A 54 ans, John Zorn règne sur le jazz avant-gardiste et multiplie depuis quelques années les enregistrements, solo ou en groupes, les productions, les compositions, les projets sur un rythme qui ne permet plus au suiveur amateur de l'accompagner. Rien qu'en 2007 et avec ce From Silence to Sorcery, le pape du déconstructivisme a dû livrer 4 ou 5 disques qui auraient tous mérité un petit mot et qui, l'un chassant l'autre, ont rendu tout commentaire superflu. Bizarremment et alors qu'il aurait sans doute mieux valu parler du beau Astronome (2006) ou des Six Litanies for Heliogabalus (2007), c'est avec From Silence to Sorcery qu'on se remet à parler de Zorn.

Pour ceux qui n'auraient pas suivi les épisodes précédents, Zorn est un multi-instrumentiste (saxophoniste de prédilection) qui s'est attaqué dans sa longue carrière à à peu près tous les genres musicaux. Les seuls points de convergence dans son oeuvre sont à chercher autour de la notion de déconstruction qui lui permet de varier les travaux (jazz, punk, rock, compo de films) et les formes (voix qui tuent, orchestres qui pleurent, guitares saturées, objets en tous genres), sa fascination pour l'occulte (option kabbale) mais aussi une forte imprégnation juive (Zorn est le fondateur du label Tzadik records et son seul vrai directeur artistique). Au milieu de tout cela, trônent des projets comme Masada, cycle d'interprétation de la culture juive qui reste indépassable sur le plan musical, ou la série horrifique (pour les oreilles) des Painkiller, où l'avant-garde touche au supplice génial. From Silence to Sorcery consiste en une introduction en demie-teinte à l'univers incroyablement riche et varié mais peut consituer une porte d'entrée comme une autre vers une découverte plus approfondie de Zorn. Le disque qu'on peut découper en 3 sous-ensembles est entièrement dédié à l'occulte et plus spécialement à la kabbale qui semble obséder les productions solo de Zorn depuis 3 ans, et après l'album Magick notamment. Le premier ensemble appelé "Goetia" (numéroté de I à VIII) est une sorte de caisse de résonnance interprétée au violon solo pour des ensorcellements, des sorts et des formules magiques qui ne viendront pas. On entend sur ces séquences de quelques secondes à quelques minutes, la mise en place d'une ambiance lugubre, entre le vieux film d'horreur et les couloirs sordides traversés par des créatures mi-comiques, mi-effrayantes. Le rythme s'accélère de temps à autre ("Goetia III"), se fait plus solennel parfois ("Goetia IV") comme si une messe noire allait bientôt être célébrée. Rappelons, pour mémoire, que le violon est l'instrument du Diable par excellence et celui dont le cri de cordes est le plus susceptible de faire rappliquer le Malin. Les pièces restent assez en deça de ce qu'a l'habitude de servir Zorn mais ont le mérite d'amener rapidement aux deux plats de résistance que constituent les séquences suivantes. "Gris-Gris", inspirée (d'après ce qu'on peut en comprendre) par le vaudou africain ou d'Haïti, le chamanisme coréen et une scène du Port de l'Angoisse d'Howard Hawks, est une superbe composition interprétée uniquement par des percussions, soit une légion d'une douzaine de tambours. De longs passages quasi-silencieux viennent perturber l'organisation du morceau et créer une atmosphère à la fois envoûtante, confortable et inquiétante. Là encore, "Gris-Gris" est à inscrire dans la veine morne et expérimentale de Zorn et ne donne pas une juste image de son extrême dynamisme habituel. Le dernier ensemble, "Shibbolethis" est plus classique (clavecin, cordes et percussions) et rend hommage, sur fond de Shoah (récurrente chez Zorn) à la poésie de Paul Celan. Il faut évidemment pas mal d'imagination pour filer les liens entre Celan et ce qu'on écoute, mais l'influence biblico-poétique est opérante et suffit à nous projeter dans un Ailleurs qui est visé par ce nouvel opus.

