Yacht, désormais un duo, nous avait bien fait rire avec le clip dadaïste et funky de "See A Penny (Pick It Up)" tiré de l'album I Believe in You, Your Magic is Real. Ils remettent ça avec "Summer Song", une vidéo illustrant un des meilleurs tracks de See Mystery Lights, nouveau LP de ces deux doux dingues (din ding dong).

En plus d'être le vidéo clip désormais indispensable de tout musicien contemporain, "Summer Song" se présente comme une leçon hilarante et sacrément féroce de management culturel. Accessoirement, c'est aussi un excellent titre punk-funk à tendance synth-pop et le tube de l'été qui vient. Un gimmick facile à retenir et pourtant savoureux, à base de gros toms synthétiques et de boite à rythmes accompagnée d'une mélodie sautillante 80 qu'on se prend à chanter sous la douche. Il n'y a pas plus simple que "Summer Song" (sans compter son titre limite racoleur et parfaitement synchrone avec la période) et il faut bien avouer que ça marche.

L'erreur serait évidemment de prendre tout ça au premier degré. Avec leur concerts-happening ironiques et totalement irrévérencieux singeant la philosophie consumériste new age typiquement américaine (capitalisme mystique mis en image sur des animations powerpoint cheap, chant scandé comme une leçon de commerce pyramidal, détournement de thème religieux à buts commerciaux), les deux de Yacht, dont le nom lui-même sonne comme une provocation, sont en réalité les adeptes d'un situationnisme dont le message passe avant tout par l'humour et la dérision.

Pour finir, on rebondira sur le cool "Psychic City", l'autre tube très Talking Heads (d'aucun diront Tom Tom Club) de l'album, inspiré d'un morceau préchi-précha de Rich-Jensen, "Voodoo-City". Une autre illustration de la mystique très particulière de Yacht, le duo d'un pays où tout est possible du moment que les bonnes énergies vous apportent de l'argent (le tout sous couvert d'amour... divin, bien sûr !)

So move your feet on the summer song !

Deux semaines déjà que notre souverain Andrew Meecham, alias The Emperor Machine, digne représentant de la famille nu-disco electro-kraut punk-funk (ou tout du moins de sa branche royale britannique) a officiellement sorti sa dernière exaction, le tonitruant Space Beyond The Egg, un manifeste de pur space funk à forts relents horror movies mâtiné de pop cosmic. Comme le temps passe mes braves !

Ceci étant, c'est un fait pour tous les fidèles de DC Recordings et de The Emperor Machine, Space Beyond The Egg est bel et bien marqué du sceau majestueux de l'empereur Meecham. Il ne serait pas exagéré de dire que c'est même une nouvelle étape dans l'expansion tant souhaitée (et redoutée par les hordes ignominieuses de barbares opposés au régime nu-disco) d'un empire qui devra durer 1000 ans ! Car les frontières de l'empire sont fragiles mes amis ! La terre tremble sous les coups de boutoirs de nos ennemis, hérétiques, idolâtres et impis ! Les ascètes des tribus minimal techno, les sauvages adeptes du curieux culte trans-goa et les païens se trémoussant sur les rythmes décérébrés de la techno hardcore en veulent à l'intégrité de notre monarque tout puissant. Qu'ils craignent, ces dégénérés, la colère de l'empereur ! Tremblez vermines, vous vous soumettrez sans férir aux rythmes implacables (et lascifs, mmmmh) de The Emperor Machine !

Mais le prince est magnanime. Pour preuve, dans sa bonté infinie le Maître nous honore avec bienséance de "Kananana", une nouvelle vidéo devant une bonne fois pour toute porter la bonne parole au delà des océans (et bien au-delà encore comme le montre ce parfait exemple de propagande dédiée aux masses obscurantistes). Car sachez-le mes amis et fidèles, de tous les souverains, The Emperor Machine est aujourd'hui le seul qui puisse nous dire "je suis ton père" et à qui l'on répondra sans hésiter : "OUI ! OUI !"

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Dans un récent entretien accordé à nos excellents confrères de Noise, Thurston Moore de Sonic Youth, se déclarait fortement influencé, ou du moins, "très attaché", à l'oeuvre magnétique de The Wipers qu'il avait redécouvert sur le tard (il y a deux ou trois ans). The Wipers, infortuné groupe pré-grunge de Portland en Oregon, fondé par Greg Sage à la fin des années 70 (77 et oui, ça ne s'invente pas !), un guitariste et chanteur à la voix mélancolique même dans la rage la plus froide. A trois, nos nettoyeurs (le sens premier de "to wipe") se rendirent responsables d'une poignée de disques séminaux (allons-y) parmi lesquels les incontournables (et introuvables sauf, à certains endroits, mais on ne vous a rien dit), Youth of America et Land of the Lost. A la fois métallique et extrêmement mélodique, la musique des Wipers était pour le moins unique, et elle le reste, près de 30 ans après son invention et, malheureusement, 10 ans après sa complète extinction.

