Deux jours après leur passage convaincant au Zénith, les New-Yorkais d'Interpol était en transhumance au Forest National de Bruxelles, l'une des plus grandes salles belges (entre le Zénith et Bercy), bourrée à craquer pour accueillir les jeunes prodiges et leur album Our Love to Admire. Précédés des peut-être surcôtés Blonde Redhead dont la prestation aura pâti d'une sonorisation médiocre, les 4 membres historiques d'Interpol et leur nouveau clavier ont emballé un set plus que sérieux et inspiré, mettant de leur côté un public conquis bien qu'assez peu remuant en dehors des "PDA" et "Slow Hands" d'usage. Si la qualité de leurs albums studio va decrescendo (on est en droit de préférer le 1er au 2ème et le 2ème au 3ème), les prestations du groupe sont en revanche meilleures avec le temps, laissant plus de place à de légères variations qui, si elles ne peuvent pas encore être assimilées à des improvisations, suffisent à donner un peu de vie à l'ensemble. Quelques mots entre les titres, un salut en français, un merci et, par exemple, une splendide intro instrumentale qui amène, lors du premier rappel, "PDA" et qui sont autant de preuves que les Interpol se sentent à l'aise et s'affranchissent (légèrement) du modèle ultraprofessionnel de leurs premières tournées. Sur scène, la voix de Paul Banks semble avoir encore gagné en puissance et s'affiche comme un double sonore aussi inquiétant, maniable et gracieux que celle de Ian Curtis.

Le principal atout d'Interpol, mis en valeur par les dernières compositions ("Rest My Chemistry", longuet mais joliment interprété, "Pioneer to The Falls" très bon), est plus hallucinant que jamais. Banks s'époumone sans ouvrir la bouche, monte en volume et module sans donner l'impression de fournir le moindre effort, réussissant le prodige d'emplir de ses menaces et de ses plaintes une arène de quasiment 10 000 personnes par dessus des guitares tapageuses. Daniel Kessler assure, derrière l'élégance de ses comparses, un spectacle assez dérangeant et ridicule de danse vaudevillesque, fendant la scène d'un pas qui rappelle celui de Bourvil. Carlos baisse les épaules à la basse et enquille cigarette sur cigarillos. Le batteur Fogarino, qu'on dit le véritable leader du groupe (car le plus âgé) réunit de temps à autre ses troupes autour de sa caisse pour un briefing d'équipe de rugby. En milieu de set, le groupe place un "The Lighthouse" expérimental qui n'a malheureusement pas, dans cette salle immense, la récompense à l'applaudimètre et la poésie escomptées. Le moment même décevant reste impressionnant de cohésion et de mélancolie. "Heinrich Manoeuver" fonctionne bien mais ce sont les titres les plus connus du 2ème album qui recueillent le plus de succès : "Evil" et "Slow Hands" en tête, signent que les kids (trentenaires pour la plupart) ont vraiment mordu à l'hameçon à ce moment-là. Sur le plan musical, on continue de chérir particulièrement les morceaux de Turn On the Bright Lights qui trouvent sur scène une énergie et une densité extraordinaires : "PDA", "Obstacle 1", "NYC" et "Stella Was A Diver" (en rappel) figurent parmi les meilleures chansons indie rock de ces 5 dernières années. Le nombre des titres joués tirés de l'album de 2002 ne laisse pas dupe et laisse à penser que le groupe sait déjà (sans se l'avouer) que le meilleur est... derrière lui. Arc-boutés sur un son cold wave qui rappelle les belles années de Cure, les Interpol dégagent alors une vraie force collective qui ne s'assied jamais sur les mélodies. Le "romantisme noir" du groupe, au bruit clair comme de l'eau de roche, fait fondre les Belges comme des gauffres. "Leif Erikson" et "The Specialist" (mes deux titres préférés) manquent à l'appel des 1h45 de concert (Interpol rajoute un second rappel) mais je me console en rêvant du quatuor en groupe de vieux briscards à la Cure, jouant d'ici 10 ou 15 ans des sets de 2h30 et leur premier album dans l'ordre comme s'ils y croyaient encore. Le gros Robert est annoncé au Forest National pour février ou mars 2008 et les spectateurs promettent de s'y retrouver.