C'est bien le talent de Zorn, quels que soient les moyens qu'il emploie pour y parvenir, de nous projeter chaque fois dans un univers sonore nouveau et presque tout le temps déconcertant. Si From Silence to Sorcery n'est (et de loin) pas son travail le plus intéressant, il constitue un jalon supplémentaire dans une oeuvre cohérente, qui vise à établir des liens logiques entre ce qui s'écrit (textes, musiques) et ce qui s'entend. Zorn, en bon kabbaliste, donne à entendre une totalité qui s'adresse à tous les sens et qui, de fait, ne peut pas s'apprécier comme de la seule musique.

http://www.tzadik.com

Loin de moi la prétention de le prouver sans doute possible comme Philippe Labro à travers Johnny Hallyday l'avait fait pour Jésus Christ mais on peut raisonnablement se dire que, fut-il né à peine moins d'un siècle plus tard, le compositeur génial/fou aurait probablement ressemblé à Julien Clerc dans Hair. Son tempérament eccentrique et individualiste l'a à son époque fait tourner le dos à toutes sortes de groupes, certes, mais il aura pour cela d'abord fallu qu'il les rejoigne et puis son tempérament mystique, qui l'ammena à fonder sa propre église (dont il était le seul fidèle) se serait certainement plu dans l'âge d'aquarius et toutes ces conneries. Et si vous pensez que Satie avait trop de classe ou d'intelligence pour mordre au même hameçon que Demis Roussos, pensez juste qu'il n'a jamais connu le LSD.

Ce point de vue se défend en tout cas comme un autre et c'était certainement celui des auteurs du disque déterré par les rois de l'artefact incongru de wfmu : The Electronic Spirit of Erik Satie (Music Mystically Inspired). Le disque, apparement réalisé par une bande de hippies défoncés qui ont mis la main sur beaucoup trop de moyens, parmis lesquelles évidemment un studio (c'est déjà trop), un orchestre et un synthétiseur Moog, consiste en une série de réinterprétations à côté de la plaque de trente-neuf pièces courtes de Satie. Les adjectifs cosmique, mystique et stone ont été inventé pour des choses comme celle là.

Les mp3 sont en fait beaucoup moins rigolos que les notes de la pochettes reproduites largement par wfmu. On a la preuve de la présence de l'esprit de Satie lors de l'enregistrement dans l'amnésie du joueur de Moog. J'aime les hippies.

Intéressante expérience menée par le Washington Post : le journal a demandé à Joshua Bell, violoniste virtuose, de jouer de son Stradivarius hors de prix pour ce qui est probablement (avec les rockeurs bordelais) le pire des publics. Bell a en effet donné gracieusement un petit concert aux usagers du métro en route pour le boulot un matin de semaine. Partant de l'idée que des pièces de Bach ou Schubert pouvaient être considérées d'une "beauté objective", le Post a voulu mettre à l'épreuve notre capacité à apprécier la beauté hors de tout contexte. Bien sûr, l'immense majorité du "public" de Joshua Bell l'a simplement ignoré et il n'a pas vraiment été plus populaire que l'accordéoniste alcoolique moyen ne l'est dans nos rues. Les journalistes du Post en tirent un article plutôt intéressant (bien qu'un poil trop long) illustré de plusieurs vidéos, dans lequel ils ruminent sur l'importance de la présentation de l'art et sur la déshumanisation de notre société de robots toujours pressés etc... Vous pouvez allez le lire, je vous attends.