Nous ne sommes donc pas étonné le moins du monde à l'écoute de ce premier titre de The Eternal, dernier album des New Yorkais, un "Sacred Trickster" nettoyé c'est le cas de le dire, jusqu'à l'os et qui sonne comme une outtake inconnue des disparus de Portland. Un morceau à la "hargne harmonieuse" pourrait-on dire, qui bénéficie qui, plus est, d'une étrange vidéo signée Tom Surgal. Ceux qui fustigeaient l'imagerie "branchouille" du "We Own The Sky" de M83, seront certainement étonné de voir ces trois gamines révolutionnaires préparer le grand nettoyage du monde tel que nous le connaissons, habillé en jean slim et coiffé à frange, au milieu des posters de Lydia Lunch et des symboles de la jeunesse "révolté" des 70's.

Connaissant le groupe, leur humour et leur musique, souvent en décalage avec les attentes des fans (voir les rumeurs entretenues par quelques puristes concernant un possible retour au bruitisme expérimental de leur début avant la parution de The Eternal), le clip de "Sacred Trickster" est certainement à prendre (avec des pincettes) au Xième degré, comme un traité ironique sur l'utilité (ou son inverse) supposée de la révolte rock'n'roll en cette ère de consommation culturelle outrancière. Ou alors, a contrario, il faut prendre le message situationniste de cette vidéo très au sérieux !!

Tremblez H&M, les Sonic Youth arrivent !

Il faut avouer qu'on n'avait pas vraiment pris au sérieux les Kasabian sur leurs deux précédents albums. Le groupe de Leicester alignait pourtant quelques sérieuses références et ressemblances, en proposant une sorte de musique compost composite venue en droite ligne de la mouvance Primal Scream, Stone Roses, soit un mélange d'electro, de rock et de chants sous influence.

Empire, sorti en 2006, nous avait clairement laissé sur notre faim rappelant plus les errances de... Kula Shaker (on est très méchants là) que la deuxième tentative d'un groupe majeur. Avec The West Ryder Pauper Lunatic Asylum, Kasabian, emmené par son chanteur en chef Tom Meighan, a fait la meilleure pioche de l'année en collaborant avec le (souvent) impeccable Dan The Automator. Le sorcier du premier Gorillaz a habillé les titres punk rock du groupe en majesté et transformé le plomb en or. A l'image de ces deux extraits, "Fire" et surtout le très léché "Vlad The Impaler", Kasabian grimpe en Major League et accède à un niveau jamais atteint jusqu'à présent. Ce qui aurait pu passer sans le travail extraordinaire de mise en sons pour un revival britpop option Madchester, devient une sorte de classique instantané des musiques britanniques. On pense parfois aux misérables Prodigy, à Oasis, à Primal Scream un peu partout mais aussi à PIL et aux Clash pour l'esprit punk.

Là où Empire embrassait clairement la cause politique, Asylum est plus subtil et plus habile à filer la métaphore. L'album occupe le dance-floor mais fait également son effet dans une chambre et en solitaire. Avec ses tubes, ses titres pop, ses quelques titres insupportables (Take Aim, Thick As Thieves surtout en horreur Beatles like) et ses morceaux de bravoure, Asylum est l'une des excellentes surprises de cette première moitié d'année et l'album le plus/moins cohérent musicalement de ces derniers mois. A l'image de Mercury Rev, groupe moyen qui avait réussi avec Deserter's Songs, un album meilleur qu'eux, Kasabian met la main ici sur son Graal.

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Santigold peut être fière d'elle, et ce type aussi, parce que la musique, ça sert à ça :

Michael Jackson aura été l'un des artistes les plus influents de ces trente dernières années. Il suffit pour s'en rendre compte de regarder Usher danser, d'écouter Justin Timberlake chanter ou de faire preuve d'un peu de psychologie et d'imagination en considérant M Pokora. On peut aussi regarder cette "sample map" réalisée par Ethan Hein pour voir qu'il y a beaucoup plus de flèches qui partent de MJ que de flèches qui vont vers lui.

Du coup, plutôt que de réécouter Thriller comme tout le monde, on va se faire quelques vidéos de morceaux qui samplent l'oeuvre du mort de la semaine.

"100 miles and runnin" de N.W.A. qui sample "Thriller". Près de dix ans après MJ, NWA faisait encaore plus peur dans les chaumières.

"Breakadawn" de De La Soul qui sample "I Can't Help It" et en fait meilleur usage que les nombreux autres artistes qui ont eu la même idée après eux.

"Good Life" de Kanye West featuring T-Pain qui sample "PYT". Attendons une semaine ou deux que Kanye se proclame nouveau roi de la pop.

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Michael Jackson est mort. Certains vont trouver (à raison peut-être) que nous en faisons un peu trop, mais l'envergure du bonhomme était telle, qu'on ne peut tout de même pas l'ignorer. Son image laissera peut-être autant d'impression négative que positive, peut-être parce que sa vie fut bien triste. Mais on ne refera pas sa biographie d'enfant battu ici, on pointera juste sur l'étrange coïncidence qui fit m'envoyer dans ma boite mail, ce lien vers un groupe dont le single, le ton et l'attitude ne pouvait que me renvoyer au décès du "King of Pop.