D'une grosse machine splendide et sans âme, le groupe a grandi pour proposer un spectacle sans sueur mais globalement émouvant et ultrasolide. On peut dire de la musique et du style du groupe qu'ils appartiennent au passé et non à l'avenir du rock; mais de ce passé, on ne se fatiguera pas de si-tôt.

... "Harder Better Faster Stronger" !!! Non ? Bin si ! Dévoilé officiellement sur MTV, le clip officiel du single "Harder Better Faster Stronger" (Alive 2007) de Daft Punk est enfin disponible. Réalisé par Olivier Gondry (le frère de Michel), le clip exploite les images prises par 250 caméras confiées au public lors du concert de Brooklyn, le 9 août dernier. (via Unblogged.fr)

20ème anniversaire oblige, le festival des Inrocks 2007 avait placé son ouverture sous le signe de la fête à neuneu : concert fiesta à la Cigale avec les Happy Mondays en tête d'affiche et sauterie en te-boî avec des surprises à la clé (que je ne connais pas, faute d'y être allé). Ayant échappé à la vague carnavalesque qui semble déferler sur les milieux rock branchés, j'ai pris dans la face le discorock (europop ? ploucmambo ?) des Parisiens de Koko Von Nappoo, groupe très looké qui envoie une musique transgenre entre Morcheeba et Beck. Bon flow, élégance branchée imparable et jolie fille au clavier qui permet de goûter à sa juste valeur (laquelle ?) ce revival dansant aux beats un rien passés de mode partout ailleurs. La prestation des très attendus brésiliens de Bonde Do Role, vendus, depuis un an, comme la nouvelle merveille musicale, m'a convaincu que les scènes électroniques avaient une longueur d'avance sur la sophistication sonore. A coups de samples, de raps qui font passer Mickael Youn, ses Bratisla Boys et n'importe quel groupe français pour Dr Dre, la prestation amusante sur ses 10 premières minutes, sautillante, vaguement dansante et évoluant entre musique de dancehall, saillie punk et spoken word hirsute, ne m'a pas convaincu. Le groupe nous ramène au moins vingt ans en arrière et serait parfait pour animer les fêtes de mariage ou les soirées dansantes de n'importe quelle boîte de nuit après un bon ball-trap. Le croisement entre l'esprit de Patrick Sébastien et le son de Daft Punk, période débile, ne séduit pas tout le monde. Le décalage s'observe dans la salle où un public tendance trentenaire avancée (tête d'affiche oblige) s'oblige à bouger le cou et les oreilles pour rester dans l'ambiance. Entre les deux pochades, une sorte de Beck ultradoué dont je n'ai pas capté le nom (une chanson sort du lot : "I know Karate") assure un interlude original et foutraque d'une dizaine de minutes qui enterre par son amateurisme et son énergie les 2 groupes dont il se devait d'être le faire-valoir. Il restait aux Happy Mondays la lourde charge de rattraper tout ça, ce qu'ils feront les mains dans la poche et avec un grand professionnalisme (malgré quelques problèmes de son qui gâcheront le meilleur titre de l'album Unkly Dysfunktionnal, "In The Blood", et interrompront en plein milieu le morceau précédent) pendant... 1 heure et 5 minutes (sans rappel).

