Pour la plupart des gens, The Soup Dragons aura été le groupe d'une seule chanson, un "I'm Free" venu de nulle part en 1990, psychérock accommodé sauce baggy et totalement effondré sur lui-même, comme si le chanteur Sean Dickson avait avalé un plein panier d'ecstasy avant de se mettre au micro. La chanson démarrait impeccablement sur une voix vocoder "Don't be afraid of your freedom", relevée d'un soupçon d'écho qui évoquait immanquablement le son des Happy Mondays, et plus largement ce qu'on entendait alors dans tous les clubs du Nord de l'Angleterre. Le refrain était génial "Freedom / I'm free / To do what I want / Any old time / I said I'm free / To do what I want / Any old time" suffisamment idiot et entêtant pour qu'après une ou deux écoutes on ne puisse plus s'en détacher. Le message (être free, sans trop réfléchir à ce que cela pouvait vouloir dire) était, à sa façon, emblématique du grand mouvement acid qui se mettait alors en place en Angleterre. Les Soup Dragons, d'abord un petit groupe indie passé inaperçu, avait à l'époque déjà jeté un bel album dans la mêlée, This Is Our Art, riche de belles plages de guitares, entre le punk et le rock et qui aurait pu avoir son importance, si tout le monde n'avait décidé par la suite de faire tout à fait autre chose. Car en 1990, il faut bien l'avouer, l'Ecosse commençait à se moquer sacrément du rock à l'ancienne, des Buzzcocks et de tout le reste. Les dealers mancuniens avaient débarqué avec leurs pilules et faisaient le siège des clubs. Les Primal Scream, le grand groupe emblématique de la scène future, étaient en studio pour amorcer la grande révolution sonore. Screamadelica n'arriverait pourtant qu'en octobre 1991. Les Soup Dragons avaient à ce moment précis, et pour quelques mois, une longueur d'avance sur leurs collègues nationaux, même si, à quelques centaines de kilomètres de là, et près de deux ans auparavant, Shaun Ryder avait déjà lancé son classique Bummed et quelques autres missiles à tête dansante. Les Mondays, aidé par Martin Hanett, inventèrent le son Madchester, le baggy par le versant des percussions. Les Soup Dragons et les Primal Scream allaient l'inventer par les guitares. Les uns venaient par la soul. Les autres arrivaient par l'indie rock. C'était toute la différence. "I'm Free" annonçait une nouvelle ère qui, ironie de l'histoire, ne viendrait jamais vraiment pour la bande de Dickson, Paul Quinn et Jim Mc Culloch. Leur nom, emprunté à une série d'animation pour les enfants, les Clangers, évoquait un puits volcanique sur une planète bizarre qui servait de la soupe énergétique aux créatures héroïnes du dessin animé. Tout un symbôle.

Le problème est qu'évidemment la chanson n'était pas des Soup Dragons mais une reprise des Rolling Stones, dernier titre de l'album Out of Our Heads, de 1965, composée par Jagger et Richards. Il y a toujours une frustration à n'être connu que pour des chansons qu'on a pas écrites, d'autant plus que les Soup Dragons, groupe écossais, originaires de la région de Glasgow, avaient à leur actif quelques belles compositions. L'album Lovegod, sur lequel le groupe replaça habilement "I'm Free", et sa pochette psychédélique, ouvrirent pour les Soup Dragons un succès qui ne devait malheureusement pour eux durer que deux petites années. Lovegod est un album impeccable et qui ne vaut pas que pour le single : "Backward Dogs" est un titre solide, tout comme "Beauty Freak", un peu plus loin (qui évoque avant l'heure le Beautiful Freak d' Eels), "Kiss the Gun" et bien sûr "Mother Universe". Dickson est alors un frontman assez charmant. Ses cheveux tombent en mèche grasse sur le haut de son front et ses chemises froissées font un malheur. Les Soup Dragons ont de l'attitude, un mélange de majesté et de relâchement, une forme de dignité dans l'abandon au dance-floor qui n'est pas si fréquente dans le mouvement. En 1992, ils sortent un troisième album, Hotwired, à la pochette hideuse, qui entretient, sur le succès de son single "Divine Thing", la magie pendant quelques mois supplémentaires. Sean Dickson évoque à ce moment précis un Kurt Cobain qui se serait mis à la dance music. Il danse comme un pantin, a la voix qui s'écrase et se charge d'un mélange poisseux de tabac, d'alcool et d'on ne sait trop quoi. Les Soup Dragons incarnent le retour de flammes de l'esprit baggy, encore incandescents mais déjà dans l'outrance et le n'importe quoi. Après un ultime album (jamais écouté), le groupe éclate. Paul Quinn retourne en terre indie avec le Teenage Fan Club, tandis que Sean Dickson se fait un nom dans le monde de la nuit et devient DJ pour prolonger la nuit qui danse. Il monte un autre groupe, The High Fidelity, qui se fait, pour ainsi dire, damer le pion à nouveau par les Flaming Lips alors qu'il était sur le point d'inventer un mélange de rock psyché, d'électro et d'indie. Pas de veine.