L'article soulève un point tout à fait valable bien qu'un peu éculé, mais passe trop de temps à déplorer la déchéance de l'homme moderne pour voir l'évidence qui leur pend sous le nez. Ils arrêtent un type à la sortie du métro qui est passé devant Bell sans le voir ou l'entendre puisqu'il était en train d'écouter son iPod. Tragédie de la modernité pour le post, tous ces ipod qui nous isolent du monde. Pourtant le type écoutait "Just Like Heaven" de The Cure (coïncidence incroyable qu'ils tombent sur un type qui écoute de la bonne musique !). Evidemment un enregistrement qu'il aurait pu réécouter plus tard ne pèse pas lourd comparé à l'occasion unique qu'il vient de rater. Une occasion unique justement, tout à fait artificielle, qui finalement ne pèse peut-être pas si lourd dans la balance entre une vie de transport en commun autrement parfaitement laide et ces petits moments de beautés qu'un ipod peut mettre quotidiennement dans notre vie. Vaut-il mieux passer à côté d'un seul moment exceptionnel comme celui-ci ou bien garder toute sa vie ses oreilles ouvertes au rugissement du métro juste au cas où un violoniste virtuose passerait par là ?

Ce que le Post refuse de voir, c'est que si nous avons perdu notre capacité à apprécier la beauté, ce n'est pas parce que nous nous activons industrieusement comme des fourmis en permanence mais plutôt par la dévaluation inévitable d'une "beauté" surabondante. Avant même l'avènement de l'interweb, la plupart d'entre nous avait accès à plus de "culture" et de "beauté" qu'aucune génération précédente. Mince, on trouve même des concerts de Joshua Bell au milieu des articles du Post ! Notre véritable problème est peut-être un problème d'information : savoir quoi, où, quand regarder ou écouter dans tout cet art qui envahit notre espace privé. Et savoir quand fermer les yeux et les oreilles. Dans ce contexte, le métro semble le premier endroit où un homme sensé devrait commencer à ignorer le monde qui l'entoure.

L'histoire de Joyce Hatto était déjà pleine d'un certain romantisme : pianiste anglaise peu connue, elle fut contrainte d'abandonner les concerts en 1976 par un cancer. Quand elle s'est finalement éteinte l'an dernier, elle était devenue une sorte de légende, une virtuose capable de jouer avec brio un répertoire extrêmement large mais que personne n'avait vu depuis des années. On ne la connaissait que par les CD publiés confidentiellement par son mari. Puis un jour quelqu'un a mis son disque des 12 études transcendentales de Liszt dans son PC et celui-ci l'a bien identifié comme étant les 12 études... mais interprétée par un autre pianiste nommé Lászlo Simon.

Après avoir été contacté, le magazine Gramophone a demandé à un spécialiste de comparer les ondes sonores, ce qui a irréfutablement démontré que "l'enregistrement" de Hatto était un faux, tout comme plusieurs autres identifiés entre temps. Pressé de s'expliquer, le veuf de la pianiste, qui publiait les disques de sa femme sur son label, a après plusieurs jours de déni intenables fini par avouer. Selon lui, sa femme ne se doutait de rien. Elle aurait réalisé des enregistrements inexploitables car ponctués par des grognements de douleur. Il aurait utilisé d'autres enregistrements pour recouvrir les passages inexploitables et permettre à sa femme d'accéder à la reconnaissance qu'elle méritait. Elle même pourtant s'en serait moquée, déclarant après avoir lu une critique élogieuse dans Gramophone (toujours) "Il est trop tard pour tout ça".

Après ça, on est tous trop occupés à sortir nos mouchoirs pour crier au voleur. C'est plutôt une belle histoire, du genre qui pourrait inspiré un film hollywoodien. On vient d'ailleurs d'annoncer un biopic pour Milli Vanilli. C'est aussi totalement invérifiable, d'autant plus que le mari de Joyce Hatto a détruit son stock de CD et refuse d'expliquer clairement quels enregistrements sont effectivement de sa femme. Il n'y en a peut-être aucun. Il n'a cependant jamais fait fortune avec son "arnaque" et le doute dans lequel il nous laisse promet de longues discussions aux mélomanes.

