qui laissent penser que les jeux de mots l'écologie et le cosmopolitisme (non ce n'est pas une notion négative) seront à l'honneur de cette 6ème édition.

Pour voir la prog complète c'est sur le site de Jazz Nomades et pour réserver vos places, c'est ici

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De deux choses l'une : soit ce type a un logiciel très intéressant qui permet d'associer une image à une note jouée par un fichier MIDI, soit comme il le prétend il a passé un petit millier d'heures à faire ce montage complétement fou. Dans un cas comme dans l'autre, il est un peu fou mais heureusement pour lui, pas assez pour avoir oublié de se masquer avant de lancer sa vidéo virale sur le web. Ce serait tellement dommage pour lui de devenir le nouveau Rick Astley.

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J'aurais pu choisir dans le domaine des reprises classiques de morceaux modernes de parler des travaux du Balanescu Quartet sur le matériel du groupe allemand Kraftwerk. Mais tout le monde connaît ces joyaux par coeur. Cela ne m'aurait pas permis non plus de présenter les virtuoses de l'ensemble classique Alarm Will Sound. Composé d'une vingtaine d'instrumentistes, Alarm Will Sound est un collectif d'origine new-yorkaise qui mélange des musiciens classiques et quelques électroniciens. Ce sont eux sans doute qui ont orienté le groupe vers le travail de Richard D. James et d'Aphex Twin donc, qui donna lieu en 2005 à la sortie d'un album complet de covers. Cette démarche a au moins 2 vertus. La première est, s'il le fallait encore, de donner ses lettres de noblesse à la musique électronique qui, répétons-le, et même/surtout lorsqu'il s'agit de l'electronica la plus avancée, est composée de notes de musiques, de séquences harmoniques, susceptibles d'être couchées sur une partition et interprétées par des ensembles à cordes, des orchestres, des jazzmen, à la guitare ou comme vous voudrez. Oui, Richard D. James est un compositeur de musique, peut-être pas le Mozart de l'electro comme on l'a présenté parfois, mais pas non plus un simple type qui fait chanter les machines en appuyant sur un programmateur.

L'interprétation de "Cliffs", l'un de ses morceaux emblématiques, figurant sur l'album Selected Ambient Works, Vol. II, sorti en 1994, semble un véritable casse-tête pour l'ensemble acoustique américain. Richard D. James présente dans cet album une série de morceaux ambient, dont la texture est très difficile à rendre avec des instruments traditionnels, puisque le matériau originel s'est débarrassé des percussions pour ne s'intéresser qu'à des nappes/couches de synthétiseurs. Du coup, "Cliffs" n'est pas rythmé ou scandé. Alarm Will Sound prend le parti intelligent de jouer l'affaire en délicatesse comme s'il s'agissait de musique atonale et de se concentrer sur l'effet produit plutôt que sur le décalque note à note de l'ambiance. Richard D. James disait de son album, composé en synesthésie (en dormant il combine couleurs-nombre et sons), qu'il donnait le sentiment de "se trouver à l'intérieur d'une centrale électrique sous acide". Débrouillez vous avec ça. Alarm Will Sound travaille avec la matière Aphex Twin comme ils l'avaient fait en d'autres occasions avec Steve Reich, Michael Gordon, ou Philip Glass. A l'arrivée, on ne peut s'empêcher toutefois de trouver l'original bien meilleur que son interprétation, ce qui nous amène à notre seconde conclusion du jour : le jeu des reprises démontre que la musique électronique est non seulement de la musique (hé oui) mais une musique qui a sa propre autonomie, sa propre logique, son propre système d'organisation. En gros que le média (le synthé ici) commande en partie la partition. Derrière l'évidence, est battue en brèche cette idée bien enracinée selon laquelle la musique ne serait jamais qu'une partition et rien qu'une partition. Rien n'est plus faux. La musique est une partition POUR un instrument précis, pour un objet avant d'être une partition pour un interprète.