La bande de Shaun Ryder, presque aussi mince et classieux que lors de ses meilleures années (casquette blanche vissée sur le crâne, lunettes noires et qui ne bougera de son carré de 25cm de côté que pour aller s'asseoir, aller pisser ou aller chercher une mousse en coulisses), la joue légende vivante et se hisse presque à la hauteur de sa réputation, déjante et agonie sublime en moins. Bez assure le show en façade avec leur chanteuse-choriste black à voix, tandis que les Mondays alignent anciens tubes (un "Kinky Afro" incisif à l'ouverture, une version somptueuse de "Loose Fit", un excellent "Step On" et son classique "You're twistin my melon, man" et le très très planant et simbiotique "Hallelujah") et titre du très bon dernier album ("Jellybeans", "Unkle Dysfunktional"). Le rap de Ryder est toujours aussi bon et canaille et le son mi-funk, mi-raisin rock imparable. La comparaison entre les vieillards et les prestations précédentes laissent ces derniers à des années lumière dernière, même si, là aussi, l'effet nostalgique joue plein pot. La scène est régulièrement envahie par des trentenaires pacifiques et un rien grotesques : je ne savais pas qu'on pouvait monter sur une scène avec un sac à main. Toujours est-il que le show fonctionne et met le feu au dance-floor, mêlant un public bigarré entre rockeurs égarés, teufeurs et filles à franges. Un sentiment de mélancolie envahit parfois l'auditeur incapable de retrouver néanmoins l'effet que cette musique pouvait produire à sa grande époque. On imagine la détresse d'un Bez obligé de faire le clown pendant une heure, complètement sobre... O tempora, o mores, on s'amuse comme on peut. Le set s'achève un rien brusquement et la magie se dissipe aussi vite qu'elle était venue. Métro, dodo, sans extase, ni ecstasy. Bienvenue dans l'âge mûr.

Brian Wilson a beau porter le jaune poussin, on ne peut pas s'empêcher lorsqu'on le voit sur scène de lui trouver un air gâteux. Lors de ses derniers concerts, à Paris et à Londres, partout en Europe pour présenter l'album mythique, enfoui pendant trois décennies, sous ses névroses, Smile, Wilson paraissait parfois perdre pied, laissant à ses musiciens le soin de donner corps à ses inspirations géniales. La voix fragile entravait à peine les harmonies célestes composées jadis pour ses frères, cousins et amis Beach Boys et aujourd'hui interprétées seul ou avec des choristes professionnels. Revigoré par ce tour triomphal, Brian Wilson a remis le turbo et achevé l'écriture d'un nouveau cycle de chansons, donné pour la première fois sur scène, il y a quelques semaines, dans son nouveau fief londonien, le Royal Festival Hall. That Lucky Old Sun est le titre de ce nouveau cycle de chansons (qu'on trouve depuis en téléchargement un peu partout), ensemble de 10 chansons entrecoupées de textes composés pour l'occasion par Van Dyke Parks, son complice et parolier préféré, et évoquant la vie in Los Angeles. Le nouveau cycle nous ramène près de quarante ans en arrière, à l'époque de Smile et de la Californie de l'Age d'or : les textes sont enjoués mais traversés parfois de doutes et de cicatrices. La musique, un rien kitsch et qui peut paraître dépassée par son temps si l'on ne dépasse pas l'écueil que peuvent représenter les arrangements wilsoniens, se hisse néanmoins sur plusieurs des titres au niveau des meilleurs morceaux de l'époque. Il ne faut pas plusieurs écoutes pour qu'on ait l'impression d'avoir déjà entendu "Forever You'll Be My Surfer Girl", titre au romantisme et à la beauté instantanée, ou le mélodique et gracieux titre éponyme. "Midnight's Another Day" est un modèle de précision minimaliste, tandis qu'Oxygen vous procure au bout de trois mesures un afflux d'ondes positives dans le cortex. S'il est difficile de promettre une postérité à That Lucky Old Sun, l'expérience sonore est suffisamment vivifiante pour qu'on y prête une oreille. On a coutume ici de considérer qu'il n'y a pas de bonne musique joyeuse. Avec sa délicatesse élégiaque, Wilson est, depuis toujours, l'exception qui confirme la règle.