Formé en 1989 autour du guitariste chanteur leader Andy Cairns et du bon batteur Fyfe Ewing, les Therapy? méritent un peu mieux (mais juste un peu mieux) que le désamour dans lequel ils sont tombés aujourd'hui et qui vaut à leurs dernières sorties - Never Apologize Never Explain en 2004 et le bon One Cure Fits All de 2006 - une indifférence quasi-totale en dehors des cercles alternatifs. A réécouter Troublegum aujourd'hui, on se rend compte qu'il y avait un brin de subtilité dans ce quasi-metal là, comme la puissante reprise du "Isolation" de Joy Division, les astuces de production sur "Stop It You're Killing Me" et l'humour du "Knives" inaugural. On se rend compte qu'un album qui s'achevait sur une reprise en boucle et presque scratchée façon vynil de You're My Sunshine :"please dont take my sunshine away", ne pouvait être complètement mauvais. Surtout explose sur chaque titre le phénoménal travail de Fyfe Ewing qui donne l'impression d'avoir une demi-douzaine de paires de bras et de batailler ses fûts avec un impact de plusieurs tonnes au kilomètre carré. On peut imaginer que c'est la dissolution de cette force brute et primale dans un travail plus élaboré qui causa la perte de Therapy?, dès son album suivant, le pourtant estimable Infernal Love, produit à l'époque par le DJ, lui aussi irlandais, David Holmes et habilleur ambiant en chef de l'époque. "Loose", le single, et "Diane", une reprise de Hüsker Dü justement, sont des titres épatants et d'un impact étonnant. Therapy? absorbe littéralement les sonorités électroniques pour défoncer tout ce qui bouge, au point qu'on en arrive à trouver normal qu'Andy Cairns chante aussi mal. Le "Semi-detached" qui suit m'est inconnu, je l'avoue, et coïncide, ce n'est pas un hasard, avec le départ de Fyfe Ewing (officiellement parce qu'il en avait marre des tournées et des contraintes de la vie de pop star).

On raconte que c'est un album qui tient la route et qu'il marque là aussi une évolution du groupe vers plus de respectabilité (lisez "on y joue moins vite et moins fort"). Therapy? se casse alors la gueule commercialement et échoue sans maison de disques. Le groupe devient alors une version dure de Luke Haines et ses atrabilaires et produit un intéressant brûlot Suicide Pact - You First qui tape sur tout ce qui bouge. "He's not that kind of Girl" est un titre mémorable, comme l'évident et programmatique "Hate Kill Destroy". Puisqu'on n'a pas l'intention de les suivre pas à pas, on conseillera (très sincèrement) à ceux qui en ont envie, de se procurer la collection sortie en début d'année 2007 des BBC Sessions enregistrées entre 1994 et 1998 et intitulée Music Through A Cheap Transitor. En 28 titres, ce double CD permet de redécouvrir la machine de guerre à la fois affreusement vulgaire et limite insupportable mais aussi époustouflante qu'a été le groupe à cette époque. Sorte de best-of agrémenté de raretés, le double CD vous donnera notamment l'occasion de vous exploser les tympans sur l'exceptionnel "Innocent X" / "Meat Abstract" (morceau qui témoigne que les métaleux peuvent tutoyer l'expérimental) ou de vous fendre la pêche (et son noyau) sur le génial "Accelerator", l'histoire d'un camionneur qui n'a pas d'amis et s'en bat les couilles. L'univers sombre (dark, comme on disait alors) de Therapy? n'est pas quelque chose qu'on a fréquenté intimement mais qui, pour des titres comme... "Auto Surgery", "PrisonBreaker" ou encore "Teethgrinder", mérite de laisser une petite trace dans l'histoire du rock.