Pour en revenir à la sensation laissée par ce "Cliffs", le prodige tient dans la difficulté de rendre par des instruments synthétiques le vertige lié à une sensation 100% naturelle, comme celle de se tenir, debout, face au vent, en surplomb de la mer. Aphex Twin y parvient sans trop de difficultés en montant une boucle hypnotique sur un petit cliquetis reconnaissable qui tient lieu de gimmick mélodique. Du coup, on peut s'amuser à sentir les vents arriver par vagues (le temps est clair, c'est une certitude), à humer l'air du large puis à déporter son regard contre la paroi en prenant garde de ne pas piquer du nez. Les falaises de Richard D. James sont étrangement paisibles et ressemblent à des falaises de contes de fées. Elles sont contemplatives et pas contaminées par des émotions violentes ou romantiques comme dans le "Just Like Heaven" de Cure par exemple, ce qui laisse penser qu'il s'agit bien d'un rêve de falaises plutôt que de vraies et authentiques falaises calcaires.

Un peu partout dans les journaux et sur le net (j'aurais plein de liens à vous donner, le meilleur, comme souvent, est celui de la BBC), on apprend qu'un chercheur australien aurait découvert via une étude réalisée auprès de milliers et de milliers d'internautes que les fans de musique classique et de hard rock sont des gens également sensibles et fondamentalement pas bien différents les uns des autres. Il aurait aussi découvert que les fans d'indie rock ont une mauvaise image d'eux-même mais se considèrent comme créatifs, que les amateurs de hip hop sont des gens extravertis, que les gens qui écoutent de la country travaillent dur alors que ceux qui écoutent du reggae pas du tout. Bref, il aurait prouvé par l'étude quelques vérités parmi les plus basiques qu'on découvre rapidement en fréquentant des mélomanes de tous bords. La proximité des personnalités des amateurs de classique et de métal semble être la découverte qui surprend le plus puisque c'est celle qui fait les titres de tous les articles sur l'étude . Il faut vraiment n'avoir côtoyé que très peu de métalleux pour croire que ce sont des bêtes humaines satanistes et violentes et pas dans leur majorité des geeks qui apprécient dans la musique la même chose que les amateurs de musique classique pompeuse type Mozart ou Wagner (la technique, le grand spectacle et une certaine idée de l'élitisme).

Celà dit, quand on jette un oeil au questionnaire sur lequel l'étude est basée, on est très surpris par la méthodologie. Tout d'abord, n'importe qui peut participer à partir du moment qu'il a trouvé le lien, ce qui nous donne un échantillon représentatif de pas grand chose, à peu près. On y voit notamment toute une série de questions bizarrement tournées sur les relations amoureuses : si vous êtes avec quelqu'un, vous décrivez votre relation, sinon, vous décrivez votre relation avec votre ex et si vous n'avez pas d'ex, vous décrivez le genre de relation que vous souhaitez avoir. Bien sûr, vous ne répondrez pas du tout la même chose si vous parlez de votre ex, de votre future ex ou de la femme de vos rêves mais au final vous cochez les mêmes cases. Et puis un type comme moi qui aime le hip hop, l'indie rock et la country est-il un schizophrène fainéant travailleur timide extraverti ?

Comme toujours, il faut se méfier de ces études qui confirment les stéréotypes les plus éculés avec une méthodologie douteuse dans le but de créer des petites cases pour ranger les cibles d'un plan marketing. C'est vraiment curieux la façon dont ils trouvent toujours des résultats exploitables et faciles à transformer en brève amusante pour journaliste fainéant là où beaucoup d'autres scientifiques ne parviennent qu'à produire des résultats complexes et nuancés avec une approche beaucoup plus rigoureuse.

A 54 ans, John Zorn règne sur le jazz avant-gardiste et multiplie depuis quelques années les enregistrements, solo ou en groupes, les productions, les compositions, les projets sur un rythme qui ne permet plus au suiveur amateur de l'accompagner. Rien qu'en 2007 et avec ce From Silence to Sorcery, le pape du déconstructivisme a dû livrer 4 ou 5 disques qui auraient tous mérité un petit mot et qui, l'un chassant l'autre, ont rendu tout commentaire superflu. Bizarremment et alors qu'il aurait sans doute mieux valu parler du beau Astronome (2006) ou des Six Litanies for Heliogabalus (2007), c'est avec From Silence to Sorcery qu'on se remet à parler de Zorn.