On annonçait une possible reformation du groupe culte des 80's, Jesus & Mary Chain. C'est aujourd'hui chose faite puisqu'ils se sont produits à Paris le 25 août dernier au festival Rock en Seine. En exclusivité Fluctuat et Playlist, un live report et deux photos, signés Guillaume B. :

Difficile de critiquer les Jesus and Mary Chain. Aussi c'était cool de les voir de nouveau sur scène, même si on n'entendait que les basses qui vous massaient les intestins, même si William Reid, énorme, était sans doute déjà assez bourré pour se planter dans tout les passages clef et pour détruire "Some Candy Talking". Même si Jim Reid avait l'air de vouloir se barrer pendant tout le concert, lucide, comprenant que décidément jamais ils ne reussiront à avoir le succès qu'ils ont merité (du moins jusqu'à Honey's Dead). Le public a tout de même eu droit a deux nouveaux morceaux, laissant présager un nouvel album malheureusement caricatural. Et puis il y a eu la fin, très belle, reverence contre toute attente, avec enfin le son de guitare de JMC, et là je me suis dit que ca valait le coup encore. Il manquait juste ça !

En bonus deux photos: Jim toujours classe, regardant son frère en se demandant: Mais qu'est-ce qu'il me fout ce gros sac à bière? Et William regardant par terre et se demandant: Merde est-ce que je suis branché ?

"Trop long ?!!"

Cette phrase (à prononcer dans un étranglement), je l'ai répété quelques douzaines de fois après le concert aux gens qui me donnaient leur impression générale du set. Dix neuf ans après sa sortie dans le commerce, Sonic Youth joue Daydream Nation, ce monolithe, dans l'ordre et en live. Ces 70 minutes d'indie fondateur, passées à la moulinette des années, renaissent en live avec une fureur et une arrogance bienfaitrice.

Tout a déjà été dit sur ce disque bien avant que je ne le découvre, et avec un groupe en aussi bonne forme, il paraît naturel que le live ait été aussi énorme. Les fans de Sonic Youth auront vu passer la performance comme un rêve, électrique et cotonneux à la fois, expérimental, rentre-dedans, frappant de bâtardise et de grâce. Les autres auront été destabilisés par les parties expérimentales du disque/set, et les violences que Thurston Moore inflige régulièrement aux cordes de sa guitare, pour en tirer de très diverses conclusions sur la qualité du concert.

"Les vieux groupes qui marchent encore, c'est ceux qui ne se sont jamais arrêtés."

Un addage récupéré dans le public des convaincus, alors que le groupe quitte la scène et que le public crie tout de même sa joie en masse. Les minutes s'écoulent, durant lesquelles certains descendent du nuage. Juste à temps pour voir revenir la bande et un nouveau venu, introduit par Moore avec cette phrase : "Back to the 21th century ! My boy is gonna play some songs with us." Et voilà le fiston de Thurston fraîchement débarqué, guitare en main, qui accompagne le groupe sur six titres de Rather Ripped. Parce que jouer Daydream Nation tout seul et se casser était vraiment trop chiant et opportuniste pour eux. Côté public, c'est la cerise sur le gâteau ou la goutte de trop.

La vérité, que bien évidemment je suis le seul et unique à détenir, c'est que les deux heures durant lesquelles Sonic Youth a brûlé la scène, les amplis et les tympans font partie, avec LCD Soundsystem, des meilleurs moments de tout le festival. C'est pourtant pas si compliqué, le rock est question d'audace, de son et lei fameux "esprit rock" n'est qu'un synonyme d'"intégrité artistique".

"I ripped your heart out from your chest, replaced it with a grenade blast."

Comment ça "trop long" ?