O.Children dont le single sort sous peu, ne sont certes pas des enfants de Michael Jackson, plutôt de Bauhaus, Joy Division et Sister of Mercy. Il faut bien reconnaître pourtant que ce "Dead Disco Dancer" sonne comme une épitaphe pour celui qui usa ses souliers sa vie durant sur les scènes de tous les stades du monde. MJ n'était pas un "disco dancer" c'est certain, juste un excellent danseur tout court. C'était aussi un noir qui, par dégoût de son enfance et de son père, voulait devenir blanc. O.Children, eux, sont des blancs qui jouent de la new wave chanté par un noir. La boucle est bouclée, c'est peut-être grâce à Michael Jackson (qui sait ?)

Sur ceux, laissons-les chanter :

J'ajouterais mon épitaphe personnelle, chanté par le non moins fameux (King of bonzo punk ?) Johnny Lyndon dans "The Great Rock n' Roll Swindle" :

The crime of the century
Who shot little Bambi
Never trust a hippie
'Cause I love punky Bambi
I'll kill to find the killer
In that rotten roll army
All the spikey punkers
Believers in the ruins
With one big shout
They all cry out
Who killed Bambi?
Who?

(Sex Pistols)

(merci Frz pour celle là)

Il existe apparement des endroits sur terre qui sentent deux fois plus le fromage chaud et la graisse que n'importe quel fast food. Ces endroits, ce sont les "combinations" Yum, du nom du géant qui possède à la fois Pizza Hut, Taco Bell et KFC. Des fast foods à double enseigne pour des artères bouchées deux fois plus vite. C'est le duo de rappeurs comiques Das Racists qui nous l'a appris avec son morceau "I'm at the combination Pizza Hut And Taco Bell".

Ce titre c'est à peu près tout le texte de leur rap qui atteint des profondeurs intellectuelles oubliées depuis (au moins) "Who Let The Dogs Out". Pourtant (ou plutôt évidemment, diront les cyniques) ce petit morceau indépendant qui n'a même pas encore de clip gagne sans cesse en ubiquité depuis quelques mois aux USA et pourrait devenir le hit de l'été le plus entêtant depuis le "Chihuahua" de DJ Bobo. C'est stupide et suffisamment accrocheur pour que l'inexistence en France de ces "combinations" en France, ou celle des Taco Bell, ne soit même pas un obstacle au succès du titre chez nous.

Le pire, sans doute, c'est qu'on trouve même ça plutôt sympa au début. A moins que ce ne soit que le morceau incite les journalistes en mal de profondeur à y voir une critique du consumérisme. Quoi qu'il en soit, cet été, ce truc va être gros.

Quoiqu'on pense de la supposée intelligence du truc, le remix de Wallpaper rend la chanson bien meilleure :

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J'y vais profil bas cette fois, à force d'entendre que mes révélations de l'année sont toutes pourries. Mais Other Lives mérite le détour et je suis plutôt sûr de moi.

Leur premier album est sorti il y a quelques semaines, ils ont fait l'ouverture en tournée pour The Decemberists et... personne n'en parle. Enfin, n'en parle encore. Other Lives s'est formé assez récemment à partir d'une formation, Kunek, qui ne faisait jusqu'ici que des instrumentaux. Kunek a sorti un unique album en 2006 avant de muer en autre chose et d'apprendre à parler. En mêlant les cuivres (trompettes) et la joueuse de clavier la plus jolie du monde, le groupe développe une sorte de musique cinématographique envoûtante qui n'est pas sans rappeler la filière espagnole des Migala, il y a quelques années, mais avec un chanteur laid-back au micro. Le tout est à la fois séduisant, intelligent et hautement mélancolique. Le single Black Tables, signe que la roue tourne, a été utilisé pour accompagner le premier épisode de la saison 5 (?) de Grey's Anatomy. Si c'est pas une référence ! Encore un bon point pour eux : ils sont produits par le légendaire Joey Waronker, un gars de Pacific Palisades, qui avait notamment travaillé en qualité de batteur (et gaucher) il y... hum... quinze ans sur les premiers Beck, avec les R.E.M. du début des années 80 puis en remplaçant Bill Berry sur la tournée 97. Généralement ce gars là ne se déplace pas pour rien (il a bossé avec E des Eels et a composé la BO du Gilliam, Lost in la mancha...). Convaincus ?

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On en parlait il y a peu, Autumn du duo Louderbach est certainement l'un des albums minimal techno les plus surprenants qui soit. Futur "culte et bizarre", ce disque au groove dépouillé et rampant produit par l'Américain Troy Pierce et soutenu par les textes sombres de son comparse angeleno Gibby Miller, s'impose comme une évidence tout en faisant le lien entre deux scènes généralement peu réputées pour s'entendre, la cold wave et la techno.