Pour ceux qui n'auraient pas suivi les épisodes précédents, Zorn est un multi-instrumentiste (saxophoniste de prédilection) qui s'est attaqué dans sa longue carrière à à peu près tous les genres musicaux. Les seuls points de convergence dans son oeuvre sont à chercher autour de la notion de déconstruction qui lui permet de varier les travaux (jazz, punk, rock, compo de films) et les formes (voix qui tuent, orchestres qui pleurent, guitares saturées, objets en tous genres), sa fascination pour l'occulte (option kabbale) mais aussi une forte imprégnation juive (Zorn est le fondateur du label Tzadik records et son seul vrai directeur artistique). Au milieu de tout cela, trônent des projets comme Masada, cycle d'interprétation de la culture juive qui reste indépassable sur le plan musical, ou la série horrifique (pour les oreilles) des Painkiller, où l'avant-garde touche au supplice génial. From Silence to Sorcery consiste en une introduction en demie-teinte à l'univers incroyablement riche et varié mais peut consituer une porte d'entrée comme une autre vers une découverte plus approfondie de Zorn. Le disque qu'on peut découper en 3 sous-ensembles est entièrement dédié à l'occulte et plus spécialement à la kabbale qui semble obséder les productions solo de Zorn depuis 3 ans, et après l'album Magick notamment. Le premier ensemble appelé "Goetia" (numéroté de I à VIII) est une sorte de caisse de résonnance interprétée au violon solo pour des ensorcellements, des sorts et des formules magiques qui ne viendront pas. On entend sur ces séquences de quelques secondes à quelques minutes, la mise en place d'une ambiance lugubre, entre le vieux film d'horreur et les couloirs sordides traversés par des créatures mi-comiques, mi-effrayantes. Le rythme s'accélère de temps à autre ("Goetia III"), se fait plus solennel parfois ("Goetia IV") comme si une messe noire allait bientôt être célébrée. Rappelons, pour mémoire, que le violon est l'instrument du Diable par excellence et celui dont le cri de cordes est le plus susceptible de faire rappliquer le Malin. Les pièces restent assez en deça de ce qu'a l'habitude de servir Zorn mais ont le mérite d'amener rapidement aux deux plats de résistance que constituent les séquences suivantes. "Gris-Gris", inspirée (d'après ce qu'on peut en comprendre) par le vaudou africain ou d'Haïti, le chamanisme coréen et une scène du Port de l'Angoisse d'Howard Hawks, est une superbe composition interprétée uniquement par des percussions, soit une légion d'une douzaine de tambours. De longs passages quasi-silencieux viennent perturber l'organisation du morceau et créer une atmosphère à la fois envoûtante, confortable et inquiétante. Là encore, "Gris-Gris" est à inscrire dans la veine morne et expérimentale de Zorn et ne donne pas une juste image de son extrême dynamisme habituel. Le dernier ensemble, "Shibbolethis" est plus classique (clavecin, cordes et percussions) et rend hommage, sur fond de Shoah (récurrente chez Zorn) à la poésie de Paul Celan. Il faut évidemment pas mal d'imagination pour filer les liens entre Celan et ce qu'on écoute, mais l'influence biblico-poétique est opérante et suffit à nous projeter dans un Ailleurs qui est visé par ce nouvel opus.

C'est bien le talent de Zorn, quels que soient les moyens qu'il emploie pour y parvenir, de nous projeter chaque fois dans un univers sonore nouveau et presque tout le temps déconcertant. Si From Silence to Sorcery n'est (et de loin) pas son travail le plus intéressant, il constitue un jalon supplémentaire dans une oeuvre cohérente, qui vise à établir des liens logiques entre ce qui s'écrit (textes, musiques) et ce qui s'entend. Zorn, en bon kabbaliste, donne à entendre une totalité qui s'adresse à tous les sens et qui, de fait, ne peut pas s'apprécier comme de la seule musique.

http://www.tzadik.com

Loin de moi la prétention de le prouver sans doute possible comme Philippe Labro à travers Johnny Hallyday l'avait fait pour Jésus Christ mais on peut raisonnablement se dire que, fut-il né à peine moins d'un siècle plus tard, le compositeur génial/fou aurait probablement ressemblé à Julien Clerc dans Hair. Son tempérament eccentrique et individualiste l'a à son époque fait tourner le dos à toutes sortes de groupes, certes, mais il aura pour cela d'abord fallu qu'il les rejoigne et puis son tempérament mystique, qui l'ammena à fonder sa propre église (dont il était le seul fidèle) se serait certainement plu dans l'âge d'aquarius et toutes ces conneries. Et si vous pensez que Satie avait trop de classe ou d'intelligence pour mordre au même hameçon que Demis Roussos, pensez juste qu'il n'a jamais connu le LSD.