C'est vraiment cool d'attendre le concert de LCD Soundsystem sans avoir à penser hype, surestimation, retour de bâton etc... Il y a probablement eu un moment depuis 2005 et la sortie de leur premier album où des gens crachaient sur ce nom, James Murphy aimant trop jouer les petits malins pour ne pas en énerver certains. Aujourd'hui, même si les détracteurs existent forcément toujours quelque part, on s'accorde tous pour chanter les louanges de Sound Of Silver et du songwriting de Murphy, comme si on devait encore s'étonner qu'un type qui fait de la musique un peu électronique sache écrire de "vraies chansons" ou qu'il arrive même aux clowns de pleurer. Sniff.

En bref, LCD Soundsystem est juste un des meilleurs groupes actuels et, comme leur set de la Route du Rock l'a démontré, il n'y a pas à s'en étonner. Quand tout fonctionne parfaitement et quand le batteur joue très vite et très bien et quand le chanteur tire le maximum de ses capacités relativement limitées et que la basse fait bouger des milliers de fesses à l'unisson et que le set compte deux prétendants à la chanson de l'année avec "All My Friends" et "New York, I Love You" (manquait juste "Someone Great", donc) tout ça semble le plus naturel du monde. Bien sûr, c'est juste ça que tous les autres groupes auraient du faire ! Pourquoi n'y ont-ils pas pensé alors que ça parait si facile, si évident ?

Ca ne l'est sans doute pas tant que ça mais qui a envie de savoir comment les saucisses sont faites ? Dans la fosse on oublie vite le côté "petit malin" du James Murphy studio qui empile les clins d'oeil comme des boîtes de conserve au supermarché. On retient juste un set ultra efficace, joué à fond et sans temps morts.

Au moment de se dire au revoir, on s'est partagé les tâches avec Flyer. Je voulais Sonic Youth et lui aussi. "Je ne me souviens absolument pas de LCD Soundsystem" m'avoue-t-il en usant du ton de petit garçon grâce auquel il m'a déjà refilé les Smashing Pumpkins. Je comprends pourtant parce que j'ai moi-même plus de souvenir dans mon corps que dans ma tête. Outre la ferveur du public (qui pour cet ultime concert était, reconnaissons-le, dans un état qui facilitait grandement la tâche au groupe), ce dont je me souviens c'est de notre amie paralytique dont le stoïcisme n'avait pas été perturbé une seule fois du festival. Dansant comme un fou derrière elle, je lui jetais régulièrement un oeil et je l'ai bien vue, je vous promets, elle a remué doucement la tête.

Il n'y a pas grand chose de générique chez Electrelane si ce n'est leur propre musique. En quelques albums et à force de concerts implacables, les quatres Anglaises se sont imposées dans la liste fermée des chouchous de festivals, attendues avec délice et entendues avec ravissement sans coup férir.

Une fois n'est pas coutume, leur noyau dur de fans, qui s'étend de plusieurs rangs chaque année, se déhanchait à s'en déboîter les os, tandis que la foule, au début clairsemée, gagnait en densité avec les troupeaux de curieux séduits par leur son. Ces nanas font du stoner, alignent les riffs, carrées et régulières comme des trains, et maltraitent la masculinité du genre par leurs voix, leurs paroles et leurs nappes mélodiques. Flottantes et suaves, elles insufflent une véritable romance dans leur tempête de rock à chaud.

Mais ? Oui, un tout petit "mais". Même si leur set paraît (comme à chaque fois) très court, la vague qu'elle jette sur le public a toujours la même saveur. C'est exquis, certes, mais comme sur album, Electrelane n'est pas tant un groupe qui surprend qu'un groupe qui emporte. En tout cas, ces filles-là ont des tonnes de choses à apprendre à énormément de groupes de mecs en cuir ou en Armani qui jouent les rock stars du pauvre.

Et oui, les crevards à guitare : la révolte est une affaire d'émotion.

Jesus Christ

Justice

The Smashing Pumpkins

Pictured by Ben

Art Brut

The Go! Team

Pictured by Ben

On a loupé l'accréditation photo cette année pour vous ramener de beaux clichés du devant de scène, alors on fait avec les moyens du bord pour vous donner quelques idées de ce qui s'y passe.