Tout à le goût de l'excès chez Patrick Wolf, du rouge vif de sa chevelure à... eh bien absolument tout le reste de la pochette de Magic Position (les souliers old-school ! le jean rouge ! le titre de l'album en néon !). Et il en va de même pour sa musique bien sûr, qui refuse de choisir entre pop orchestrale et synthétique. Tour à tour crooner et diva, Wolf se rêve fils d'Aladdin Sane et du 30th Century Man. Il n'y réussit pas trop mal, d'ailleurs, même si à choisir il serait plus vraisemblablement (et pas que pour des raisons biologiques) le rejeton de Kate Bush et Neil Hannon.

Magic Position est l'album où il découvre coïncidemment les joies des accords majeurs de l'appui d'une major. Un soutien qui a sûrement aidé à donner au disque sa dimension épique, avec cordes en abondances, des transitions fluides entre les morceaux et un caméo de Marianne Faithfull qui déclame quelque vers en actrice Shakespearienne sur l'outro du single "bluebells". Wolf est parait-il très ami avec Owen Palett de Final Fantasy et partage avec lui son goût pour un certain classicisme, mais là où le canadien lorgne vers la musique de chambre, lui serait plutôt symphonique. Même les incursions électroniques doivent plus au big beat qu'à l'electronica.

J'imagine déjà les autocollants "Attention, chef d'oeuvre !" qui orneront le disque dans toutes les bonnes FNAC comme dans les mauvaises, et pour une fois on n'aura pas à blamer le marketing : l'artiste lui même aurait-il déclamé ces mots avant "overture", son ambition n'en aurait pas été plus claire. C'est là que le bas blesse pourtant : en se donnant de tels airs d'importance, Magic Position déçoit plus qu'il ne devrait. Si nous avons à faire à un bon disque, il est plutôt du genre qui terminera l'année à la onzième place d'un top ten, surtout quand 2007 commence si fort avec Deerhoof, Dalek et Of Montreal. Le disque n'est jamais meilleurs que sur ces morceaux les plus simplement pop, comme ce "Get Lost" qui évoque les Magnetic Fields de plus d'une façon. On soupçonne que le chef d'oeuvre de Patrick Wolf n'arrivera que quand son auteur ne s'y attendra pas. Reste à espérer qu'il laisse son ambition au vestiaire avant trop longtemps.

Hefty Records est vraiment un label étonnant. Peu de structures peuvent se targuer d'une telle ouverture d'esprit. De l'electronica pastorale de Solo Andata, l'electro d'obédience Chicago/Detroit de Plus Device, les balades grésillantes de Telefon Tel Aviv ou le pointillisme de Radicalfashion, le moins que l'on puisse dire est que ce discret label de Chicago cultive un éclectisme de (très) bon goût. Preuve en est une nouvelle fois avec ce Radicalfashion, un projet du japonais Hirohito Ihara. De fait, Ihara n'aurait pas pu trouver un nom qui lui sied plus mal. Ni "radiclal", ni "fashion", ce japonais de formation classique  - comme beaucoup de ses compatriotes - est plutôt un fan avoué de Ravel, et certainement aussi à l'écoute de ce très beau Odori, de l'oeuvre d'Erik Satie. Sur Odori, Hirohito Ihara développe des climats électroacoustiques apaisés, nimbés de mélodies iridescentes et légères comme des bulles de savon. Accompagné du prestigieux compositeur Carl Stone, le japonais réactualise également le minimalisme serein de l'école française qu'il mêle au travail sur les rythmiques obsédantes d'un Steve Reich ou d'un Terry Riley. Si la filiation évidente avec Satie et Ravel prédomine, on doit aussi ce sentiment à la subtile dislocation mélodique et à l'impressionnisme de ses compositions. Sur "Suna", Ihara s'approche des travaux d'un Ryuichi Sakamoto jammant avec Nobukazu Takemura. "Ballet", illustre la rencontre inattendue de Satie et des dernières technologies en matière d'édition musicale, tandis que le bruitisme d'"Usunibi", évoque un paysage fauve uniquement composé de pixels en mouvement. Aussi technique soit-elle, l'electronica de Radicalfashion n'est pas dénué de sensibilité, au contraire. Sa musique elliptique jouant sur l'espace et le vide est même emprunt d'un certain mysticisme. Essayez le, malgré son classicisme, ce disque est unique ! Pour vous en convaincre, n'hésitez pas à vous rendre sur le profil myspace du bonhomme.