Un album de "Minimal wave" pourrait-on dire (ce que Troy Pierce ne renie pas : "Cela sonne très bien minimal wave, ou minimal post-punk. C'est très pertinent aujourd'hui alors que tout le monde redécouvre cette époque. Ce genre d'étiquette est toujours un peu stupide bien sûr, mais cette scène est pour une bonne part de ce que nous sommes devenus. C'est assez évident si tu écoutes Plastikman, Baby Ford ou Gary Numan et Japan par exemple." éclairera t-il au cours d'un entretien qu'il nous a accordé pour le magazine M&CD)

Organisé par le duo et M_nus, le label de Richie Hawtin, le concours vidéo visant à illustrer la superbe electro-pop désespérée de "Shine" (certainement le meilleur morceau de ce diable d'album) a remporté un franc succès, à l'image de celui de M83 dont nous vous parlions il y a peu. Le robinet à tube propose ainsi de nombreuses versions de cette histoire triste de couple en stase, et comme c'est souvent le cas, ce n'est pas forcément la lauréate qui nous convainc le plus. Parmi celles qui n'ont pas eu la chance d'être choisi, la deuxième que nous vous proposons ici était tout aussi pertinente.

Ceci étant, nous vous laissons seul juge : à vos comment. Prêts ? Partez !

Placebo - Benicassim 98 - 36 degrees

Placebo - For What Is Worth (new single) 2009

Battle For The Sun, le nouvel album de Placebo sorti cette semaine, n'est pas un mauvais album. Mais quelque chose s'est brisé entre le groupe et la critique qui faisait de la franchise de Brian Molko l'un des grands espoirs du rock indépendant à la fin des années 90.

Entre leur premier album, incandescent et subversif, leur première tournée en accompagnement de David Bowie et Without You I'm Nothing, leur dernier disque intéressant, Molko et les siens dégageaient une énergie brutale, mélancolique qui touchaient encore. Depuis, et malgré un Meds vendu comme le grand album dépressif du groupe, la formule Molko fatigue et ne cesse de décevoir. Qu'est-ce qui ne marche plus au royaume de Placebo, qu'est-ce qui fait qu'entre le Molko de "36 degrees" et celui de "For What Is Worth", leur dernier single en date, on passe dans nos appréciations du prometteur, voire excellentissime, au lourdaud et ridicule ?

1. Brian Molko parle aujourd'hui beaucoup plus français qu'il ne parle anglais

Il ne faut pas négliger l'intérêt pour un groupe de passer pour un groupe étranger. Lorsque Placebo apparaît sur la scène indie, Molko chante encore dans les jupes de Bowie. Il se présente comme un Anglais d'adoption ayant vaguement passé une partie de son enfance au Luxembourg. Lors de ses premières interviews, son français est maladroit, il hésite, cherche ses mots et passe pour un type charmant, timide qui rappelle le Robert Smith des débuts. D'un chanteur anglais faisant des efforts pour parler notre langue, Molko, qui cible son public, glisse vers le petit fils à papa qui s'est émancipé. Il multiplie les clins d'oeil au public français, chante dans notre langue avec Virginie Despentes, l'affreuse version dite "du doigt dans le cul" et se met à causer avec un accent pédant, précieux et horripilant qui le rend systématiquement peu crédible et insupportable. Placebo passe du statut de fleuron de la pop anglosaxonne à celui de produit européen tout marché. Sa cote de popularité en prend un coup. A trop vouloir séduire et à en cherchant à se faire comprendre, Brian Molko laisse sur le côté ceux qui pensent que le rock est nécessairement un mystère.

2. Le groupe vire à la caricature et abuse du sursignifiant.

L'ambiguité des débuts est devenue une marque de fabrique banalisée, un déguisement de pacotille, soit. On ne peut pas reprocher au groupe d'avoir séduit la légion EMO mais tout de même un peu à son leader d'avoir fabriqué de toutes pièces (il l'avoue dans certaines interviews) son personnage en en faisant une sorte de matamore dépressif, sexuellement ambigu, aux yeux soulignés de khôl et de larmes artificielles. Lorsque Molko chante qu'il doit changer de "skin", c'est en faire un peu trop. De nombreuses chansons ne sont que des clins d'oeil aux médicaments, au mal-être et au nouveau concept de l'album : on est positifs maintenant. A force, c'est fatiguant comme les cheveux de Molko qui repoussent en catogan.

3. Le groupe a perdu son mojo

Il suffit de jouer consécutivement les deux vidéos ci-dessus pour se rendre compte de ce qui a changé dans le son de Placebo. D'un côté, un punk rock pétillant, fringant et agressif, de l'autre un single pataud, sans mélodie, une production riche mais standardisée (Battle for the Sun est à cet égard, un vrai bijou de production et d'expérimentation qui réussit à camoufler le manque d'inspiration du groupe) et un contenu qui se cherche. On peut supposer que les graves différends artistiques qui ont conduit au remplacement du batteur reposaient là-dessus, même si Stephen Hewitt n'était sûrement pas le garant de la qualité indie du trio. En embauchant un jeune californien tatoué et BLOND (gothique et blondeur ne font jamais bon ménage), en faisant produire le disque par David Bottrill, le nouveau architecte en chef des nu-métalleux, Molko donne des indices : l'ère rock s'achève et on s'achemine tranquillement vers la recherche d'un son volontairement travaillé. Comme chez The Cure, les guitares tombent et glissent moins pour être remplacées par des lignes de clavier cache-misère ou des cliquetis électroniques posés là pour faire bien. Sur Battle for the Sun, les riffs de guitare vraiment enthousiasmants se comptent sur les doigts d'une main. Le groupe semble jouer (encore bien) en mode pilotage automatique et obliger de gorger le disque de fillers plus ou moins achevés ("Julien").