Pictured by 2goldfish

Les Smashing Pumpkins, j'ai du mal à m'en défaire. J'ai été les voir par pure nostalgie au Grand Rex en mai, je les ai croisé par hasard à Barcelone en juin et là ils viennent dans MA Route du Rock comme si je n'avais pas assez entendu "Today" et "Zero" cette année. Une bonne chose donc, que le groupe se soit radicalement transformé en quelque mois. Exit les tenues de super héros et les robes de mariée, bonjour le look euh.. clodo-chic ? La setlist, si elle fait toujours la part belle aux vieux tubes (on est dans un festival après tout) laisse heureusement peu de place aux extraits du nouvel album qui sont cependant tout à fait corrects une fois défaits des artifices de production de Zeitgeist. Des vieilleries totalement réarrangées et d'autres raretés asurent le contentement de tous, du fan (venu en masse. en grosse, grosse masse) et du passant improbable, peut-être venu pour le concert annulé de Peter Bjorn & John.

Même si les sentiments exprimés par Billy Corgan semblent aujourd'hui loin de nous, lui à quarante ans assume totalement ses paroles de goth de quatorze piges et des solos de guitare à la Van Halen entre quelques roulements de batteries spectaculaires de l'excellent batteur Jimmy Chamberlin. Avec l'âge, ils semblent avoir abandonné toute fausse modestie et se lancent dans des jams parfois prétentieux, souvent trop longs mais aussi terriblement satisfaisants par moments. Corgan et son nouveau guitariste Jeff Schroeder se lancent dans des duels de solos avec la jubilation d'un joueur débutant de guitar hero. La foule est devenue une masse compacte violemment secouée par le métal et unie par les hymnes universalistes pré-émo comme "Tonight, Tonight" ou "Disarm". Ces citrouilles sont peut-être le groupe le moins dansant de tout le festival mais qui pourrait danser, de toute façon, quand il se bat amicalement avec son voisin pour assurer son espace vital ?

Situé un cran au dessus de toute considération esthétique, ce bon gros show rock a emporté le public et nous avec, nous vidant de toute notre énergie. On est vraiment désolé pour CSS, d'autant plus que le bruit court que Lovefoxx a terminé le show vêtue uniquement de paillettes. Un type bourré et nu me l'a dit, en tout cas.

Ca ne devrait vraiment, vraiment pas marcher. Le set spartiate de Fujiya And Miyagi a eu lieu en début de soirée, face au soleil couchant, les spectateurs arrivent sans trop savoir à quoi s'attendre et s'en foutent complétement, moi et Flyer écoutons, une galette-saucisse à la main (je me fais un devoir de l'initier à un minimum de traditions bretonnes). Ca ne devrait pas marcher non plus quand on s'éloigne de la scène pour profiter de nos relations haut placées dans la distribution de houblon pour profiter de pintes gratuites. Cette musique limite glaciale, sans fioriture, sans effet de manche, se montre pourtant insensible aux pires manques de respects.

Certains pissent entre copains contre la barrière pendant les instrumentaux kraftwerk-iens, mais recommencent à danser avant d'avoir refermé leur braguette. D'autres s'asseoient pendant les chansons funky/new-wave et ils ne peuvent pourtant s'empêcher de remuer la tête en rythme. Même quand je perçois avec étonnement une ressemblance avec INXS (c'est donc pour ça que Maxence les aime tant ?) je me dois de reconnaître que ça reste très bon. INXS est pourtant à ma connaissance toujours resté loin de l'esprit de tous les réhabilitateurs de la pop. Qu'y-a-t-il de si mal dans un peu de guitare funk à la javel ? Oui, Fujiya & Miyagi sont bons comme ça : j'ai presque envie d'écouter Suicide Blonde. Je n'en ferais rien, rassurez-vous.