PS : juste au cas où vous vous poseriez la question, la présence insolite du "?" à la fin du nom du groupe a toujours suscité la curiosité. Parmi les dizaines d'explications possibles (des trucs sataniques, sexuels, métaphysiques et j'en passe), la plus crédible reste une stupide histoire de mise en place graphique sur le premier single autoproduit du groupe. Cairns aurait mal collé deux pièces composant la pochette et se serait retrouvé avec un espace idiot qu'il aurait comblé par un "?". Trouvant ça cool, il l'aurait gardé par la suite. Enfin je crois....

http://www.therapyquestionmark.co.uk

On ne les espérait plus vivants. Notre avis de recherche, lancé il y a trois ou quatre ans, n'avait rien donné, mais les revoilà, ressuscités dans leurs anciens meubles (la reprise d'un album vieux de 4 ans chez One Little Indian, re-encarté avec une pochette un peu moins crado comme s'il avait été composé il y a 2 mois) et aussi bons et percutants qu'au premier jour. Les Day One, auteurs en 2000, d'un unique album, et chef d'oeuvre baptisé Ordinary Man, reviennent et nous rappellent qu'ils ont été les lointains ancêtres de la vague trip-lad, avant Mc Devvo, The Streets et tous les autres. Emmenés par l'impeccable chanteur et lyriciste Phelim Byrne et par le multi-instrumentiste Matthew Hardwidge, les Day One sont d'une certaine façon le groupe le plus cool du monde, capables de poser des titres pop sur des nappes de cordes ou des medium beats sur des guitares acoustiques, du trip hop sur du classique et de la soul dans du n'importe quoi. Probably Art est, dans le registre de la diversité, un album plus complexe et riche que son prédécesseur : les titres empruntent à des ambiances sonores très différentes et jonglent avec les environnements de production. On a droit à quelques cordes un rien "nouveaux riches" et à une apparition de célébrité avec le pompeux Will.i.am. Derrière cet habillage tape à l'oeil (et parfois un peu forcé), on retrouve trait pour trait ce qui nous avait enthousiasmé alors : un univers fait de descriptions réalistes du quotidien, des mélodies qui tiennent la route et évitent les nids de poule, un bon sens populaire aussi amusant que précieux et une mélancolie romantique qui caractérisait à cette époque le son de Bristol.

Day One n'est pas un grand groupe, on en était convaincu, mais est un groupe qui écrit de grandes chansons. Sur Probably Art, "Bad Before Good" rappelle les alternatives hésitantes d'un Babybird branché, "Cosmopolita" parle dans une mise en scène virtuose d'une boîte en vue et de son barman anonyme. On retrouve quelques thèmes qui indiquent l'ancienne progression du groupe vers une célébrité évanouie ("Feet Firmly On the Ground", sur la grosse tête post-succès). On passe sur le démonstratif et médiocre "Money", le simpliste "Give It to Me", pour mettre en exergue une belle série de titres intelligents et particulièrement émouvants : l'élégiaque "Saturday Siren" sur une fille du...samedi soir, le poétique "Who Owns the Rain ?", le pop "Probably Art", l'efficace "Travelcard Traveller" et surtout le grandiose "Now I'm A Little Older" qui rappelle le très beau "Autumn Rain", sur Ordinary Man. En 12 titres, Day One livre un album qu'on aime tout autant pour la nostalgie qu'il nous inspire que pour ses qualités propres. Sorti au moment de son enregistrement, il aurait enfoncé le clou du succès. En 2007, il risque de passer complètement et injustement inaperçu. Eux (comme nous) n'ont pas pris une ride mais un peu de plomb dans la cervelle et dans les ailes. En quittant (très temporairement) notre rubrique Les Oubliés de la Pop, ils nous tirent une larme pour hier et des sourires pour demain.

http://www.myspace.com/dayoneprobablyart (malheureusement une seule chanson du nouvel album disponible et c'est la moins bonne)

Day One - Probably Art(One Little Indian/Virgin, oct. 2007) 