4. La qualité des textes a fléchi

C'est un euphémisme. Les paroles du jeune Molko avaient une légéreté et une capacité à suggérer le charme et l'angoisse de la jeunesse, que les textes du Molko adulte n'arrivent pas à égaler. Sur Battle For The Sun, Molko a bossé ses rimes mais cela donne des séquences un peu forcées où on imagine le jeune homme en jupe en train de peiner sur son carnet à spirales. Exemple : "You don't know how you're coming across / Acting like you don't give a toss / Walking around like you're on some kind of cross / And it's a shame on you the irony's lost." Pas mauvais en soi mais juste laborieux et surécrit. Ailleurs, Molko ne peut pas résister à la facilité d'un enfilage de clichés forcément décevant. Sur Breathe Underwater, il reprend l'imagerie traditionnelle du gars qui étouffe. Sur Devils in the details, cela devient carrément le petit manuel du poète rimbaldien pour les nuls. On est loin des belles inspirations des débuts, lorsque Molko chantait par exemple sur Lady of The Flowers : "She stole the keys to my house/ And then she locked herself out". Quelle différence ? Pas grand chose sûrement mais une belle idée vous change parfois le plomb en or.

Certains d'entre vous ont certainement entendu parler (et même fait l'acquisition) du split single réunissant Sonic Youth et Beck sorti le 18 avril dernier et sur lequel chacun exécutait une cover de l'autre dans son style propre.

D'un côté le Californien avait choisi de reprendre "Green Light" tiré de E.V.O.L.. Un choix surprenant pour le petit prince de L.A. qui transforme allègrement l'essai et donne à voir un nouveau pan de son talent en adaptant ce morceau d'une manière proprement bluffante. C'est bien simple, "Green Light" dans ses mains, devient l'un des meilleurs morceau de Beck !

De l'autre côté, les New-Yorkais massacraient, il n'y a pas d'autre mot, le pourtant magnifique "Pay No Mind", dans un style totalement no wave, transformant la mélodie neurasthénique de l'original en un exercice de saccage en règle, hurlé, mâchouillé, rendu dégoulinant de bave à son propriétaire, tel un joujou en corne de bœuf régurgité par un doberman en furie enfermé toute une nuit dans un sac plein de chats vivants.

L'entreprise semblait donc vouée à s'arrêter là, à la manière d'une bonne blague de potache. C'était oublier un précédent. En effet, Beck et son groupe reprenait déjà "Starpower" sur scène lors de la tournée de son dernier album Modern Guilt en novembre dernier, et donc, bien avant de signer ce split single avec ses amis de l'Est. Alors, EVOL album favori de Beck ? Il y a des chances, puisque Thurston Moore annonçait il y a peu sur un site japonais, la sortie en 2010 d'un coffret Sonic Youth (la "Sonic Youth Art Box") dans laquelle le Californien reprend l'intégralité d'EVOL !

En attendant la sortie de l'objet (et autant vous dire qu'on attend !), profitons des bienfaits de l'usine à tube pour s'écouter la version de "Green Light" par Beck :

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Le Français Anthony Gonzales, alias M83 est victime d'un curieux paradoxe. Plus son projet accède au succès, moins il jouit d'une visibilité qui serait pourtant logique dans de telles circonstances.

En effet, qui se soucie de M83 aujourd'hui alors que le frenchy est signé chez Virgin Music/EMI ? Et surtout, qui a réellement compris la quête de pureté et d'innocence qui anime son leader et créateur ? Son ineffable détachement des choses du music business, son besoin d'effacement (incarné, entre autre par son exil aux Etats-Unis, en Californie pour être précis) ? Ce garçon discret à qui l'on doit pourtant les prémices de l'actuel revival shoegaze et ce, bien avant tout le monde, mériterait pourtant que nous, les médias, nous nous penchions plus souvent sur son cas. Son oeuvre sensible se moquant des modes, des tendances, des genres et des frontières, aspire à l'intemporalité et c'est tellement rare à l'heure actuelle.

Pour autant, les fans ne l'ont pas lâché, la preuve, il faut voir sur youtube la liste impressionnante des participants au grand concours vidéo amateur (video contest) lancé dernièrement par EMI et l'artiste sur internet. Une avalanche d'images, illustrant le magnifique "We Own The Sky", peut-être pas toutes pertinentes, mais en tout cas presque toutes inspirées. Le lauréat Young Replicant, jeune studio de création de Los Angeles, gagne pourtant haut la main avec sa vidéo nostalgique et tendre, évocation des jours heureux de la prime adolescence, une époque où, en effet, on a souvent l'impression que le ciel nous appartient. Très simple, le clip de Young Replicant, pourrait presque sembler "cucul-neuneu pour ados prépubères" vue sans le son, et pourtant, mariée à la musique de M83 il s'impose comme une évidence.