The Go! Team, j'aimerais vraiment plus les aimer. J'aime leurs ingrédients : une rappeuse old school qui danse comme dans une cour de récré, des samples de cuivres sixties-seventies, une choriste asiatique à la voix de petite fille, des arrangements un peu bordéliques et une énergie de collégiens sous amphés. J'aime leur image, leur son, leur état d'esprit mais, entre tout ça et mes oreilles, il se passe quelque chose, ou alors il manque quelque chose et je finis par tout juste sourire, battant peut-être du pied mais sans vraiment avoir envie de me lâcher et de danser comme on m'y exhorte.

Sur disque comme sur scène, ils souffrent de toujours sonner pareil et surtout d'un songwriting faiblard qui n'est jamais caché qu'un temps par l'agitation qui l'entoure. Parfois pourtant, tous ces éléments que j'aime tant chez eux s'unissent en un tout consistant, la sauce prend - un peu par hasard semble-t-il - et le concert devient merveilleux. Ils s'échangent leurs instruments en courant, la rappeuse Ninja danse n'importe comment, le guitariste devient deuxième batteur, la choriste prend le devant de la scène et je me fends d'un de mes célèbres mouvements de danse tueurs, qui suscitent l'admiration de tous autour de moi. En tout cas l'ambiance est suffisamment enjouée pour que j'imagine cette admiration dans le regard des autres et ça me suffit amplement.

Au final on reste sur une impression en demi teinte, hésitante, le concert était tour à tour moins bon et meilleur que je ne l'aurais cru, l'enthousiasme de toute l'équipe et les déclarations bancales entre les chansons de la part ailleurs charmante Ninja peuvent basculer de l'insupportable à l'irrésistible à la vitesse du vent qui fait flotter l'écran géant comme une bannière animée du futur. A la fin, l'écran aura disparu, peut-être s'est-il envolé et a-t-il pris aux pièges les VIP en dessous, peut-être a-t-il juste été décroché par l'organisation. Ainsi s'achève ce moment d'ambiguïté.

Technikart, les Inrocks, la hype, la contre-hype, les journaleux aigris, les lecteurs de bonne foi, les boulets de mauvaise, les blogueurs imbus de leur diahrée intellectuelle, et les autres... tout ce petit monde s'est agité, a hurlé à l'illumination ou à l'humiliation autour de Justice. "Alors tu l'as écouté ? Et en live ? Oh la la, en live, ça doit vraiment être mieux." Oui ? Non ? On s'en fout ?

"C'est un album d'une modernité affolante, au tempo souvent lent, à la croisée du métal et de la techno, qui ravit autant les amateurs de house filtrée que les indie kids. Justice pour tous..." dit le Dossier De Presse.

Menteur. Justice réanime la flamme Daft Punk avec une recette à peine mise à jour. On repassera pour la modernité. Mais est-ce que c'est mal ? Non. Est-ce que c'est pas mal ? Euh oui. Les filtres sont bidouillés, le mix balancé à la Route du Rock ressemble aux mix servis dans toute l'Europe, à un sample des Klaxons près. Pas d'avant-garde électro là-dedans. De toutes façons, ce n'est pas ce que quiconque y cherche.

Tubesque, épique, grandiloquent. Défonce-moi le tempo et je danserai jusqu'à la mort. Et ça fonctionne très bien, les gens lèvent les mains, bougent leur corps. Quel est le boulot du critique de concert quand les gens s'y amusent ? C'est facile de démonter un concert de The National où tout le monde s'emmerde. C'est autre chose que de baver sur Justice quand le peuple a attendu leur descente de croix dans la pluie jusqu'à 2h30 du mat'.