Radicalfashion - Odori (Hefty Records/La Baleine)

Nos collègues ciné ont dit tout le bien qu'ils pensaient du nouveau Rocky. Pour avoir vu le film ce week-end, il me semble que l'un des ressorts principaux de la nostalgie passe évidemment par cette incroyable musique rythmant les pas et les poings du boxeur de Philadelphie. J'avoue avoir écrasé assez connement une larme seul devant mon PC quand a retenti pour la 1ère fois dans le film le fameux thème de Rocky, mondialement connu et repris, devenu depuis 1976, l'illustration musicale par excellence du dépassement de soi et de l'élan épique. Sans musique, pas de Rocky ? Rocky n'est pas un film de boxe mais un mélodrame musical, l'illustration cinématographique d'une bande son, un vidéo-clip géant ? Voilà des pistes intéressantes.... L'auteur de la BO est un certain Bill Conti, chef d'orchestre précoce, et qu'on tient souvent, pour la "vulgarité" de ses compositions pour un sous-Ennio Morricone. Si l'on y regarde de plus près, on se rend compte que Bill Conti est l'un des compositeurs de BO les plus sous-estimés du marché car l'un des plus efficaces. A la baguette derrière Karaté Kid (la prise de la cigogne, le cultissime thème du laveur de vitres, celui qui a changé Ralph Maccio en star, c'est lui), dans L'Etoffe des Héros, ou sur la série Dynastie, Bill Conti est le maître incontesté de la chanson qui suggère l'élévation du héros. Il ne fait pas bien pleurer, il ne sait pas décrire le repos, l'amour, la tension mais peut évoquer à merveille ce moment crucial où le tâcheron va s'arracher à sa misérable condition pour devenir un prince, un dieu vivant.

Pour ceux que ça intéresse (les autres peuvent se moquer), la meilleure BO de Bill Conti est la BO des Maîtres de l'Univers, film adapté de la fameuse série animée avec le tigre, Adam et Musclor, le maître d'armes et She-Ra. Sur la durée du film, Conti produit une soundtrack merveilleuse, à base de cordes réelles, de claviers, qui est ce qu'on a fait de meilleur depuis Wagner (sans déconner) pour décrire la force d'un super-être en majesté.

Le violon est à la mode ! Qu'on se le dise. Parmi ces 3 personnages, l'un est un chanteur anglais mondialement connu et respecté qui, après avoir formé, dans les années 80, avec Johnny Marr un duo presque aussi fameux que John Lennon et Paul Mc Cartney, a renoué l'année dernière avec le succès populaire. Vous avez trouvé ? 2006 est (encore, mais on ne s'en lasse pas après des années de disette) l'année du re-retour de Morrissey (au centre).
Annoncé pour début avril, le successeur du surproduit You Are The Quarry bénéfice d'un visuel ultrasoigné et bizarroïde. Finies les références aux gangs et aux années 30, la nouvelle idole du Moz, après Oscar Wilde, James Dean et Johnny Thunders, serait-elle...euh... André Rieu et le synthéhardrockervioloneux Ed Alleyne-Johnson ? Pas facile à dire.
Le nouvel album, annoncé comme excellent par la critique (NME compris), a été enregistré à Rome par Tony Visconti, a accueilli la participation le légendaire Enio Morricone, et s'appelle Ringleader of the Tormentors. Diffusion du 1er single "Dear God, please help me" aujourd'hui à 19h (heure anglaise) sur la BBC, et vraisemblablement en différé sur http://www.bbc.co.uk/6music/.
Le 11 avril, Morrissey devrait se produire à l'Olympia, pour soutenir ce nouvel album. Entrée gratuite pour les glaieuls accompagnés de leurs parents.