Plus "techno", celle de David Altobelli, pleine de flare digitale, avec ses effets "motion capture" malins et ses trapcodes, plaira peut-être plus aux techniciens, même si, bien évidemment, elle est beaucoup plus originale.

Faite votre choix, donc, le jury lui a tranché :

(merci Rita)

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Même si la musique de Tortoise sur leur premier album éponyme est véritablement menée à un train de tortue arthritique, pleine qu'elle est des influences du folk, du blues, du dub, du krautrock, du cool jazz, des avant-gardes et du minimalisme américain des 60's, il ne faut pourtant pas uniquement voir le nom de ce mythique groupe de Chicago, celui par qui le post-rock est quasiment né (selon une expression du journaliste britannique Simon Reynolds dans The Wire) comme une éloge de la lenteur, mais comme l'expression d'une complexité, d'une touffeur et d'un amour-passion non démenti pour tout ce qui prend des chemins détournés dans la musique d'aujourd'hui (et d'hier). Prédominance de la production, du processing, choix de l'électronique vs acoustique, plages instrumentales, mélodies aventureuses, la musique de Tortoise est d'une richesse peu commune en ces temps de créations uniformisées sous perfusion informatique, cette musique donc, est tout simplement tortueuse.

Un avis qui ne se démentira pas à l'écoute de leur nouveau - et magnifique - nouvel album Beacons Of Ancestorship, dont "Prepare Your Coffin", à la fois furibard, saturé, cavaleur et mélodique, est certainement l'un des plus remarquables extraits.

Pour preuve, cette vidéo, à titre d'exemple pour la postérité

De Kung Fu à Kill Bill : volume 1, David Carradine aura baladé sa longue silhouette nonchalante dans l'imaginaire collectif pendant près de 40 ans avant de se pendre par les couilles et le cou, dans un hôtel de Bangkok. Il aura fallu attendre cette masturbation qui a mal tourné, semble-t-il, pour qu'on lui rende hommage en musique. C'est fait et par un tout jeune homme dans sa chambre, guitare en bandoulière : un très bel hommage à la simplicité et à la sincérité hypnotique, une petite balade entêtante et qui rappelle le Yul Brynner de Stephen Malkmus sur son premier album solo. Personne ne sait si ce jeune homme aura la chance d'enregistrer ce titre là mais il est déjà pas mal qu'on puisse l'écouter. R.I.P Carradine. La mort (des autres), au moins, ne rend pas sourd.

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Redinguote et rouflaquettes au vent, Daedelus est un doux rêveur, un doux dingue, un extra-terrestre et un poète. Le fait est que le Californien est vraiment un cas à part (et "un cas" tout court) dans le domaine des musiques électroniques, et ce depuis toujours.

A cheval entre plusieurs époques, plusieurs univers, plusieurs style, que cela soit esthétiquement ou techniquement, son évolution depuis Invention, son premier album sur le label américain Plug Research, est à la fois étonnante et pourtant complètement cohérente. Plus proche que jamais de ses idoles de toujours, Erik Satie, Robert Wyatt ou Arthur Baker, le Californien continue de surprendre, s'aventurant sur le terrain glissant du rnb bancal, de l'electro pop décalée ou du fourre-tout downtempo électronique, n'hésitant pas à user d'instruments expérimentaux (quoique très tendances) comme le désormais fameux Tenori-On.

Une machine tout aussi rigolote et fantaisiste que lui, dont il use sur "L.a. Nocturne" (quel titre !), son magnifique clip onirique qui ne dépare pas avec ce que nous écrivions déjà sur Denies the Day's Demise au court d'un entretien que le producteur nous accordait il y a deux ans, la musique de Deadelus est plus que jamais "un dédale de sons, de couleur et d'ambiance".

Difficile de suivre l'actu au jour le jour actuellement, la saison des festivals nous empêchant de nous faire l'écho de tous les disques dont nous souhaiterions vous parler. Ceci étant, ce n'est pas une raison pour en oublier. Je profite donc d'une pause dans les festivités pour vous annoncer la sortie de Joy, nouveau mix album du duo français Scratch Massive, le deuxième à ce jour, après un CD/DVD live, deux albums et un travail d'habillage pour le film Broken English (sur lequel ils reprennent superbement le titre éponyme de Marianne Faithfull).

C'est toujours un réel plaisir de retrouver Seb et Maud, leur sélection étant souvent le reflet d'une scène clubbing en plein bouleversement et permettant, à ce titre, de suivre avec attention l'évolution du dancefloor contemporain de manière toujours extrêmement fine et intelligente.