Ce point de vue se défend en tout cas comme un autre et c'était certainement celui des auteurs du disque déterré par les rois de l'artefact incongru de wfmu : The Electronic Spirit of Erik Satie (Music Mystically Inspired). Le disque, apparement réalisé par une bande de hippies défoncés qui ont mis la main sur beaucoup trop de moyens, parmis lesquelles évidemment un studio (c'est déjà trop), un orchestre et un synthétiseur Moog, consiste en une série de réinterprétations à côté de la plaque de trente-neuf pièces courtes de Satie. Les adjectifs cosmique, mystique et stone ont été inventé pour des choses comme celle là.

Les mp3 sont en fait beaucoup moins rigolos que les notes de la pochettes reproduites largement par wfmu. On a la preuve de la présence de l'esprit de Satie lors de l'enregistrement dans l'amnésie du joueur de Moog. J'aime les hippies.

Intéressante expérience menée par le Washington Post : le journal a demandé à Joshua Bell, violoniste virtuose, de jouer de son Stradivarius hors de prix pour ce qui est probablement (avec les rockeurs bordelais) le pire des publics. Bell a en effet donné gracieusement un petit concert aux usagers du métro en route pour le boulot un matin de semaine. Partant de l'idée que des pièces de Bach ou Schubert pouvaient être considérées d'une "beauté objective", le Post a voulu mettre à l'épreuve notre capacité à apprécier la beauté hors de tout contexte. Bien sûr, l'immense majorité du "public" de Joshua Bell l'a simplement ignoré et il n'a pas vraiment été plus populaire que l'accordéoniste alcoolique moyen ne l'est dans nos rues. Les journalistes du Post en tirent un article plutôt intéressant (bien qu'un poil trop long) illustré de plusieurs vidéos, dans lequel ils ruminent sur l'importance de la présentation de l'art et sur la déshumanisation de notre société de robots toujours pressés etc... Vous pouvez allez le lire, je vous attends.

L'article soulève un point tout à fait valable bien qu'un peu éculé, mais passe trop de temps à déplorer la déchéance de l'homme moderne pour voir l'évidence qui leur pend sous le nez. Ils arrêtent un type à la sortie du métro qui est passé devant Bell sans le voir ou l'entendre puisqu'il était en train d'écouter son iPod. Tragédie de la modernité pour le post, tous ces ipod qui nous isolent du monde. Pourtant le type écoutait "Just Like Heaven" de The Cure (coïncidence incroyable qu'ils tombent sur un type qui écoute de la bonne musique !). Evidemment un enregistrement qu'il aurait pu réécouter plus tard ne pèse pas lourd comparé à l'occasion unique qu'il vient de rater. Une occasion unique justement, tout à fait artificielle, qui finalement ne pèse peut-être pas si lourd dans la balance entre une vie de transport en commun autrement parfaitement laide et ces petits moments de beautés qu'un ipod peut mettre quotidiennement dans notre vie. Vaut-il mieux passer à côté d'un seul moment exceptionnel comme celui-ci ou bien garder toute sa vie ses oreilles ouvertes au rugissement du métro juste au cas où un violoniste virtuose passerait par là ?

Ce que le Post refuse de voir, c'est que si nous avons perdu notre capacité à apprécier la beauté, ce n'est pas parce que nous nous activons industrieusement comme des fourmis en permanence mais plutôt par la dévaluation inévitable d'une "beauté" surabondante. Avant même l'avènement de l'interweb, la plupart d'entre nous avait accès à plus de "culture" et de "beauté" qu'aucune génération précédente. Mince, on trouve même des concerts de Joshua Bell au milieu des articles du Post ! Notre véritable problème est peut-être un problème d'information : savoir quoi, où, quand regarder ou écouter dans tout cet art qui envahit notre espace privé. Et savoir quand fermer les yeux et les oreilles. Dans ce contexte, le métro semble le premier endroit où un homme sensé devrait commencer à ignorer le monde qui l'entoure.