Non, c'est pas nul, c'est très bien fait. Non, c'est pas bien non plus, leurs ficelles musicales ont des gueules de câbles pour paquebot. En une heure, on a le temps de danser, de sauter et de s'emmerder. Sans surprise (on est pas chez Fatboy Slim) mais avec conviction. On trouvera surtout chez Justice ce qu'on veut y trouver, du génie ou de l'escroquerie, parce qu'au fond ces mecs ne sont que des marchands de fun. Comme dans une montagne russe, tout l'intérêt réside dans la première fois.

Art Brut, c'est les Smiths bourrés ou, vraiment, n'importe quel groupe de rock anglais de ces cinq dernières années... bourré. Eddie Argos chante - ainsi que me le glisse très justement Totom - comme Robert Smith parle (bourré, ajouterais-je). Il a une présence dingue et irrésistible. Ce concert restera forcément comme le plus drôle du festival. On se marre constamment tant qu'on comprend ce qu'Eddie raconte (je l'ai perdu sur deux ou trois morceaux, malheureusement, où sa diction devenait pateuse).

Le groupe derrière joue un rock assez bateau, parfois avec les mêmes tics rythmiques que The National et toute l'Angleterre mais avec un flottement et une classe qui évoquent la technique de l'homme saoul de Jackie Chan. Tout semble joué à côté, tenir a peine debout et pourtant le groupe ne tombe jamais, il ne trébuche même pas. Il faut dire qu'il a le temps de retrouver son équilibre pendant les diatribes d'Argos qui nous raconte sa rencontre imaginaire avec Jay Z ou qui s'amuse à citer Morissey ou les Undertones. Je ne saurais dire s'il avait vraiment bu, ça fait longtemps que je sais que l'ivresse est la chose la plus facile à feindre, mais peu importe : il s'agissait d'un grand numéro de music hall. The Go! Team aura du mal à faire mieux.

Ce qu'en dit le dossier de presse.

New York, New York... Il y a déjà trop d'adjectifs bidons dans ce dossier de presse pour être sincère. Je le sais, j'en écris aussi. Allez, je vous l'avoue, je n'ai jamais aimé The National. Deux albums qui ont la grâce d'un pet et trois concerts avec celui qui vient de s'achever à la Route du Rock : trois grandes plages d'ennui qui m'ont donné l'impression de gâcher mon temps, ma vie et mes oreilles.

Qui aime The National ?
Les fans de U2, les mecs qui disent aimer Joy Division sans jamais l'écouter, les gens qui ont un faible pour les costards sur scène. 2goldfish et Totom chantaient "With or Without You" sur la musique sans que ça détonne, le batteur est une blague, le chanteur aimerait ne pas en être une, le trombonniste prenait des faux départs. Une heure et des brouettes de peine, dans la pluie fine et traitresse de cette salope de contrée bretonne grise et triste comme le talent de ce groupe honoré pour tant de mauvaises raisons.

Que faut-il faire pour aider The National à mieux jouer ?
Leur couper les deux mains à tous.

Je suis toujours d'un optimisme bon enfant quand ces choses là commencent. Bien sûr nous verrons les premiers concerts au palais du grand large Sony Ericsson. Evidemment ce ne seront pas les seuls concerts qu'on verra au sec. Trempé jusqu'aux os, les pieds glissants dans la boue quand je tente de monter vers les hauteurs de l'espace presse pour vous écrire ce petit billet après avoir seulement assisté au concert d'Herman Dune, je ris de ma propre innocence. Pourquoi a-t-on choisi de faire l'expérience jusqu'au bout et de camper cette année, déjà ? J'entends déjà les djembés dans ma tête, avant de les entendre sans doute toute cette nuit sous ma tente, si jamais le battement de la pluie sur la toile laisse leur son me parvenir.

Herman Dune, il n'y a pas grand chose à en dire : c'est gentil, parfois dansant, vaguement ennuyeux, un peu mignon. Leur ambition semble être de sonner comme la bande son d'un film de Tarantino. Ce qui veut dire un peu rétro, cuivré et (tant qu'ils n'apparaitront pas sur cette bande originale de film) totalement oublié. Objectif atteint.