Joy, puisque c'est son titre, présente donc un line-up éclectique du rock à l'electro, la new wave et le punk funk, croisant le "The End" de John Carpenter, Matyas Agayo, WhoMadeWho ("TV Friend" remixé par Hot Chip), l'electro pop pompière de Tears For Fears, les frenchies Poni Hoax (Chloé remix) et Kalabrese (pour n'en citer que quelques-uns). L'ensemble étant également (c'est une constante chez ces deux-là) toujours profondément hypnotique et à leur habitude, extrêmement sensuel (voir le titre de Kalabrese qui devrait se renommer "Kala-braise", et le remix de "Like You Said" par la faussement sage, Chloé)

Histoire d'en remettre une couche en matière d'érotisme et d'electro, on se repasse le magnifique clip du fameux "Like You Said", véritable petit film réalisé pour Scratch Massive par Zoe Cassavetes (excusez du peu) avec Joanna Preiss et Sagamore Stevenin.

Dernière minute : Les organisateurs du festival Seconde Nature viennent d'annoncer l'annulation de la manifestation pour des raisons vraiment en dehors de leur volonté. C'est évidemment dommage et quelques soient ces raisons (expliqué sur leur site) cela ne doit pas engendrer de commentaires haineux. Pour ceux qui habitent la région et désiraient se rendre aux festivités, rendez-vous demain, jeudi 4 juin à 18h30 à la Scène Numérique, 27bis rue du 11 novembre, à Aix-en-Provence , lieu où se tiendra une conférence de presse à ce sujet.

Question : Seconde Nature serait-il le meilleur festival français de l'année 2009 ? Réponse, sans hésiter : Certainement ! Tout du moins cette année. Se voulant la vitrine des arts numériques et des musiques électroniques à Aix-en-Provence, l'évènement ne cache pas son ambition, et son programme n'en est que plus excitant.

Du 5 au 7 juin 2009, cette troisième saison du festival Seconde Nature offre pendant trois jours bien remplis, tout ce qu'un public exigeant et curieux peut désirer en la matière. Conjuguant arts numériques avancés (installations interactives, oeuvres participatives, expériences in-situ, théâtre multimédia, cinéma) et programmation musicale électronique éclectique et pointue, Seconde Nature impressionne par sa diversité mais également par sa cohérence. En effet, si l'on parle de futur ici, les organisateurs n'oublient pas que nous vivons une époque post-moderne, où racines et modernité cohabitent. C'est ainsi que, côté artistes, Seconde Nature fait, comme tous les ans, la part belle à l'avant-garde numérique avec la présentation de la performance Augmented Reality d'Adelin Schweitzer, mais propose aussi des "Promenades Insolites" et du théâtre multimédia avec la pièce "Noyés" de Syméon Fieulaine. Des oeuvres variées qui proposent également de nombreuses pistes de réflexion sur notre modernité.

Côté scène, le programme est lui aussi impressionnant avec des concerts et DJ sets de The Emperor Machine, Andrew Weatherall, The Chap, Fujiya & Miyagi, Tim Exile, Moderat (réunion de Modeselektor et Apparat), Ivan Smagghe, Danton Eeprom, Metronomy, Mathew Jonson, ou encore Chloé, sans oublier la présentation de Animals, le film d'animation réalisé autour de l'oeuvre du duo Minilogue (dont nous vous parlions ici). Difficile d'être plus dans l'actualité tout en restant exigeant ! Seconde Nature s'annonce d'ores et déjà comme un rendez-vous incontournable.

Attention, initialement prévu à la Cité du Livre, Seconde Nature se voit dans l'obligation de se déplacer à la Fondation Vasarely les 5 & 6 juin de 19h à 4h ! C'est donc dans ce temple de l'art cinétique ayant déjà servi à lancer les Territoires Electroniques auxquels participait le label Warp en 2003 et la première édition du festival en 2007, que se tiendra la manifestation cette année. A noter qu'un réseau de navettes gratuites a été mis en place pour se rendre à la Fondation.

Histoire de se replonger dans l'ambiance de cette manifestation, voici une vidéo de l'édition 2008

C'est le buzz du mois sur la planète indie rock. Alors que leur site indique que les membres du groupe sont à deux pas d'entrer en studio pour enregistrer leur quatrième album, le chanteur d'Interpol, son meilleur atout, Paul Banks, a confirmé qu'il s'offrirait à partir du mois d'août sur Matador, sa première escapade solo.

Sous le pseudonyme de Julian Plenti, nom de jeunesse avec lequel il avait débuté il y a quelques années, Paul Banks sortira un album de 11 titres dont quelques morceaux commencent à circuler à droite à gauche. Le site de Matador a diffusé plusieurs teasers ainsi que le premier extrait de l'album, "All The Fun That We Have", premier single et titre assez bizarre s'il en est où l'on retrouve à côté d'une guitare Interpolienne, la voix du beau Paul dans un registre et un grain assez singulier. Les réactions sont mitigées à l'écoute de ce premier titre officiel un brin mollasson et qui surtout choisit d'afficher la voix du chanteur, l'une des plus intéressantes de l'époque pour son timbre post-Ian Curtis, dans un registre méconnaissable et qu'on pourrait qualifier d'à contre-emploi.