L'histoire de Joyce Hatto était déjà pleine d'un certain romantisme : pianiste anglaise peu connue, elle fut contrainte d'abandonner les concerts en 1976 par un cancer. Quand elle s'est finalement éteinte l'an dernier, elle était devenue une sorte de légende, une virtuose capable de jouer avec brio un répertoire extrêmement large mais que personne n'avait vu depuis des années. On ne la connaissait que par les CD publiés confidentiellement par son mari. Puis un jour quelqu'un a mis son disque des 12 études transcendentales de Liszt dans son PC et celui-ci l'a bien identifié comme étant les 12 études... mais interprétée par un autre pianiste nommé Lászlo Simon.

Après avoir été contacté, le magazine Gramophone a demandé à un spécialiste de comparer les ondes sonores, ce qui a irréfutablement démontré que "l'enregistrement" de Hatto était un faux, tout comme plusieurs autres identifiés entre temps. Pressé de s'expliquer, le veuf de la pianiste, qui publiait les disques de sa femme sur son label, a après plusieurs jours de déni intenables fini par avouer. Selon lui, sa femme ne se doutait de rien. Elle aurait réalisé des enregistrements inexploitables car ponctués par des grognements de douleur. Il aurait utilisé d'autres enregistrements pour recouvrir les passages inexploitables et permettre à sa femme d'accéder à la reconnaissance qu'elle méritait. Elle même pourtant s'en serait moquée, déclarant après avoir lu une critique élogieuse dans Gramophone (toujours) "Il est trop tard pour tout ça".

Après ça, on est tous trop occupés à sortir nos mouchoirs pour crier au voleur. C'est plutôt une belle histoire, du genre qui pourrait inspiré un film hollywoodien. On vient d'ailleurs d'annoncer un biopic pour Milli Vanilli. C'est aussi totalement invérifiable, d'autant plus que le mari de Joyce Hatto a détruit son stock de CD et refuse d'expliquer clairement quels enregistrements sont effectivement de sa femme. Il n'y en a peut-être aucun. Il n'a cependant jamais fait fortune avec son "arnaque" et le doute dans lequel il nous laisse promet de longues discussions aux mélomanes.

Tout à le goût de l'excès chez Patrick Wolf, du rouge vif de sa chevelure à... eh bien absolument tout le reste de la pochette de Magic Position (les souliers old-school ! le jean rouge ! le titre de l'album en néon !). Et il en va de même pour sa musique bien sûr, qui refuse de choisir entre pop orchestrale et synthétique. Tour à tour crooner et diva, Wolf se rêve fils d'Aladdin Sane et du 30th Century Man. Il n'y réussit pas trop mal, d'ailleurs, même si à choisir il serait plus vraisemblablement (et pas que pour des raisons biologiques) le rejeton de Kate Bush et Neil Hannon.

Magic Position est l'album où il découvre coïncidemment les joies des accords majeurs de l'appui d'une major. Un soutien qui a sûrement aidé à donner au disque sa dimension épique, avec cordes en abondances, des transitions fluides entre les morceaux et un caméo de Marianne Faithfull qui déclame quelque vers en actrice Shakespearienne sur l'outro du single "bluebells". Wolf est parait-il très ami avec Owen Palett de Final Fantasy et partage avec lui son goût pour un certain classicisme, mais là où le canadien lorgne vers la musique de chambre, lui serait plutôt symphonique. Même les incursions électroniques doivent plus au big beat qu'à l'electronica.

J'imagine déjà les autocollants "Attention, chef d'oeuvre !" qui orneront le disque dans toutes les bonnes FNAC comme dans les mauvaises, et pour une fois on n'aura pas à blamer le marketing : l'artiste lui même aurait-il déclamé ces mots avant "overture", son ambition n'en aurait pas été plus claire. C'est là que le bas blesse pourtant : en se donnant de tels airs d'importance, Magic Position déçoit plus qu'il ne devrait. Si nous avons à faire à un bon disque, il est plutôt du genre qui terminera l'année à la onzième place d'un top ten, surtout quand 2007 commence si fort avec Deerhoof, Dälek et Of Montreal. Le disque n'est jamais meilleurs que sur ces morceaux les plus simplement pop, comme ce "Get Lost" qui évoque les Magnetic Fields de plus d'une façon. On soupçonne que le chef d'oeuvre de Patrick Wolf n'arrivera que quand son auteur ne s'y attendra pas. Reste à espérer qu'il laisse son ambition au vestiaire avant trop longtemps.