On (enfin "Je" les croyais morts). Je m'attendais déjà à lire quelque part qu'on avait retrouvé les trois Mancuniens de I Am Kloot tête dans le caniveau et pinte à la main. Que de médisance, puisque les I Am Kloot sont vivants et en studio actuellement. La preuve avec cette interview realisée par le fanzine anglais Sandman (numéro d'avril, rubrique Features). Même si leur dernier album ne cassait pas des briques (et encore moins, quand on ne l'a même pas ouvert, comme moi !), ça fait plaisir de les savoir en activité. Et puis, dans ce questions et réponses avec le groupe, on peut quand même lire des choses assez drôles...le groupe a toujours sa parole humoristique.

"I got their last album because we met Pete Doherty when he was in the Libertines - but before they were called the Libertines - and we did a gig with them in London. Apparently, at some point I had a drink with him but I don't remember that. And we ended up in a phone box drinking because it was pissing it down outside."

Et ça je ne l'avais pas vu passer non plus (la bande-son de Sunshine de Danny Boyle par le groupe)

Comme je n'ai pas trouvé le moindre clip intéressant en ce début de semaine, je vous propose plutôt un petit coup d'oeil en arrière vers un groupe plus ou moins complétement oublié : Madder Rose. Je dis complètement oublié, parce que je n'avais absolument jamais entendu parler d'eux et je vous assure pourtant avoir entendu parler de beaucoup de gens dans ma vie. Ce clip de l'adorable chanson "Swim" sent bon l'indie nineties et fonctionne parfaitement comme madeleine proustienne sans qu'on ne les ait connus à l'époque. Ca aurait presque pu être réalisé aujourd'hui comme un prémice d'un nouveau courant rétro qui ne va pas tarder à venir, avec un biopic des Breeders, un jeune groupe qui prendra le nom d'un personnage joué par Winona Ryder et la reformation de Dinosaur Jr (désolé, je n'ai vraiment pas pu trouver un groupe qui ne s'est pas déjà reformé). Il y a surement déjà pas mal de ça dans l'air avec Broken Social Scene et tous leurs amis. En attendant, Madder Rose vient de rejoindre la liste toujours plus longue des groupes que je dois écouter.

Après Jarvis Cocker et son désastreux... Jarvis, c'est au tour de Brett Anderson, leader des inégaux (mais parfois très bons) Suede, de signer un retour en forme (moyenne) d'album éponyme. Prévu pour une sortie mi-mars, le premier album solo du beau ténébreux, après l'éclatement des sous-estimés The Tears, formés avec son ancien complice Bernard Butler, est plutôt une bonne nouvelle mais qui ne tient pas toutes ses promesses musicales. Lancé par un single presque aussi mauvais que le Once Upon A Time de Air, l'album présenté comme personnel et brutal s'avère globalement lisse et mélancolique. Anderson comme Cocker semble en recherche de crédibilité et tente, par des arrangements hasardeux (merci la flûte de pan et les synthétiseurs violons cheapos), de se tailler une place dans la catégorie des crooners mi-lourds qui recycle, depuis le succès de Morrissey, les ex-stars glamours de la pop anglaise.

Anderson se débarrasse ainsi de la dimension glam-rock et crâneuse qui avait fait sa réputation de showman à l'époque de Suede. Il évacue par la même occasion une bonne partie de son charme vénéneux et des thèmes qui avaient fait l'excellence de Dog Man Star, en 1994, à savoir le désespoir lié au succès, la renommée, les addictions, la rock n' roll attitude, les accidents de bagnole. Pour ceux qui s'en souviennent, Suede aura été, pendant la vague britpop, le plus américain des groupes anglais, le plus sonore et le plus électrisant. Ici, Brett Anderson est à poil (où sont passées les poses androgynes?) et chante comme il se présente sur la pochette de l'album - imaginée avec Pete Saville : sans fausses notes et en bon père de famille.