Les autres titres qu'on a pu entendre ("On The Esplanade" ici, ou encore "Cellophane") laissent entendre que l'album ressemblera à du Interpol apaisé. Accompagné simplement à la guitare, globalement en mode downtempo confessional, Banks étonne par sa sobriété, la qualité de ses productions et par le caractère générique (confusion des sentiments, images gothiques de vampire amoureux,..) de ses textes. Après le décevant (mais à succès et pas si mauvais) Our Love To Admire, on savait que les membres d'Interpol cherchaient une direction générale à leur musique. Carlos Dengler, le bassiste, a beaucoup mixé, envisagé un temps d'enregistrer lui aussi en solitaire avant, sans doute, de se raviser. Le prochain album du groupe pourrait s'appeler Clandestination et devrait sortir avant la fin de l'année. En attendant, on pourra déguster ce "Skyscraper" de Julian Plenti pour patienter.

Voir aussi
- Notre interview vidéo avec Interpol
- Vidéo des Black Lips en concert privé à Cannes
- Phoenix, interview vidéo avec le groupe de pop international

Oubliez les remixeurs de youtube ou les complexes albums multi-CD des Flaming Lips, In Bb 2.0 propose un mur de vidéos youtube à jouer comme vous voulez, d'une à seize à la fois, plus ou moins en synchronisation et au volume que vous voulez pour créer une pièce musicale à chaque fois différente.

Mélant synthé, trompette, guitare, nintedno DS, spoken word et autres, le projet est coordonné par un certain Darren Solomon qui sélectionne les vidéos qu'on lui propose sur Youtube pour les inclure dans son oeuvre protéiforme. Et si vous trouvez que le résultat n'est qu'une bouillie musicale new age sans intérêt, méfiez-vous, c'est peut-être juste que vous n'avez pas selectionné les bonnes vidéos.

A l'aune de la mise en lumière maladroite (volontaire ?) de l'UMP, à propos de la création d'une liste anti-sioniste par le "comique" Dieudonné, difficile de ne pas revenir sur cette info qui circule depuis le début de l'année sur le net concernant le discours de Brian Eno sur les responsabilités et les actions d'Israël dans les territoires occupés.

L'artiste, aurait en effet participé à une marche nommée The Stop Gaza Massacre Protest à Londres en janvier dernier et aurait donné son point de vue concernant la situation dans cette partie du monde. Au cours d'un discours qu'Eno a même intitulé An Experiment in Provocation : Stealing Gaza, le musicien a déclaré :

"C'est une tragédie que les Israéliens - un peuple qui doit comprendre mieux que quiconque les horreurs de l'oppression - sont maintenant en situation d'oppresseurs. Comme le grand écrivain juif Primo Levi l'a déjà fait remarquer "Tout le monde a ses juifs, et pour les Israéliens se sont les Palestiniens". Par la création d'une version moyen-orientale du ghetto de Varsovie, Israël évoque sa propre histoire, alors que ses fondateurs semblent l'avoir oublié. Et en essayant de répondre aux Palestiniens de manière soit-disant équivalente contre des tirs de roquettes et les jets de pierres d'adolescents - en employant l'une des machines militaires les plus perfectionnées du monde - ils abandonnent toute crédibilité." La suite (et l'intégralité de cette intervention) est visible sur youtube (et plus bas dans notre article).

Evidemment, les parangons de la pensée unique et bien pensante se sont immédiatement insurgés contre l'artiste, sans même se rendre compte que Brian Eno semblait aussi affligé pour le peuple israélien que pour son homologue palestinien... Ouais, bon, évidemment, on aurait du lui dire à Brian, parler (en "mal") d'Israël avec une coupe de cheveux de skinhead patenté, ça la fout mal forcément !

Jay Bennett avait quitté Wilco après la sortie de leur meilleur album, Yankee Hotel Foxtrot, qui avait commencé comme le disque sur lequel il allait avoir une place plus importante que jamais (les crédits de composition en attestent) mais qui a finit comme celui sur lequel il s'est faché avec Jeff Tweedy, leader du groupe, après que celui-ci ait mis les chansons de Bennett entre les mains du producteur Jim O'Rourke. $

C'est ce qu'on retiendra surtout de lui : il était le type qui était dans Wilco puis qui en est parti après les événements qu'on a pu voir documentés dans le film I Am Trying To Break Your Heart. Peu importe, ses albums solos que presque personne n'a écouté (rattrapons nous tous avec Whatever Happened I Apologize qu'il a mis gratuitement en ligne en novembre dernier dans l'indifférence générale) ou ses trois albums pré-Wilco avec le groupe Titanic Love Affair qui dans la catégorie Dinosaur Jr junior s'en sortait plutôt pas mal.

Il y a heureusement bien pire comme destin que d'être retenu comme celui qui a créé le son de l'excellent album Summerteeth ou comme le type qu'on voit dans cet extrait d'I Am Trying To Break Your Heart, documentaire sans doute pas très flatteur pour son caractère mais qui ne remet pas en cause son talent.

Jay Bennett avait quarante cinq ans et est mort dans son sommeil de cause pour l'instant inconnue. On sait cependant qu'il avait décidé de poursuivre Wilco il y a quelques mois pour une histoire de royalties impayées, peu de temps après avoir révélé devoir subir une opération de la hanche qu'il ne pouvait payer faute d'assurance.

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