Hefty Records est vraiment un label étonnant. Peu de structures peuvent se targuer d'une telle ouverture d'esprit. De l'electronica pastorale de Solo Andata, l'electro d'obédience Chicago/Detroit de Plus Device, les balades grésillantes de Telefon Tel Aviv ou le pointillisme de Radicalfashion, le moins que l'on puisse dire est que ce discret label de Chicago cultive un éclectisme de (très) bon goût. Preuve en est une nouvelle fois avec ce Radicalfashion, un projet du japonais Hirohito Ihara. De fait, Ihara n'aurait pas pu trouver un nom qui lui sied plus mal. Ni "radiclal", ni "fashion", ce japonais de formation classique  - comme beaucoup de ses compatriotes - est plutôt un fan avoué de Ravel, et certainement aussi à l'écoute de ce très beau Odori, de l'oeuvre d'Erik Satie. Sur Odori, Hirohito Ihara développe des climats électroacoustiques apaisés, nimbés de mélodies iridescentes et légères comme des bulles de savon. Accompagné du prestigieux compositeur Carl Stone, le japonais réactualise également le minimalisme serein de l'école française qu'il mêle au travail sur les rythmiques obsédantes d'un Steve Reich ou d'un Terry Riley. Si la filiation évidente avec Satie et Ravel prédomine, on doit aussi ce sentiment à la subtile dislocation mélodique et à l'impressionnisme de ses compositions. Sur "Suna", Ihara s'approche des travaux d'un Ryuichi Sakamoto jammant avec Nobukazu Takemura. "Ballet", illustre la rencontre inattendue de Satie et des dernières technologies en matière d'édition musicale, tandis que le bruitisme d'"Usunibi", évoque un paysage fauve uniquement composé de pixels en mouvement. Aussi technique soit-elle, l'electronica de Radicalfashion n'est pas dénué de sensibilité, au contraire. Sa musique elliptique jouant sur l'espace et le vide est même emprunt d'un certain mysticisme. Essayez le, malgré son classicisme, ce disque est unique ! Pour vous en convaincre, n'hésitez pas à vous rendre sur le profil myspace du bonhomme.

Radicalfashion - Odori (Hefty Records/La Baleine)

Nos collègues ciné ont dit tout le bien qu'ils pensaient du nouveau Rocky. Pour avoir vu le film ce week-end, il me semble que l'un des ressorts principaux de la nostalgie passe évidemment par cette incroyable musique rythmant les pas et les poings du boxeur de Philadelphie. J'avoue avoir écrasé assez connement une larme seul devant mon PC quand a retenti pour la 1ère fois dans le film le fameux thème de Rocky, mondialement connu et repris, devenu depuis 1976, l'illustration musicale par excellence du dépassement de soi et de l'élan épique. Sans musique, pas de Rocky ? Rocky n'est pas un film de boxe mais un mélodrame musical, l'illustration cinématographique d'une bande son, un vidéo-clip géant ? Voilà des pistes intéressantes.... L'auteur de la BO est un certain Bill Conti, chef d'orchestre précoce, et qu'on tient souvent, pour la "vulgarité" de ses compositions pour un sous-Ennio Morricone. Si l'on y regarde de plus près, on se rend compte que Bill Conti est l'un des compositeurs de BO les plus sous-estimés du marché car l'un des plus efficaces. A la baguette derrière Karaté Kid (la prise de la cigogne, le cultissime thème du laveur de vitres, celui qui a changé Ralph Maccio en star, c'est lui), dans L'Etoffe des Héros, ou sur la série Dynastie, Bill Conti est le maître incontesté de la chanson qui suggère l'élévation du héros. Il ne fait pas bien pleurer, il ne sait pas décrire le repos, l'amour, la tension mais peut évoquer à merveille ce moment crucial où le tâcheron va s'arracher à sa misérable condition pour devenir un prince, un dieu vivant.

Pour ceux que ça intéresse (les autres peuvent se moquer), la meilleure BO de Bill Conti est la BO des Maîtres de l'Univers, film adapté de la fameuse série animée avec le tigre, Adam et Musclor, le maître d'armes et She-Ra. Sur la durée du film, Conti produit une soundtrack merveilleuse, à base de cordes réelles, de claviers, qui est ce qu'on a fait de meilleur depuis Wagner (sans déconner) pour décrire la force d'un super-être en majesté.