Sa voix si caractéristique (on sait si on aime ou si on déteste instantanément) reste néanmoins un atout extraordinaire par son grain reconnaissable entre mille et sa capacité de modulation. L'écriture d'Anderson est capable du meilleur, le plus souvent (Song For My Father, The More We Possess The Less We Own of Ourselves), comme du pire (le lénifiant Infinite Kiss et le mouille-culottes Love is Dead). Sur Dust And Rain, le meilleur titre de l'album, on croit retrouver le Brett Anderson des meilleures années, tout comme on le poursuivra dans des paroles d'un niveau au dessus de la moyenne. Orphelin de Butler, Anderson assure en effet un service musical minimum sans perdre tout à fait de sa séduction naturelle. Il réussit quelques très bonnes phrases qui l'exposent en phase avec sa nouvelle musicalité, un rien contrit, solitaire et globalement en manque d'amour. the telephone rings but no one ever thinks to speak to me/ the traffic speeds by but no one's ever stopped here yet/ intelligent friends don't care in the end, believe me, love is dead, love is dead, chante-t-il sur le single. On a encore un peu de mal à le voir disparaître derrière son égo formidable : now my body is sand/ and the wind blows through me/ like the soil on your hand/ i am compost and leaves, mais Brett Anderson se soigne et finit par nous émouvoir par quelques jolies formules. Quelques flèches sur Scorpio Rising, mais rien de grave. En baissant la tête, il parvient à enfin nous regarder dans les yeux et à nous faire partager ses larmes acides. Anderson est charismatique. Il a beau faire, son lyrisme lui colle à la peau. Pas sûr qu'il arrive à mettre son passé (The Wild Ones, Beautiful Ones, Trash, The Drowners, pour ne citer que ces quelques titres) derrière lui avec cet album, mais c'est plutôt bien essayé et tout à fait digne d'intérêt.

http://www.brettanderson.co.uk/

En attendant la vraie réunion du Jesus and Mary Chain, les frères Reid nous donnent un nouvel aperçu de leur talent (intact) avec ce premier album d'un sous-groupe baptisé Sister Vanilla, enregistré, comme le nom l'indique, avec leur jeune soeur Linda et composé sur une période de 10 ans. Trop jeune (une trentaine d'années) pour avoir participé aux aventures de ses frangins, la jeune femme avait été créditée de plusieurs chorus sur les albums du duo (sur Munki notamment en 1998), d'un travail, pas vérifié, sur les pochettes et globalement connue pour avoir accompagné le groupe sur quelques tournées mémorables.

L'album de Sister Vanilla porte en réalité bien son titre Little Pop Rock et offre un joli compromis entre le rock exigeant des frangins et une version pop plus accessible au commun des mortels. Les titres évoquent aussi bien les derniers Jesus que les travaux réalisés avec Hope Sandoval. On se situe ici clairement dans la face claire et joyeuse du JAMC. Sister Vanilla rapelle les meilleurs moments de Lush ou des Breeders par l'urgence et la nervosité de certains titres, le mélange plutôt réussi mais un peu convenu de mélodies travaillées et de nappages de guitares. Comme souvent avec les frères Reid, les chansons sont vite jouées, vite emballées et ne sont jamais alourdies par autre chose que du son blanc. Qu'on tienne ça pour une version féminine du JAMC ou non, une version light ou une déclinaison sous influence tout à fait honorable, Sister Vanilla s'appuie sur des vocaux bien placés, énergiques et sensuels et sur une solide base musicale qui évolue, au fil des titres, entre la pop la plus classique (Pastel Blue, K to Be Lost) et des morceaux plus bruitistes, tendance shoegaze, guitares débridées, électricité crépitante et effets de manche furieux sur Slacker, ou l'excellent Two of Us qui termine l'album. En 11 titres de rock acidulé dont un single en puissance le joli K To Be Lost, la famille Reid revisite d'une manière originale ses fondamentaux, se payant l'audace d'un Can't Stop The Rock qui reprend les affaires là où les I Hate/Love Rock n' Roll les avaient laissées, il y a quelques années.

Rappelons pour ceux qui n'ont pas suivi l'actualité des reformations que Jesus and Mary Chain a confirmé fin janvier sa présence au prochain festival Coachella, sans s'engager sur la sortie ou non d'un nouvel album. On regrettera presque cette réunion qui vient saborder les velléités de Jim de composer un nouveau supergroupe avec Phil King de Felt Mush et Loz Colbert, l'ancien batteur de Ride. En attendant, on se barbouillera les oreilles avec plaisir de cette soeur vanillée.

Extraits à écouter ici ou depuis le site de Chemikal Underground, le label écossais qui évidemment les abrite pour l'occasion.